Ксилография — это техника рельефной печати в печатном деле . Художник вырезает изображение на поверхности деревянного блока — обычно с помощью выемок — оставляя печатающие части на одном уровне с поверхностью, удаляя непечатающие части. Области, которые художник вырезает, не содержат чернил, в то время как символы или изображения на уровне поверхности содержат чернила для создания оттиска. Блок вырезается вдоль волокон древесины (в отличие от гравюры на дереве , где блок вырезается в торцевой части). Поверхность покрывается чернилами путем прокатывания по поверхности покрытым чернилами валиком ( брайером ), оставляя чернила на плоской поверхности, но не в непечатаемых областях.
Можно печатать несколько цветов, накладывая бумагу на рамку вокруг деревянных дощечек (используя разные дощечки для каждого цвета). Искусство вырезания ксилографии можно назвать «ксилографией», но в английском языке это слово редко используется для обозначения изображений в отдельности, хотя это слово и «ксилографический» используются в связи с ксилографическими книгами , которые представляют собой небольшие книги, содержащие текст и изображения в одном блоке. Они стали популярны в Европе во второй половине XV века. Однолистовая ксилография — это ксилография, представленная как отдельное изображение или отпечаток , в отличие от книжной иллюстрации.
Со времени своего зарождения в Китае, практика гравюры на дереве распространилась по всему миру от Европы до других частей Азии и Латинской Америки. [1]
И в Европе, и в Восточной Азии традиционно художник только проектировал гравюру на дереве, а резьба по блоку была оставлена специалистам-ремесленникам, называемым формшнайдерами или резчиками блоков , некоторые из которых стали хорошо известны сами по себе. Среди них наиболее известны Иеронимус Андреа 16-го века (который также использовал «Формшнайдер» в качестве своей фамилии), Ганс Люцельбургер и Йост де Негкер , все они управляли мастерскими, а также работали печатниками и издателями. Формшнайдер, в свою очередь, передавал блок специализированным печатникам. Были и другие специалисты, которые делали чистые блоки.
Вот почему в музеях или книгах гравюры на дереве иногда описываются как «созданное», а не «созданное» художником; но большинство авторитетов не используют это различие. Разделение труда имело то преимущество, что обученный художник мог относительно легко адаптироваться к среде, без необходимости изучать использование инструментов для обработки дерева .
Существовали различные методы переноса нарисованного художником дизайна на блок, по которому мог следовать резчик. Либо рисунок наносился непосредственно на блок (часто предварительно отбеливаемый), либо рисунок на бумаге приклеивался к блоку. В любом случае рисунок художника уничтожался в процессе резки. Применялись и другие методы, включая калькирование.
В Европе и Восточной Азии в начале 20 века некоторые художники начали выполнять весь процесс самостоятельно. В Японии это движение называлось sōsaku-hanga (創作版画, креативные отпечатки ) , в отличие от shin-hanga (新版画, новые отпечатки ) , движения, которое сохраняло традиционные методы. На Западе многие художники вместо этого использовали более простую технику линогравюры .
По сравнению с методами глубокой печати , такими как травление и гравировка , для печати требуется лишь низкое давление. В качестве метода рельефа необходимо только покрыть блок чернилами и привести его в плотный и ровный контакт с бумагой или тканью, чтобы получить приемлемый отпечаток. В Европе обычно использовались различные виды древесины, включая самшит и несколько видов ореховой и фруктовой древесины, таких как груша или вишня; [2] в Японии предпочитали древесину вишневого вида Prunus serrulata . [ необходима цитата ]
Следует рассмотреть три способа печати:
Ксилография возникла в Китае в древности как метод печати на текстиле, а позднее на бумаге. Самые ранние сохранившиеся фрагменты ксилографии относятся к Китаю, к династии Хань (до 220 г.), и представляют собой шелк с напечатанными цветами в трех цветах. [4] «В XIII веке китайская техника ксилографии была передана в Европу». [5] Бумага прибыла в Европу, также из Китая через Аль-Андалус , немного позже, и производилась в Италии к концу XIII века, а в Бургундии и Германии к концу XIV века.
В Европе гравюра на дереве является старейшей техникой, используемой для гравюр старых мастеров , которая появилась около 1400 года, используя на бумаге существующие методы печати. Одна из самых древних одностворчатых гравюр на дереве на бумаге, которую можно увидеть сегодня, — это Огненная Мадонна ( Madonna del Fuoco на итальянском языке) в соборе Форли в Италии. Первоначально религиозные сюжеты, часто очень маленькие, были наиболее распространенными. Многие из них продавались паломникам по месту назначения и приклеивались к стенам в домах, внутри крышек коробок, а иногда даже включались в повязки на раны, которые, как суеверно считалось, способствовали заживлению.
Взрыв продаж дешевых гравюр на дереве в середине века привел к падению стандартов, и многие популярные гравюры были очень грубыми. Развитие штриховки последовало гораздо позже, чем гравюра . Михаэль Вольгемут сыграл важную роль в том, чтобы сделать немецкие гравюры на дереве более сложными примерно с 1475 года, а Эрхард Ройвич был первым, кто использовал перекрестную штриховку (гораздо сложнее, чем гравюра или офорт ). Оба они создавали в основном книжные иллюстрации, как и различные итальянские художники, которые также повышали стандарты там в тот же период. В конце века Альбрехт Дюрер вывел западную гравюру на дереве на уровень, который, как утверждают, никогда не был превзойден, и значительно повысил статус «однолистовой» гравюры на дереве (т. е. изображения, продаваемого отдельно). Он на короткое время сделал ее эквивалентной по качеству и статусу гравюрам, прежде чем сам обратился к ним.
В первой половине XVI века высококачественные гравюры на дереве продолжали производиться в Германии и Италии, где Тициан и другие художники организовали некоторые из них. Большой интерес был связан с развитием светотеневой гравюры на дереве , используя несколько досок, напечатанных разными цветами.
Поскольку и ксилография, и подвижный шрифт являются рельефными, их можно легко печатать вместе. Следовательно, ксилография была основным средством для иллюстраций книг до конца шестнадцатого века. Первая ксилография для книжной иллюстрации датируется примерно 1461 годом, всего через несколько лет после начала печати подвижным шрифтом, напечатанная Альбрехтом Пфистером в Бамберге . Ксилография использовалась реже для отдельных («однолистовых») художественных гравюр примерно с 1550 года до конца девятнадцатого века, когда интерес к ней возродился. Она оставалась важной для популярных гравюр до девятнадцатого века в большей части Европы, а позднее в некоторых местах.
Искусство достигло высокого уровня технического и художественного развития в Восточной Азии и Иране . Ксилография в Японии называется моку-ханга и была введена в XVII веке как для книг, так и для произведений искусства. Популярный жанр «плавающего мира» укиё-э возник во второй половине XVII века с монохромными или двухцветными отпечатками. Иногда их раскрашивали вручную после печати. Позже были разработаны отпечатки со многими цветами. Японская гравюра на дереве стала основной художественной формой, хотя в то время ей придавался гораздо более низкий статус, чем живописи. Она продолжала развиваться вплоть до XX века.
Эта техника просто вырезает изображение в основном тонкими линиями, похоже на довольно грубую гравюру. Блок печатается обычным способом, так что большая часть отпечатка черная, а изображение создается белыми линиями. Этот процесс был изобретен швейцарским художником шестнадцатого века Урсом Графом , но стал наиболее популярным в девятнадцатом и двадцатом веках, часто в измененной форме, где изображения использовали большие области белой линии, контрастирующие с областями в обычном стиле черной линии. Это было впервые сделано Феликсом Валлоттоном .
В 1860-х годах, как раз когда сами японцы начали узнавать о западном искусстве в целом, японские гравюры начали поступать в Европу в значительных количествах и стали очень модными, особенно во Франции. Они оказали большое влияние на многих художников, в частности, на Эдуарда Мане , Пьера Боннара , Анри де Тулуз-Лотрека , Эдгара Дега , Поля Гогена , Винсента Ван Гога , Феликса Валлоттона и Мэри Кассат . В 1872 году Жюль Кларети окрестил это направление «Le Japonisme». [6]
Хотя японское влияние отразилось во многих художественных средствах, включая живопись, оно привело к возрождению ксилографии в Европе, которая находилась под угрозой исчезновения как серьезный вид искусства. Большинство из перечисленных выше художников, за исключением Феликса Валлоттона и Поля Гогена, фактически использовали литографию , особенно для цветных отпечатков. Ниже вы найдете информацию о японском влиянии в иллюстрациях для детских книг.
Художники, в частности Эдвард Мунк и Франц Мазерель , продолжали использовать эту среду, которая в модернизме стала привлекательной, поскольку было относительно легко завершить весь процесс, включая печать, в студии с небольшим количеством специального оборудования. Немецкие экспрессионисты много использовали гравюру на дереве.
Цветные гравюры на дереве впервые появились в Древнем Китае. Самыми древними из известных являются три буддийских изображения, датируемых X веком. Европейские гравюры на дереве с цветными блоками были изобретены в Германии в 1508 году и известны как кьяроскуро- гравюры на дереве (см. ниже). Однако цвет не стал нормой, как это произошло в Японии в укиё-э и других формах.
В Европе и Японии цветные гравюры на дереве обычно использовались только для печатных изданий, а не для книжных иллюстраций. В Китае, где индивидуальная гравюра не развивалась до девятнадцатого века, все наоборот, и ранние цветные гравюры на дереве в основном встречаются в роскошных книгах об искусстве, особенно в более престижной области живописи. Первым известным примером является книга о чернильницах, напечатанная в 1606 году, а цветная техника достигла своего расцвета в книгах по живописи, опубликованных в семнадцатом веке. Известными примерами являются « Трактат о картинах и сочинениях студии десяти бамбуков» Ху Чжэнъяня 1633 года [7] и « Руководство по живописи в саду горчичного зерна», опубликованное в 1679 и 1701 годах [8].
В Японии цветная техника, называемая нисики-э в ее полностью развитой форме, распространилась более широко и использовалась для гравюр с 1760-х годов. Текст был почти всегда монохромным, как и изображения в книгах, но рост популярности укиё-э повлек за собой спрос на все большее количество цветов и сложность техник. К девятнадцатому веку большинство художников работали в цвете. Этапы этого развития были следующими:
В 19 веке в Европе был разработан ряд различных методов цветной печати с использованием гравюры на дереве (технически хромоксилография ). В 1835 году Джордж Бакстер запатентовал метод, использующий печатную форму для глубокой печати (или иногда литографию ), напечатанную черным или темным цветом, а затем напечатанную до двадцати различных цветов с деревянных досок. Эдмунд Эванс использовал рельеф и дерево повсюду, с одиннадцатью различными цветами, и в последнее время специализировался на иллюстрациях для детских книг, используя меньше блоков, но нанося поверх несплошные области цвета для достижения смешанных цветов. Такие художники, как Рэндольф Колдекотт , Уолтер Крейн и Кейт Гринуэй, находились под влиянием японской гравюры, которая теперь была доступна и модна в Европе, чтобы создать подходящий стиль с плоскими областями цвета.
В 20 веке Эрнст Людвиг Кирхнер из группы Die Brücke разработал процесс создания цветных гравюр на дереве с использованием одного блока, нанося на блок различные цвета кистью à la poupée , а затем печатая (что-то среднее между гравюрой на дереве и монотипией ). [9] Замечательным примером этой техники является гравюра на дереве «Портрет Отто Мюллера» 1915 года из коллекции Британского музея . [10]
Ксилография «Кьяроскуро» — это гравюры старых мастеров в ксилографии, использующие два или более блоков, напечатанных разными цветами; они не обязательно содержат сильные контрасты света и тени. Они были впервые созданы для достижения эффектов, похожих на эффекты кьяроскуро. После некоторых ранних экспериментов в книгопечатании, настоящая ксилография «Кьяроскуро», задуманная для двух блоков, вероятно, была впервые изобретена Лукасом Кранахом Старшим в Германии в 1508 или 1509 году, хотя он датировал задним числом некоторые из своих первых отпечатков и добавлял тоновые блоки к некоторым отпечаткам, впервые выпущенным для монохромной печати, за которым быстро последовал Ганс Бургкмайр . [11] Несмотря на притязания Джорджо Вазари на итальянский приоритет в Уго да Карпи , очевидно, что его первые итальянские образцы датируются примерно 1516 годом. [12] [13]
Другие граверы , использовавшие эту технику, включают Ганса Бальдунга и Пармиджанино . В немецких государствах эта техника широко использовалась в течение первых десятилетий шестнадцатого века, но итальянцы продолжали использовать ее на протяжении всего столетия, а более поздние художники, такие как Хендрик Гольциус, иногда использовали ее. В немецком стиле один блок обычно имел только линии и назывался «линейным блоком», в то время как другой блок или блоки имели плоские области цвета и назывались «тоновыми блоками». Итальянцы обычно использовали только тоновые блоки для совершенно другого эффекта, гораздо более близкого к рисункам светотени, для которых этот термин изначально использовался, или к акварельным картинам . [14]
Шведский гравер Торстен Биллман (1909–1989) разработал в 1930–1940-х годах вариант техники светотени с несколькими серыми тонами из обычной типографской краски. Историк искусств Гуннар Юнгмаркер (1902–1983) в Национальном музее Стокгольма назвал эту технику «гравюрой на дереве гризайль». Это трудоемкий процесс печати, предназначенный исключительно для ручной печати, с несколькими серыми деревянными блоками помимо черно-белого ключевого блока. [15]
Гравюра на дереве стала популярной формой искусства в Мексике в начале-середине 20-го века. [1] В Мексике этот вид искусства использовался для выражения политических волнений и был формой политического активизма, особенно после Мексиканской революции (1910–1920). В Европе, России и Китае искусство гравюры на дереве также использовалось в это время для распространения левых взглядов, таких как социализм, коммунизм и антифашизм. [16] В Мексике этот стиль искусства стал популярным благодаря Хосе Гваделупе Посаде , который был известен как отец графического искусства и гравюры в Мексике и считается первым мексиканским современным художником. [17] [18] Он был сатирическим карикатуристом и гравером до и во время Мексиканской революции , и он популяризировал мексиканское народное и коренное искусство. Он создал гравюры на дереве с изображением культовых фигур скелетов ( калаверас ), которые сегодня занимают видное место в мексиканском искусстве и культуре (например, в «Тайне Коко » студии Disney Pixar ). [19] Дополнительную информацию о калаверах Посады см. в La Calavera Catrina .
В 1921 году французский гравер Жан Шарло переехал в Мехико . Осознавая важность гравюр на дереве Посады, он начал преподавать технику гравюры на дереве в школах искусств под открытым небом в Койоакане . Многие молодые мексиканские художники посещали эти уроки, включая Фернандо Леаля . [17] [18] [20]
После Мексиканской революции страна переживала политические и социальные потрясения — были забастовки рабочих, протесты и марши. Для этих мероприятий требовались дешевые, массово производимые визуальные отпечатки, которые можно было наклеить на стены или раздать во время протестов. [17] Информацию нужно было быстро и дешево распространять среди широкой общественности. [17] В то время многие люди все еще были неграмотными, и после Революции был натиск на широкое образование. В 1910 году, когда началась Революция, только 20% мексиканцев умели читать. [21] Искусство считалось очень важным в этом деле, и политические художники использовали журналы и газеты, чтобы доносить свои идеи с помощью иллюстраций. [18] El Machete (1924–29) был популярным коммунистическим журналом, который использовал гравюры на дереве. [18] Искусство гравюры на дереве хорошо послужило, потому что это был популярный стиль, который многие могли понять.
Художники и активисты создали коллективы, такие как Taller de Gráfica Popular (TGP) (1937–настоящее время) и The Treintatreintistas (1928–1930), чтобы создавать гравюры (многие из которых были гравюрами на дереве), которые отражали их социалистические и коммунистические ценности. [22] [20] TGP привлекал художников со всего мира, включая афроамериканского гравера Элизабет Кэтлетт , чьи гравюры на дереве позже повлияли на искусство социальных движений в США в 1960-х и 1970-х годах. [1] Treintatreintistas даже обучали рабочих и детей. Инструменты для гравюры на дереве легкодоступны, а методы просты в освоении. Это считалось искусством для народа. [20]
Мексика в это время пыталась найти свою идентичность и развить себя как единую нацию. Форма и стиль эстетики ксилографии позволили разнообразному спектру тем и визуальной культуры выглядеть едиными. Традиционные, народные образы и авангардные, современные образы разделяли схожую эстетику, когда они были выгравированы на дереве. Образ сельской местности и традиционного фермера казался похожим на образ города. [20] Эта символика была выгодна политикам, которые хотели единой нации. Физические действия резьбы и печати ксилографии также поддерживали ценности, которых многие придерживались в отношении ручного труда и поддержки прав трудящихся. [20]
Сегодня в Мексике традиция активистской гравюры на дереве все еще жива. В Оахаке во время протестов 2006 года в Оахаке был сформирован коллектив под названием Asamblea De Artistas Revolucionarios De Oaxaca (ASARO) . Они стремятся к социальным изменениям посредством искусства гравюры на дереве. [23] Их гравюры превращаются в плакаты из пшеничной пасты, которые тайно развешиваются по всему городу. [24] Артермио Родригес — еще один художник, живущий в Такамбаро, штат Мичоакан, который создает политически заряженные гравюры на дереве, посвященные современным проблемам. [1]
Европа
Япония ( Укиё-э )
В некоторых частях света (например, в Арктике ), где древесина редка и дорога, используется техника гравюры на дереве, а в качестве носителя для гравированного изображения используется камень. [25]
,_Malo-Renault_(1870-1938).jpg/1280px-Bois-grav%C3%A9s,_Menu_des_Cent_Bibliophiles_(1922),_Malo-Renault_(1870-1938).jpg)
![Современная [когда?] гравюра на дереве «Картина карпа», живопись Донг Хо, Вьетнам.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/68/Tranh_%C4%90%C3%B4ng_H%E1%BB%93_-_C%C3%A1_ch%C3%A9p.jpg/1280px-Tranh_%C4%90%C3%B4ng_H%E1%BB%93_-_C%C3%A1_ch%C3%A9p.jpg)