Арт-поп (также арт-поп или арт-поп ) — это широко определяемый стиль поп-музыки [1], на который повлияли теории искусства [7] , а также идеи из других художественных сред, таких как мода , изобразительное искусство , кино и авангард. гвардейская литература. [3] [8] Этот жанр опирается на интеграцию поп-арта высокой и низкой культуры и делает упор на знаки , стиль и жесты, а не на самовыражение. [7] [9] Арт-поп-музыканты могут отклоняться от традиционной поп-аудитории и традиций рок-музыки , [10] вместо этого исследуя постмодернистские подходы и идеи, такие как статус поп-музыки как коммерческого искусства , понятия искусственности и личности , а также вопросы исторической достоверности .
Начиная с середины 1960-х годов британские и американские поп-музыканты, такие как Брайан Уилсон , Фил Спектор и «Битлз» , начали включать в свои записи идеи движения поп-арт. [1] Английские арт-поп-музыканты черпали вдохновение из учебы в художественной школе , [8] в то время как в Америке стиль опирался на влияние поп-артиста Энди Уорхола и дочерней группы The Velvet Underground . [11] Этот стиль пережил свой «золотой век» в 1970-х годах среди исполнителей глэм-рока , таких как Дэвид Боуи и Roxy Music , которые приняли театральность и одноразовую поп-культуру . [4]
Традиция арт-попа продолжилась в конце 1970-х и 1980-х годах в таких стилях, как пост-панк и синти-поп , а также в британской сцене нового романтического стиля , [5] [10] развиваясь дальше с артистами, которые отвергли традиционные рок-инструменты и структуру в пользу танцевальных стилей . и синтезатор . [10] В 2010-х годах развивались новые тенденции арт-попа, такие как исполнители хип-хопа, опирающиеся на визуальное искусство, и художники паровой волны , исследующие чувства современного капитализма и Интернета .
Арт-поп опирается на разрушение постмодернизмом культурных границ между высоким и низким и исследует концепции искусственности и коммерции. [12] [nb 1] Стиль подчеркивает манипулирование знаками над личным выражением, опираясь на эстетику повседневного и одноразового, в отличие от романтической и автономной традиции, воплощенной арт-роком или прогрессивным роком . [13] [nb 2] Социомузыколог Саймон Фрит отметил, что присвоение искусства поп-музыке связано с особым вниманием к стилю , жестам и ироническому использованию исторических эпох и жанров . [16] Центральное место среди конкретных поставщиков стиля занимали представления о себе как о произведении построения и искусственности, [10] а также озабоченность изобретением терминов, образов, процессов и аффектов. [17] Ник Коулман из The Independent писал: «Арт-поп отчасти связан с отношением и стилем; но, по сути, это искусство. Это, если хотите, способ сделать чистый формализм социально приемлемым в поп-контексте. [18] ]
Теоретик культуры Марк Фишер писал, что развитие арт-попа возникло в результате триангуляции поп-музыки, искусства и моды . [10] Фрит утверждает, что это было «более или менее» непосредственно вдохновлено поп-артом . [2] [3] [nb 3] По мнению критика Стивена Холдена , арт-поп часто относится к любому поп-стилю, который сознательно стремится к формальным ценностям классической музыки и поэзии, хотя эти произведения часто продаются в коммерческих целях, а не в уважаемых культурных кругах. учреждения. [1] Авторы газет The Independent и Financial Times отмечают попытки арт-поп-музыки дистанцировать свою аудиторию от широкой публики. [20] [21] Роберт Кристгау написал в The Village Voice в 1987 году, что арт-поп возникает, «когда увлечение ремеслом нарастает и нарастает, пока не превращается в эстетическую одержимость». [22]
Что кажется более ясным в ретроспективе [...], так это различие между первой волной музыкантов художественной школы, лондонскими провинциальными r&b исполнителями, которые просто подхватили богемный подход и принесли его с собой в прогрессивный рок, и вторым поколением, кто применил теории искусства к созданию поп-музыки
— Саймон Фрит, Искусство в поп-музыке (1988) [23]
На протяжении второй половины 20 века границы между искусством и поп-музыкой становились все более размытыми. [24] В 1960-х годах такие поп-музыканты, как Джон Леннон , Сид Барретт , Пит Тауншенд , Брайан Ино и Брайан Ферри , начали черпать вдохновение из своих предыдущих исследований в художественной школе . [3] Фрит утверждает, что в Британии художественная школа представляла собой «традиционный путь побега для талантливых детей из рабочего класса и питательную среду для молодых групп, таких как Битлз и других». [12] В Северной Америке арт-поп находился под влиянием Боба Дилана и поколения битников и стал более литературным благодаря движению певцов и авторов песен народной музыки . [1] Прежде чем прогрессивный/арт-рок стал самым коммерчески успешным британским звучанием начала 1970-х годов, психоделическое движение 1960-х годов объединило искусство и коммерциализм, поднимая вопрос о том, что значит быть «художником» в средствах массовой информации. [25] Прогрессивные музыканты считали, что артистический статус зависит от личной автономии, и поэтому стратегия «прогрессивных» рок-групп заключалась в том, чтобы представить себя исполнителями и композиторами «выше» обычной поп-практики. [26]
Еще одним главным фактором, повлиявшим на развитие арт-попа, было движение поп-арт. [1] Термин «поп-арт», впервые придуманный для описания эстетической ценности товаров массового производства, был напрямую применим к современному феномену рок-н-ролла (включая Элвиса Пресли , раннюю икону поп-арта). [27] По словам Фрита: «[Поп-арт] ознаменовал конец романтизма, став искусством без художников. Прогрессивный рок был последней ставкой богемы [...] В этом контексте ключевым теоретиком поп-арта был не [Ричард] Гамильтон или кто-либо из других британских художников, которые, несмотря на весь свой интерес к массовому рынку, оставались лишь его академическими поклонниками, а Энди Уорхол . Для Уорхола важным вопросом были не относительные достоинства «высокого» и «высокого» «низкое» искусство, а связь между всем искусством и «коммерцией». [28] Фабричная группа Уорхола The Velvet Underground была американской группой, которая подражала синтезу искусства и поп-музыки Уорхола, повторяя его акцент на простоте и являясь пионером модернистского авангардного подхода к арт-року, который игнорировал традиционные иерархии художественного представления. [29] [количество 4]
Холден прослеживает истоки арт-попа до середины 1960-х годов, когда такие продюсеры, как Фил Спектор , и такие музыканты, как Брайан Уилсон из Beach Boys, начали включать псевдосимфонические текстуры в свои поп-записи, а также в первые записи Битлз со струнным квартетом. [1] [nb 5] По словам автора Мэтью Баннистера, Уилсон и Спектор были известны как «отшельники-студийные одержимые [...] [которые] привычно отстранялись от своей собственной работы», и, как и Уорхол, Спектор существовал « не как присутствие, а как контролирующий или организующий принцип за и под поверхностями медиа. Оба чрезвычайно успешных коммерческих художника, и оба одновременно отсутствуют и присутствуют в своих собственных творениях». [35]
Писатель Эрик Дэвис назвал арт-поп Уилсона «уникальным в истории музыки», [36] а его соавтор Ван Дайк Паркс сравнил его с современными работами Уорхола и художника Роя Лихтенштейна , ссылаясь на его способность поднимать обычный или банальный материал на уровень «высокого уровня». искусство". [37] [nb 6] В своей книге 2004 года «Sonic Alchemy: Visionary Music Producers and Их Maverick Recordings» Дэвид Ховард считает, что сингл Beach Boys 1966 года « Good Vibrations » положил начало «краткому блестящему моменту, когда пришли поп и искусство». вместе как маловероятные коммерческие партнеры». [41]
В ходе движения, на которое указали «Битлз», «Бич Бойз», Фил Спектор и Фрэнк Заппа , [42] доминирующий формат поп-музыки перешёл от синглов к альбомам , и многие рок-группы создавали произведения, стремившиеся сделать великие художественные заявления, где будет процветать арт-рок. [1] Музыковед Ян Инглис пишет, что обложка альбома Битлз 1967 года Sgt. Группа Pepper's Lonely Hearts Club Band «считалась в значительной степени ответственной за то, чтобы связи между искусством и поп-музыкой стали явными». [43] Хотя сержант. Pepper's предшествовало несколько альбомов, которые начали стирать грань между «одноразовой» поп-музыкой и «серьезным» роком. Они успешно дали устоявшийся «коммерческий» голос альтернативной молодежной культуре. [44] Автор Майкл Джонсон писал, что арт-поп-музыка будет продолжать существовать и после «Битлз», но так и не достигнет своего уровня популярного успеха. [33] [номер 7]
Их менеджер назвал The Who «первой поп-арт-группой», а участник Пит Таунсенд объясняет: «Мы выступаем за поп-арт-одежду, поп-арт-музыку и поп-арт-поведение [...] мы не меняемся за сценой; мы живем поп арт." [46] Фрит считает их альбом The Who Sell Out (декабрь 1967 г.) «возможно, шедевром поп-арт-поп», The Who используют «жизненность» самой коммерции - тактика, повторенная Роем Вудом « The Move» , а позже и Кевином . Годли и Лол Крем из 10сс . [46] Идеи Тауншенда отличались акцентом на коммерциализм: «[Его] использование риторики поп-арта [...] относилось не к созданию музыки как таковой – к вопросу самовыражения – а к коммерческому созданию музыки». , к вопросам упаковки, сбыта и рекламы, к проблемам популярности и славы». [46] В интервью в мае 1967 года Тауншенд ввёл термин « пауэр-поп » для описания музыки групп Who, Small Faces и Beach Boys. Позже пауэр-поп превратился в жанр, известный своей реконфигурацией образов 1960-х годов. Музыкальный журналист Пол Лестер утверждал, что этот компонент может сделать пауэр-поп одним из первых музыкальных жанров постмодерна. [47]
Музыкальный журналист Пол Лестер относит «золотой век ловкого, интеллектуального арт-попа» к тому времени, когда группы 10cc , Roxy Music и Sparks «смешивали и сочетали представителей разных жанров и эпох, задолго до того, как в поп-сфере появился термин «постмодерн». ." [4] Эффект Velvet Underground заставил рок-музыкантов, таких как Игги Поп из The Stooges, застенчиво относиться к своей работе. Игги был вдохновлен превратить свою личность в объект искусства, что, в свою очередь, повлияло на певца Дэвида Боуи и привело к роли The Stooges как группы, связывающей хард-рок 1960-х с панком 1970-х . [11] В 1970-х годах такое же застенчивое арт-/поп-сообщество (которое Фрит называет «самым значительным» того периода) начало объединяться в Центре искусств Мерсера в Нью-Йорке. Школа поощряла продолжение сотрудничества между высоким и низким искусством, примером которого когда-то была Фабрика, как объяснил барабанщик Джерри Харрисон (позже выступавший в Talking Heads ): «Все началось с Velvet Underground и всех вещей, которые ассоциировались с Энди. Уорхол». [11] [номер 8]
Глэм -рок- сцена начала 1970-х снова во многом опиралась на чувства художественных школ. [12] Частично вдохновлен использованием «Битлз» альтер-эго в сериале «Сержант». Гламур Пеппера , [48] подчеркивал диковинные костюмы, театральные представления и намеки на одноразовые явления поп-культуры, становясь одним из наиболее сознательно визуальных явлений, появившихся в рок-музыке. [49] Некоторые из его артистов, такие как Боуи, Roxy Music и бывший участник Velvet Underground Лу Рид , продолжили практику, связанную с модернистской авангардной ветвью арт-рока. [14] [номер 9]
Боуи, бывший студент художественной школы и художник, [12] сделал визуальное представление центральным аспектом своей работы, [52] черпая свою концепцию арт-попа из творчества и взглядов Уорхола и Velvet Underground. [53] Фрит описывает Roxy Music как «архетипическую арт-поп-группу». [12] Фронтмен Брайан Ферри вобрал в себя влияние своего наставника, пионера поп-арта Ричарда Гамильтона [49] [54], а синтезатор Брайан Ино опирался на свое исследование кибернетики и искусства под руководством теоретика Роя Эскотта . [55] [nb 10] Фрит утверждает, что Ферри и Боуи остаются «наиболее значительными влиятельными людьми в британской поп-музыке», написав, что они оба были озабочены «поп-музыкой как коммерческим искусством» и вместе превратили глэм-рок в форму искусства, к которой следует относиться серьезно. , в отличие от других «лагерных» исполнителей, таких как Гэри Глиттер . Это дало новое определение прогрессивному року и оживило представление о художнике-романтике с точки зрения известности в средствах массовой информации. [57] По словам Армонда Уайта, участие Roxy Music в поп-арте фактически «показало, что поверхностное легкомыслие и глубокое удовольствие поп-музыки были законными и властными занятиями». [17] После ухода из Roxy Music в 1973 году Ино продолжил изучение стилей арт-поп в серии экспериментальных сольных альбомов. [58] [nb 11] В течение оставшейся части десятилетия он развивал аргументы Уорхола в другом направлении, чем его современники, и сотрудничал с широким кругом популярных музыкантов той эпохи. [57]
Теоретик культуры Марк Фишер охарактеризовал различные музыкальные события конца 1970-х годов, включая пост-панк, синти-поп и, в частности , творчество немецкой электронной группы Kraftwerk [60] как находящиеся в рамках традиций арт-попа. [5] Он утверждает, что английский стиль арт-попа Боуи и Roxy Music «достиг кульминации» музыки британской группы Japan . [8] The Quietus охарактеризовали японский альбом 1979 года Quiet Life как определяющий «очень европейскую форму отстранённого, сексуально-двусмысленного и вдумчивого арт-попа», подобную той, которую Боуи исследовал в альбоме Low 1977 года . [61] Брайан Ино и Джон Кейл сыграли решающую роль в карьере Боуи, Talking Heads и многих ключевых панк- и пост-панк -альбомов. [57] Вслед за дилетантизмом панк-движения , в эпоху пост-панка произошло возвращение к традиции художественной школы, ранее воплощенной в работах Боуи и Roxy Music, [62] [5] с художниками, черпающими идеи из литературы , искусства , кино . и критическую теорию в музыкальный и поп-культурный контекст, отказываясь при этом от общего различия между высоким искусством и низкой культурой. [63] [64] [nb 12] Акцент на мультимедийные представления и визуальное искусство стал обычным явлением. [64]
Фишер охарактеризовал последующих артистов, таких как Грейс Джонс , группы «Новый романтик» 1980-х годов и Ройсин Мерфи, как часть линии арт-попа. [10] Он отметил, что развитие арт-попа включало отказ от традиционных рок- инструментов и структуры в пользу танцевальных стилей и синтезатора . [10] The Quietus называет английскую новую романтическую группу Duran Duran , на формирование которой оказали влияние творчество Japan, Kraftwerk и Дэвида Боуи, как «новаторское искусство, поднимающееся до уровня арен», развивая стиль в «барочный, романтический стиль». побег." [61] Критик Саймон Рейнольдс назвал английскую певицу Кейт Буш «королевой арт-попа», ссылаясь на ее слияние гламура, концептуализма и инноваций, не отказываясь при этом от коммерческого успеха в поп-музыке в конце 1970-х и 1980-х годах. [68]
Исландская певица Бьорк была выдающимся представителем арт-попа [69] благодаря своей широкой интеграции разрозненных форм искусства и популярной культуры. [70] В 1990-е годы она стала самой коммерчески успешной артисткой арт-попа. [71] Обсуждая Бьорк в 2015 году, Джейсон Фараго из The Guardian писал: «Последние 30 лет в истории искусства — это в значительной степени история совместных предприятий, разрушения границ между высоким и низким искусством и конца разногласий между медиа. ...Немногие деятели культуры сделали эти различия такими же бессмысленными, как исландский певец, который объединил трип-хоп с 12-тонами и принес авангард на MTV как раз перед тем, как оба этих понятия исчезли». [72]
По словам Барри Уолтерса из NPR , рэп-группа 1990-х годов PM Dawn разработала стиль «калейдоскопического арт-попа», который первоначально был отвергнут поклонниками хип-хопа как «слишком мягкий, задумчивый и далеко идущий», но в конечном итоге проложил путь для этой работы. таких артистов, как Дрейк и Канье Уэст . [74] В 2013 году Spin отметил «новую эру арт-поп» в современной музыке, возглавляемую Уэстом, в которой музыканты используют визуальное искусство как символ богатства и экстравагантности, а также творческих исследований. [75] Fact называет альбом Уэста 2008 года 808s & Heartbreak «шедевром арт-попа», который окажет существенное влияние на последующую хип-хоп музыку, расширив стиль за пределы его современного акцента на самовозвеличивании и браваде. [76] Джон Караманика из New York Times описал «заставляющие задуматься и масштабные» работы Уэста как «расширившие ворота [хип-хопа] как для ценностей среднего класса , так и для мечтаний о высокой моде и высоком искусстве». " [77]
Современные художницы, которые «объединяют гламур, концептуализм, новаторство и автономию», такие как Граймс , Джулия Холтер , Лана Дель Рей и FKA Twigs , часто описываются как работающие в традициях Кейт Буш. [68] Граймс описывается в Montreal Gazette как «феномен арт-попа» и часть «давней традиции увлечения поп-звездой как незавершенным произведением искусства», при этом особое внимание уделяется роли Интернета и цифровых платформ в ее успех. [78]
В статье для Dummy в 2012 году критик Адам Харпер описал акселерационистский дух времени в современном арт-попе, характеризующийся неоднозначным взаимодействием с элементами современного капитализма. [6] Он упоминает основанный на Интернете жанр « паровая волна» как состоящий из андеграундных арт-поп-музыкантов, таких как Джеймс Ферраро и Дэниел Лопатин , «исследующих технологические и коммерческие границы самых мрачных художественных чувств гиперкапитализма 21-го века». [6] Артисты, связанные со сценой, могут выпускать музыку под онлайн-псевдонимами, опираясь на идеи виртуальности и синтетические источники 1990-х годов, такие как корпоративная музыка , лаунж-музыка и музак . [6]
