Эпоха альбомов — это период в англоязычной популярной музыке с середины 1960-х до середины 2000-х годов, когда альбом был доминирующей формой выражения и потребления записанной музыки. [1] [2] В первую очередь это было обусловлено тремя последовательными форматами записи музыки: долгоиграющей пластинкой (LP) со скоростью 33⅓ об/мин , кассетой и компакт-диском (CD) . Рок-музыканты из США и Великобритании часто были в авангарде эпохи, которую иногда называют эпохой альбомного рока в зависимости от сферы их влияния и деятельности. Термин «эра альбома» также используется для обозначения маркетингового и эстетического периода, связанного с выпуском альбома записывающегося исполнителя.
Альбомы LP были разработаны в начале 20 века и изначально предназначались для классической музыки и более состоятельных взрослых потребителей. Тем не менее, синглы по-прежнему доминировали в музыкальной индустрии, в конечном итоге благодаря успеху исполнителей рок-н-ролла в 1950-х годах, когда формат LP больше использовался для саундтреков , джаза и некоторых поп-записей. Лишь в середине 1960-х годов, когда «Битлз» начали выпускать амбициозные и пользующиеся спросом пластинки, больше рок- и поп-исполнителей последовали их примеру, и индустрия приняла альбомы с огромным успехом, в то время как растущая рок-критика подтвердила их культурную ценность. К следующему десятилетию пластинка превратилась в фундаментальную художественную единицу и широко популярное произведение среди молодежи, часто продаваемое с использованием идеи концептуального альбома , которая особенно использовалась прогрессивными музыкантами как в роке , так и в соуле .
В конце 1970 - х годов продажи альбомов LP упали, в то время как формат синглов был вновь подчеркнут развитием панк-рока , дискотек и музыкальных видеопрограмм MTV . Звукозаписывающая индустрия боролась с этой тенденцией, постепенно заменяя пластинки компакт-дисками, выпуская меньше синглов, ставших хитами , чтобы стимулировать продажи сопровождающих их альбомов, и взвинчивая цены на компакт-диски в течение следующих двух десятилетий, когда их производство увеличилось. Успех крупных поп-звезд привел к разработке расширенной модели распространения среди звукозаписывающих компаний, продвигающей альбом вокруг запоминающегося ведущего сингла , привлекающего внимание музыкального видео, новых товаров, освещения в СМИ и концертного тура в поддержку . Женщины и чернокожие музыканты продолжали получать признание критиков среди преимущественно белых мужчин и рок-ориентированных канонов эпохи альбомов, а растущий жанр хип -хопа сам по себе развивал стандарты, основанные на альбомах. В 1990-х годах в музыкальной индустрии произошел бум альтернативного рока и кантри , что привело к пику доходов в 15 миллиардов долларов в 1999 году от продаж компакт-дисков. Однако развитие сетей обмена файлами, таких как Napster , начало подрывать жизнеспособность этого формата, поскольку потребители могли копировать и обмениваться треками с компакт-дисков в цифровом виде через Интернет.
В начале 21 века сервисы загрузки и потоковой передачи музыки стали популярными средствами распространения, поскольку продажи альбомов резко упали, а звукозаписывающие группы в основном сосредоточились на синглах, что фактически положило конец эпохе альбомов. Критическая парадигма также сместилась от рока к более инновационным произведениям в жанрах поп и урбан-музыка , которые доминировали в продажах пластинок в 2000-х годах. Известные поп-исполнители продолжали серьезно продвигать свои альбомы, а неожиданные релизы стали популярной стратегией. Хотя продажи физической музыки во всем мире продолжали снижаться, компакт-диск оставался популярным в некоторых странах, таких как Япония, отчасти благодаря маркетингу и фанатам, окружавшим самых продаваемых японских айдолов- исполнителей, чей успех представлял собой растущий отход от глобального доминирования основных англоязычных исполнителей. язык действует. К концу 2010-х концептуальные альбомы вновь появились с культурно значимыми и успешными у критиков личными рассказами. Между тем, поп- и рэп-исполнители собрали наибольшее количество прослушиваний альбомов при минимальном маркетинге, что позволило извлечь выгоду из потребительской культуры цифровой эпохи, которая развивалась еще быстрее во время пандемии COVID- 19 и ее влияния на музыкальную индустрию .
Технологические разработки в начале 20-го века привели к радикальным изменениям в способах создания и продажи записанной музыки. До появления пластинки стандартным носителем для записи музыки была граммофонная пластинка со скоростью 78 об/мин , сделанная из шеллака и рассчитанная на три-пять минут на каждую сторону. [3] Ограничения емкости налагали ограничения на процесс создания записей артистами, в то время как хрупкость шеллака побуждала упаковывать эти пластинки в пустые буклеты, напоминающие фотоальбомы , [3] с обычно оберточной бумагой коричневого цвета в качестве обложек. [4] Внедрение поливинилхлорида в производство пластинок привело к появлению виниловых пластинок, которые играли с меньшим шумом и были более долговечными. [3]
В 1940-х годах на рынке коммерческих и домашних записей доминировали конкурирующие компании RCA Victor и Columbia Records , чей главный инженер Питер Карл Голдмарк был пионером в разработке 12-дюймовой виниловой пластинки с длинным воспроизведением (LP) . [3] Этот формат мог хранить записи продолжительностью до 52 минут или 26 минут на каждую сторону, [5] со скоростью 33⅓ об/мин, и воспроизводить его можно было с помощью стилуса с микроканавками на кончике, предназначенного для домашних систем воспроизведения . [3] Официально представленные в 1948 году компанией Columbia, пластинки стали известны как «альбомы пластинок», что связано с упаковкой 78, напоминающей фотоальбом. [3] Еще одним нововведением Columbia стало добавление графического и типографского дизайна на обложки альбомов, предложенное Алексом Стейнвейсом, арт-директором лейбла. Воодушевленная его положительным влиянием на продажи пластинок, музыкальная индустрия к 1950-м годам приняла иллюстрированные обложки альбомов в качестве стандарта. [4]
.jpg/1280px-Frank_Sinatra_(circa_1955_in_Capitol_Studios).jpg)
Первоначально альбом предназначался в первую очередь для слушателей классической музыки , [6] и первой выпущенной пластинкой был «Мендельсон: Концерт ми минор для скрипки с оркестром», соч. 64 (1948) Натана Мильштейна и Филармонически-симфонического оркестра Нью-Йорка под управлением Бруно Вальтера . [7] Саундтреки к фильмам , записи актеров бродвейских шоу , джазовые музыканты и некоторые поп- певцы, такие как Фрэнк Синатра, вскоре начали использовать новый более длинный формат. Особенно джазовые исполнители, такие как Дюк Эллингтон , Майлз Дэвис и Дэйв Брубек , предпочитали пластинку из-за того, что ее емкость позволяла им записывать свои композиции с концертными аранжировками и импровизациями . [7] Оригинальная бродвейская запись мюзикла Kiss Me, Kate (1949) была продана тиражом 100 000 копий за первый месяц выпуска и вместе с South Pacific (который возглавлял чарты альбомов в течение 63 недель) привлекла больше внимания к пластинкам. а бродвейская запись «My Fair Lady» стала первой пластинкой, проданной тиражом в один миллион копий. [8] [9] Однако в 1950-х и в 1960-х годах продажи семидюймовых синглов со скоростью 45 об / мин все еще считались основным рынком для музыкальной индустрии, а альбомы оставались вторичным рынком. Карьера таких известных исполнителей рок-н-ролла, как Элвис Пресли, основывалась в первую очередь на продажах одиночных альбомов. [6]
Музыкальные писатели Энн Пауэрс и Джоэл Уитберн считают, что появление The Beatles в США в 1964 году ознаменовало «эру классических альбомов» [10] или «эру рок-альбомов». [11] В своем «Кратком словаре популярной культуры » Марсель Данези отмечает, что «альбом стал ключевым аспектом контркультурного движения 1960-х годов с его музыкальными, эстетическими и политическими темами. Из этого возник « концептуальный альбом », и эту эпоху назвали «эрой альбомов » . [12] По словам академика СМИ Роя Шукера, с разработкой концептуального альбома в 1960-х годах «альбом превратился из сборника разнородных песен в повествовательное произведение с единой темой, в котором отдельные песни переходят друг в друга». «объединены темой, которая может быть инструментальной, композиционной, повествовательной или лирической». [13]
И наоборот, историк популярной культуры Джим Каллен говорит, что концептуальный альбом «иногда [ошибочно] считается продуктом эпохи рока», [14] при этом писатель AV Club Ноэль Мюррей утверждает, что пластинки Синатры 1950-х годов, такие как In the Wee Small Hours (1955) ранее применили эту форму в своих «тематически связанных песнях». [15] Точно так же Уилл Фридвальд отмечает, что Рэй Чарльз также выпустил тематически объединенные альбомы на рубеже 1960-х годов, которые сделали его крупным исполнителем пластинок в стиле R&B , достигнув пика в 1962 году с популярными альбомами Modern Sounds in Country и Western Music . [16] Некоторые считают, что этот формат зародился еще раньше: журналист Дэвид Браун назвал альбом Вуди Гатри 1940 года Dust Bowl Ballads «вероятно, одним из первых концептуальных альбомов в истории музыки». [17]
Однако трек-листы этих предшественников обычно состояли из материала, который не был написан исполнителем (за исключением Гатри). [18] Со своим альбомом Little Deuce Coupe 1963 года, посвященным хот-родам , The Beach Boys стали первой группой, выпустившей концептуальный альбом, который почти полностью состоял из оригинальных песен. [18] В своей книге 2006 года «Американская популярная музыка: от менестрелей до MP3 » академик Ларри Старр отмечает, что концептуальные альбомы Beach Boys 1964 года «Shut Down Volume 2» и «All Summer Long» отмечают «начало… растущей важности альбомных треков». и, в конечном итоге, самих альбомов». [19] Музыкальный журналист Гэри Графф указывает на « Highway 61 Revisited» Боба Дилана ( выпущенный в августе 1965 года) как на еще одну возможную отправную точку в эпоху альбома, поскольку он представляет собой «сплоченное и концептуальное произведение, а не просто несколько хит-синглов . ... с наполнителями». [20]
Данези называет релиз Beatles « Rubber Soul» в декабре 1965 года одним из первых концептуальных альбомов той эпохи. [12] По словам историка музыки Билла Мартина , «Rubber Soul» стал «поворотным моментом» в популярной музыке, поскольку впервые «альбом, а не песня, стал основной единицей художественного творчества». [21] Автор Дэвид Ховард соглашается, говоря, что «ставки поп-музыки были подняты в стратосферу» благодаря Rubber Soul и что «внезапно речь шла больше о создании отличного альбома без наполнителя , чем о великолепном сингле». [22] В январе 1966 года журнал Billboard назвал открытие продаж Rubber Soul в США (1,2 миллиона копий за девять дней) доказательством того, что подростки-покупатели пластинок тяготеют к формату пластинок. [23] Хотя это соответствовало отраслевым нормам Великобритании, отсутствие хит-сингла на Rubber Soul добавило альбому идентичности в США как самостоятельному художественному заявлению. [24] [25]
Следуя примеру Битлз, в 1966 году было выпущено несколько рок-альбомов, задуманных как художественные высказывания, в том числе « Aftermath » Rolling Stones , «Pet Sounds » The Beach Boys , «Blonde on Blonde » Дилана , «Revolver» группы «Beatles» и «Who 's A Quick». Один . [26] [nb 1] Музыкальный журналист Мэт Сноу цитирует эти пять релизов, вместе с пластинкой Отиса Реддинга 1965 года Otis Blue , как свидетельство того, что «эра альбомов уже наступила, и хотя хит-синглы все еще имели значение, они больше не были самыми популярными в поп-музыке». важные источники дохода и художественные высказывания». [27] По словам Джона Парелеса , музыкальная индустрия получила огромную прибыль и пересмотрела свою экономическую идентичность благодаря рок-музыкантам той эпохи, которые «начали видеть себя чем-то большим, чем просто поставщиками эфемерных хит-синглов». [28] В случае с британской музыкальной индустрией коммерческий успех Rubber Soul и Aftermath сорвал попытки восстановить рынок пластинок как сферу более богатых взрослых покупателей пластинок. С начала 1966 года звукозаписывающие компании прекратили свою политику продвижения артистов, ориентированных на взрослых, а не рок-исполнителей, и стали выпускать бюджетные альбомы для своих менее продаваемых исполнителей, чтобы удовлетворить возросший спрос на пластинки. [26]
Альбом The Beatles 1967 года Sgt. Помощник редактора журнала Rolling Stone Энди Грин определил группу Pepper's Lonely Hearts Club Band как «начало эры альбомов», [29] эту ссылку поддержал Скотт Плагенхуф из Pitchfork ; [30] Грин добавляет, что «это был большой взрыв альбомов». [29] Чак Эдди называет «эру высоких альбомов» началом Sgt. Перец . [31] Его выпуск в мае 1967 года совпал с появлением в США преданной рок-критики и интеллектуалов, стремящихся позиционировать поп-альбомы как действительные произведения культуры. [32] Историк музыки Саймон Фило пишет, что, помимо полученного критического признания, «[коммерческий] успех пластинки открыл эру альбомно-ориентированного рока , радикально изменив то, как поп-музыка работала экономически». [33] Укрепляя свои творческие амбиции, Sgt. Pepper был упакован в разворотный конверт с листом с текстами песен, что символизировало тенденцию, когда музыканты теперь поручали партнерам из мира искусства создавать обложки для своих пластинок и представлять свои альбомы звукозаписывающей компании для выпуска. [25] Грег Кот сказал, что сержант. Пеппер представил шаблон как для создания альбомно-ориентированного рока, так и для его потребления: «слушатели больше не будут тратить всю ночь напролет под набор трехминутных синглов, а погружаются в череду 20-минутных сторон альбома, отправляясь в путешествие, ведущее к от художника». [34] Из-за своей целостной музыкальной эстетики его часто называют концептуальным альбомом. [13]
Примерно в это же время начинается эра классических альбомов, канонизирующая музыку совсем иначе, чем когда вы слышите сингл. И это важная причина, почему музыка остается такой резонансной, потому что альбом похож на новый музыкальный роман. Это форма, которую мы делимся с нашими детьми, форма, которую мы учим, и форма, которую мы собираем.
- Энн Пауэрс (2017) [35]
Возглавляемый сержантом. Pepper , в 1967 году появилось больше художественно новаторских и известных рок-альбомов на процветающих музыкальных сценах США и Великобритании. Они часто сопровождались популярными синглами, в том числе « Между кнопками» Stones (с двусторонним синглом « Ruby Tuesday »/« Let's Spend the Night Together »), Disraeli Gears группы Cream (с самой известной песней группы). « Sunshine of Your Love ») и «Who's The Who Sell Out », включавшие такие хиты, как « I Can See for Miles » в рамках концептуального альбома, высмеивающего коммерциализацию и радио. [35] Между тем, по словам Дэйва Марша , « Purple Haze » Джими Хендрикса (1967) был выпущен как «дебютный сингл альбома Rock Era» . [36] Данези цитирует Белый альбом Битлз 1968 года вместе с сержантом. Перец как часть зарождения эпохи. [12] Шукер цитирует We’re Only in It for the Money (1967) группы Mothers of Invention и Arthur, или Decline of the British Empire (1969) группы Kinks как последующие концептуальные альбомы, отмечая при этом подмножество формы в рок-оперы, такие как «Pretty Things » SF Sorrow (1968) и «Who's Tommy» (1969). [13]
По словам Нила Штрауса , «эра альбомного рока» началась в конце 1960-х годов и в конечном итоге охватила пластинки как рок-, так и нерок-исполнителей. [37] По словам Рона Винна , певец, автор песен и мультиинструменталист Исаак Хейс помог внести соул-музыку в «эру концептуальных альбомов» своим альбомом 1969 года Hot Buttered Soul , который имел коммерческий успех и представил жанру больше экспериментальных структур и аранжировок. . [38] Также среди соул-певцов Роберт Кристгау называет Реддинга одним из «немногих надежных исполнителей длинных форм» в этом жанре (при этом Otis Blue является его «первым великим альбомом»), [39] а также Арету Франклин и ее серию четыре «классических» пластинки для Atlantic Records , от I Never Loved a Man the Way I Love You (1967) до Aretha Now (1968), которые, по его словам, установили «эстетический стандарт» «ритмичного топота и запоминающихся песен». Эту серию Кристгау сравнивает со столь же «плодотворными» сериями «Битлз», «Стоунз» и Дилана за то же десятилетие, а также с последующими сериями Эла Грина и «Парламент-Функаделик» . [40] Четырехальбомная серия The Rolling Stones, начавшаяся в конце 1960-х годов с альбомов Beggars Banquet (1968) и Let It Bleed (1969) и завершившаяся альбомами Sticky Fingers (1971) и Exile on Main St. (1972), также является высоко оценен, а историк культуры Джек Гамильтон назвал его «одним из величайших устойчивых творческих пиков во всей популярной музыке». [41]
Период с середины 1960-х до конца 1970-х был эпохой пластинки и «золотой эрой» альбома. Согласно документу BBC Four «Когда альбомы правили миром» (2013): «Это были годы, когда музыкальная индустрия взорвалась и стала больше, чем Голливуд ». [42] «Эра альбома положила начало представлению о рок-певце как об артисте, на которого стоит обратить внимание не только из-за продолжительности хита», - заметил позже Парелес. «Исполнители могли стать ярким присутствием для своих поклонников, даже когда они не были повсеместными в Топ-40 , и сформировалась лояльность, которая сохранилась [d] до [1990-х] для некоторых исполнителей 1960-х и 1970-х годов, от Kinks до Майкла Джексона. для Стинга ». [43] Среди тех, кто появился в 1970-х годах, был Брюс Спрингстин , которого Пауэрс называет «типичной рок-звездой эпохи альбомов» за то, как он «более эффективно использовал саму форму долгоиграющего проигрывателя на протяжении всей своей карьеры, а не только для того, чтобы мир через песню, а жить в непреходящей личности». [44]
В 1970-х годах музыканты прогрессивного рока и соула использовали весьма концептуальные подходы, ориентированные на альбомы. [45] Pink Floyd выпустили тематически концептуальные и тщательно спродюсированные пластинки, которые заново изобрели стандарты рока в течение следующего десятилетия, особенно с их альбомом 1973 года The Dark Side of the Moon . [46] Музыкант-продюсер Брайан Ино появился благодаря плодотворной работе, в которой тщательно использовал этот формат с прогрессивно-экспериментальными подходами к року, достигнув пика на протяжении всей эпохи альбома с его сольными записями, а также альбомами, выпущенными для Roxy Music , Дэвида Боуи , Talking Heads и У2 . [47] Под руководством Берри Горди на соул-лейбле Motown певцы и авторы песен Марвин Гэй и Стиви Уандер получили творческий контроль, позволяющий более серьезно подходить к своим альбомам в том, что обычно было узконаправленным жанром, что привело к серии инновационные пластинки от этих двоих в последующее десятилетие. [48] В своей новаторской работе Гэй и Уандер были немногими исключениями в том, что, по наблюдениям Марка Хогана из Pitchfork , в эпоху альбомов стало «наполненным роком каноном» преимущественно белых мужчин, который в значительной степени исключал работы женщин и африканцев. Американские музыканты. [49]
По словам Эрика Олсена , Pink Floyd были «самой эксцентричной и экспериментальной мультиплатиновой группой эпохи альбомного рока», а исполнитель регги Боб Марли был «единственной выдающейся фигурой рок-эры не из Америки или Великобритании» [50 ] Альбом Джони Митчелла Ladies of the Canyon 1970 года обычно считается одним из самых важных альбомов той эпохи. [51] Продюсирование Боба Эзрина , который работал над альбомами Элиса Купера и Kiss ' Destroyer (1976) 1970-х годов, также относится к этой эпохе. Как пишет музыкальный журналист Джеймс Кэмпион: «Эра альбома 1970-х годов идеально подходила для его кинематографического подхода. Его формат с двумя сторонами, как будто два акта в пьесе с антрактом, позволяет создать решающую дугу в повествовании». [52] Наряду с пластинкой, 8-дорожечная лента была еще одним форматом, популярным в США в тот период. [42]
Развивая эстетику пластинок 1970-х годов, Кэмпион выделяет культурные и экологические факторы, которые, по его мнению, сделали этот формат идеальным для молодежи в течение десятилетия. Он описывает «уединенную атмосферу», предлагаемую слушателям проигрывателем проигрывателей и наушниками, которая «окутывает [их] замысловатым стереопанорамированием, атмосферными звуками и многослойными вокальными трюками». [52] Уоррен Зейнс считает продуманную последовательность треков пластинки «самым недооцененным искусством эпохи альбомов». [53] Популярность рекреационных наркотиков и ламп настроения в то время предоставила дополнительные возможности для более целенаправленного прослушивания, как отмечает Кэмпион: «Это держало слушателя в восторге от каждой песни: как одна перетекала в другую, их связующее лирическое содержание и слияние инструментов». [52]
.jpg/1280px-Listening_to_is_Yes'_self-titled_debut_album_from_1969_(cropped).jpg)
По сравнению с будущими поколениями, Кэмпион объясняет, что люди, выросшие в 1970-е годы, придавали большую ценность прослушиванию альбомов, отчасти из-за их ограниченного доступа к любому другому домашнему развлекательному устройству: «Многие из них не могли контролировать семейный телевизор или даже кухонное радио. Это привело к тому, что приоритет отдавался спальне или кабинету наверху». Кэмпион описывает эту обстановку как «капсулу воображения» для слушателей той эпохи, которые «заперлись в сказочном пейзаже наушников, изучая каждый уголок 12-дюймового произведения искусства и глубже погружаясь в лирический подтекст, независимо от того, задумано художником или нет». . По словам Кэмпиона, другие культурные влияния того времени также повлияли на впечатления от прослушивания, который ссылается на ужасы и научно-фантастические фантазии и образы комиксов , а также на рекламу , пропаганду и « американское обещание величия ». В своем анализе Кэмпион заключает: «Как будто сидя в своем собственном театре разума … они были добровольными участниками игривых блужданий своих героев рок-н-ролла». [52] В дополнение к этому наблюдению Парелес говорит: «Последовательные песни становятся своего рода повествованием, скрепленным образом и фантазиями об исполнителе». По словам Парелеса , по мере того, как «привязанность и восхищение слушателей ... передавались от популярной песни или серии хитов к певцу», особенно успешные записывающиеся артисты приобрели «стойкость» среди публики. [43]
На заре поп - музыки суждения были проще, отчасти потому, что рок-н-ролл был задуман для прослушивания в трехминутных отрывках по принципу «бери или уходи». Возникновение пластинок как формы – как художественной сущности, как раньше говорили – усложнило то, как мы воспринимаем и запоминаем то, что когда-то было самым мимолетным из искусств. Альбом может оказаться тотемом 70-х – к концу десятилетия стали возвращаться более короткие формы. Но для 70-х годов он останется основной музыкальной единицей.
- Путеводитель Кристгау: Рок-альбомы семидесятых (1981) [54]
По словам Хогана, с сержантом. Поскольку Пеппер дал толчок, идея «концептуального альбома» стала маркетинговым инструментом к 1970-м годам, поскольку «немного групп использовали притворство «искусства» для продажи десятков миллионов пластинок». Ссылаясь на чрезвычайно успешные альбомы, такие как The Dark Side of the Moon, как лидеры этой тенденции, Хоган говорит, что «продажи пластинок резко пошли вверх» в середине 1970-х годов. [49] По данным энциклопедии World Book , в 1974 году «долларовые продажи пластинок и кассет в Соединенных Штатах достигли рекордного уровня в 2,2 миллиарда долларов», при этом поп- и рок-записи составляли две трети всех продаж записанной музыки. . Однако в книге это отчасти объясняется увеличением цен на пластинки за год, тогда как фактическое количество чистых продаж пластинок снизилось с 280 миллионов до 276 миллионов копий и отмечается увеличение продаж кассет со 108 миллионов до 114 миллионов. Поскольку звукозаписывающие компании сосредоточили свои усилия на поп и роке, релизы в других жанрах, таких как классика, джаз и легкая музыка, оказались на обочине рынка. Многие джазовые исполнители в этот период записывали кроссоверные пластинки с поп-песнями, чтобы увеличить продажи своих пластинок. [55]
По словам Хогана, к 1977 году продажи альбомов начали «падать». [49] Парелес связывает этот упадок с развитием панк-рока и диско в конце 1970-х: «Панк вернул фокус к коротким и шумным песням. Дискотека сконцентрировалась на физическом моменте, когда песня заставляет тело двигаться». [43] Кристгау также отмечает, что «эстетика синглов начала вновь утверждаться с диско и панком», предполагая, что это положило конец «эре высоких альбомов». [56] В другом анализе историк Мэтью Ресталл наблюдает, как в этот период популярные группы изо всех сил пытались поддерживать высокий уровень успеха, обеспечиваемый их предыдущими альбомами. Ссылаясь на разочаровывающий прием « Blue Moves» Элтона Джона ( 1976) и « Tusk » Fleetwood Mac ( 1979), Ресталл говорит: «[Это] драматические примеры того, как записывающиеся артисты эпохи великих альбомов … страдали от приема конец горизонта ожиданий». [57]
Падение продаж пластинок в конце 1970-х ознаменовало конец «золотого века» пластинок, [42] поскольку музыкальная индустрия столкнулась с конкуренцией со стороны коммерческого возрождения в киноиндустрии и популярности аркадных видеоигр . [49] Успех музыкальных видеопрограмм MTV также вновь подчеркнул единый формат в 1980-х и начале 1990-х годов. По словам Парелеса, вскоре стало очевидно, что «после эпохи альбомного рока 1970-х годов MTV помогло вернуть популярному синглу известность как инструмент поп-маркетинга» и повлияло на потребительские привычки покупателей пластинок в сторону большего количества «одноразовых хитов». [43]
Поп-звезды 1980-х годов, такие как Майкл Джексон и Мадонна , смогли подогреть интерес к своим альбомам, выпустив сингл или видеоклип на MTV. Это привело к разработке современного выпуска альбома, призванного стимулировать маркетинговый импульс альбома в течение длительного периода времени, от многих недель и месяцев до более чем года. «Со временем появился негласный (и, в конечном итоге, заложенный в бюджет) контрольный список для выпуска поп-альбома мейджор-лейбла», — пишет журналист Vulture Джастин Курто, который называет элементы этой модели оптимистичным ведущим синглом, привлекающим внимание. - захват музыкального видео, освещение в прессе, новые товары и объявление о концертном туре в поддержку . [58] Завися от таких каналов, как MTV, которые транслировали исключительно хиты, звукозаписывающие компании оказывали большее давление на звукозаписывающие группы, чтобы добиться мгновенного коммерческого успеха и конкурентоспособности. «1980-е и 1990-е годы принесли продажи пластинок на новый пик, в то время как сами исполнители имели тенденцию вспыхивать и выгорать», - пишет Парелес. [43]
На рубеже 1980-х критики поначалу пытались примирить рост панк-синглов со своими представлениями об иерархическом каноне пластинок. Однако «London Calling » группы The Clash (1979) и другие панк-альбомы вскоре завоевали признание в рейтингах величайших альбомов. По прошествии десятилетия Prince , Kate Bush и Public Enemy стали дальнейшими исключениями в преимущественно белых мужчинах и рок-ориентированном каноне эпохи альбомов. [49] Исполнители хип-хопа также достигли соответствующего критического статуса благодаря серии успешных альбомов в конце десятилетия. Начиная с выпуска в мае 1986 года альбома Run-DMC 's Raising Hell , который был продан тиражом более трех миллионов копий, в их число входили альбомы Beastie Boys " License to Ill " (1986), Boogie Down Productions " Criminal Minded" (1987), "Public Enemy" Yo! «Bum Rush the Show» (1987) и «Eric B. & Rakim 's Paid in Full » (1987). По словам автора The Boombox Тодда «Стерео» Уильямса, это положило начало «золотому веку» хип-хопа, а также собственной «альбомной эре» этого жанра с конца 1980-х до конца 1990-х годов, в течение которой «хип-хоп-альбомы были мерилом». по которому будут судить о большинстве великих деятелей жанра». [59] В ответ на быстро развивающиеся тенденции последних десятилетий эпохи альбомов жанры и форматы часто переименовывались или перегруппировывались, например, категоризация более ранней музыки « поп / рок » в формат « классический рок ». [57]
В 1980-е годы формат альбомов укрепил свое доминирование на рынке записанной музыки, сначала с появлением кассет. [42] По словам обозревателя PC Mag Джона К. Дворжака , «эра альбомов привела к появлению слишком большого количества альбомов, в каждом из которых было только одна хорошая песня, поэтому кассеты позволяли пользователям делать свои собственные миксы », и эта тенденция ускорилась с появлением Sony Walkman в 1979 году. [60] Появление компакт-дисков вместе с портативным проигрывателем Discman в 1984 году [60] положило начало вытеснению пластинок в 1980-х годах как стандартного формата альбомов в музыкальной индустрии. [37] По словам Хогана, «распространение кассет и компакт-дисков в 80-х помешало альбому перейти на домашнюю запись и упростить пропуск песен». [49] В 1987 году музыкальная индустрия пережила свой самый прибыльный год из-за растущей популярности компакт-дисков, о чем свидетельствуют маркетинговые успехи таких музыкантов, как Джексон, U2, Брюс Спрингстин, Принс, Пол Саймон , Уитни Хьюстон , Стинг , Бон Джови и Деф. Leppard , последние двое из которых ознаменовали бум поп-метала в индустрии. [61] Хотя чистые продажи единиц фактически снизились, [61] Кристгау сообщил в сентябре 1987 года, что компакт-диски превосходят по цене пластинки, а кассеты продаются лучше их, [62] хотя кассета также в конечном итоге будет вытеснена компакт-дисками. [60] В 1988 году, реагируя на события десятилетия, социомузыковед Саймон Фрит предсказал скорый конец «эры пластинок» и, возможно, «поп-музыки, какой мы ее знаем». [49]
При переходе на компакт-диски хорошо зарекомендовавшие себя альбомы прошлого были переизданы в этом формате их первоначальными звукозаписывающими лейблами или лейблом, которому, например, передавалось право собственности на альбом в случае закрытия оригинала. [37] В 1987 году переиздание полного студийного каталога «Битлз» было особенно популярно среди потребителей поколения бэби-бумеров , которые также были целевой аудиторией двух фильмов классического рока – трибьюта Чака Берри «Слава !» Град! Рок-н-ролл и биографический фильм Ричи Валенса «Ла Бамба » (с сопровождающим его саундтреком ) – а также компиляции Элвиса Пресли, посвященные 10-летию его смерти. [61] Однако многие старые работы не были переизданы в цифровом формате «из-за юридических и договорных проблем, а также простого надзора», объясняет Штраус. [37] Вместо этого такие записи часто открывались заново и собирались в результате раскопок ящиков североамериканскими продюсерами хип-хопа, ищущими редкие звуки для сэмплов для своих собственных записей. В своем отчете о хип-хоп копателях ящиков 1980-х годов теоретик средств массовой информации и культуры Элоди А. Рой пишет: «Когда они следовали за подержанными магазинами и распродажами автомобильных багажников – хранилищами нежелательных капиталистических излишков – землекопы были вынуждены столкнуться с сферами мейнстрима, пластинки массового производства теперь вышли из моды и изящества». Это развитие также способствовало появлению феномена «популярного коллекционера», которого исследователь материальной культуры Пол Мартин описывает как тех, кто обычно интересуется «доступными, доступными и привлекательными» предметами, такими как музыкальные релизы, и приписывает их массовому производству . [63]
По словам Парелеса, после того, как в 1980-е годы «отдельная песня вернулась как поп-единица», звукозаписывающие компании в конце десятилетия начали воздерживаться от выпуска хит-синглов, чтобы заставить потребителей купить альбом, на котором был представлен сингл. [43] К концу 1980-х годов продажи семидюймовых виниловых синглов падали и почти полностью вытеснялись кассетными синглами , ни один из которых в конечном итоге не продавался так же хорошо, как альбомы. [42] Производство альбомов резко возросло в 1990-е годы: в течение десятилетия Кристгау ежегодно выпускало около 35 000 альбомов по всему миру. [64] В 1991 году альбом Nirvana Nevermind был выпущен и получил признание критиков и был продан тиражом более 30 миллионов копий по всему миру, что привело к буму альтернативного рока в музыкальной индустрии. [49] Одновременный бум кантри-музыки , возглавляемый Гартом Бруксом и Шанайей Твен [65], достиг кульминации, когда в 1994 и 1995 годах было продано более 75 миллионов кантри-альбомов, [66] к этому времени рынок рэпа также быстро рос, особенно за счет успех противоречивых групп гангста-рэпа, таких как Dr. Dre и Snoop Dogg . [67] Между тем, доставка музыки потребителю в виде одной песни практически не существовала, по крайней мере, в США, [68] а в 1998 году Billboard отменил требование о наличии физического сингла для включения в свой чарт синглов Hot 100 после нескольких главные хиты года не были выпущены для потребителей в виде синглов. [69] В 1999 году музыкальная индустрия в целом достигла коммерческого пика с доходом от продажи пластинок в 15 миллиардов долларов, в основном от компакт-дисков. [70]
«Nevermind» группы Nirvana Эдди называет примерно концом «эры высоких альбомов», [31] хотя Штраус писал в 1995 году, что «эра альбомного рока» все еще действовала. [37] В качестве еще одной «конечной точки», говорит Хоган, критики часто называют альбом Radiohead 1997 года с электронным влиянием «OK Computer» , который раздвинул границы рок-музыки, одновременно достигнув двойного уровня мейнстримового и критического успеха, не имеющего себе равных ни у одного «гитариста». на основе полнометражного» произведения последующих десятилетий. [49] Кот, тем временем, заметил снижение честности среди индустрии и художников. Он предположил, что в 1990-е годы потребителей эксплуатировали за счет повышения цен на компакт-диски, производство которых было дешевле, чем виниловых пластинок, и которые имели более длительный срок службы с музыкой значительно более низкого качества. Признавая, что некоторые звукозаписывающие группы все еще пытались следовать идеалам начала эпохи альбомов, он сказал, что большинство из них отказались от своих обязанностей артистов и рассказчиков и стали снисходительными к практике записи, чтобы получить прибыль от бума компакт-дисков. [34]
На рубеже 2000-х Кот опубликовал фальшивый некролог для пластинки со скоростью вращения 33⅓ об/мин в газете Chicago Tribune . В нем он утверждал, что пластинка «устарела из-за загрузок MP3, саундтреков к фильмам и перетасовки компакт-дисков – не говоря уже о видеоиграх, кабельном телевидении, Интернете и всемирном взрыве средств массовой информации, которые охотятся за вниманием к тому, что раньше быть известными как покупатели альбомов». [34] В 1999 году одноранговая служба обмена файлами в Интернете Napster позволила пользователям Интернета легко загружать отдельные песни в формате MP3 , которые были скопированы из цифровых файлов, расположенных на компакт-дисках. [71] На фоне подъема Napster в 2000 году Дэвид Боуи предсказал в интервью, что эра альбомов закончится с неизбежным внедрением в музыкальную индустрию цифровых музыкальных файлов. [72] [nb 2] К началу 2001 года использование Napster достигло пика и составило 26,4 миллиона пользователей по всему миру. [73] Хотя позже в том же году Napster был закрыт из-за нарушения авторских прав, его место заняли несколько других сервисов загрузки музыки . [74]
В 2001 году был представлен сервис iTunes компании Apple Inc. , а позже в том же году был выпущен iPod (удобный для потребителя MP3-плеер), к которому вскоре присоединились аналогичные легальные альтернативы. Это, наряду с продолжающимся ростом незаконного обмена файлами, привело к резкому снижению продаж записанной музыки в физических форматах [68] в течение следующих трех лет. [75] Продажи ненадолго восстановились к концу 2004 года, когда в индустрии было зарегистрировано около 667 миллионов проданных альбомов, во главе с 8 миллионами альбомов Confessions by Usher , [75] чей успех стал примером коммерческого доминирования городской музыки в поп-музыке за десятилетие. [76] Эминем и 50 Cent были среди успешных мейджор-лейблов рэп-бума, продолжавшегося с предыдущего десятилетия. [67] «Confessions» и «The Eminem Show» Эминема (2002) будут сертифицированы как бриллиантовые от Американской ассоциации звукозаписывающих компаний , и к концу десятилетия будет продано по 10 миллионов копий каждый. [76]
По словам Хогана, самые инновационные пластинки также выпускались в городских жанрах R&B , хип-хоп и поп, включая альбомы Канье Уэста и Д'Анджело , а также произведения Timbaland и Neptunes . Для критиков эти работы стали еще одной формой полноформатных арт-поп -записей, которые определили эпоху альбомов с традицией, основанной на рок-гитаре, которая еще больше осложнилась каноническим признанием электронного пост-рок -альбома Radiohead Kid A (2000). ). Не сумев достичь рекордных продаж OK Computer , самые известные рок-альбомы начала 2000-х часто возвращались к старому звучанию, как, например, « Is This It » группы Strokes (2001), « White Blood Cells » группы White Stripes (2001) и «Интерпол ». s Turn on the Bright Lights (2002), или просто не хватало обширного производственного и маркетингового бюджета Radiohead, как в случае с Arcade Fire 's Funeral (2004). Эти события привели к снижению коммерческого и культурного престижа рока, а в последующие годы критическая парадигма сместилась от рокизма к пптимизму . [49]
Между тем, способность музыкальной индустрии продавать альбомы по-прежнему сталкивалась с угрозами со стороны пиратства и конкурирующих средств массовой информации, таких как DVD, видеоигры и загрузка отдельных песен. По данным Nielsen SoundScan за 2004 год, было продано более 140 миллионов копий цифровых треков по цене около 99 центов каждая от онлайн-продавцов, таких как iTunes, что указывает на то, что потребители предпочитают загружать отдельные песни, а не более дорогой альбом целиком. [75] В 2006 году продажи компакт-дисков впервые превысили количество загрузок синглов, при этом потребители цифровой музыки покупали синглы по сравнению с альбомами с разницей 19 к 1. [68] К 2009 году продажи альбомов сократились более чем вдвое с 1999 года, снизившись. с $14,6 до $6,3 млрд. [78] Кроме того, к этому времени танцевальная поп- музыка сменила городскую музыку и стала доминирующим жанром в топ-40 радио , [76] с такими поп-исполнителями, как Рианна , появившимися в этот период, строящими свою карьеру на цифровых синглах, а не на продажах альбомов. [79] Ветераны рок-группы, такие как U2, преуспели в период падения продаж альбомов лучше, чем молодые исполнители, благодаря преданным поклонникам, которые все еще придерживались этого формата. «Как бы они ни были детьми эпохи альбомов, U2 никогда не переставали считать альбом основным выражением своего творчества», несмотря на постепенное снижение продаж, - говорит Мэт Сноу, отмечая, что живые выступления, следовательно, стали их самым большим источником дохода. [70]
_002.JPG/1280px-HMV,_Kirkgate,_Wakefield_(10th_March_2013)_002.JPG)
С появлением цифровых медиа в 2000-х годах «популярный коллекционер» физических альбомов перешел к «цифровому» и «электронному» коллекционеру. Что касается таких коллекционеров, говорит Рой, можно утверждать, что они «не оснащены достаточными знаниями или инструментами в области архивирования, чтобы сохранить свою коллекцию в долгосрочной перспективе», ссылаясь на уязвимый срок хранения цифровых файлов. [63] Одновременно с этим упадок физических музыкальных магазинов позволил веб-сайтам стать доменами для сбора альбомов, в том числе базе данных музыкальных обзоров AllMusic , потоковому сервису Spotify и Discogs , которые начинались как музыкальная база данных, а затем превратились в онлайн-рынок для физические музыкальные релизы. [80]
Фраза «смерть альбома» использовалась в средствах массовой информации во время упадка, обычно связывая это с распространением и загрузкой через Интернет, [81] [82] и изменением ожиданий слушателей музыки. [83] Главный операционный директор Capitol-EMI Джефф Кемплер заявил в 2007 году, что все меньше артистов будут проводить кампании, ориентированные на альбомы, в то время как медиа-исследователь Арам Синнрайх прямо предсказал смерть альбома, поскольку вместо этого потребители будут слушать плейлисты на своих MP3-плеерах. [68] В интервью несколько лет спустя Ли Филлипс из калифорнийской юридической фирмы в сфере развлечений Manatt, Phelps & Phillips считал, что эра альбомов закончилась, и обвинил звукозаписывающие компании в неспособности признать неизбежность потокового вещания как излюбленного средства распространения музыки и в не работаю с Napster над решением. [84]
Инсайдеры музыкальной индустрии [85] и писатели 2010-х годов, такие как Джон Караманика [86] и Кевин Уайтхед [87] , описали этот период в истории альбома как «постальбомную эпоху». В течение десятилетия звукозаписывающие компании, как правило, инвестировали в потоковые платформы, такие как Spotify и Pandora Radio , при этом их стратегии были сосредоточены на тщательно подобранных плейлистах и отдельных треках, а не на альбомах. [2] Spotify, в частности, стал доминирующей и переопределяющей платформой для потребления музыки в 2010-х годах. Позднее в том же десятилетии в репортаже для Deseret News Корт Манн заявил, что «такие сервисы, как Spotify и Apple Music, переместили наши [музыкальные] библиотеки с персональных жестких дисков, iPod и компакт-дисков в облако . Наша музыка становится все менее автономной и конфиденциальной. ." [88] В 2011 году чистые продажи альбомов в США выросли впервые с 2004 года – причем некоторые авторы объясняют это 21-м хитом Адель 2011 года (5,8 миллиона экземпляров и более трех миллионов компакт-дисков, проданных к январю 2012 года) [88] 89] – но в следующем году продолжил падение снова. [76] Поскольку потребители отказывались от альбомов, все больше исполнителей сосредоточились на выпуске синглов, и эта тенденция, по мнению критиков, подорвала их артистический потенциал и породила множество чудес с одним хитом . [90] Однако критики, которые в эпоху доминирования этого формата в основном писали рецензии на альбомы, также начали рецензировать отдельные песни. [31]
Хотя формат альбома был «мертв» с коммерческой точки зрения, такие известные артисты, как U2, The 1975 , Тейлор Свифт и Кэти Перри , по-прежнему представляли свои работы в рамках самоопределяемой «альбомной эпохи», говорит Питер Робинсон из The Guardian . Такие артисты представили эстетическую жизнь своего проекта в стиле тематических рекламных кампаний альбомов таких исполнителей, как Боуи, Мадонна и Pet Shop Boys . [91] Альбомы продавались в виде экстравагантных, похожих на перформанс продуктов , которые достигли «надира» в 2013 году, по словам писательницы Vulture Линдси Золадз, которая ссылается на неудачные попытки таких исполнителей, как Канье Уэст, Arcade Fire и Леди Гага, на рынке. использование визуального искусства и общественной обстановки в стратегии: «Комично чрезмерная кампания Гаги ARTPOP включала в себя скульптуру Джеффа Кунса и пресс-конференцию, на которой она представила «VOLANTIS, первое в мире летное платье»; Daft Punk записали бесконечные рекламные ролики VH1 Classic Albums в стиле VH1. это увековечило память о воспоминаниях произвольного доступа еще до того, как кто-либо их услышал ... и тогда кто мог забыть, что [Перри] ехал по улицам Лос-Анджелеса в позолоченном 18-колесном автомобиле , который кричал «КЭТИ ПЕРРИ ПРИЗМ 22-10-13» и странно выглядел как десятитонный кирпич сыра Cracker Barrel?" [92] Несмотря на это, Свифт оставался ведущим приверженцем музыкальной индустрии и тщательным планировщиком кампаний эпохи альбомов на протяжении десятилетия, создав, по мнению Курто, своеобразное искусство стратегии. [58]
К середине 2010-х популярные записывающиеся артисты восприняли альбом-сюрприз как стратегию выпуска, выпуская свои альбомы практически без предварительного анонса и продвижения, отчасти в качестве способа борьбы с утечками информации в Интернете . Эта стратегия предшествовала Radiohead и Боуи, но была популяризирована Бейонсе с ее одноименным альбомом в 2013 году, что привело к тому, что Золадз в 2015 году назвал «нынешней эрой альбомов-сюрпризов». [92] В следующем году певица повторила эту стратегию со своим альбомом Lemonade и снова доказала, что « дух времени можно поймать и удержать всего за одну ночь», как объясняет Курто. [58] Однако Золадз далее сообщил о «коллективной усталости» среди профессиональных критиков и случайных слушателей от необходимости оставаться на связи с неожиданными релизами и окружающим их циклом новостей в социальных сетях . Она также отметила способность Дрейка поддерживать свою популярность с течением времени с помощью выпусков отдельных треков и, таким образом, овладеть «стремлением цифровой эпохи к мгновенному удовлетворению и долгосрочному предвкушению». [92] Во второй половине 2010-х годов наблюдалась тенденция к аналогичному минимальному маркетингу выпусков хип-хоп альбомов, с объявлениями в виде постов в социальных сетях, раскрывающих только обложку, список треков или дату выпуска максимум за несколько недель до этого. [58]
Другие критики по-прежнему верили в альбом как в жизнеспособную концепцию в 21 веке. В 2003 году журнал Wired поручил Кристгау написать статью о том, является ли альбом «умирающей формой искусства», в которой он заключил: «Пока артисты гастролируют, они будут продавать сборники песен вместе с остальным товаром. и эти коллекции будут задуманы настолько искусно, насколько это возможно для художников». В 2019 году, когда продажи компакт-дисков и цифровых загрузок резко упали, а теории о «смерти» физического формата альбомов все еще существовали, Кристгау нашел свою первоначальную предпосылку еще более обоснованной. «Потому что компьютер дает, а компьютер забирает», - написал он в эссе, сопровождавшем музыкальный опрос Pazz & Jop в том году, объясняя, что нынешняя доступность адекватного записывающего оборудования делает производство альбомов доступным для музыкантов различного уровня компетентности. Что касается профессиональных выступлений, он сказал: «Написание песен заложено в их ДНК, и если эти песни вообще хороши, их запись для потомков вскоре станет неотразимой». [93]
Даже в так называемую постальбомную эпоху 2010-х годов, когда слушателям не нужно было покупать альбом, чтобы его услышать, индустрия все еще не отошла от альбомов, во многом потому, что эти посторонние элементы выпуска... мерч, тур, внимание – все еще зарабатывают звукозаписывающие компании и другие посредники.
— Джастин Курто ( «Стервятник» , 2020) [58]
В эссе об альбоме в конце 2019 года Энн Пауэрс написала для Slate , что в этом году формат находился в состоянии «метаморфозы», а не мертвым. По ее наблюдениям, многие записывающиеся артисты оживили концептуальный альбом вокруг автобиографических повествований и личных тем, таких как близость, интерсекциональность , афроамериканская жизнь, границы между женщинами и горе, связанное со смертью. Она упомянула такие альбомы, как Jaime Бриттани Ховард , Jimmy Lee Рафаэля Саадика , Eve Rapsody , On the Line Дженни Льюис и Ghosteen Ника Кейва . [94] Журналист по вопросам искусства и культуры Мишель Зипкин, писавшая в то же время, считала, что альбомы по-прежнему являются «неотъемлемым, актуальным и знаменитым компонентом музыкального творчества и артистизма». Она процитировала список самых популярных альбомов 2010-х годов, составленный агрегатором рецензий Metacritic , в котором продемонстрированы музыкальные способности самых разных артистов и зачастую серьезные темы, такие как горе, расовые отношения и политика идентичности , добавив при этом: «Альбомы сегодня предложить новый подход к меняющейся отрасли». [2]
По словам Quartz , к 2019 году Свифт остался единственным артистом, «который все еще продает компакт-диски» и еще не воспользовался потоковыми сервисами, поскольку они не выплачивали справедливую компенсацию записывающимся артистам . Развивая эту тему, критик Los Angeles Times Микаэль Вуд сказал: «Тем не менее, поскольку она держала свою музыку подальше от Spotify – принуждая свою лояльную аудиторию думать о покупке ее песен и альбомов как о акте преданности – молодые артисты, такие как [Ариана] Гранде, стали зарекомендовали себя как фавориты стриминга». Тем не менее, Свифт использовала все основные потоковые сервисы для выпуска своего альбома Lover в 2019 году , который , по словам Кварца , «может стать последним компакт-диском, который мы купим» и «возможно, последней предсмертной запиской для компакт-диска». [95]
К середине 2010-х годов продажи физических компакт-дисков и винилов составляли 39% мировых продаж музыки. Из общего объема продаж музыки в США ( крупнейшем в мире музыкальном рынке с точки зрения доходов) менее 25% приходилось на физические копии, в то время как во Франции и Великобритании по той же статистике приходилось около 30–40%. Однако эта цифра составляла примерно 60% для Германии и 75% для Японии, которая имела второй по величине рынок в мире, на котором ежегодно продавалось музыкальных записей на сумму более 254 миллиардов йен (или 2,44 миллиарда долларов), большинство из которых в форме компакт-дисков. По словам журналиста Quartz Мана Кита Луи, обе страны лидируют в мире по продажам физической музыки отчасти из-за взаимной близости их культур к «физическим объектам» . [96]
Японская промышленность особенно отдавала предпочтение формату компакт-дисков, отчасти из-за простоты его производства, распространения и контроля цен. В 2016 году в Японии было 6000 физических музыкальных магазинов, опережая США (около 1900) и Германию (700) по количеству магазинов в мире. Несмотря на то, что широкополосный Интернет доступен в Японии с 2000 года, потребители сопротивлялись переходу к загружаемому и потоковому потреблению, которое составляло 8% общего музыкального дохода страны по сравнению с 68% на рынке США. В то время как синглы в западных странах устарели уже более десяти лет, японский рынок для них сохранился во многом благодаря огромной популярности айдолов , бойз-бэндов и женских групп . Наживаясь на фандоме , окружавшем этих исполнителей, звукозаписывающие компании и маркетинговые агентства использовали аспект мерчандайзинга компакт-дисков с помощью рекламных уловок, таких как выпуск различных изданий одного альбома, в том числе с билетами на мероприятия артистов, и зачисление покупок синглов на компакт-диски как голоса фанатов. к конкурсам популярности для художников. По словам корреспондента The Japan Times Рональда Тейлора , акцент сместился с музыки на опыт общения фанатов с любимым кумиром . [96]
Необычное потребительское поведение Японии на рынке звукозаписей было примером синдрома Галапагосских островов , бизнес-концепции, созданной на основе эволюционной теории Чарльза Дарвина . По словам Луи, это объясняет, как инновационный, но изоляционистский характер страны привел к «любви к технологиям, о которых остальной мир почти забыл». Что касается устойчивой коммерческой популярности компакт-дисков, мировой музыкальный аналитик Марк Маллиган объяснил, что покупательная способность и потребительский спрос в Японии были сконцентрированы среди быстро стареющего населения , которое с большей вероятностью последовало за такими кумирами-ветеранами, как бойз-бэнд Араши и певец и автор песен Масахару Фукуяма. , в то время как меньшая концентрация среди молодых людей, настроенных на цифровые и потоковые сервисы. Однако в середине 2010-х годов также наблюдался рост продаж цифровой музыки и подписки, что указывает на тенденцию отказа от физических покупок в стране. [96]
В 2019 году Международная федерация фонографической индустрии (IFPI) сообщила, что в десятку крупнейших в мире рынков записанной музыки вошли Япония, Китай, Южная Корея и Австралия, отметив при этом появление рынков за пределами Запада в целом, в том числе в Латинская Америка, Азия и Африка. В отчете также отмечается отход от глобального доминирования популярных англоязычных групп в сторону региональных успехов с межкультурной привлекательностью, таких как BTS и J Balvin , отчасти из-за более открытой потребительской культуры и социальных связей между артистами. и слушатели. В то время как ведущие западные артисты продолжали полагаться на традиционные роли крупных лейблов, другие использовали поставщиков цифровых услуг, таких как Spotify и Apple Music, для самостоятельного выпуска своих записей или выпуска их в партнерстве с независимым дистрибьютором. [98]
В 2020 году выпуску альбомов помешала пандемия COVID-19 и связанные с ней меры социального дистанцирования . [58] С 6 по 12 марта продажи физических альбомов упали на 6%, отчасти из-за пандемии. Позже в том же месяце Amazon временно приостановила поставки музыкальных компакт-дисков и виниловых пластинок от поставщиков из США, чтобы расставить приоритеты в отношении товаров, которые считаются более важными. [2] Закрытие из-за пандемии физических розничных продавцов и систем распространения особенно повлияло на ветеранов звукозаписи, поскольку их поклонники, как правило, были старше и с большей вероятностью по-прежнему покупали компакт-диски и виниловые пластинки. Следовательно, многие такие исполнители, которые все еще придерживались традиционной модели выпуска, такие как Уилли Нельсон и Алиша Киз , отложили выпуск своих альбомов. [99] Сообщая о развитии событий в марте, журналист журнала Rolling Stone Элиас Лейт объяснил:
Все потому, что ежедневно на стриминговых сервисах появляются десятки тысяч новых треков. Чтобы подняться над потоком, необходимо снимать видеоролики за несколько месяцев вперед, нужно согласовывать выступления на телевидении, ухаживать за кураторами потоковых сервисов, блокировать возможности для прессы, согласовывать даты турне, посещения радиостанций и выступления в музыкальных магазинах. Без этих компонентов артисты рискуют выпустить музыку для незаинтересованной, неосведомленной или просто ошеломленной публики. И прямо сейчас почти все эти варианты повышения авторитета недоступны. [100]
Некоторые крупные поп-звезды переосмыслили свои стратегии релиза во время пандемии. Тейлор Свифт неожиданно выпустила свои альбомы Folklore и Evermore в июле и декабре 2020 года соответственно, впервые в своей карьере отказавшись от надлежащей кампании по распространению и установив несколько рекордов продаж и потокового вещания. Ариана Гранде, больше вдохновленная стратегиями выпуска рэпа, выпустила свой альбом Positions (2020) с таким же минимальным анонсом и рекламой. Успех обоих артистов во время пандемии пришелся на то время, когда более известные поп-звезды планировали традиционные выпуски альбомов, в том числе Кэти Перри, Леди Гага и Дуа Липа . [58] Киз также неожиданно выпустила свой альбом Alicia после неопределенной задержки из-за пандемии. [101] В то же время, рэп-альбомы еще больше выиграли от более востребованной потребительской и потоковой культуры того периода: такие рэперы, как Lil Uzi Vert , Bad Bunny и DaBaby , возглавляли чарты альбомов. [58]
2020 год оказался самым успешным для виниловых альбомов в истории MRC Data (с 1991 года): в США было продано 27,5 миллионов пластинок. В июне 2021 года Billboard сообщил, что чистые продажи альбомов на физических носителях выросли из-за пандемии впервые за многие годы. Исполнители поп- и хип-хопа/R&B увеличили продажи на виниловом рынке США, чем когда-либо, в то время как рок-пластинки пережили спад, несмотря на то, что на их долю приходится более половины общего объема продаж рынка. Среди лидеров продаж винила в этом году были Гарри Стайлс , Билли Эйлиш , Кендрик Ламар и Свифт, чей Evermore лидировал по продажам как компакт-дисков, так и виниловых альбомов, выпущенных в 2021 году .
Сообщая о тенденциях выпуска музыки во время пандемии, авторы отметили, что они предлагали артистам более тесную связь со своими слушателями в период смены парадигмы, одновременно расширяя возможности обеих групп за счет крупных лейблов. [58] Однако Оливер Трайон из музыкального интернет-журнала CULTR утверждает, что музыкальная индустрия остается одним из самых прибыльных рынков в мире и извлекает выгоду из меняющихся тенденций в эпоху потокового вещания, включая увеличение краткости песен, уменьшение жанровых различий между артистами и инновации в технологиях электронной музыки, такие как применение искусственного интеллекта в музыке . Что касается развития событий в 2021 году, Трайон предсказал, что региональные релизы со всего мира будут расти на мировом рынке, а « генеративная музыка » будет «вырастать в результате контекстуальных плейлистов», в то время как количество альбомов в целом «продолжит снижаться по мере того, как количество постальбомных альбомов будет расти». эпоха становится все более заметной». [103]
В 2022 году Майкл Крэгг написал статью для журнала iD , в которой задался вопросом, была ли Свифт «нашей последней настоящей поп-звездой», отметив ее способность сочетать традиционные методы маркетинга поп-музыки, такие как метанарративы на основе альбомов и массовые концертные туры, с современная тактика, такая как воздержание от выпуска песен перед выходом альбома. Указывая на выпуск своего альбома Midnights (2022) и продолжающийся всю карьеру Eras Tour , Крэгг написала, что Свифт «использовала чувство поп-общения» как «свою собственную верховную жрицу» и создала «истерию, невиданную со времен золотая эра индустрии». [104]
