Оп-арт , сокращение от оптического искусства , — это стиль визуального искусства , использующий оптические иллюзии . [1]
Произведения искусства в стиле оп-арт абстрактны, многие из наиболее известных произведений выполнены в черно-белой гамме. Обычно они создают у зрителя впечатление движения, скрытых образов, мерцающих и вибрирующих узоров, разбухания или деформации.
Иллюзионизм , сосредоточенный на восприятии расширенного пространства в плоской картине, встречается с самых ранних точек истории искусства. Однако предшественников оп-арта, с точки зрения графических эффектов и интереса к экзотическим оптическим иллюзиям, можно проследить до неоимпрессионизма , кубизма , футуризма , конструктивизма и дадаизма . [2] Дивизионисты , группа художников-неоимпрессионистов, пытались увеличить кажущуюся яркость своих картин, прибегая к оптике и оптическим иллюзиям. [3] Ласло Мохой-Надь создал фотографическое оп-арт и преподавал этот предмет в Баухаусе ; один из его уроков состоял в том, чтобы заставлять своих учеников делать отверстия в карточках, а затем фотографировать их. [ требуется ссылка ]
Журнал Time ввел термин оп-арт в 1964 году в ответ навыставку Джулиана Станчака «Оптические картины» в галерее Марты Джексон , чтобы обозначить форму абстрактного искусства (в частности, беспредметное искусство), использующую оптические иллюзии. [4] [5] Работы, которые сейчас называют «оп-артом», создавались за несколько лет до статьи в Time 1964 года. Например,картина Виктора Вазарели «Зебры » (1938) полностью состоит из криволинейных черных и белых полос, не ограниченных контурными линиями. Следовательно, полосы, кажется, одновременно сливаются с окружающим фоном и вырываются из него. Кроме того, ранние черно-белые «ослепительные» панели, которые Джон Макхейл установил на выставке «Это завтра» в 1956 году, и егосерия «Пандора» в Институте современного искусства в 1962 году демонстрируют тенденции прото-оп-арта. Мартин Гарднер представил оп-арт и его связь с математикой в своей колонке «Математические игры» в журнале Scientific American за июль 1965 года . В Италии Франко Гриньяни , изначально получивший образование архитектора, стал ведущей силой графического дизайна, где оп-арт или кинетическое искусство были центральными. Его логотип Woolmark (запущенный в Великобритании в 1964 году) является, вероятно, самым известным из всех его проектов. [6]
Оп-арт, возможно, более тесно связан с конструктивистскими практиками Баухауса . [ 7] Эта немецкая школа, основанная Вальтером Гропиусом , подчеркивала связь формы и функции в рамках анализа и рациональности. Студенты учились сосредотачиваться на общем дизайне или всей композиции, чтобы представлять унифицированные работы. Оп-арт также происходит от trompe-l'œil и анаморфоза . Также были установлены связи с психологическими исследованиями, в частности с теорией гештальта и психофизиологией . [2] Когда Баухаус был вынужден закрыться в 1933 году, многие из его преподавателей бежали в Соединенные Штаты. Там движение укоренилось в Чикаго и в конечном итоге в колледже Black Mountain в Эшвилле, Северная Каролина , где в конечном итоге преподавали Анни и Йозеф Альберс . [8]
«Таким образом, художники-оп-артисты сумели использовать различные явления», — пишет Поппер, — «остаточные изображения и последовательное движение; интерференцию линий; эффект ослепления; неоднозначные фигуры и обратимую перспективу; последовательные цветовые контрасты и хроматическую вибрацию; а в трехмерных работах — различные точки зрения и наложение элементов в пространстве» [2] .
В 1955 году для выставки Mouvements в галерее Denise René в Париже Виктор Вазарели и Понтус Хультен продвигали в своем «Желтом манифесте» некоторые новые кинетические выражения, основанные на оптических и световых явлениях, а также на иллюзионизме живописи. Выражение кинетическое искусство в этой современной форме впервые появилось в Музее гештальтунга в Цюрихе в 1960 году и нашло свое основное развитие в 1960-х годах. В большинстве европейских стран оно, как правило, включает форму оптического искусства, которая в основном использует оптические иллюзии , как оп-арт, а также искусство, основанное на движении, представленное Яковом Агамом , Карлосом Крус-Диесом , Хесусом Рафаэлем Сото , Грегорио Варданегой или Николасом Шеффером . С 1961 по 1968 год Группа исследований визуальных искусств (GRAV), основанная Франсуа Морелле , Хулио Ле Парком , Франсиско Собрино , Орасио Гарсиа Росси, Иваралем , Жоэлем Стайном и Верой Мольнар, представляла собой коллектив художников-оптокинетиков, которые, согласно своему манифесту 1963 года, призывали к непосредственному участию публики и влияли на ее поведение, в частности, посредством использования интерактивных лабиринтов .
Некоторые члены группы Nouvelle tendency (1961–1965) в Европе также занимались оп-артом, как Альмир Мавинье и Герхард фон Гревениц , в основном своей сериграфией. Они изучали оптические иллюзии. Термин op раздражал многих художников, обозначенных под ним, в частности, Альберса и Станчака. Они обсуждали при рождении термина лучшее название, а именно перцептивное искусство . [9] С 1964 года Арнольд Шмидт ( Arnold Alfred Schmidt ) провел несколько персональных выставок своих больших черно-белых оптических картин, выставленных в галерее Terrain в Нью-Йорке. [10]
В 1965 году, с 23 февраля по 25 апреля, в Музее современного искусства в Нью-Йорке прошла выставка под названием «Отзывчивый глаз» , созданная Уильямом С. Зейтцем, которая затем гастролировала в Сент-Луисе, Сиэтле, Пасадене и Балтиморе. [11] [12] Представленные работы были разнообразны и охватывали минимализм Фрэнка Стеллы и Эллсворта Келли , плавную пластику Александра Либермана , совместные усилия группы Anonima , наряду с известными Войцехом Фангором , Виктором Вазарели , Джулианом Станчаком , Ричардом Анушкевичем , Вэнь-Ин Цай , Бриджит Райли и Жетулио Альвиани . Выставка была сосредоточена на перцептивных аспектах искусства, которые возникают как из-за иллюзии движения, так и из-за взаимодействия цветовых отношений.
Выставка имела успех у публики (посещаемость составила более 180 000 человек), [13] но в меньшей степени у критиков. [14] Критики отвергли оп-арт, как изображающий не более чем trompe-l'œil или трюки, которые обманывают глаз. Несмотря на это, признание публики возросло, и образы оп-арта использовались в ряде коммерческих контекстов. Одной из ранних работ Брайана де Пальмы был документальный фильм о выставке. [15]
Оп-арт — это перцептивный опыт, связанный с тем, как функционирует зрение. Это динамическое визуальное искусство, которое возникает из несогласованных отношений фигуры и фона , которые помещают две плоскости — передний план и фон — в напряженное и противоречивое сопоставление. Художники создают оп-арт двумя основными способами. Первый, наиболее известный метод — создание эффектов с помощью узора и линии. Часто эти картины черно-белые или в оттенках серого ( гризайль ) — как в ранних картинах Бриджит Райли, таких как Current (1964) на обложке каталога The Responsive Eye . Здесь черные и белые волнистые линии расположены близко друг к другу на поверхности холста, создавая изменчивые отношения фигуры и фона. Жетулио Альвиани использовал алюминиевые поверхности, которые он обрабатывал для создания световых узоров, которые меняются по мере движения наблюдателя (вибрирующие текстурные поверхности). Другая реакция, которая происходит, заключается в том, что линии создают остаточные изображения определенных цветов из-за того, как сетчатка получает и обрабатывает свет. Как показывает Гете в своем трактате «Теория цвета» , на границе, где встречаются свет и тьма, возникает цвет, поскольку свет и тьма являются двумя центральными свойствами в создании цвета. [ необходима цитата ]
Начиная с 1965 года Бриджит Райли начала создавать цветное оп-арт; [16] однако, другие художники, такие как Джулиан Станчак и Ричард Анушкевич , всегда были заинтересованы в том, чтобы сделать цвет основным фокусом своей работы. [17] Йозеф Альберс обучал этих двух основных практиков школы «Цветовой функции» в Йельском университете в 1950-х годах. Часто в работе колориста доминируют те же проблемы движения фигуры и фона, но в них есть дополнительный элемент контрастных цветов, которые производят разные эффекты на глаз. Например, в «храмовых» картинах Анушкевича сопоставление двух сильно контрастирующих цветов вызывает ощущение глубины в иллюзорном трехмерном пространстве, так что кажется, будто архитектурная форма вторгается в пространство зрителя.
Хотя оп-арт является уникальным стилем, он имеет сходство с такими стилями, как абстрактный экспрессионизм ( живопись цветового поля ). Хотя живопись цветового поля не дает нам иллюзий, сходство все же можно найти. Мы можем видеть, что оба этих стиля минималистичны, преобладают лишь несколько цветов, и не показано ни одного объекта или сюжета. Эти стили могут вызывать у нас эмоции, так как нет четкого сюжета, человеческий разум сам воображает и интерпретирует его по-своему. Холодные цвета обычно ассоциируются с грустью, в то время как теплые цвета ассоциируются с радостью. Также оп-арт и живопись цветового поля характеризуются тем, что изображение эстетично и упорядочено.
{{cite book}}: CS1 maint: постскриптум ( ссылка )
