Оп-арт , сокращение от оптического искусства , представляет собой стиль визуального искусства , использующий оптические иллюзии . [1]
Оп-арты абстрактны, многие наиболее известные произведения созданы в черно-белых тонах. Обычно они создают у зрителя впечатление движения, скрытых изображений, мигающих и вибрирующих узоров, вздутия или деформации.
Иллюзионизм , ориентированный на восприятие расширенного пространства внутри плоской картины, встречается с самых ранних этапов истории искусства. Однако предшественники оп-арта, с точки зрения графических эффектов и заботы об экзотических оптических иллюзиях, можно проследить до неоимпрессионизма , кубизма , футуризма , конструктивизма и дадаизма . [2] Дивизионисты , группа художников-неоимпрессионистов, пытались увеличить видимую яркость своих картин, прибегая к оптике и оптическим иллюзиям . [3] Ласло Мохой-Надь создавал фотооп-арт и преподавал этот предмет в Баухаусе ; один из его уроков заключался в том, что ученикам приходилось проделывать дырки в карточках, а затем фотографировать их. [ нужна цитата ]
Журнал Time ввел термин « оп-арт» в 1964 году в ответ навыставку Джулиана Станчака «Оптические картины» в галерее Марты Джексон , чтобы обозначить форму абстрактного искусства (в частности, беспредметного искусства), в которой используются оптические иллюзии. [4] [5] Работы, которые сейчас называют «оп-артом», были созданы за несколько лет до появления статьи в журнале Time в 1964 году. Например,картина Виктора Вазарели «Зебры» (1938) целиком состоит из криволинейных черно-белых полос, не заключенных в контурные линии. Следовательно, полосы кажутся одновременно сливающимися и вырывающимися из окружающего фона. Кроме того, ранние черно-белые «ослепляющие» панели, которые Джон Макхейл установил на выставке «Это завтра» в 1956 году, и его серия «Пандора» в Институте современного искусства в 1962 году демонстрируют тенденции прототипного искусства. Мартин Гарднер описал оп-арт и его связь с математикой в своей колонке «Математические игры» в журнале Scientific American в июле 1965 года . В Италии Франко Гриньяни , который изначально учился на архитектора, стал ведущей силой графического дизайна, где центральное место занимало оп-арт или кинетическое искусство . Его логотип Woolmark (выпущенный в Великобритании в 1964 году), вероятно, самый известный из всех его дизайнов. [6]
Оп-арт , возможно, более тесно связан с конструктивистскими практиками Баухауза . [7] Эта немецкая школа, основанная Вальтером Гропиусом , подчеркивала взаимосвязь формы и функции в рамках анализа и рациональности. Студенты научились концентрироваться на общем замысле или всей композиции, чтобы представить единые произведения. Оп-арт также происходит от обмана и анаморфозы . Также были установлены связи с психологическими исследованиями, особенно с теорией гештальта и психофизиологией . [2] Когда Баухауз был вынужден закрыться в 1933 году, многие из его преподавателей бежали в Соединенные Штаты. Там движение укоренилось в Чикаго и, в конечном итоге, в колледже Блэк-Маунтин в Эшвилле, Северная Каролина , где в конечном итоге преподавали Анни и Джозеф Альберс . [8]
Таким образом, оп-артистам удавалось использовать различные явления, — пишет Поппер, — остаточное изображение и последовательное движение; линейные помехи; эффект ослепления; неоднозначные фигуры и обратимая перспектива; последовательные цветовые контрасты и хроматическая вибрация; а в трехмерных работах разные точки зрения и наложение элементов в пространстве. [2]
В 1955 году на выставке « Движения» в галерее Дениз Рене в Париже Виктор Вазарели и Понтус Хюльтен в своем «Желтом манифесте» представили некоторые новые кинетические выражения, основанные на оптических и световых явлениях, а также живописном иллюзионизме. Выражение кинетического искусства в этой современной форме впервые появилось в Музее гештальтунга в Цюрихе в 1960 году и получило свое основное развитие в 1960-х годах. В большинстве европейских стран оно обычно включает в себя форму оптического искусства, в которой в основном используются оптические иллюзии , такие как оп-арт, а также искусство, основанное на движении, представленное Яковом Агамом , Карлосом Крус-Диесом , Хесусом Рафаэлем Сото , Грегорио Варданегой или Николасом. Шеффер . С 1961 по 1968 год Groupe de Recherche d'Art Visual (GRAV), основанная Франсуа Морелле , Хулио Ле Парком , Франсиско Собрино , Орасио Гарсиа Росси, Иваралом , Жоэлем Штайном и Верой Мольнар , представляла собой коллективную группу оптокинетических художников, которая: согласно его манифесту 1963 года, — апеллировал к прямому участию общественности с влиянием на ее поведение, в частности, посредством использования интерактивных лабиринтов .
Некоторые члены группы Nouvelle Tendance (1961–1965) в Европе также занимались оп-артом, например Альмир Мавинье и Герхард фон Гревениц , в основном своей сериграфикой. Они изучали оптические иллюзии. Термин «оп» раздражал многих художников, входящих в его состав, особенно Альберса и Станчака. После появления этого термина они обсуждали более подходящее название, а именно перцептивное искусство . [9] С 1964 года Арнольд Шмидт ( Arnold Alfred Schmidt ) провел несколько персональных выставок своих больших черно-белых оптических картин в галерее Terrain в Нью-Йорке. [10]
В 1965 году, с 23 февраля по 25 апреля, выставка под названием « Отзывчивый глаз» , созданная Уильямом Зейтцем, прошла в Музее современного искусства в Нью-Йорке и побывала в Сент-Луисе, Сиэтле, Пасадене и Балтиморе. [11] [12] Представленные работы были широкими, охватывая минимализм Фрэнка Стеллы и Эллсворта Келли , плавную пластику Александра Либермана , совместные усилия группы Anonima , наряду с известными Войцехом Фангором , Виктором Вазарели , Джулиан Станчак , Ричард Анушкевич , Вэнь-Ин Цай , Бриджит Райли и Гетулио Альвиани . Выставка сосредоточилась на перцептивных аспектах искусства, которые возникают как в результате иллюзии движения, так и взаимодействия цветовых отношений.
Выставка имела успех у публики (посещаемость составила более 180 000 человек), [13] но меньший успех у критиков. [14] Критики отвергли оп-арт как изображение не более чем обмана или трюков, обманывающих глаз. Тем не менее, признание публики возросло, и изображения оп-арта использовались в ряде коммерческих контекстов. Одной из ранних работ Брайана де Пальмы стал документальный фильм о выставке. [15]
Оп-арт — это перцептивный опыт, связанный с тем, как функционирует зрение. Это динамичное визуальное искусство, возникающее из диссонирующих отношений фигуры и фона , которые ставят два плана — передний план и фон — в напряженное и противоречивое сопоставление. Художники создают оп-арт двумя основными способами. Первый, наиболее известный метод — создание эффектов с помощью узора и линий. Часто эти картины черно-белые или оттенки серого ( гризайль ) — как в ранних картинах Бриджит Райли, таких как «Текущее» (1964), на обложке каталога «Отзывчивый глаз» . Здесь черно-белые волнистые линии расположены близко друг к другу на поверхности холста, создавая изменчивую связь фигуры и фона. Гетулио Альвиани использовал алюминиевые поверхности, которые он обработал для создания световых узоров, которые меняются при движении наблюдателя (вибрирующие текстурированные поверхности). Другая реакция, которая возникает, заключается в том, что линии создают остаточные изображения определенных цветов из-за того, как сетчатка получает и обрабатывает свет. Как показывает Гете в своем трактате «Теория цвета» , на границе, где встречаются свет и тьма, возникает цвет, потому что светлота и темнота являются двумя центральными свойствами в создании цвета. [ нужна цитата ]
Начиная с 1965 года Бриджит Райли начала создавать цветной оп-арт; [16] однако другие художники, такие как Юлиан Станчак и Рихард Анушкевич , всегда были заинтересованы в том, чтобы сделать цвет основным направлением своей работы. [17] Йозеф Альберс обучал этих двух основных практиков школы «Цветовая функция» в Йельском университете в 1950-х годах. Часто в работах колористов преобладают одни и те же проблемы движения фигуры и фона, но к ним добавляется элемент контрастных цветов, которые производят различное воздействие на глаз. Например, в «храмовых» картинах Анушкевича сопоставление двух сильно контрастирующих цветов вызывает ощущение глубины иллюзионистского трехмерного пространства, так что кажется, будто архитектурная форма вторгается в пространство зрителя.
Хотя оп-арт — уникальный стиль, он имеет сходство с такими стилями, как абстрактный экспрессионизм ( живопись цветового поля ). Хотя живопись цветового поля не дает нам иллюзий, сходство все же можно найти. Мы видим, что оба этих стиля минималистичны, преобладает лишь несколько цветов, ни один объект или сюжет не показаны. Эти стили могут вызывать у нас эмоции, так как четкого сюжета нет, человеческий разум сам представляет и интерпретирует его по-своему. Холодные цвета обычно ассоциируются с грустью, а теплые – с радостью. Также для оп-арта и живописи цветового поля характерно то, что изображение эстетично и упорядочено.
{{cite book}}: CS1 maint: постскриптум ( ссылка )
