Эдвард Хоппер (22 июля 1882 г. – 15 мая 1967 г.) был американским художником-реалистом и гравером . Он является одним из самых известных художников Америки и известен своим мастерством в изображении американской жизни и пейзажей через свое искусство.
Родившийся в Найаке, штат Нью-Йорк , в семье среднего класса, Хоппер рано приобщился к искусству благодаря своим родителям. Он учился в Нью-Йоркской школе искусств у Уильяма Мерритта Чейза и Роберта Генри , где он выработал свой фирменный стиль, характеризующийся акцентом на одиночестве, свете и тени.
Работы Хоппера, охватывающие масляную живопись , акварели и офорты , в основном исследуют темы одиночества и изоляции в американских городских и сельских условиях. Его самая известная картина, «Ночные ястребы» (1942), олицетворяет его интерес к тихим, интроспективным моментам повседневной жизни. Несмотря на медленное начало, Хоппер добился значительного признания к 1920-м годам, и его работы стали основным экспонатом в крупных американских музеях. Техника Хоппера, отмеченная композицией формы и использованием света для создания настроения, оказала влияние на мир искусства и популярную культуру. Его картины, часто расположенные в архитектурных пейзажах Нью-Йорка или в безмятежных условиях Новой Англии , передают ощущение повествовательной глубины и эмоционального резонанса, что делает его ключевой фигурой в американском реализме. Хоппер создавал сдержанную драму из обыденных предметов, наложенных поэтическим смыслом, приглашая к повествовательным интерпретациям. Его хвалили за «полную правдивость» в Америке, которую он изображал.
В 1924 году Хоппер женился на Жозефине Нивисон , также художнице, которая сыграла решающую роль в управлении его карьерой и послужила моделью для многих его фигур. Пара жила скромной жизнью в Нью-Йорке, а лето проводила в Кейп-Коде , что оказало влияние на большую часть поздних работ Хоппера. Несмотря на свой успех, Хоппер оставался замкнутым и интроспективным человеком, посвятившим себя исследованию тонкостей человеческого опыта и американского ландшафта. Его изображение американской сцены с акцентом на изоляции и созерцании остается определяющим аспектом его привлекательности и значимости в истории американского искусства.
Хоппер родился в 1882 году в Найаке, штат Нью-Йорк , в яхтостроительном центре на реке Гудзон к северу от Нью-Йорка. [1] [2] Он был одним из двух детей в обеспеченной семье. Его родителями, в основном голландского происхождения, были Элизабет Гриффитс Смит и Гаррет Генри Хоппер, торговец сухими товарами. [3] Хотя Гаррет не был таким успешным, как его предки, он хорошо обеспечивал своих двоих детей, получая значительную помощь от наследства жены. Он вышел на пенсию в возрасте сорока девяти лет. [4] Эдвард и его сестра Мэрион посещали как частные, так и государственные школы. Они воспитывались в строгой баптистской семье. [5] У его отца был мягкий характер, и в доме доминировали женщины: мать Хоппера, бабушка, сестра и служанка. [6]
Место его рождения и дом, в котором он провел свое детство, были включены в Национальный реестр исторических мест в 2000 году. В настоящее время он функционирует как Дом-музей и учебный центр Эдварда Хоппера [7], выступая в качестве некоммерческого общественного культурного центра, где проводятся выставки, семинары, лекции, выступления и специальные мероприятия. [8]
Хоппер был хорошим учеником в начальной школе, и к пяти годам его талант к рисованию уже был очевиден. Он легко впитал интеллектуальные наклонности отца и любовь к французской и русской культурам. Он также продемонстрировал художественное наследие своей матери. [9] Родители Хоппера поощряли его искусство и снабжали его достаточным количеством материалов, учебных журналов и иллюстрированных книг.
Хоппер впервые начал подписывать и датировать свои рисунки в возрасте 10 лет. Среди самых ранних из этих рисунков — наброски геометрических фигур углем, вазы, миски, чашки и коробок. [10] Детальное изучение света и тени, которое продолжалось на протяжении всей его карьеры, уже заметно в этих ранних работах. [10] К подростковому возрасту он работал пером и чернилами, углем, акварелью и маслом — рисовал с натуры, а также делал политические карикатуры. [11] В 1895 году он создал свою первую подписанную картину маслом « Шлюпка в Роки-Коув» , которую он скопировал с репродукции в «The Art Interchange» , популярном журнале для художников-любителей. Другие ранние работы маслом Хоппера, такие как « Старый ледяной пруд в Найаке» и его картина « Корабли» около 1898 года, были идентифицированы как копии картин таких художников, как Брюс Крейн и Эдвард Моран . [12] [13]
В своих ранних автопортретах Хоппер, как правило, представлял себя тощим, некрасивым и некрасивым. Хотя он был высоким и тихим подростком, его озорное чувство юмора находило выход в его искусстве, иногда в изображениях иммигрантов или женщин, доминирующих над мужчинами в комических ситуациях. Позже в жизни он в основном изображал женщин в качестве персонажей на своих картинах. [14] В старшей школе (он окончил среднюю школу Найак в 1899 году), [15] он вырезал деревянные модели парусников и барж и мечтал стать корабельным архитектором , [16] но после окончания школы заявил о своем намерении продолжить карьеру в искусстве. Родители Хоппера настояли на том, чтобы он изучал коммерческое искусство, чтобы иметь надежный источник дохода. [17] В формировании своего образа себя и индивидуальной философии жизни Хоппер находился под влиянием трудов Ральфа Уолдо Эмерсона . Позже он сказал: «Я восхищаюсь им очень... Я читаю его снова и снова». [18]
Хоппер начал изучать искусство с заочного курса в 1899 году. Вскоре он перевелся в Нью-Йоркскую школу искусств и дизайна, предшественницу Школы дизайна Парсонса . Там он учился в течение шести лет у таких преподавателей, как Уильям Мерритт Чейз , который обучал его масляной живописи. [17] Вначале Хоппер копировал свой стиль по образцу Чейза и французских мастеров импрессионизма Эдуарда Мане и Эдгара Дега . [19] Однако зарисовки с живых моделей оказались сложными и несколько шокирующими для консервативно воспитанного Хоппера.
Другой его учитель, художник Роберт Анри , преподавал натуру. Анри призывал своих учеников использовать свое искусство, чтобы «произвести фурор в мире». Он также советовал им: «Важен не предмет, а то, что вы чувствуете по этому поводу» и «Забудьте об искусстве и рисуйте картины того, что вас интересует в жизни». [17] Таким образом, Анри повлиял на Хоппера, а также на будущих художников Джорджа Беллоуза и Рокуэлла Кента . Он призывал их привносить в свои работы современный дух. Некоторые художники из круга Анри, включая Джона Слоана , стали членами «Восьмерки», также известной как Школа американского искусства « Ашкан » . [20] Первой сохранившейся картиной маслом Хоппера, намекающей на использование им интерьеров в качестве темы, была «Одинокая фигура в театре» (около 1904 г.). [21] В студенческие годы он также написал десятки картин в стиле ню, натюрмортов, пейзажей и портретов, включая автопортреты. [22]
В 1905 году Хоппер устроился на работу на неполный рабочий день в рекламное агентство, где создавал обложки для отраслевых журналов. [23] Хоппер возненавидел иллюстрацию. Он был связан с ней экономической необходимостью до середины 1920-х годов. [24] Он временно сбежал, совершив три поездки в Европу, каждая из которых была сосредоточена в Париже, якобы для изучения ее художественной сцены. На самом деле он в основном работал в одиночку и, казалось, в основном не был затронут новыми течениями в искусстве. Позже он сказал, что « вообще не помнит, чтобы слышал о Пикассо ». [20] Он был очень впечатлен Рембрандтом , особенно его «Ночным дозором », который, по его словам, был «самым замечательным его произведением, которое я видел; в его реальность уже невозможно поверить». [25]
Хоппер начал рисовать городские и архитектурные сцены в темной палитре. Затем он перешел к более светлым оттенкам импрессионистов, прежде чем вернуться к темной палитре, с которой он чувствовал себя наиболее комфортно. Позже он сказал: «Я преодолел это, и позже то, что я делал в Париже, было больше похоже на то, что я делаю сейчас». [26] Хоппер проводил большую часть своего времени, рисуя уличные и кафе сцены, а также посещая театр и оперу. В отличие от многих своих современников, которые подражали абстрактным кубистским экспериментам, Хоппер был привлечен к реалистическому искусству . Позже он утверждал, что на него мало европейских влияний, кроме Рембрандта , Гойи и французского гравера Шарля Мериона, чьим угрюмым парижским сценам Хоппер подражал. [27] [28]
Вернувшись из своей последней поездки в Европу, Хоппер снял студию в Нью-Йорке, где он изо всех сил пытался определить свой собственный стиль. Неохотно он вернулся к иллюстрации, чтобы прокормить себя. Будучи фрилансером, Хоппер был вынужден просить о проектах и стучаться в двери журналов и офисов агентств, чтобы найти работу. [29] Его живопись зачахла: «мне трудно решить, что я хочу нарисовать. Иногда я месяцами не могу этого найти. Это приходит медленно». [30] Его коллега-иллюстратор Уолтер Титтл описал подавленное эмоциональное состояние Хоппера более резкими словами, видя, как его друг «страдает... от длительных периодов непреодолимой инертности, сидя целыми днями перед мольбертом в беспомощном несчастье, неспособный поднять руку, чтобы разрушить чары». [31]
С 22 февраля по 5 марта 1912 года он был включён в выставку «Независимых», группы художников, созданной по инициативе Роберта Анри , но не осуществил никаких продаж. [30]
В 1912 году Хоппер отправился в Глостер, штат Массачусетс , в поисках вдохновения и создал свои первые картины на открытом воздухе в Америке. [30] Он написал картину «Сквам Лайт» , первую из многих картин с маяками, которые он написал. [32]
В 1913 году на выставке Armory Show Хоппер заработал 250 долларов, когда продал свою первую картину «Парусный спорт» (1911) американскому бизнесмену Томасу Ф. Виетору, которую он написал поверх более раннего автопортрета. [33] Хопперу был тридцать один год, и хотя он надеялся, что его первая продажа вскоре приведет к другим, его карьера не будет развиваться еще много лет. [34] Он продолжал участвовать в групповых выставках на небольших площадках, таких как MacDowell Club в Нью-Йорке. [35] Вскоре после смерти отца в том же году Хоппер переехал в квартиру 3 Washington Square North в районе Гринвич-Виллидж на Манхэттене , где он прожил всю оставшуюся жизнь.
В следующем году он получил заказ на создание нескольких киноафиш и рекламу для кинокомпании. [37] Хотя ему не нравилась работа иллюстратора, Хоппер всю жизнь был преданным поклонником кино и театра, и оба они были темами его картин. Каждая форма влияла на его композиционные методы. [38]
Зайдя в тупик с масляными картинами, в 1915 году Хоппер обратился к офорту. К 1923 году он создал большую часть из своих примерно 70 работ в этой технике, многие из которых представляли городские сцены как Парижа, так и Нью-Йорка. [39] [40] Он также создал несколько плакатов для военных нужд, а также продолжал иногда заниматься коммерческими проектами. [41] Когда у него была возможность, Хоппер делал несколько картин маслом на открытом воздухе во время визитов в Новую Англию, особенно в художественных колониях в Оганквите и на острове Монхеган . [42]
В начале 1920-х годов его офорты начали получать общественное признание. Они выражали некоторые из его поздних тем, как в «Ночи в поезде El» (пары в тишине), «Вечернем ветре» (одинокая женщина) и «Котоход» (простая морская сцена). [43] Двумя заметными картинами маслом этого времени были «Нью-Йоркский интерьер» (1921) и «Нью-Йоркский ресторан» (1922). [44] Он также написал две из своих многочисленных «оконных» картин: «Девушка за швейной машинкой» и «Лунный интерьер» , обе из которых изображают фигуру (одетую или обнаженную) около окна квартиры, рассматриваемую как смотрящую наружу или с точки зрения снаружи, заглядывающую внутрь. [45]
Хотя это были годы разочарований, Хоппер получил некоторое признание. В 1918 году Хоппер был награжден премией Совета по судоходству США за свой военный плакат « Разбить гунна» . Он участвовал в трех выставках: в 1917 году с Обществом независимых художников, в январе 1920 года (персональная выставка в Whitney Studio Club, который был предшественником Музея Уитни) и в 1922 году (снова с Whitney Studio Club). В 1923 году Хоппер получил две награды за свои офорты: премию Логана от Чикагского общества офортистов и премию У. А. Брайана. [46]
.jpg/1280px-Robert_Henri_-_The_Art_Student_(Miss_Josephine_Nivison).jpg)
К 1923 году медленное восхождение Хоппера наконец привело к прорыву. Он вновь встретился с Жозефиной Нивисон , художницей и бывшей ученицей Роберта Анри , во время летней поездки по живописи в Глостер, штат Массачусетс. Они были противоположностями: она была невысокой, открытой, общительной, общительной и либеральной, в то время как он был высоким, скрытным, застенчивым, тихим, интроспективным и консервативным. [41] С одобрения Джо Хоппер обратился к технике акварели, создав многочисленные сцены Глостера. Они поженились год спустя, и художник Ги Пен дю Буа стал их шафером. [3] Нивисон однажды заметил: «Иногда разговаривать с Эдди — это как бросить камень в колодец, за исключением того, что он не грохочет, когда достигает дна». [47] Она подчинила свою карьеру его карьере и разделяла его затворнический образ жизни. Остальная часть их жизни вращалась вокруг их свободной квартиры без лифта в городе и их летних каникул в Южном Труро на Кейп-Коде . Она управляла его карьерой и его интервью, была его главной моделью и была его спутницей жизни. [47]
С помощью Нивисона шесть акварелей Хоппера из Глостера были допущены к выставке в Бруклинском музее в 1923 году. Одна из них, «Мансардная крыша» , была приобретена музеем для своей постоянной коллекции за 100 долларов. [48] Критики в целом были в восторге от его работ; один из них заявил: «Какая жизненная сила, сила и прямота! Посмотрите, что можно сделать с самым обыденным предметом». [48] Хоппер продал все свои акварели на персональной выставке в следующем году и, наконец, решил оставить иллюстрацию позади.
Художник продемонстрировал свою способность переносить свою привязанность к парижской архитектуре на американскую городскую и сельскую архитектуру. По словам куратора Бостонского музея изящных искусств Кэрол Тройен, «Хопперу очень нравилось, как эти дома с их башенками , башнями , крыльцами , мансардными крышами и орнаментом отбрасывали чудесные тени. Хоппер всегда говорил, что больше всего ему нравится рисовать солнечный свет на стене дома». [49]
В сорок один год Хоппер получил дальнейшее признание за свою работу. Он продолжал таить горечь по поводу своей карьеры, позже отказываясь от появлений и наград. [47] Благодаря своей финансовой стабильности, обеспеченной постоянными продажами, Хоппер жил простой, стабильной жизнью и продолжал создавать искусство в своем личном стиле еще четыре десятилетия.
Его картина «Двое у прохода» (1927) была продана за рекордные для себя 1500 долларов, что позволило Хопперу купить автомобиль, на котором он совершал поездки в отдаленные районы Новой Англии. [50] В 1929 году он написал «Чоп Суи» и «Закат на железной дороге» . В следующем году меценат Стивен Кларк подарил «Дом у железной дороги» (1925) Музею современного искусства , это была первая картина маслом, которую он приобрел для своей коллекции. [51] Свой последний автопортрет Хоппер написал маслом около 1930 года. Хотя Жозефина позировала для многих его картин, она позировала только для одного официального портрета маслом, написанного ее мужем, Джо Пейнтингом (1936). [52]
Хоппер преуспел больше, чем многие другие художники во время Великой депрессии . Его статус резко возрос в 1931 году, когда крупные музеи, включая Музей американского искусства Уитни и Музей искусств Метрополитен , заплатили тысячи долларов за его работы. В тот год он продал 30 картин, в том числе 13 акварелей. [50] В следующем году он принял участие в первом Ежегодном фестивале Уитни и продолжал выставляться в каждом ежегодном фестивале в музее до конца своей жизни. [50] В 1933 году Музей современного искусства устроил Хопперу его первую масштабную ретроспективу. [53]
В 1930 году Хопперы сняли коттедж в Саут-Труро, на Кейп-Коде. Они возвращались туда каждое лето до конца своей жизни, построив там летний домик в 1934 году. [54] Оттуда они отправлялись в поездки в другие районы, когда Хопперу требовался свежий материал для рисования. Летом 1937 и 1938 годов пара проводила длительные пребывания на ферме Wagon Wheels в Саут-Ройялтоне, штат Вермонт , где Хоппер написал серию акварелей вдоль реки Уайт-Ривер. Эти сцены нетипичны для зрелых работ Хоппера, поскольку большинство из них представляют собой «чистые» пейзажи, лишенные архитектуры или человеческих фигур. « Первый рукав реки Уайт-Ривер » (1938), ныне находящийся в Музее изящных искусств в Бостоне, является самым известным из пейзажей Вермонта Хоппера. [55]
Хоппер был очень продуктивен в 1930-х и начале 1940-х годов, создав среди многих важных работ «New York Movie» (1939), «Girlie Show» (1941), «Nighthawks» (1942), «Hotel Lobby » (1943) и « Morning in a City» (1944). Однако в конце 1940-х годов он пережил период относительного бездействия. Он признался: «Я хотел бы больше рисовать. Мне надоедает читать и ходить в кино». [56] В течение следующих двух десятилетий его здоровье пошатнулось, и он перенес несколько операций на простате и другие медицинские проблемы. [56] Но в 1950-х и начале 1960-х годов он создал еще несколько крупных работ, включая «First Row Orchestra» (1951); а также «Morning Sun» и «Hotel by a Railroad» (обе в 1952 году); и «Antmission» в 1963 году . [57]
В 1966 году Хоппер был награжден медалью Эдварда Макдауэлла от MacDowell Colony за выдающийся вклад в американскую культуру. [58]
Хоппер умер естественной смертью в своей студии недалеко от Вашингтон-сквер в Нью-Йорке 15 мая 1967 года. Он был похоронен два дня спустя на семейном участке на кладбище Оук-Хилл в Найаке, штат Нью-Йорк, где он родился. [59] Его жена умерла десять месяцев спустя и похоронена вместе с ним.
Жена Эдварда Хоппера, Жозефина, завещала их совместную коллекцию из более чем трех тысяч произведений музею Уитни . [60] Артейер Санборн, баптистский священник, который часто навещал их дом, чтобы заботиться о сестре Эдварда, Мэрион, стал владельцем трехсот рисунков и картин Хоппера. Историк искусств Гейл Левин подчеркнула, что в то время как в музее Уитни имеется обширная документация о том, как Жозефина распределяла произведения их пары, картины, приобретенные у Санборна, не имеют провенанса, доказывающего, что семья добровольно подарила сокровищницу произведений, которую Санборн, по ее словам, нашла на их чердаке. [61] Музей современного искусства в Нью-Йорке, Центр искусств Де-Мойна и Чикагский институт искусств имеют значительные коллекции картин Хоппера.
Всегда неохотно обсуждавший себя и свое искусство, Хоппер просто сказал: «Весь ответ — на холсте». [53] Хоппер был стоиком и фаталистиком — тихим интровертным человеком с мягким чувством юмора и откровенными манерами. Хоппер был человеком, тяготеющим к символическому, антинарративному символизму , [62] который «рисовал короткие изолированные моменты конфигурации, насыщенные намеком». [63] Его тихие пространства и непростые встречи «трогают нас там, где мы наиболее уязвимы», [64] и имеют «намек на меланхолию, эту меланхолию, которая разыгрывается». [65] Его чувство цвета раскрыло в нем чистого художника, [66] поскольку он «превращал пуританина в пуриста, в своих тихих полотнах, где недостатки и благословения уравновешивают друг друга». [67] По словам критика Ллойда Гудрича , он был «в высшей степени местным художником, который больше, чем кто-либо другой, передавал в своих полотнах черты Америки». [68] [69]
Консерватор в политике и социальных вопросах (например, Хоппер утверждал, что «жизнь художников должна быть написана людьми, очень близкими им»), [70] он принимал вещи такими, какие они есть, и демонстрировал отсутствие идеализма. Культурный и утонченный, он был начитан, и на многих его картинах изображены читающие фигуры. [71] Он был в целом хорошим собеседником и невозмутимым молчанием, хотя иногда был молчаливым, сварливым или отстраненным. Он всегда серьезно относился к своему искусству и искусству других, и когда его спрашивали, он высказывал откровенные мнения. [72]
Наиболее систематическое изложение Хоппером своей философии как художника было дано в рукописной заметке под названием «Заявление», отправленной в 1953 году в журнал Reality :
Великое искусство — это внешнее выражение внутренней жизни художника, и эта внутренняя жизнь выльется в его личное видение мира. Никакое количество искусной выдумки не заменит существенный элемент воображения. Одной из слабостей многих абстрактных картин является попытка подменить изобретения человеческого интеллекта частной творческой концепцией.
Внутренняя жизнь человека — это обширная и разнообразная сфера, которая не ограничивается лишь стимулирующими сочетаниями цвета, формы и дизайна.
Термин «жизнь», используемый в искусстве, не заслуживает презрения, поскольку он подразумевает все существование, и задача искусства — реагировать на него, а не избегать его.
Живописи придется более полно и менее косвенно иметь дело с жизнью и явлениями природы, прежде чем она снова сможет стать великой. [73]
Хотя Хоппер утверждал, что он сознательно не вкладывал психологический смысл в свои картины, он был глубоко заинтересован Фрейдом и силой подсознания. Он писал в 1939 году: «Столько всего в каждом искусстве является выражением подсознания, что мне кажется, что большинство важных качеств заложено там бессознательно, и мало важного — сознательным интеллектом». [74]
.jpg/1280px-Universalist_Church_(Edward_Hopper,_1926).jpg)
Хотя он наиболее известен своими картинами маслом, Хоппер изначально добился признания за свои акварели, а также создал несколько коммерчески успешных офортов. Кроме того, его блокноты содержат высококачественные наброски ручкой и карандашом, которые никогда не предназначались для публичного просмотра.
Хоппер уделял особое внимание геометрическому дизайну и тщательному размещению человеческих фигур в правильном равновесии с окружающей средой. Он был медленным и методичным художником; как он писал: «Идее требуется много времени, чтобы прийти в голову. Затем мне приходится долго думать об этом. Я не начинаю рисовать, пока все не проработаю в уме. Я в порядке, когда добираюсь до мольберта». [75] Он часто делал подготовительные наброски, чтобы проработать свои тщательно рассчитанные композиции. Он и его жена вели подробный учет своих работ, отмечая такие пункты, как «печальное лицо женщины без освещения», «электрический свет с потолка» и «бедра прохладнее». [76]
Для фильма «Нью-Йорк Кино» (1939) Хоппер демонстрирует свою тщательную подготовку, сделав более 53 набросков интерьера театра и фигуры задумчивой билетерши. [77]
Эффективное использование света и тени для создания настроения также является центральным в методах Хоппера. Яркий солнечный свет (как символ прозрения или откровения) и тени, которые он отбрасывает, также играют символически важную роль в таких картинах Хоппера, как « Раннее воскресное утро» (1930), «Летнее время» (1943), «Семь утра» (1948) и «Солнце в пустой комнате » (1963). Его использование эффектов света и тени сравнивали с кинематографией фильма нуар . [78]
Хоппер, хотя и был художником-реалистом, но его «мягкий» реализм упрощал формы и детали. Он использовал насыщенный цвет, чтобы усилить контраст и создать настроение.
Хоппер черпал сюжеты из двух основных источников: во-первых, общие черты американской жизни (заправочные станции, мотели, рестораны, театры, железные дороги и уличные сцены) и ее обитатели; и во-вторых, морские и сельские пейзажи. Что касается его стиля, Хоппер определял себя как «смесь многих рас» и не был членом какой-либо школы, в частности « школы Ашкана ». [79] Когда Хоппер достиг своего зрелого стиля, его искусство оставалось последовательным и самодостаточным, несмотря на многочисленные художественные тенденции, которые приходили и уходили в течение его долгой карьеры. [79]
Морские пейзажи Хоппера делятся на три основные группы: чистые пейзажи скал, моря и прибрежной травы; маяки и фермерские дома; и парусники. Иногда он объединял эти элементы. Большинство этих картин изображают яркий свет и ясную погоду; он не проявлял особого интереса к сценам со снегом или дождем или к сезонным изменениям цвета. Он написал большинство чистых морских пейзажей в период между 1916 и 1919 годами на острове Монхеган . [80] «Длинная нога» Хоппера (1935) — это почти полностью синяя парусная картина с простейшими элементами, в то время как его «Грунтовая зыбь» (1939) более сложная и изображает группу молодых людей, отправляющихся в плавание, тема, напоминающая культовую картину Уинслоу Гомера «Ветер на ветру» (1876). [81]
Городская архитектура и городские пейзажи также были основными темами для Хоппера. Он был очарован американской городской сценой, «нашей родной архитектурой с ее отвратительной красотой, ее фантастическими крышами, псевдоготическими, французскими мансардами , колониальными, дворняжными или какими угодно, с выжигающим глаза цветом или тонкими гармониями выцветшей краски, подталкивающими друг друга вдоль бесконечных улиц, которые сужаются к болотам или кучам свалок». [82]
В 1925 году он создал « Дом у железной дороги ». Эта классическая работа изображает изолированный викторианский деревянный особняк, частично скрытый поднятой насыпью железной дороги. Она ознаменовала художественную зрелость Хоппера. Ллойд Гудрич похвалил работу как «одно из самых пронзительных и опустошающих произведений реализма». [83] Работа является первой из серии суровых сельских и городских сцен, в которых используются резкие линии и крупные формы, обыгранные необычным освещением, чтобы передать одинокое настроение его персонажей. Хотя критики и зрители интерпретируют смысл и настроение в этих городских пейзажах, Хоппер настаивал: «Меня больше интересовал солнечный свет на зданиях и фигурах, чем какой-либо символизм». [84] Как будто для того, чтобы доказать это, его поздняя картина «Солнце в пустой комнате » (1963) представляет собой чистое исследование солнечного света. [85]
Большинство фигуративных картин Хоппера сосредоточены на тонком взаимодействии людей с окружающей средой — выполняемом с помощью одиночных фигур, пар или групп. Его основные эмоциональные темы — уединение, одиночество, сожаление, скука и отставка. Он выражает эмоции в различных средах, включая офис, общественные места, квартиры, дорогу или отпуск. [86] Как будто он создавал кадры для фильма или сцены в пьесе, Хоппер размещал своих персонажей так, как будто они были запечатлены непосредственно перед или сразу после кульминации сцены. [87]
Одиночные фигуры Хоппера в основном женщины — одетые, полуодетые и обнаженные — часто читающие или смотрящие в окно, или на рабочем месте. В начале 1920-х годов Хоппер написал свои первые такие изображения: «Девушка за швейной машинкой» (1921), «Нью-Йоркский интерьер» (еще одна женщина шьет) (1921) и «Лунный интерьер» (обнаженная, ложащаяся в постель) (1923). Однако «Автомат» (1927) и «Гостиничный номер» (1931) более характерны для его зрелого стиля, подчеркивая одиночество более открыто. [88]
Как писала исследовательница творчества Хоппера Гейл Левин о «Гостиничном номере» :
Свободные вертикальные и диагональные полосы цвета и резкие электрические тени создают лаконичную и интенсивную драму в ночи... Сочетая пронзительный сюжет с такой мощной формальной композицией, композиция Хоппера достаточно чиста, чтобы приблизиться к почти абстрактной чувственности, но при этом наполнена поэтическим смыслом для наблюдателя. [89]
«Комната Хоппера в Нью-Йорке» (1932) и «Вечер на Кейп-Коде» (1939) — яркие примеры его картин «пар». На первой молодая пара выглядит отчужденной и необщительной — он читает газету, а она бездельничает у пианино. Зритель берет на себя роль вуайериста, как будто смотрит в телескоп через окно квартиры, чтобы подсмотреть за отсутствием близости у пары. На последней картине пожилая пара, которой нечего сказать друг другу, играет со своей собакой, чье собственное внимание отвлечено от его хозяев. [90] Хоппер выводит тему пар на более амбициозный уровень в «Экскурсии в философию» (1959). Мужчина средних лет уныло сидит на краю кровати. Рядом с ним лежит открытая книга и частично одетая женщина. Луч света освещает пол перед ним. Джо Хоппер отметила в их бортовом журнале: «[Открытая] книга — это Платон , перечитанный слишком поздно».
Левин интерпретирует картину:
Философ Платона, в поисках реального и истинного, должен отвернуться от этого преходящего царства и созерцать вечные Формы и Идеи. Задумчивый человек на картине Хоппера расположен между соблазном земной сферы, представленной женщиной, и призывом высшей духовной сферы, представленной эфирным светом. Боль от размышлений об этом выборе и его последствиях после чтения Платона всю ночь очевидна. Он парализован пылким внутренним трудом меланхолика . [ 91]
В «Ночном офисе» (1940), еще одной «парной» картине, Хоппер создает психологическую головоломку. На картине изображен мужчина, сосредоточенный на своих рабочих документах, в то время как рядом его привлекательная секретарша тянет папку. Несколько набросков для картины показывают, как Хоппер экспериментировал с расположением двух фигур, возможно, чтобы усилить эротизм и напряжение. Хоппер представляет зрителю возможности того, что мужчина либо действительно не заинтересован в привлекательности женщины, либо он изо всех сил старается ее игнорировать. Еще один интересный аспект картины — то, как Хоппер использует три источника света, [90] от настольной лампы, через окно и непрямой свет сверху. Хоппер продолжил делать несколько «офисных» картин, но ни одной другой с чувственным подтекстом.
Самая известная из картин Хоппера, «Ночные ястребы» (1942), является одной из его картин групп. На ней изображены клиенты, сидящие за стойкой круглосуточной закусочной. Формы и диагонали тщательно выстроены. Точка обзора кинематографическая — с тротуара, как будто зритель приближается к ресторану. Резкий электрический свет закусочной отличает ее от темной ночи снаружи, усиливая настроение и тонкие эмоции. [92] Как и во многих картинах Хоппера, взаимодействие минимально. Изображенный ресторан был вдохновлен рестораном в Гринвич-Виллидж. И Хоппер, и его жена позировали для фигур, и Джо Хоппер дала картине ее название. Вдохновение для картины могло прийти из рассказа Эрнеста Хемингуэя « Убийцы », которым Хоппер очень восхищался, [93] или из более философского « Чистое, хорошо освещенное место ». [94] Настроение картины иногда интерпретировалось как выражение тревоги военного времени. [95] Хоппер позже сказал, что, следуя названию своей картины, «Ночные ястребы» больше связаны с возможностью появления хищников ночью, чем с одиночеством. [96]
Его вторая самая узнаваемая картина после «Ночных ястребов» — это еще одна городская картина, «Раннее воскресное утро » (первоначально называвшаяся « Магазины на Седьмой авеню» ), на которой изображена пустая уличная сцена в резком боковом свете, с пожарным гидрантом и парикмахерским шестом в качестве заместителей человеческих фигур. Первоначально Хоппер намеревался поместить фигуры в окна на верхнем этаже, но оставил их пустыми, чтобы усилить ощущение запустения. [97]
Сельские сцены Хоппера в Новой Англии , такие как «Газ» (1940), не менее значимы. «Газ » представляет собой «другое, столь же чистое, хорошо освещенное убежище... открытое для нуждающихся, пока они пробираются ночью, проезжая свои собственные мили, прежде чем уснуть». [98] Работа представляет собой слияние нескольких тем Хоппера: одинокая фигура, меланхолия сумерек и одинокая дорога. [99]
На картине Хоппера «Комнаты у моря » (1951) изображена открытая дверь с видом на океан, без видимой лестницы или ступенек и без каких-либо признаков пляжа. [100]
После студенческих лет все обнаженные натуры Хоппера были женщинами. В отличие от художников прошлого, которые рисовали обнаженную женскую натуру, чтобы прославить женские формы и подчеркнуть женский эротизм, обнаженные натуры Хоппера — это одинокие женщины, которые психологически обнажены. [101] Одним смелым исключением является Girlie Show (1941), где рыжеволосая королева стриптиза уверенно шагает по сцене под аккомпанемент музыкантов в яме. Girlie Show было вдохновлено посещением Хоппера бурлеск- шоу несколькими днями ранее. Жена Хоппера, как обычно, позировала ему для картины и отметила в своем дневнике: «Эд начал новый холст — бурлеск-королева, танцующая стриптиз — и я позирую без единого стежка перед плитой — ничего, кроме высоких каблуков в позе лотерейного танца». [102]
Портреты и автопортреты Хоппера были относительно немногочисленны после его студенческих лет. [103] Хоппер действительно создал заказной «портрет» дома, The MacArthurs' Home (1939), где он добросовестно детализировал викторианскую архитектуру дома актрисы Хелен Хейз . Позже она сказала: «Я думаю, что никогда не встречала более мизантропичного, сварливого человека в своей жизни». Хоппер ворчал на протяжении всего проекта и больше никогда не принимал заказов. [104] Хоппер также написал «Портрет Орлеана» (1950), «портрет» города Кейп-Код с его главной улицы. [105]
Хотя Хоппер был очень заинтересован в Гражданской войне в США и фотографиях сражений Мэтью Брэди , он создал только две исторические картины. Обе изображали солдат на пути в Геттисберг . [106] Также редко встречаются среди его тем картины, изображающие действие. Лучшим примером картины действия является «Верховая тропа» (1939), но борьба Хоппера с правильной анатомией лошадей, возможно, отговорила его от подобных попыток. [107]
Последняя картина маслом Хоппера « Два комедианта» (1966), написанная за год до его смерти, посвящена его любви к театру. Два французских актера пантомимы , мужчина и женщина, оба одетые в яркие белые костюмы, раскланиваются перед затемненной сценой. Джо Хоппер подтвердила, что ее муж хотел, чтобы фигуры намекали, что они раскланиваются вместе как муж и жена. [108]
Картины Хоппера часто воспринимались другими как имеющие повествовательное или тематическое содержание, которое художник, возможно, не подразумевал. Много смысла можно добавить к картине ее названием, но названия картин Хоппера иногда выбирались другими или выбирались Хоппером и его женой таким образом, что неясно, имеют ли они какую-либо реальную связь с замыслом художника. Например, Хоппер однажды сказал интервьюеру, что он «любит Early Sunday Morning ... но это не обязательно было Sunday. Это слово было добавлено позже кем-то другим». [109]
Тенденция читать тематическое или повествовательное содержание в картинах Хоппера, чего Хоппер не подразумевал, распространилась даже на его жену. Когда Джо Хоппер прокомментировала фигуру в « Утре Кейп-Кода »: «Это женщина, выглядывающая, чтобы посмотреть, достаточно ли хороша погода, чтобы развесить белье», Хоппер парировал: «Разве я это говорил? Вы делаете ее Норманом Роквеллом. С моей точки зрения, она просто смотрит в окно». [110] Другой пример того же явления зафиксирован в статье 1948 года в Time :
«Летний вечер » Хоппера , молодая пара, разговаривающая в резком свете крыльца коттеджа, неизбежно романтична, но Хоппер был задет предположением одного критика, что она сойдет для иллюстрации в «любом женском журнале». Хоппер держал картину в голове «20 лет, и я никогда не думал о том, чтобы поместить туда фигуры, пока не начал прошлым летом. Зачем какой-то арт-директор разорвал бы картину на части. Меня интересовали не фигуры; меня интересовал струящийся свет и ночь вокруг». [111]
Сосредоточившись в первую очередь на тихих моментах, очень редко показывая действие, Хоппер использовал форму реализма, принятую другим ведущим американским реалистом, Эндрю Уайетом , но техника Хоппера полностью отличалась от гипердетализированного стиля Уайета. [53] В союзе с некоторыми из своих современников Хоппер разделял свою городскую чувствительность с Джоном Слоуном и Джорджем Беллоузом , но избегал их открытого действия и насилия. Там, где Джозеф Стелла и Джорджия О'Кифф восхваляли монументальные сооружения города, Хоппер сводил их к повседневной геометрии, и он изображал пульс города как заброшенный и опасный, а не «элегантный или соблазнительный». [112]
Чарльз Берчфилд , которым восхищался Хоппер и с которым его сравнивали, сказал о Хоппере: «Он достигает такой полной правды, что вы можете прочесть в его интерпретациях домов и представлений о жизни Нью-Йорка любые человеческие подтексты, которые только пожелаете». [113] Он также приписывал успех Хоппера его «смелому индивидуализму. ... В нем мы вернули себе ту прочную американскую независимость, которую дал нам Томас Икинс , но которая на время была утрачена». [114] Хоппер счел это высоким комплиментом, поскольку считал Икинса величайшим американским художником. [115]
Исследователь Хоппера Дебора Лайонс пишет: «Наши собственные моменты откровения часто зеркально отражаются, трансцендентны в его работах. Однажды увиденные, интерпретации Хоппера существуют в нашем сознании в тандеме с нашим собственным опытом. Мы навсегда видим определенный тип дома как дом Хоппера, наделенный, возможно, тайной, которую Хоппер внедрил в наше собственное видение». Картины Хоппера подчеркивают, казалось бы, обыденные и типичные сцены в нашей повседневной жизни и дают им повод для прозрения. Таким образом, искусство Хоппера берет суровый американский пейзаж и одинокие заправочные станции и создает в них чувство прекрасного предвкушения. [116]
Хотя сравнивали его с современником Норманом Роквеллом по тематике, Хопперу это сравнение не понравилось. Хоппер считал себя более тонким, менее иллюстративным и, конечно, не сентиментальным. Хоппер также отвергал сравнения с Грантом Вудом и Томасом Хартом Бентоном, заявляя: «Я думаю, что американские художники-сценографы карикатурно изображали Америку. Я всегда хотел сделать себя». [117]
Влияние Хоппера на мир искусства и поп-культуру неоспоримо; см. § В популярной культуре для многочисленных примеров. Хотя у него не было официальных учеников, многие художники цитировали его как оказавшего влияние, включая Виллема де Кунинга , Джима Дайна и Марка Ротко . [79] Иллюстрацией влияния Хоппера является ранняя работа Ротко «Композиция I» (ок. 1931 г.), которая является прямым парафразом «Чоп суэй» Хоппера . [118]
Кинематографические композиции Хоппера и драматическое использование света и тьмы сделали его любимцем среди режиссеров. Например, сообщается, что «Дом у железной дороги» оказал сильное влияние на культовый дом в фильме Альфреда Хичкока «Психо» . [119] Та же картина также упоминается как оказавшая влияние на дом в фильме Терренса Малика «Дни жатвы» . Фильм 1981 года «Пенни с небес» включает живую картину «Ночные ястребы» , с ведущими актерами на местах обедающих. Немецкий режиссер Вим Вендерс также ссылается на влияние Хоппера. [79] Его фильм 1997 года «Конец насилия» также включает живую картину «Ночные ястребы» , воссозданную актерами. Известный сюрреалистический режиссер фильмов ужасов Дарио Ардженто зашел так далеко, что воссоздал закусочную и посетителей в Nighthawks как часть декораций для своего фильма 1976 года Deep Red (он же Profondo Rosso ). Ридли Скотт ссылался на ту же картину как на визуальное вдохновение для Blade Runner . Чтобы установить освещение сцен в фильме 2002 года Road to Perdition , режиссер Сэм Мендес черпал вдохновение из картин Хоппера, в частности из New York Movie . [120]
В магазинах плакатов и сувенирных лавках часто можно встретить почести Nighthawks с участием персонажей мультфильмов или известных икон поп-культуры, таких как Джеймс Дин и Мэрилин Монро . Кабельный телеканал Turner Classic Movies иногда показывает анимированные клипы, основанные на картинах Хоппера, перед показом своих фильмов. Музыкальные влияния включают в себя альбом певца и автора песен Тома Уэйтса 1975 года под названием Nighthawks at the Diner , в честь картины. В 1993 году Мадонна была настолько вдохновлена картиной Хоппера 1941 года Girlie Show , что назвала свой мировой тур в ее честь и включила многие театральные элементы и настроение картины в шоу. В 2004 году британский гитарист Джон Сквайр (ранее участник The Stone Roses ) выпустил концептуальный альбом , основанный на работе Хоппера, под названием Marshall's House . Каждая песня на альбоме вдохновлена и разделяет свое название с картиной Хоппера. Канадская рок-группа The Weakerthans выпустила свой альбом Reunion Tour в 2007 году с двумя песнями, вдохновлёнными и названными в честь картин Хоппера, «Sun in an Empty Room» и «Night Windows», а также ссылалась на него в таких песнях, как «Hospital Vespers». «Compartment C, Car 293» Хоппера вдохновила польского композитора Павла Шиманского на «Compartment 2, Car 7» для скрипки, альта, виолончели и вибрафона ( 2003), а также на песню «Compartiment C Voiture 293» Эдварда Хоппера 1938 (2011). Творчество Хоппера повлияло на множество записей британской группы Orchestral Manoeuvres in the Dark . «Early Sunday Morning» послужило источником вдохновения для обложки Crush (1985). [ необходима цитата ] Сингл той же группы 2013 года " Night Café " был вдохновлен Nighthawks и упоминает имя Хоппера. Семь его картин упоминаются в текстах песен. [121]
В поэзии многочисленные стихотворения были вдохновлены картинами Хоппера, как правило, как яркие описания и драматизации; этот жанр известен как экфрасис . В дополнение к многочисленным отдельным стихотворениям, вдохновленным Хоппером, несколько поэтов написали сборники, основанные на картинах Хоппера. Французский поэт Клод Эстебан написал сборник прозаических стихотворений Soleil dans une pièce vide ( Солнце в пустой комнате , 1991), основанный на сорока семи картинах Хоппера с 1921 по 1963 год, заканчивающийся произведением Sun in an Empty room (1963), отсюда и название. [122] Каждое стихотворение драматизировало картину Хоппера, воображая историю за сценой; книга получила премию Prix France Culture в 1991 году. Восемь стихотворений — Ground Swell , Girl at Sewing Machine , Compartment C, Car 293 , Nighthawks , South Carolina Morning , House by the Railroad , People in the Sun и Roofs of Washington Square — были впоследствии положены на музыку композитором Грацианой Финци и записаны с чтением певицей Натали Дессей в ее альбоме Portraits of America (2016), где они были дополнены десятью дополнительными картинами Хоппера и песнями из американского песенника , чтобы сопровождать их. [123] Аналогичным образом испанский поэт Эрнест Фаррес написал сборник из пятидесяти одного стихотворения на каталонском языке под именем Эдвард Хоппер (2006, английский перевод 2010 Лоуренса Венути), а Джеймс Хоггард написал Треугольники света: стихотворения Эдварда Хоппера (Wings Press, 2009). Сборник различных поэтов был организован в The Poetry of Solitude: A Tribute to Edward Hopper 1995 (редактор Гейл Левин ). Отдельные стихотворения включают Байрона Вазакаса (1957) и Джона Стоуна (1985), вдохновленных Early Sunday Morning , и Мэри Лидер, вдохновленную Girl at Sewing Machine .
В 1980 году выставка «Эдвард Хоппер: искусство и художник» открылась в Музее американского искусства Уитни и посетила Лондон, Дюссельдорф и Амстердам, а также Сан-Франциско и Чикаго. Впервые на этой выставке были представлены масляные картины Хоппера вместе с подготовительными штудиями к этим работам. Это было начало популярности Хоппера в Европе и его большой мировой известности. [ необходима цитата ]
В 2004 году большая коллекция картин Хоппера гастролировала по Европе, посетив Музей Людвига в Кельне , Германия, и галерею Tate Modern в Лондоне. Выставка в Tate стала второй по популярности в истории галереи, за три месяца ее работы ее посетили 420 000 человек.
В 2007 году выставка, посвященная периоду величайших достижений Хоппера — примерно с 1925 года до середины века — была представлена в Музее изящных искусств в Бостоне . Экспозиция включала пятьдесят картин маслом, тридцать акварелей и двенадцать гравюр, включая фаворитов Nighthawks , Chop Suey и Lighthouse and Buildings . Выставка была организована Музеем изящных искусств в Бостоне, Национальной галереей искусств в Вашингтоне и Чикагским институтом искусств и спонсировалась глобальной консалтинговой фирмой по управлению Booz Allen Hamilton .
В 2010 году музей Fondation de l'Hermitage в Лозанне, Швейцария, провел выставку, которая охватывала всю карьеру Хоппера, с работами, взятыми в основном из Музея Уитни в Нью-Йорке. Она включала картины, акварели, офорты, карикатуры, плакаты, а также некоторые подготовительные исследования для избранных картин. Ранее выставка была представлена в Милане и Риме. В 2011 году Музей американского искусства Уитни провел выставку под названием Edward Hopper and His Times .
В 2012 году в Большом дворце в Париже открылась выставка , которая стремилась пролить свет на сложность его шедевров, что является показателем богатства творчества Хоппера. Она была разделена хронологически на две основные части: первая часть охватывала годы становления Хоппера (1900–1924), сравнивая его работы с работами его современников и искусством, которое он видел в Париже, которое могло на него повлиять. Вторая часть рассматривала искусство его зрелых лет, от первых картин, символизирующих его личный стиль, таких как « Дом у железной дороги» (1924), до его последних работ.
В 2020 году Фонд Бейелера провел выставку, на которой были представлены работы Хоппера. Выставка была посвящена «знаковым изображениям бесконечных просторов американских ландшафтов и городских пейзажей» Хоппера. [124] Этот аспект редко упоминается на выставках, однако он является ключевым компонентом для понимания творчества Хоппера.
С 2022 по 2023 год его работы экспонировались в Музее Уитни в Нью-Йорке на выставке под названием «Нью-Йорк Эдварда Хоппера». [125]
Работы Хоппера редко появляются на рынке. Художник не был плодовитым, написав всего 366 полотен; в 1950-х годах, когда ему было за 70, он создавал примерно пять картин в год. Давний дилер Хоппера, Фрэнк Рен, который устроил художнику первую персональную выставку в 1924 году, продал « Окно отеля» (1956) коллекционеру Ольге Кнопке за 7000 долларов (что эквивалентно 75 938 долларам в 2023 году) в 1957 году. В 1999 году коллекция Forbes продала ее актеру Стиву Мартину в частном порядке примерно за 10 миллионов долларов. [126] В 2006 году Мартин продал ее за 26,89 миллиона долларов на аукционе Sotheby's в Нью-Йорке, что стало рекордом для художника. [127]
В 2013 году Пенсильванская академия изящных искусств в Филадельфии выставила на продажу картину Хоппера « Восточный ветер над Уихокеном» (1934), надеясь выручить 22–28 миллионов долларов, в которые оценивается картина, [128] чтобы создать фонд для приобретения «современного искусства», стоимость которого возрастет. [129] Это уличная сцена, выполненная в темных, землистых тонах, изображающая дом с фронтоном по адресу 1001 Boulevard East на углу 49th Street в Уихокене, штат Нью-Джерси , и считается одной из лучших работ Хоппера. [130] Она была приобретена напрямую у дилера, занимавшегося картинами художника, в 1952 году, за пятнадцать лет до смерти художника, по очень низкой цене. Картина была продана за рекордные 36 миллионов долларов на аукционе Christie's в Нью-Йорке, [129] анонимному покупателю по телефону.
В 2018 году, после смерти коллекционера произведений искусства Барни А. Эбсворта и последующей продажи на аукционе многих произведений из его коллекции, «Чоп Суэй» (1929) был продан за 92 миллиона долларов, став самой дорогой работой Хоппера, когда-либо купленной на аукционе. [131] [132]
Помимо своего влияния (см. § Влияние), Хоппер часто упоминается в популярной культуре.
В 1981 году «Молчание Хоппера» , документальный фильм Брайана О'Доэрти, снятый Музеем американского искусства Уитни, был показан на Нью-Йоркском кинофестивале в зале Элис Тулли . [133]
Австрийский режиссер Густав Дойч снял в 2013 году фильм «Шерли: Видения реальности» по мотивам 13 картин Эдварда Хоппера. [134] [135]
Другие работы, основанные на картинах Хоппера или вдохновлённые ими, включают альбом Тома Уэйтса 1975 года Nighthawks at the Diner и серию фотографий Гейл Альберт Халабан 2012 года . [135] [136]
В книге (1985, 1998) и передвижной выставке под названием «Места Хоппера» Гейл Левин нашла и сфотографировала места для многих картин Хоппера. В своем обзоре 1985 года родственной выставки, организованной Левиным, Вивьен Рейнор написала в New York Times : «Выводы мисс Левин неизменно поучительны, как, например, когда она делает вывод, что склонность Хоппера к удлинению структур была отражением его собственного большого роста». [137]
Альбом Crush 1985 года группы новой волны Orchestral Maneuvers in the Dark содержит иллюстрации, вдохновлённые несколькими картинами Хоппера, включая Early Sunday Morning , Nighthawks и Room in New York . [138] Сингл группы 2013 года «Night Cafe» был создан под влиянием Nighthawks и упоминает имя Хоппера. Семь из его картин упоминаются в текстах песен. [121]
В 2016 году на сцене Гарлема в Нью-Йоркской городской опере состоялась премьера на Восточном побережье «Жены Хоппера» Стюарта Уоллеса — камерной оперы 1997 года о воображаемом браке Эдварда Хоппера и светской хроники Хедды Хоппер . [139]
Ирландская писательница Кристин Дуайер Хики опубликовала в 2019 году роман «Узкая земля », в котором Эдвард и Джо Хоппер были центральными персонажами. [140]
Пол Уэллер включил песню под названием «Hopper» в свой альбом 2017 года A Kind Revolution .
{{cite web}}: CS1 maint: несколько имен: список авторов ( ссылка )
Медиа из Commons
Цитаты из Викицитатника
Данные из Викиданных