.jpg/1280px-Michelangelo's_Piet%C3%A0,_St_Peter's_Basilica_(1498%E2%80%9399).jpg)
Скульптура эпохи Возрождения понимается как процесс восстановления скульптуры классической античности . Скульпторы находили в художественных остатках и в открытиях мест той ушедшей эпохи идеальное вдохновение для своих работ. Они также вдохновлялись природой. В этом контексте мы должны принять во внимание исключение фламандских художников в Северной Европе, которые, в дополнение к преодолению образного стиля готики , продвигали Ренессанс, чуждый итальянскому, особенно в области живописи. [1] Возрождение античности с отказом от средневековья, которое для Джорджо Вазари «было миром готов», [2] и признание классики со всеми ее вариантами и нюансами было явлением, которое развивалось почти исключительно в итальянской скульптуре эпохи Возрождения . Искусство эпохи Возрождения преуспело в интерпретации природы и переводе ее со свободой и знанием во множество шедевров. [3]
Скульптура эпохи Возрождения взяла за основу и модель произведения классической античности и ее мифологию , с новым видением гуманистической мысли и функции скульптуры в искусстве. Как и в греческой скульптуре, натуралистическое представление обнаженного человеческого тела было достигнуто с помощью высокосовершенной техники, благодаря тщательному изучению человеческой анатомии . В Италии мирские и религиозные темы сосуществовали в равной степени; это было не так в других странах, таких как Испания и Германия, где преобладали религиозные темы. [4]
Человеческое тело представляло собой абсолютную Красотку , математическое соответствие между частями которой было хорошо определено, и контрапост постоянно использовался от Донателло до Микеланджело . Именно в это время скульптура была практически освобождена от архитектурных рамок, рельефы создавались с соблюдением правил перспективы , а персонажи изображались с драматическими выражениями, что приводило к ощущению большой terribilità в чувствах, выраженных в скульптурах Микеланджело, как в лице его Давида . [5]
Основную роль играла фигура мецената , представленного церковью и дворянами, которые своим покровительством добивались социального престижа и политической пропаганды и охватывали все темы: религиозные, мифологические, бытовые, портреты персонажей и т. д. [6]
С эпохой Возрождения вновь появилась греко-римская глиптика , которая была почти полностью забыта в Средние века в тонкой резьбе по камню (за исключением нескольких примеров византийского искусства), а с XVI века стали высекаться драгоценные камеи классического вкуса, настолько совершенные, что иногда их можно было спутать с древними. Однако использование тонкой резьбы по камню, столь любимой греческой и римской цивилизациями, едва ли было восстановлено. Эти небольшие рельефы служили моделью, когда-то увеличенной, для украшения скульпторами больших медальонов для дворцов в Италии и Франции. [7]
Скульптура эпохи Возрождения использовала все виды материалов, в основном мрамор , бронзу и дерево. Репродукции статуэток из бронзы были широко распространены в эпоху Возрождения, благодаря большому числу коллекционеров. Во Флоренции инициаторами были Антонио Поллайоло ( Геркулес и Антей ) и Андреа дель Верроккьо ( Крылатый мальчик с рыбой ), заказанные Медичи . Из мастерской Леонардо да Винчи сохранились небольшие бронзовые изделия с вздыбленной лошадью высотой 23 см [8] . Мантуанский скульптор Пьер Якопо Алари Бонакольси , прозванный Антико, обосновался в Риме для выполнения бронзовых редукций античных мраморов. [9]
Древесину использовали в таких странах, как Германия и Испания , где лесные богатства и традиционная работа с полихромным деревом были глубоко укоренены; ее использовали при создании религиозных изображений, алтарей и жертвенников. [10]
Терракота использовалась как более экономичный материал, в натуральном цвете и полихромии, как это использовали Антонио Росселлино и его ученик Маттео Чивитали в Богоматери Благовещения в церкви Слуг Лукки . Итальянский художник Пьетро Торриджано создал в Испании несколько скульптур из полихромной глины, некоторые из них хранятся в Музее изящных искусств Севильи . [11] Луке делла Роббиа , который следовал стилю Донателло, приписывают изобретение эмалированной глины, которую он использовал в табернакле Санта Мария Новелла во Флоренции в сочетании с мрамором, чтобы придать цвет работе, а позже в тондо и Мадоннах ; его мастерская, за которой последовал его племянник Андреа делла Роббиа , произвела большое количество работ из эмалированной терракоты, которые распространились по всей Европе. [12] Это достигло разных частей света, поскольку является проявлением чувств и истории.
Техника резьбы по мрамору была восстановлена в эпоху Возрождения с тем совершенством, которое она имела в классический период. Начиная с эпохи Возрождения, ручное сверло или трепан использовались для удаления камня на определенную глубину. Этот инструмент использовался независимо от того, была ли скульптура сделана прямой резьбой, как иногда делал Микеланджело , или использовалось прошлое точек с модели, сделанной из гипса, как это обычно делали такие художники, как Джамболонья , чьи отмеченные точки можно увидеть на многих его скульптурах. Донателло использовал греческий метод обработки блока по кругу, но Микеланджело вырезал его с одной стороны. [13] Вот как Бенвенуто Челлини описал это:
Лучший метод, когда-либо применявшийся Микеланджело : нарисовав на блоке основную перспективу, он начал отрывать мрамор с одной стороны, как будто намереваясь создать рельеф и таким образом, шаг за шагом, вывести всю фигуру целиком. [14]
- Бенвенуто Челлини о Мигеле Анхехе, эскульторе.
Для бронзовых изделий изделие должно было быть предварительно изготовлено из глины или воска для последующей отливки ; затем его обтесывали, чтобы устранить возможные дефекты литья, поверхность полировали абразивами и по вкусу скульптора добавляли патину. [13]
Резьба по дереву, распространенная в основном в Северной Европе и Испании, могла также выполняться методом прямой резьбы по деревянному блоку с выполнением небольшого эскиза для руководства или по предыдущей модели в гипсе или глине, а также проходить по ней точками, как в мраморе. [13]
Эпоха Возрождения приняла основные элементы, описанные Витрувием , который считал:
... что пропорция человеческой формы должна была служить парадигмой для пропорций творений человека. Поскольку природа спроектировала человеческое тело таким образом, что его члены должным образом пропорциональны фигуре в целом, то, по-видимому, у древних были веские основания для их правила, которое гласит, что в совершенных зданиях различные члены должны иметь точные симметричные отношения к общей схеме в целом.
- Витрувий (I век), в D'Architectura
Композиция человеческой фигуры основывалась на поиске совершенства в анатомии , о котором многие художники этого периода приобрели реальные знания через практику вскрытий для изучения. [15] Первой отдельно стоящей скульптурой эпохи Возрождения, которая показывала гармонию обнаженной натуры, был Давид Донателло в кватроченто , в котором влияние стиля Праксителя можно было оценить с помощью легкого контрапоста для достижения равновесия в композиции. В последующие годы знание анатомии человека приобретало большое совершенство, пока не достигло полного контрапоста . Выражения лиц перестали быть иератическими и отсутствующими, чтобы показать внутренние чувства; так называемая ренессансная terribilità ( Давид Микеланджело , около 1504 г.). В скульптурных группах религиозного характера проявилось сочетание натурализма с интенсивной экспрессивностью, флорентийское спокойствие исчезло перед страстями, проявленными персонажами с лицами, искаженными жестами отчаяния и боли, что видно в «Погребении Христа» Гвидо Маццони и Никколо дель Арка . [16] Скульптура развивалась в своей концепции и в композициях своих групп, пока не достигла типичной для маньеризма серпентинаты, что отчетливо видно в таких работах, как « Флорентийская Пьета» (Микеланджело) или «Похищение сабинянок» (Джамболонья). [ 17 ]
В рельефе архитектура и недавно приобретенные законы перспективы использовались для составления фонов представлений, как в знаменитых Вратах рая Гиберти или в рельефах с техникой stiacciato для алтаря Святого Антония в Падуе Донателло. Архитектурные сооружения были составлены в качестве фона, так же как это делал Джотто в своих картинах Проторенессанса. Некоторые итальянские бронзовые laudas были перевезены в Испанию, например, в соборе Бадахоса Лоренцо Суареса де Фигероа. [18]
Фламандская скульптура вместе со скульптурой германских стран развивалась с реализмом, который ценился во всех декоративных деталях, где скульптурная работа была представлена почти как работа ювелира, которая применялась в больших алтарях из дерева. Также в Испании готико-фламандское влияние вместе с итальянским влиянием отразилось в рельефах, таких как рельеф на одной из дверей собора Барселоны, выполненный фламандским скульптором Михаэлем Лохнером и Бартоломе Ордоньесом в итальянском стиле в заднем хоре того же собора. Рельефы вокруг саркофагов обычно представляли сцены из жизни усопших: их жизнь, чудеса и мученичество, если они были религиозными, или изображение сражений и военных подвигов, если они были знатными деятелями. Погребальные памятники развивали различные фазы композиции, от традиционной структуры погребальной плиты или статуи одинокого лежащего в саркофаге, используемой в средневековье, до гробниц, прикрепленных в обрамлении архитектурных элементов в виде триумфальной арки , и с результатом, похожим на алтарь, где на центральной улице находилась урна, обычно с фигурой лежащего на ней и аллегорическими фигурами в боковых улочках. Наконец, они были сделаны с изображением покойного в молитвенной позе, типичной для Испании и Франции. [19]
В эпоху Возрождения в Испании зародился стиль платереско , представлявший собой изменение способа украшения зданий скульптурными элементами в основном в итальянском стиле, не только в камне фасадов, но также в дереве и штукатурке в интерьерах зданий, основанных на исторических рельефах и растительных орнаментах, типичных для раннего Возрождения (называемых «in candelieri») с большими геральдическими щитами и путти вокруг них. [20]
Портреты-бюсты продолжали использоваться в Кватроченто с новой гуманистической концепцией, которая навязывала представление с большим физическим сходством, но также и с утверждением личности модели. По словам Альберти , художник должен был «характеризовать, но также устанавливать гармоничные отношения». Они были выполнены в бронзе, полихромной терракоте и мраморе ( Донателло , Верроккьо , Франческо Лаурана ). [21]
Статуя коня в натуральную величину из бронзы уже была обработана римскими скульпторами, такими как Марк Аврелий , тогда находившийся в соборе Святого Иоанна Латеранского ; также бронзовые лошади собора Святого Марка в Венеции послужили моделью для итальянского Возрождения и могут считаться источником вдохновения для Гаттамелаты Донателло и Коллеони Верроккьо . Исследования Леонардо да Винчи привели к изменению представления лошади, которая была поставлена на дыбы и в позе нападающего на врага; идея, вероятно, была взята из рельефов древних саркофагов. [22]
Историография делит этот период между XV и XVI веками на два этапа, которые называются кватроченто и чинквеченто .
В то время как в остальной Европе готическое искусство все еще преобладало, в Италии в XV веке началось Кватроченто или раннее Возрождение. Это был момент, когда восторжествовали Человек и Природа. Скульптура опережала архитектуру и живопись, развиваясь головокружительно. Ее предшественники находились на юге Италии, при дворе Фридриха II , под покровительством которого родилась художественная школа, которая уже принесла ожидаемые огни того, что станет Ренессансом XV века. Именно регион Тоскана в течение предыдущего периода Треченто унаследовал этот новый способ создания скульптуры в лице Николы Пизано , за которым последовали его сын Джованни Пизано , а позже Андреа Пизано (первые бронзовые двери баптистерия во Флоренции ) и Нино Пизано .
Никола Пизано (он подписывал свои работы этим именем), чье имя было Никола де Апулия, приехал из этого региона южной Италии, чтобы поселиться в Пизе (Тоскана). В Пизе (как и в большинстве регионов Европы) романское искусство все еще сохранялось, и готическое искусство начинало использоваться. Никола Пизано было поручено вырезать кафедру баптистерия собора этого города . Он сделал это, следуя новым тенденциям, усвоенным в Апулии, особенно подчеркивая классическую форму обнаженного Геркулеса. Эта работа, кафедра, считается предшественником итальянского Возрождения. [23]
После этого фона, это будет город Флоренция (процветающий город в то время, с могущественной семьей Медичи, меценатами и покровителями искусства), который возьмет на себя ведущую роль в фигуре своего лучшего представителя: Лоренцо Гиберти . С этого момента больше не будет обнаружено никаких средневековых следов или балласта. В течение полутора столетий флорентийская скульптура будет доминировать в портретах-бюстах, конных портретах, рельефах и в круглых скульптурах. Материалом, используемым par excellence в этот период, был мрамор, за которым последовала бронза .
Гиберти , Донателло и Якопо делла Кверча как лучшие, за которыми следовали семья делла Роббиа, Верроккьо , Антонио Поллайоло и Агостино ди Дуччо , сформировали группу великих скульпторов флорентийской школы Кватроченто. Этот этап Кватроченто начался со скульптурной работы над рельефами дверей флорентийского баптистерия Лоренцо Гиберти, молодого скульптора двадцати с небольшим лет. В баптистерии уже были две двери, вырезанные Андреа Пизано в 1330 году, а в 1401 году был проведен конкурс на оставшиеся две. Конкурс выиграл Гиберти (в соревновании с Брунеллески ), завершив первую из двух дверей в 1424 году; его работа была оценена по достоинству, поэтому город заказал ему вторую дверь. Он вложил около двадцати лет в резьбу каждой из них; это было практически делом его жизни. Эта вторая дверь, созданная Гиберти и четвертая в баптистерии, известна как Врата Рая , названная так Микеланджело и считающаяся одной из достопримечательностей Кватроченто.
Вторым великим скульптором этого периода был Донателло , на десять лет моложе Гиберти. Он был гораздо более многогранен в своем творчестве, сосредоточившись в основном на человеческой фигуре. Донателло считается в истории искусств предшественником Микеланджело и является, по правде говоря, независимым, пламенным и реалистическим художником. Его главным интересом была человеческая фигура в разных возрастах, охватывающая всевозможные типы, разнообразные жесты и выражающая в своем творчестве самые разнородные духовные состояния. С другой стороны, Донателло считается большим знатоком детской тематики, особенно в выражении радости детей (трибуны соборов Флоренции и Прато ) . В круглой скульптуре Донателло распространил ренессансный портрет бюста, вырезанного горизонтально по груди, а не на постаменте (как это было принято в римской скульптуре). Примеры: Бюст Антонио де Нарни с большой камеей на шее; терракотовый бюст Святого Лаврентия, изображенного как молодой дьякон, в Старой ризнице Сан-Лоренцо во Флоренции. Этот способ представления портретных бюстов был принят скульпторами эпохи Возрождения и продолжался почти до эпохи барокко. В XVI веке бюст был удлинен, пока не был обрезан в талии. Также в круглой скульптуре Донателло был предшественником фигуры на коне (в бронзе) в знак уважения к великой персоне и помещенной в центре общественной площади. Первая конная статуя Донателло была известна как Гаттамелата ( кондотьер Эразмо де Нарни ). [24] [25] [26]
Якопо делла Кверча (умер в 1438 году) — третий великий скульптор этой флорентийской школы и единственный из этой группы, кто родился не во Флоренции, а в Сиене . Он принадлежит к поколению Гиберти. Его стиль — высокопарный и массивный, в отличие от детального стиля Гиберти. Его шедевром стал центральный портал Сан-Петронио в Болонье, начатый в 1425 году. Это серия рельефов, изображающих Бытие и детство Иисуса, с бюстами пророков и изображением Девы Марии Сан-Петронио. В его рельефах преобладает монументальность и трактовка геркулесовых обнаженных тел, предвосхищая стиль Микеланджело. Якопо делла Кверча — автор фонтана Гайя в Сиене, гробниц Иларии дель Каретто в Луке и Галеаццо Бентивольо в Болонье.
Группу семьи Роббиа возглавляет Лука делла Роббиа (умер в 1482 году), который посвятил себя почти полностью изображению детства и юности женской фигуры. Лука создал школу, в которой он ввел технику глазурованной глины, которая появилась в самых разных сюжетах, от небольшого рельефа до алтаря с обильными фигурами. Он также работал с мрамором и бронзой. Андреа делла Роббиа , племянник Луки, был самым одаренным из его последователей. [27] Он является автором тондо (круглых медальонов) детей, вырезанных в Spedale degli Innocenti во Флоренции. Последним из группы был Джованни делла Роббиа , который был не только скульптором, но и декоратором, а иногда и гончаром. [28]
Андреа дель Верроккьо (1435–1488) находился под сильным влиянием работ Донателло вплоть до повторения некоторых его тем, таких как Давид во Флоренции или конная статуя кондотьера Коллеоне в Венеции (обе из бронзы). Верроккьо характеризуется глубоким анатомическим изучением. Антонио Поллайоло также был хорошим флорентийским представителем интерпретации телесной энергии и бурного движения. Его шедевр в этом стиле — Геркулес и Антей, хранящийся в музее Барджелло . Агостино ди Дуччо (1418–1481) также был последователем Донателло, подражая его знаменитому стилю рельефа скиаччато [29], особенно в оформлении фасада оратория Сан-Бернардино в Перудже и в храме Малатеста в Римини.
Другим великим скульптором, работавшим в Модене, был Гвидо Маццони (умер в 1518 году), чьи работы в основном были выполнены в расписной терракоте, техника, которая тогда пользовалась большим спросом. Одной из его самых известных композиций был Оплакивание мертвого Христа для церкви Сан-Джованни в Модене, которая, в свою очередь, должна была повлиять на работу с тем же названием, созданную Хуаном де Джуни в 1463 году после поездки в города Болонья , Модена и Флоренция .
Чинквеченто или полное Возрождение развивалось на протяжении XVI века с различными характеристиками в каждой из двух половин века, с доминированием классицизма в первой половине и маньеризма во второй. Это был триумф опыта Кватроченто. Одной из его главных характеристик является вкус к монументальному величию, всегда имея в виду открытие классического Лаокоона и его сыновей , обнаруженного в 1506 году. В то время как художники Кватроченто создали школу во Флоренции, художники Чинквеченто создавали свои произведения и развивали свое искусство в основном в городе Риме, который стал художественным центром нового века. Флоренция оставалась важным городом эпохи Возрождения, и шедевры искусства продолжали создаваться в тосканской столице в этот период, такие как Давид, гробницы капеллы Медичи, Персей Челлини и т. д. Представительным художником этого периода является Микеланджело, персонаж большой силы и индивидуальности.
Микеланджело Буонарроти, также ученик флорентийской школы, в своем лице суммирует почти все скульптурное искусство своего времени в Италии (1475–1564). В первые тридцать лет своей жизни он сохранил своим резцом некоторые традиции XV века, создавая умеренные и прекрасные, но энергичные работы. Этой первой эпохе мы обязаны его высоко оцененными скульптурами Мадонны Брюгге и Пьеты с несколькими Вакхами и Купидонами и Давидом Флоренции. Но с того года, когда папы начали заказывать ему строительство грандиозных памятников, он создал гигантский стиль, очень энергичный, полный страсти, независимый и названный terribilità, исключительно его собственным. К этому жанру относятся скульптуры гробниц Медичи в их часовне во Флоренции (Джулиано и его брата Лоренцо, чья сидящая статуя известна под названием Il Pensieroso за свою задумчивую позу), а также статуи, которые художник изготовил для гробницы папы Юлия II , особенно знаменитый Моисей , которого он нашел в базилике Сан -Пьетро-ин-Винколи .
Сансовино (его настоящее имя Андреа Контуччи ) был художником, получившим образование среди флорентийских художников, который проявил себя в своих скульптурах, любителем внешней формы, анатомии и классицизма , особенно в статуях, украшающих мавзолеи кардинала Асканио Сфорца и епископа Бассо Ровере в церкви Санта Мария дель Пополо , а также других во Флоренции и Венеции. Его ученик Джакобо Сансовино работал в основном в Венеции, будучи великим распространителем работ Микеланджело. Одной из его лучших скульптурных работ является Вакх. [30]
Бенвенуто Челлини был не только скульптором, но и великим ювелиром . Его монументальная бронзовая работа Персея с головой Медузы была символом триумфа семьи Медичи над Флорентийской республикой. Он является автором мраморного Христа монастыря Эскориал .
Бандинелли и Амманати были двумя современными скульпторами Челлини , которые изваяли монументальные статуи Геркулеса и Какуса и Нептуна для площади Синьории во Флоренции. Оба Леони, Леоне и Помпей (отец и сын) были великими литейщиками бронзы и работали в основном в Испании во время правления Филиппа II .
Термин «маньеризм» относится к стилю с собственными характеристиками в эпоху Возрождения, в XVI веке, особенно после 1520 года. Характерная черта, которая лучше всего его определяет, — это постоянный поиск нетрадиционного вместе с разрушением логического равновесия путем применения деформирующих линий или поз, что на первый взгляд может сбить с толку зрителя. Это отказ от равновесия путем принятия вынужденных поз.
В маньеризме скульптура отвергла классицизм, стремясь к криволинейным и динамичным формам, так называемой серпентинате или композиции кривых и контркривых, в которых тела заворачивались внутрь себя, в узких пространствах и иногда с очень выраженными ракурсами .
В Италии скульптуру маньеризма представляют Джамболонья («Иоанн Болонский»), например, «Похищение сабинянок» , Бенвенуто Челлини и Микеланджело, одним из лучших образцов которого является «Снятие с креста » , где Христос изображен в позе змеевидной позы. [31]
Этот стиль распространился по всей Европе благодаря обширной коллекции гравюр , и особенно в области скульптуры в изобилии небольших бронзовых изделий из Италии. Таким образом, он развивался при европейских дворах Франциска I в Фонтенбло с Франческо Приматиччо , который отвечал за доставку копий антиквариата из Рима. [32] Он также развивался при дворе Рудольфа II в Праге и Филиппа II в Эскориале , где академическая корректность характеризовала стиль маньеризма, используемый семьей Леони. [33] Под влиянием Микеланджело Гаспар Бесерра наложил свой стиль маньеризма на запрестольные перегородки собора Асторги , и именно в Вальядолиде , где находился Хуан де Хуни , в дополнение к Бесерре, было создано больше скульптур этого классического героического типа. [34]
.jpg/1280px-Le_Transi_de_Ren%C3%A9_de_Chalon_(Ligier_Richier).jpg){kind=spacer}
Политический интерес королей Франции к установлению своих владений на итальянских землях имел культурные последствия, поскольку было несколько итальянских художников, которые со второй половины пятнадцатого века обосновались при французском дворе, причем Франциск I был главным меценатом этих художников, включая Леонардо да Винчи . Около 1460 года скульптор Франческо Лаурана , которого считают основоположником Ренессанса во Франции, обосновался в Провансе и работал в основном в южной части страны. Одной из его самых известных скульптур является гробница Карла IV Анжуйского в соборе Ле-Мана. [35]
Одной из наиболее обрабатываемых тем во французской скульптуре этого периода является тема Святого Погребения и надгробных памятников, где фигура лежащего рассматривается с большим реализмом . Умерший представлен как труп или даже как скелет; во время перехода, как в случае с Иоанной Бурбонской в Лувре . К этому типу относятся две работы Лижье Ришье с полихромией в черном, белом и сером цветах: Мемориал Рене де Шалона в Бар-ле-Дюк , в котором частично лишенный плоти скелет стремится сердцем к небу; и истощенное лежащее тело Филиппы Гельдернской в церкви Кордельеров в Нанси . Эта аллегория воскресения мертвых приходит через итальянское «terribilità» и раскрытие внутренней части тела, даже если оно не представляет собой идеальную анатомию для глаз науки. [36]
Мишель Коломб , скульптор королевы Анны Бретонской в начале XVI века, заказавший гробницу ее родителей, герцога Франциска II и Маргариты де Фуа в соборе Нанта , выделяется влиянием итальянской работы. В лежащих фигурах гробницы еще видны готические черты, но не в декоративных элементах и в четырех фигурах Добродетелей в натуральную величину, размещенных по углам надгробного памятника.
Его племянник Гийом Реньо, также скульптор, стал его преемником в качестве скульптора королевы. Его шедеврами являются лежащие статуи королевского советника Луи Порше и его жены, которые сейчас находятся в Лувре. [37]
Также в начале шестнадцатого века Жан Гужон (называемый французским Фидием ) начал свою работу в Руане , а в 1544 году он отправился в Париж, чтобы быть назначенным королевским скульптором в 1547 году, где он выполнил многочисленные заказы, такие как аллегории Четырех времен года , Нимфы , несколько Кариатид для трибуны Музыкантов и сделал знаки Зодиака для старой ратуши Парижа . В эти же годы Жермен Пилон создал многочисленные погребальные памятники с большим влиянием Микеланджело , среди которых выделяется Воскресший Христос с фигурами стражей , группа для часовни Генриха II , хранящаяся в Лувре , чьи фигуры вдохновлены живописными композициями, такими как Иосиф Аримафейский Россо Фьорентино . Мертвый Христос напоминает гравюры Пармиджанино , поскольку фигуры смотрят на диагонали, а ракурсы впечатляющие, складки одежды тугие и очень тонкие, напоминающие рельефы классической античности . Его ученик Бартоломей Приер, работавший на службе у Генриха IV Французского , был верным последователем. Пьер Пюже , которого называли «французским Бернини », был уже скульптором позднего Возрождения; его работа «Милон Кротонский» была выдающейся. [38]
Идеи и скульптурные формы итальянского Возрождения проникли в Испанию с флорентийскими художниками, которые приехали работать при испанском дворе в XV веке , и продолжали распространяться с работами художников разных национальностей и некоторых испанцев, которые учились в Италии с последних лет того столетия. Однако новый стиль не был прочно установлен до восшествия на престол короля Карла I Испанского в начале XVI века. [39]
Уже в 1339 году искусство пизанцев прибыло в Каталонию с гробницей Святой Эулалии в соборе Барселоны , вырезанной Лупо ди Франческо , помимо некоторых других влияний, описанных выше. Почти столетие спустя некоторые рельефы были вырезаны в траскоро собора Валенсии флорентийцем Джулиано, учеником Гиберти , наряду с другими, выполненными испанской рукой. Но эти попытки и испытания оставались изолированными до прибытия других мастеров флорентийской школы в конце XV века и начале следующего.
Скульптура эпохи Возрождения ощущала свое присутствие через три различных канала: итальянские скульпторы, посланные Меценатом и выполнявшие свои работы в Испании; импортные работы, пришедшие из итальянских мастерских; первое поколение испанских художников. В первую группу входят скульпторы Доменико Фанчелли , Пьетро Торриджано и Якопо Торни , также называемые Индако. [40]
Среди работ, заказанных в Италии, в качестве примеров можно привести «Святого Иоанна» из мастерской Микеланджело для города Убеда и несколько рельефов из мастерской семьи Делла Роббиа.
Что касается испанских скульпторов, то первое поколение состояло из Васко де ла Сарса (хоры собора Авилы ), Фелипе Бигарни (главный алтарь собора Толедо ), Бартоломе Ордоньеса (хоры собора Барселоны ) и Диего де Силоэ (гробница дона Алонсо Фонсеки в Санта-Урсула-де-Саламанка). [41]
Алонсо Берругете и Хуан де Хуни , французы по происхождению, имевшие мастерскую в Вальядолиде , авторы главных алтарных образов в церквях Сантьяго и Ла-Антигуа, а также многих других произведений, найденных в Сеговии , Сьюдад-Родриго и других городах Кастилии, выдвинулись во второй трети XVI века и продолжали свое творчество до 1577 года. Появились и другие великие мастера испанского Возрождения, которые, следуя итальянским стандартам, сумели придать своим работам чисто испанский характер, создав школы в разных регионах страны.
Третья треть пришла с классицистическим вкусом. Два итальянских скульптора Леони ( Леоне и Помпейо, отец и сын) работали при дворе императора Карла, отливая из бронзы статуи Карла I, Филиппа II и других членов королевской семьи.
В эпоху Возрождения это чисто испанская разновидность, которая соответствует португальскому мануэлинскому стилю. Его также называют готикой Изабеллы или стилем Католических королей , поскольку он начался с правления этих монархов, хотя и продолжается до времени Филиппа II. Термин платереско обычно используется для архитектуры, но поскольку это чисто декоративное искусство и скульптурная орнаментация, его можно включить сюда, в этот небольшой раздел.
Он характеризуется сохранением определенных готических и мудехарских компонентов в стиле Ренессанса. Фасады вылеплены так, как будто они являются алтарями, и вместе с типичной ренессансной подушкой, есть колонны с гротесками и полные украшений и окон в готической традиции. Существует распространение тондо или медальонов и гербов, размещенных в замковых камнях сводов и в пазухах арок. Это очень декоративный жанр. Он достиг своего наибольшего расцвета в Андалусии. Хорошим примером является фасад Севильской ратуши Диего де Рианьо . [42]
Процветание германских городов укрепилось с расширением готического периода, что привело в первые десятилетия XVI века к появлению скульптуры эпохи Возрождения под влиянием итальянской флорентийской школы. Большая часть этой скульптуры была выполнена из дерева из-за большого лесного богатства ее регионов и с великолепной полихромией и позолотой. Немецким скульпторам было трудно отказаться от готических костюмов и для их персонажей обрести классический дух, как это ясно видно в работах Вита Штосса , в алтаре Девы Марии в церкви Св. Марии в Кракове , в рельефах собора Бамберга или в Благовещении Розария в церкви Св. Лаврентия в Нюрнберге . Также в том же стиле выполнены скульптуры Тильмана Рименшнайдера , такие выдающиеся работы, как Алтарь Благовещения в церкви Креглинген. [43]
Под «скульптурным миром» понимается характер, который скульптура приняла в германских странах во второй половине XV века, что можно увидеть в больших полиптихах алтарей некоторых немецких церквей и соборов. Часто это алтари с двумя или даже четырьмя полностью скульптурными листьями, со шпилями и высокими башенками , в центральной части которых размещается «коробка» с религиозной сценой. Вазари , знаток немецкого стиля, сказал об этом:
(...) терпение и большая тонкость... скульпторы работают непрерывно, доводя вещи до такой тонкости, что они оставляют мир изумленным.
Мишель Эрхарт из Ульма добился большого стилистического контроля. Его самая важная работа — алтарь бенедиктинского монастыря Блаубойер ( Баден-Вюртемберг ), где в коробке можно увидеть пять больших полихромных скульптур. На германских периферийных территориях, в Южном Тироле , работал скульптор Михаэль Пахер ; среди его работ выделяется главный алтарь Св. Вольфганга высотой одиннадцать метров, где живопись мастерски сочетается со скульптурой. [44]
Немецкая скульптура просуществовала недолго в эпоху Возрождения. Петер Фишер выделялся как скульптор вместе с другими членами своей семьи, вдохновляясь более непосредственно итальянским кватроченто, как это можно увидеть в гробнице Святого Себальда (1507–1519) в Нюрнберге , а также его участие в мавзолее императора Максимилиана в Инсбруке , который должен был объединить сорок статуй большего размера, чем натуральная величина, и сто статуэток меньшего размера с сорока бюстами императоров. Только треть этой работы была завершена, и скульптуры были отлиты из бронзы . Альбрехт Дюрер также принимал участие в этой работе, для которой он спроектировал Голову короля Артура и сделал скульптуру Фишера в полный рост, с декором и доспехами в средневековом стиле, но с явным контрапостом героя античности. [45]
В Нидерландах художественная деятельность была полностью развита и консолидирована в готический период на очень высоком уровне, что делает понятным, что они неохотно признавали другие критерии. Таким образом, принятие нового стиля, пришедшего из Италии, было поздним, и готические украшения сохранялись еще долгое время. При создании алтарей, хоров и религиозной обстановки, включая скульптуру, использовалась резьба по дереву, в которой элементы эпохи Возрождения были разработаны в стиле тех, которые были сделаны в ломбардской части Италии.
В 1507 году Маргарита Австрийская стала губернатором Нидерландов от имени своего племянника Карла I , создав гуманистический двор в Мехелене . Маргарита была великим коллекционером произведений искусства и брала к себе на службу художников всех видов, среди которых был скульптор Конрад Мейт , родившийся в Вормсе , который работал в искусстве портретной живописи и небольших самшитовых или бронзовых статуэток. Маргарита поручила ему сделать фигуры своего мужа Филиберта Красивого , своей матери Марии Бургундской и свою собственную для церкви Бру в Бург-ан-Бресе . [46]
Бельгиец Герман Глозенкамп создал декоративные скульптуры дымохода ратуши Брюгге . В Утрехте есть несколько статуй скульптора Уриеса и Кейзера, в которых натурализм эпохи Возрождения прослеживается в анатомических деталях и складках облачений, с полным принятием нового стиля во второй половине XVI века.
Жак дю Брук , мастер Иоанна Болонского , был назначен архитектором и придворным скульптором Марией Австрийской , дочерью Карла I Испанского , для которой он выполнил множество работ, среди которых ряд скульптур из алебастра для хора Сент-Водрю-де-Монс. Его рельефы близки к современным итальянским скульпторам, а классицистические черты можно увидеть в складках их одежд, в стиле античной скульптуры. В более крупных рельефах, таких как рельеф Воскресения, фигуры показаны с удлиненными силуэтами, почти округлыми и очень выраженными.
Творчество скульптора и архитектора Корнелиуса Флориса де Вриндта проявилось с большим сходством с итальянским стилем в фасаде ратуши Антверпена , в гробницах королей Дании и герцогов Пруссии в Кёнигсберге , а также в украшении хора собора Богоматери Турне , выполненном с большим сходством со стилем Андреа Сансовино . [47]
Английская скульптура XVI века произошла от итальянской скульптуры, причем наиболее известные художники, работавшие в Англии, были выходцами из последней страны. Монархи, чтобы поощрять художественную жизнь, играли очень важную роль в развитии этого художественного движения. Среди первых и главных итальянских скульпторов был Пьетро Торриджано , которому мы обязаны гробницей Генриха VII и Елизаветы Йоркской . Она сделана из мрамора и позолоченной бронзы, с лежащими фигурами монархов и по углам гробницы ангелами, держащими гербы; она находится в часовне Вестминстерского аббатства в Лондоне . В 1511 году он изваял гробницу Маргарет Бофорт , матери Генриха VII. К 1516 году относится гробница королевского архивариуса Джона Янга, которого он также изобразил в бюсте, хранящемся в Национальной портретной галерее в Лондоне.
Генрих VIII также заказал ему гробницу для себя и своей жены Екатерины Арагонской в 1518 году. Несмотря на поездку скульптора в Италию, чтобы нанять помощников, причины, по которым он не завершил работу, неизвестны, и он покинул английский двор, чтобы поселиться в Испании в 1525 году. Эта гробница была окончательно создана между 1524 и 1528 годами итальянским скульптором Бенедетто да Ровеццано .
С осуществлением протестантской Реформации религиозная скульптура была подавлена в Англии, как и контакт со всем, что могло прийти из Италии, поскольку это было определено как способ папского влияния. Только в великолепных пантеонах и в памятных статуях персонажей с тех пор сохранилась некоторая жизнь в пластическом искусстве, например, сделанная англичанином Ричардом Паркером для гробницы графа Ратленда (1543) в Боттесфорде . [48]
Итальянское влияние было заменено французским и прибытием фламандских художников, среди которых был Джерард Джонсон (также известный как Гаррет Янсен), который создал гробницу графа Саутгемптона в Тичфилде и надгробный памятник в честь Уильяма Шекспира в Стратфорде . [49]
В конце XV века Андреа Сансовино отправился работать на короля Португалии Жуана II ; похоже, существовало ощущение, что итальянцы, с их почти исключительной монополией на античное искусство, также обладали даром того, что было правильным в искусстве. [50]
Вокруг двора Жуана III был создан центр гуманизма по образцу итальянских дворов . Ренессанс навязал себя в городах Коимбра , Томар и Эвора с такой силой, что в этом регионе Алентежу было очень трудно для последующего внедрения барокко . Португальская скульптура также была итальянской в своем первом Ренессансе, ее основными работами были три прекрасных рельефа в монастыре церкви Санта-Крус в Коимбре , вырезанные португальскими художниками:
Художник Николя Шантеренн , родом из Франции, создал в 1515 году королевские гробницы для этой церкви в Коимбре. В 1517 году ему заказали центральный портик монастыря Жеронимуш в Белене и молящиеся фигуры короля Мануэля и королевы Марии ; среди многочисленных работ этого скульптора — алебастровый алтарь дворца Пена для города Синтра . Шантеренн также занимался портретной живописью, создавая бюсты большой реалистичности. [51]
В Коимбре также были два других французских скульптора: Хуан де Руан и Фелипе Дуарте или Орарте, который приехал из Толедо и был нанят для создания группы «Ужин» , которая была завершена в 1534 году с необычайным реализмом в взволнованных и порывистых позах. Группа в настоящее время хранится в Музее города Коимбра. Руан работал над алтарем для часовни Таинства в соборе этого города; также заслуживает внимания кафедра , которую он сделал для монастыря Санта-Крус. Этот художник основал важную мастерскую, где было создано большое количество скульптурных работ. В середине этого века испанское влияние можно было оценить в нескольких работах монастыря Белен, как в деревянном Распятии , чей стиль похож на стиль круга Диего де Силоэ. [52]
В целом, испано-американская скульптура эпохи Возрождения была создана во многом благодаря религиозным орденам и их преподавательской работе, а также наличию образцов произведений, привезенных из Испании, откуда во многих случаях копировалась иконография изображений, особенно иконография икон .
В Эквадоре именно францисканские миссионеры фламандского происхождения Педро Госсель и Йодоко Рике основали первую школу в монастыре Сан-Франциско в Кито , где преподавали искусство архитектуры и резьбы по камню и дереву, а также религию и письма. Местные художники добились хороших интерпретаций, смешанных с мотивами их традиции, с изобретательностью лиц изображений, а также полихромией с большим количеством основных цветов и гораздо более яркими, где это можно увидеть в алтарях, которые были построены в пятнадцатом веке в Мексике , а также в декоре, используемом в купель и в крестах монастырских дворов. [53]
Значимым скульптором является гватемалец Кирио Катаньо, который был автором, среди прочих изображений, Черного Христа из Эскипуласа, созданного в 1594 году. [54]
_01a.jpg/1280px-Felipe_II_(Leone_y_Pompeo_Leoni,_Prado_E-272)_01a.jpg)
{{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка )