В музыке монтаж (дословно «складывание») или звуковой коллаж («склеивание») — это техника, при которой новые фирменные звуковые объекты или композиции , включая песни, создаются из коллажа , также известного как Musique concrète . Это часто делается с помощью сэмплирования , в то время как некоторые звуковые коллажи производятся путем склеивания секторов разных виниловых пластинок . Как и его визуальный кузен, звуковые коллажи могут иметь совершенно иной эффект, чем у составных частей, даже если исходные части узнаваемы или происходят из одного источника. Аудиоколлаж был особенностью аудиоискусства Джона Кейджа , Fluxus , постмодернистского хип-хопа и постконцептуального цифрового искусства .
Истоки звукового коллажа можно проследить до программной сонаты Бибера «Батталия» (1673) и «Дон Жуана» Моцарта (1789), а также некоторых отрывков из симфоний Малера в качестве коллажа, но первые полностью разработанные коллажи встречаются в нескольких работах Чарльза Айвза , чье произведение «Центральный парк в темноте » (1906) создает ощущение прогулки по городу путем наложения друг на друга нескольких отдельных мелодий и цитат.
Более ранние традиционные формы и процедуры, такие как кводлибет , попурри , попурри и центонизация, отличаются от коллажа тем, что различные элементы в них сделаны так, чтобы плавно подходить друг к другу, тогда как в коллаже столкновения тональности, тембра, текстуры, метра, темпа или другие несоответствия важны для сохранения индивидуальности составных элементов и передачи впечатления неоднородной сборки. [1] Однако то, что делало их технику истинным коллажем, — это сопоставление цитат и не связанных между собой мелодий либо путем их наложения друг на друга, либо путем быстрого перемещения между ними.
Первым задокументированным примером звукового коллажа, созданного в виде электронной музыки , является Wochenende (на английском языке Weekend ), коллаж из слов, музыки и звуков, созданный кинорежиссером и медиа-художником Вальтером Руттманном в 1928 году. [2] Позже, в 1948 году, Пьер Шеффер использовал технику звукового коллажа для создания первой части musique concrète , Étude aux chemins de fer , которая была собрана из записей поездов . Шеффер создал эту часть, записав звуки поездов на несколько виниловых пластинок , некоторые из которых имели канавки блокировки, позволяющие им воспроизводиться в непрерывном цикле. Затем он установил несколько проигрывателей в своей студии, что позволило ему запускать и смешивать различные звуки поездов по мере необходимости. [3]
По словам музыкального теоретика Кристины Лосады, третья часть « Симфонии » Лучано Берио часто считается «прототипом музыкального коллажа». [4] В эссе, написанном в 1937 году, Джон Кейдж выразил интерес к использованию внемузыкальных звуковых материалов [5] и пришел к различию между найденными звуками, которые он называл шумом , и музыкальными звуками, примерами которых были: дождь, статические помехи между радиоканалами и «грузовик со скоростью пятьдесят миль в час». В 1939 году Кейдж начал создавать серию работ с найденными звуками, которые исследовали его заявленные цели, первой из которых была «Воображаемый ландшафт № 1» для инструментов, включая два проигрывателя с переменной скоростью с частотными записями. [6]
Важные произведения современного звукового коллажа были созданы Пьером Шеффером и Groupe de Recherches Musicales . В 1950-х и начале 1960-х годов Шеффер, Пьер Анри , Оливье Мессиан , Пьер Булез , Жан Барраке , Карлхайнц Штокхаузен , Эдгар Варез , Яннис Ксенакис , Мишель Филиппо и Артур Онеггер — все работали со звуковым коллажем. Примерами являются «Этюд I» (1951) и «Этюд II» (1951) Булеза, «Тембры-дюре» (1952) Мессиана, «Этюд aux mille collants» (1952) Штокхаузена, «Микрофон bien tempéré» (1952) и «Вуаль Орфея» (1953). ) Генри, Этюд I (1953) Филиппо, «Этюд» (1953) Барраке, смешанные пьесы « Toute la lyre» (1951) и «Орфея 53» (1953) Шеффера/Генри, а также музыка к фильму «Маскараж» (1952) Шеффера и «Астрология» (1953) Генри. . В 1954 году Варез и Онеггер создали «Пустыни» и «La rivière endormie ». Джон Кейдж создал свою влиятельную коллажную работу «Williams Mix» в 1952 году. Совсем недавно Джордж Рохберг использовал коллаж в «Contra Mortem et Tempus» и «Symphony No. 3» . [7] В 1980-х годах Миной создал множество многодорожечных звуковых композиций в стиле палимпсеста, использующих звуковой коллаж.
Микромонтаж — это использование монтажа на временной шкале микрозвуков . Его основным сторонником является композитор Орасио Ваджоне в таких работах, как Octuor (1982), Thema (1985, Wergo 2026-2) и Schall (1995, Mnémosyne Musique Média LDC 278–1102). Техника может включать в себя извлечение и расположение звуковых частиц из образца или создание и точное размещение каждой частицы для создания сложных звуковых узоров или отдельных частиц ( транзиентов ). Это может быть достигнуто с помощью графического редактирования, сценария или автоматизировано с помощью компьютерной программы. [8] Гранулярный синтез включает в себя многие из методов микромонтажа, хотя гранулярный синтез неизбежно автоматизирован, в то время как микромонтаж может быть реализован напрямую, точка за точкой. «Поэтому он требует необычайного терпения» и может быть сравнен с пуантилистическими картинами Жоржа Сёра . [8]
Freak Out!, дебютный альбом 1966 года группы Mothers of Invention , использовал авангардный звуковой коллаж, в частности, заключительный трек « The Return of the Son of Monster Magnet ». [9] The Beatles включили звуковой коллаж в свой одноименный двойной альбом 1968 года (также известный как Белый альбом ) с треком « Revolution 9 ». [10] [11] Uncut писал, что Requia Джона Фэйи использовал медитативное гитарное соло с экспериментами с коллажем на плёнке в «Requiem for Molly». [12]
Beatles' Revolution 9 принесли экспериментальную музыку мировой аудитории.
... свобода, которую они себе дали, чтобы создавать экспериментальные работы, такие как «Революция 9».