.jpg/1280px-'Grane'_by_Anselm_Kiefer._Woodcut_with_paint_and_collage_on_paper_mounted_on_linin,_Museum_of_Modern_Art_(New_York_City).jpg)
Ансельм Кифер (родился 8 марта 1945 года) — немецкий художник и скульптор. Он учился у Петера Дреера и Хорста Антеса в конце 1960-х годов. Его работы включают такие материалы, как солома , зола, глина , свинец и шеллак . Стихи Пауля Целана сыграли свою роль в развитии тем Кифера немецкой истории и ужасов Холокоста , как и духовные концепции каббалы .
Во всем своем творчестве Кифер спорит с прошлым и обращается к табуированным и спорным вопросам недавней истории. Темы нацистского правления особенно отражены в его творчестве; например, картина «Маргарета » (масло и солома на холсте) была вдохновлена известной поэмой Целана « Todesfuge » («Фуга смерти»).
Его работы характеризуются непоколебимой готовностью противостоять темному прошлому своей культуры и нереализованному потенциалу в работах, которые часто выполняются в больших, конфронтационных масштабах, хорошо подходящих для сюжетов. Для его работ также характерно нахождение подписей и имен людей, имеющих историческое значение, легендарных личностей или исторических мест. Все это закодированные символы , посредством которых Кифер стремится обработать прошлое; это привело к тому, что его работы были связаны с движениями Новый Символизм и Нео-Экспрессионизм . [4]
Кифер живет и работает во Франции с 1992 года. С 2008 года он живет и работает в основном в Париже. [5] В 2018 году ему было предоставлено австрийское гражданство. [6]
Сын немецкого учителя искусств, [7] Кифер родился в Донауэшингене за несколько месяцев до окончания Второй мировой войны . Его город подвергся сильным бомбардировкам, и Кифер рос, окруженный разрушениями войны. В 1951 году его семья переехала в Оттерсдорф , и он посещал государственную школу в Раштатте , окончив среднюю школу в 1965 году. Он учился в Университете Фрайбурга , изучая предварительное право и романские языки . Однако после трех семестров он переключился на искусство, обучаясь в художественных академиях во Фрайбурге и Карлсруэ . В Карлсруэ он учился у Петера Дреера , реалиста и фигуративного художника. [8] Он получил художественное образование в 1969 году. [4]
В 1971 году Кифер переехал в Хорнбах ( Вальдюрн ) и основал студию. Он оставался в округе Неккар-Оденвальд до 1992 года; его работы в этот первый творческий период известны как «Немецкие годы» . В 1992 году он переехал во Францию. [9]
Кифер оставил свою первую жену и детей в Германии, переехав в Баржак в 1992 году. С 2008 года он жил в Париже, в большом доме в районе Марэ , со своей второй женой, австрийским фотографом Ренатой Граф, и их двумя детьми. [10] Кифер и Граф развелись в 2014 году. [11]
В 2017 году Кифер вошел в число 1001 самых богатых людей и семей Германии по версии ежемесячного делового издания Manager Magazin . [12]
Кифер является героем документального 3D -фильма «Ансельм» (2023), снятого Вимом Вендерсом . [13]
В целом Кифер приписывает традиционную мифологию, книги и библиотеки своим основным предметам и источникам вдохновения. В средние годы его вдохновение пришло от литературных деятелей, а именно Пауля Целана и Ингеборг Бахман . Его поздние работы включают темы из иудео-христианской , древнеегипетской и восточной культур, которые он сочетает с другими мотивами. Космогония также является большим фокусом в его работах. В целом, Кифер ищет смысл существования и «представление непостижимого и непредставимого».
Кифер ценит «духовную связь» с материалами, с которыми он работает, «извлекая дух, который уже живет в [них]». [14] При этом он преобразует свои материалы с помощью кислотных ванн и физических ударов палками и топорами, среди прочих процессов. [15]
Он часто выбирает материалы по их алхимическим свойствам — в частности, свинец. Первоначальное влечение Кифера к свинцу возникло, когда ему пришлось ремонтировать старые трубы в своем первом доме. В конце концов, он пришел к восхищению его физическими и сенсорными качествами и начал узнавать больше о его связи с алхимией . [14] Физически Киферу особенно нравится, как выглядит металл во время нагревания и плавления, когда он видит много цветов, особенно золотой, который он связывает с символическим золотом, искомым алхимиками. [16]
Использование Кифером соломы в его работе представляет энергию. Он утверждает, что это связано с физическими качествами соломы, включая ее цвет золота и выделение энергии и тепла при сгорании. Образующийся пепел открывает путь для нового творения, тем самым отражая мотивы трансформации и цикла жизни. [16]
Кифер также ценит баланс между порядком и хаосом в своих работах, заявляя: «[Если] слишком много порядка, [произведение] мертво; или если много хаоса, оно не связно». Кроме того, он глубоко заботится о пространстве, в котором находятся его работы. Он утверждает, что его работы «полностью теряют свою силу», если помещены в неправильные пространства. [14]
Кифер начал свою карьеру, создавая перформансы и документируя их в фотографиях под названием «Оккупации» и «Героические символы» . Одетый в форму вермахта своего отца , Кифер имитировал нацистское приветствие в разных местах во Франции, Швейцарии и Италии. Он просил немцев помнить и признавать потерю своей культуры из-за безумной ксенофобии Третьего рейха . В 1969 году в Galerie am Kaiserplatz, Карлсруэ , он представил свою первую отдельную выставку «Besetzungen (Оккупации)» с серией фотографий спорных политических акций. [17]
Кифер наиболее известен своими картинами, которые становились все более крупными по масштабу с добавлением свинца, битого стекла и сушеных цветов или растений. Это приводит к инкрустированным поверхностям и толстым слоям импасто . [18]
К 1970 году, во время неформального обучения у Йозефа Бойса в Дюссельдорфской академии художеств , [19] его стилистические наклонности напоминали подход Георга Базелица . Он работал со стеклом, соломой, деревом и частями растений. Использование этих материалов означало, что его художественные работы стали временными и хрупкими, что сам Кифер прекрасно понимал; он также хотел продемонстрировать материалы таким образом, чтобы они не были замаскированы и могли быть представлены в своей естественной форме. Хрупкость его работ контрастирует с суровым сюжетом в его картинах. Такое использование знакомых материалов для выражения идей было навеяно Бойсом, который использовал в своих работах жир и ковровый войлок. Это также типично для стиля неоэкспрессионизма . [20]
Кифер вернулся в район своего рождения в 1971 году. В последующие годы он включил в свою работу, в частности, немецкую мифологию, а в следующем десятилетии он изучал Каббалу , а также каббалистов, таких как Роберт Фладд. [21] Он отправился в длительные путешествия по Европе, США и Ближнему Востоку; последние два путешествия еще больше повлияли на его творчество. Помимо картин, Кифер создавал скульптуры, акварели, фотографии и гравюры на дереве, используя гравюры на дереве, в частности, для создания репертуара фигур, которые он мог бы повторно использовать во всех медиа в течение следующих десятилетий, придавая его работам его узловатую тематическую связность. [21]
В течение 1970-х и начала 1980-х годов Кифер создал множество картин, акварелей, гравюр на дереве и книг на темы, интерпретированные Рихардом Вагнером в его цикле из четырех опер « Кольцо нибелунга » [22] .
В начале 1980-х годов он создал более тридцати картин, фотографий и акварелей, названия и надписи которых отсылают к поэме румынского еврейского писателя Пауля Целана «Todesfuge» («Фуга смерти»). [23]
Серия картин, которые Кифер выполнил между 1980 и 1983 годами, изображает возвышающиеся каменные здания, отсылающие к известным примерам национал-социалистической архитектуры, в частности, зданиям, спроектированным Альбертом Шпеером и Вильгельмом Крайсом . Большая площадь в картине «Неизвестному художнику» (1983) в частности отсылает к открытому двору канцелярии Гитлера в Берлине, спроектированному Шпеером в 1938 году в честь Неизвестного солдата. [24] В 1984–85 годах он создал серию работ на бумаге, включающих обработанные черно-белые фотографии пустынных пейзажей с опорами линий электропередач и линиями электропередач. Такие работы, как «Тяжелое облако» (1985), были косвенным ответом на споры в Западной Германии в начале 1980-х годов о размещении НАТО тактических ядерных ракет на немецкой территории и размещении предприятий по переработке ядерного топлива. [25]
К середине 1980-х годов темы Кифера расширились от акцента на роли Германии в цивилизации до судьбы искусства и культуры в целом. Его работы стали более скульптурными и включали не только национальную идентичность и коллективную память, но и оккультный символизм , теологию и мистицизм . Тема всех работ — травма, пережитая целыми обществами, и постоянное возрождение и обновление в жизни. В 1980-х годах его картины стали более физическими и включали необычные текстуры и материалы. [26] Диапазон его тем расширился, включив ссылки на древнееврейскую и египетскую историю, как в большой картине «Осирис и Изида» (1985–87). В частности, его картины 1990-х годов исследуют универсальные мифы существования и смысла, а не мифы национальной идентичности. [27] С 1995 по 2001 год он создал цикл больших картин космоса. [28]
За эти годы Кифер создал множество необычных работ, но одна из них выделяется среди остальных как особенно странная — это его работа «20 лет одиночества». На создание этой работы ушло более 20 лет (1971–1991), «20 лет одиночества» — это стопка высотой до потолка из сотен покрашенных белой краской бухгалтерских книг и самодельных книг, усыпанных грязью и сухой растительностью, страницы которых испачканы спермой художника. Слово «одиночество» в названии отсылает к частой мастурбации художника на бумаге в течение 20 лет, которые потребовались для создания работы. Он попросил американского арт-критика Питера Шельдаля написать текст для каталога книг о мастурбации. Шельдаль попытался угодить, но в конечном итоге потерпел неудачу в своем начинании. Ни один другой критик не взялся за эту задачу, поэтому работа в значительной степени канула в Лету. [29]
Он снова шокировал мир искусства на званом ужине в мае 1993 года. Кифер и его вторая жена Ренате Граф украсили освещенный свечами коммерческий лофт в Нью-Йорке белым муслином, застелили пол белым песком и наняли официантов, одетых как мимы с белыми лицами. Горстке элиты мира искусства, таким как Шерри Левин, подали несколько блюд из таинственного мяса органов, таких как поджелудочная железа, которые были в основном белого цвета. Неудивительно, что гости не нашли еду особенно аппетитной. [29]
С 2002 года Кифер работал с бетоном, создавая башни, предназначенные для складов Pirelli в Милане, серию дани Велимиру Хлебникову (картины моря, с лодками и множеством свинцовых предметов, 2004–2005), возвращение к творчеству Пауля Целана [30] с серией картин с руническими мотивами (2004–2006) и другие скульптуры. В 2003 году он провел свою первую персональную выставку в Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburg Villa Katz, Anselm Kiefer: Am Anfang [31], посвященную серии новых работ, сосредоточенных на повторяющихся темах истории и мифов. В 2005 году он провел свою вторую выставку в галерее Таддеуса Ропаца в Зальцбурге, Für Paul Celan [32], которая была сосредоточена на увлечении Кифера книгой, связывая отсылки к германской мифологии с поэзией Пауля Целана, немецкоязычного еврея из Черновцов. На выставке было представлено одиннадцать работ на холсте, серия переплетенных книг, показанных в витринах, и пять скульптур, включая одну монументальную скульптуру на открытом воздухе из железобетона и свинцовых элементов, две свинцовые стопки книг в сочетании с бронзовыми подсолнухами, свинцовыми кораблями и клиньями, а также две монументальные свинцовые книги из серии «Тайная жизнь растений». Выставка гастролировала в галерее Таддеуса Ропаца в Париже и галерее Ивона Ламбера в Париже в следующем году. [32]
В 2006 году выставка Кифера « Велимир Хлебников » впервые была показана в небольшой студии недалеко от Баржака, затем переехала в White Cube в Лондоне, а затем завершилась в Музее современного искусства Олдрича в Коннектикуте. Работа состоит из 30 больших (2 × 3 метра) картин, висящих в двух рядах по 15 на противоположных стенах специально построенного здания из гофрированной стали, которое имитирует студию, в которой они были созданы. Работа отсылает к эксцентричным теориям русского футуриста философа/поэта Велимира Хлебникова , который изобрел «язык будущего» под названием « Заумь » и постулировал, что катастрофические морские сражения меняют ход истории раз в 317 лет. На своих картинах игрушечные линкоры Кифера — деформированные, потрепанные, ржавые и висящие на скрученных проводах — разбрасываются волнами краски и штукатурки. Повторяющиеся цветовые ноты работы - черный, белый, серый и ржавый; их поверхности грубые и покрыты краской, штукатуркой, грязью и глиной. [33]
В 2007 году он стал первым художником, которому было поручено установить постоянную работу в Лувре , Париж, после Жоржа Брака, который сделал это примерно 50 лет назад. В том же году он открыл серию выставок Monumenta в Большом дворце [34] в Париже, где работы отдавали дань уважения поэтам Паулю Целану и Ингеборг Бахман.
В 2009 году Кифер организовал две выставки в галерее White Cube в Лондоне. Серия лесных диптихов и триптихов, заключенных в стеклянные витрины, многие из которых были заполнены густыми марокканскими шипами, называлась Karfunkelfee , термин из немецкого романтизма, происходящий от стихотворения австрийской писательницы послевоенного периода Ингеборг Бахман . В работе The Fertile Crescent Кифер представил серию эпических картин, вдохновленных поездкой в Индию пятнадцатью годами ранее, где он впервые столкнулся с сельскими кирпичными заводами. За последнее десятилетие фотографии, которые Кифер сделал в Индии, «отозвались» в его сознании, предлагая широкий спектр культурных и исторических ссылок, простирающихся от первой человеческой цивилизации Месопотамии до руин Германии после Второй мировой войны , где он играл мальчиком. «Тому, кто ищет резонансного размышления о нестабильности построенного величия», — писал историк Саймон Шама в своем эссе-каталоге, «стоит внимательно изучить книгу Кифера « Плодородный полумесяц » [35] .
В Morgenthau Plan (2012) галерея заполнена скульптурой золотого пшеничного поля, заключенного в стальную клетку высотой пять метров. [36] В том же году Кифер открыл галерейное пространство Galerie Thaddaeus Ropac в Пантине выставкой монументальных новых работ Die Ungeborenen. Выставка сопровождалась публикацией с письмом Ансельма Кифера и эссе Александра Клюге и Эммануэля Дайде. Он продолжает быть представленным галереей и участвует в групповых и персональных выставках в их различных местах. [ необходима цитата ]
В 1969 году Кифер начал заниматься дизайном книг. Ранние образцы обычно представляют собой обработанные фотографии; его более поздние книги состоят из свинцовых листов, покрытых слоями краски, минералов или сушеных растений. Например, он собрал многочисленные свинцовые книги на стальных полках в библиотеках как символы сохраненных, выброшенных знаний истории. [37] Книга «Рейн» (1981) представляет собой последовательность из 25 гравюр на дереве, которые предлагают путешествие по реке Рейн ; река занимает центральное место в географическом и историческом развитии Германии, приобретая почти мифическое значение в таких произведениях, как «Кольцо нибелунгов» Вагнера . Сцены нетронутой реки прерываются темными, закрученными страницами, которые представляют собой затопление линкора «Бисмарк» в 1941 году во время атлантической вылазки под кодовым названием «Рейнские учения» . [38] [39]
Первая большая студия Кифера находилась на чердаке его дома, бывшего здания школы в Хорнбахе. Годы спустя он разместил свою студию в здании фабрики в Бухене, недалеко от Хорнбаха. В 1988 году Кифер превратил бывший кирпичный завод в Хёпфингене (также недалеко от Бухена) в обширное произведение искусства, включающее многочисленные инсталляции и скульптуры. [40] В 1991 году, после двадцати лет работы в Оденвальде, художник покинул Германию, чтобы путешествовать по миру — в Индию, Мексику, Японию, Таиланд, Индонезию, Австралию и Соединенные Штаты. [41] В 1992 году он обосновался в Баржаке , Франция, [42] , где он превратил свой 35-га студийный комплекс La Ribaute в Gesamtkunstwerk . Заброшенная шелковая фабрика, [43] его студия огромна и во многих отношениях является комментарием к индустриализации. Он создал обширную систему стеклянных зданий, архивов, инсталляций, кладовых для материалов и картин, подземных комнат и коридоров. [44]
Софи Файнс снимала студийный комплекс Кифера в Баржаке для своего документального исследования Over Your Cities Grass Will Grow (2010), в котором запечатлена как окружающая среда, так и художник за работой. Один критик написал о фильме: «Строя почти с нуля на заброшенной шелковой фабрике, Кифер придумал художественный проект, простирающийся на акры: мили коридоров, огромные студийные пространства с амбициозными пейзажными картинами и скульптурами, которые соответствуют монументальным сооружениям в окружающем лесу, и змеевидные выкопанные лабиринты с большими земляными колоннами, которые напоминают сталагмиты или термитники. Нигде не ясно, где окончательно находится готовый продукт; возможно, это все работа в процессе, монументальный организм концепт-арта». [45]
В 2008 году Кифер покинул свой студийный комплекс в Баржаке и переехал в Париж. Автопарк из 110 грузовиков перевез его работы на склад площадью 35 000 кв. футов (3300 м2 ) в Круасси-Бобур , за пределами Парижа, который когда-то был хранилищем универмага La Samaritaine . [46] [47] Журналист написал о заброшенном студийном комплексе Кифера: «Он оставил после себя великое творение Баржака — искусство и здания. За ним присматривает смотритель. Необитаемый, он тихо ждет, когда природа возьмет свое, потому что, как мы знаем, над нашими городами вырастет трава. Кифер провел лето 2019 года, живя и работая в Баржаке». [48]
Источник: [49]
В 1969 году Кифер провел свою первую персональную выставку в Galerie am Kaiserplatz в Карлсруэ . Вместе с Георгом Базелицем он представлял Германию на Венецианской биеннале в 1980 году. Он также был представлен на Венецианской биеннале 1997 года с персональной выставкой, состоявшейся в Museo Correr , где основное внимание уделялось картинам и книгам. [50]
Комплексные персональные выставки работ Кифера были организованы Кунстхалле Дюссельдорфа (1984); Институтом искусств Чикаго (1987); Музеем искусств Сезон в Токио (1993); Новой национальной галереей в Берлине (1991); Музеем Метрополитен в Нью-Йорке (1998); Фондом Бейелера в Базеле (2001); Музеем современного искусства Форт-Уэрта (2005); Музеем и садом скульптур Хиршхорна в Вашингтоне (2006); Музеем современного искусства Сан-Франциско и Музеем Гуггенхайма в Бильбао (2007). [28] В 2007 году Музей Гуггенхайма в Бильбао представил обширный обзор последних работ. Несколько его работ были впервые выставлены в 2009 году на Балеарских островах, в музее Эс Балуард в Пальма-де-Майорке . В 2012 году Художественная галерея Гамильтона представила некоторые из его картин. [51] Лондонская Королевская академия искусств организовала первую британскую ретроспективу работ художника в сентябре 2014 года. [52]
В 2007 году Киферу было поручено создать огромную инсталляцию скульптур и картин, привязанную к определенному месту, для первой выставки «Monumenta» в Большом дворце в Париже. [53] С открытием триптиха — фрески «Атанор» и двух скульптур «Даная» и «Hortus Conclusus» — в Лувре в 2007 году Кифер стал первым живущим художником, создавшим постоянную инсталляцию, привязанную к определенному месту, в музее после Жоржа Брака в 1953 году . [54]
В 2008 году Кифер установил Palmsonntag (Вербное воскресенье) (2006), монументальную пальму и 36 стальных и стеклянных реликварийных табличек в зрительном зале-спортзале Первой баптистской церкви Лос-Анджелеса , огромного испанского готического здания, построенного в 1927 году. Комната была перепланирована для размещения работы. Полы были отшлифованы, чтобы удалить разметку баскетбольной площадки, а стена для картин реликвариев была построена внутри пространства. [55] В 2010 году произведение было установлено в Художественной галерее музея Онтарио в Торонто, где Кифер создал восемь новых панелей специально для выставки этой работы AGO.
В своей работе «Следующий год в Иерусалиме » (2010) в галерее Гагосяна Кифер объяснил, что каждая из работ была реакцией на личный «шок», вызванный чем-то, о чем он недавно услышал. [56]
В сентябре 2013 года Фонд искусств Холла в партнерстве с Массачусетским музеем современного искусства открыл долгосрочную инсталляцию скульптур и картин в специально переоборудованном здании площадью 10 000 квадратных футов на территории кампуса MASS MoCA. В 2014 году Фонд благоустроил территорию вокруг этого здания, чтобы представить долгосрочные инсталляции уличной скульптуры. [57] Долгосрочная экспозиция включает в себя Étroits sont les Vaisseaux ( Узкие сосуды ) (2002), волнообразную скульптуру длиной 82 фута, выполненную из литого бетона, открытой арматуры и свинца; Женщины революции ( Les Femmes de la Revolution ) (1992), состоящую из более чем двадцати свинцовых кроватей с фотографиями и настенным текстом; Велимир Хлебников (2004), стальной павильон, содержащий 30 картин, посвященных морской войне и вдохновленных донкихотскими теориями русского математического экспериментатора Велимира Хлебникова ; и новая фотография большого формата на свинце, созданная художником для инсталляции в MASS MoCA. [58]
В 2015 году в Центре Помпиду , Национальной библиотеке в Париже и Музее bildenden Künste в Лейпциге прошла ретроспективная выставка в честь 70-летия Кифера. [11]
В 2016 году Альбертина в Вене посвятила выставку его гравюрам на дереве, на которой было представлено 35 работ, созданных в период с 1977 по 2015 год, с сопроводительным каталогом. [21]
Он представил свой первый заказ на публичное искусство в Соединенных Штатах в мае 2018 года в Рокфеллеровском центре . Скульптура Урея была частично вдохновлена религиозными символами Египта и «Так говорил Заратустра» . [59] Она была выставлена на обозрение до 22 июля. [60]
В 1990 году Кифер был удостоен премии Вольфа . В 1999 году Ассоциация искусств Японии наградила его премией Praemium Imperiale за достижения всей его жизни. В пояснительной записке говорится:
«Сложное критическое взаимодействие с историей пронизывает все творчество Ансельма Кифера. Его картины, а также скульптуры Георга Базелица произвели фурор на Венецианской биеннале 1980 года: зрителям приходилось решать, были ли явные нацистские мотивы ироничными или же работы должны были передавать реальные фашистские идеи. Кифер работал с убеждением, что искусство может исцелить травмированную нацию и раздираемый страданиями, разделенный мир. Он создавал эпические картины на гигантских холстах, которые вызывали в памяти историю немецкой культуры с помощью изображений таких деятелей, как Рихард Вагнер или Гете , тем самым продолжая историческую традицию живописи как средства обращения к миру. Лишь немногие современные художники обладают столь ярко выраженным чувством долга искусства заниматься прошлым и этическими вопросами настоящего и способны выразить возможность искупления вины посредством человеческих усилий».
В 2008 году Кифер был удостоен Премии мира Немецкой книжной торговли , впервые присужденной визуальному художнику. Историк искусств Вернер Шпис сказал в своей речи, что Кифер — страстный читатель, который черпает импульсы из литературы для своей работы. [61] В 2011 году Кифер был назначен на кафедру креативности в искусстве в Коллеж де Франс .
Из-за спонтанности его творческого процесса многие из его работ имеют проблемы со стабильностью — беспокойство, которое разделяют коллекционеры, дилеры и кураторы. Он признает эту проблему, но говорит, что изменение является частью процесса, и что их суть в конечном итоге останется прежней. Эта идея трансформации имеет своего рода привлекательность для Кифера и, таким образом, представлена во многих его работах. Это увлечение процессом, возможно, проистекает из живого интереса художника к алхимии. Он часто выбирает материалы по их алхимическим свойствам — свинец, в частности, является главным среди них. В случае со свинцом ему особенно нравится, как металл выглядит во время процесса нагревания и плавления, когда он видит много цветов — особенно золото, — которое он считал в символическом смысле золотом, искомым алхимиками. Он также особенно любит окисление белил на свинце. Он часто пытался искусственно вызвать окисление с помощью кислоты, чтобы ускорить процесс. Свинец также был связан с алхимическими концепциями магических чисел и представлял планету Сатурн.
Шеллак, другой популярный материал в его творчестве, соответствовал свинцу по его ощущениям от его цветовых и энергетических возможностей. Ему также нравилось, что при полировке он набирает энергию и становится теплым на ощупь.
Использование соломы в его работе также отчасти является результатом этой общей темы энергии. Солома снова имеет цвет золота и выделяет энергию, тепло и тепло при сжигании. Это прокладывает путь новому творению, таким образом продолжая цикл жизни через процесс трансформации. [85]
Новый мировой рекорд был установлен для художника, когда картина «Неизвестному художнику» (1983) была продана за 3 554 500 долларов на аукционе Christie's в Нью-Йорке 11 мая 2011 года американскому частному коллекционеру. [86] [87] Предыдущий рекорд был установлен картиной « Пусть расцветает тысяча цветов» (1999), которая была продана за 3 549 350 долларов на аукционе Christie's в Лондоне 8 февраля 2007 года. [88]
Работы Кифера включены в многочисленные публичные коллекции, включая Hamburger Bahnhof , Берлин; Музей современного искусства и Музей Соломона Р. Гуггенхайма , Нью-Йорк; Детройтский институт искусств , Детройт; Галерею Тейт Модерн , Лондон; Музей современного искусства Сан-Франциско ; Художественную галерею Онтарио , Торонто; Музей искусств Северной Каролины , Роли; Художественный музей Хай , Атланта; Художественную галерею Олбрайт-Нокс , Буффало; Художественный музей Филадельфии ; Национальную галерею Австралии , Канберра; Тель-Авивский музей искусств ; и Альбертину , Вена. Метрополитен-музей в Нью-Йорке владеет 20 редкими акварелями художника. Известные частные коллекционеры включают Эли Брод и Эндрю Дж. Холл . [86]
