Классическая музыка ХХ века – это художественная музыка, написанная в период с 1901 по 2000 год включительно. Музыкальные стили в течение 20 века разошлись, как никогда раньше, поэтому в этом веке не было доминирующего стиля. Модернизм , импрессионизм и постромантизм можно проследить до десятилетий до начала 20-го века, но их можно включить, поскольку они развились за пределы музыкальных границ стилей 19-го века, которые были частью более раннего периода общей практики . Неоклассицизм и экспрессионизм появились в основном после 1900 года. Минимализм начался гораздо позже в этом столетии и может рассматриваться как переход от современной эпохи к постмодернистской, хотя некоторые датируют постмодернизм примерно уже 1930 годом. Алеатория , атональность , сериализм , конкретная музыка , электроника музыка и концептуальная музыка были разработаны в течение столетия. Джаз и этническая народная музыка оказали большое влияние на многих композиторов этого столетия.
На рубеже веков музыка носила характерный стиль позднего романтизма . Такие композиторы, как Густав Малер , Рихард Штраус и Жан Сибелиус , раздвигали границы постромантического симфонического письма . В это же время во Франции развивалось движение импрессионистов , возглавляемое Клодом Дебюсси . Дебюсси на самом деле ненавидел термин «импрессионизм»: «Я пытаюсь сделать «что-то другое - в каком-то смысле реалии - то, что идиоты называют« импрессионизмом »», - это термин, который используется настолько плохо, насколько это возможно, особенно искусствоведами». [1] Музыка Мориса Равеля , также часто называемая импрессионистской, исследует музыку во многих стилях, не всегда связанных с ней (см. обсуждение неоклассицизма ниже).
Многие композиторы реагировали на стили постромантизма и импрессионизма и двигались в совершенно разных направлениях. Самым важным моментом в определении курса музыки на протяжении столетия был повсеместный разрыв с традиционной тональностью, осуществленный разными композиторами в первом десятилетии века по-разному. Отсюда возникло беспрецедентное «лингвистическое разнообразие» стилей, техник и выражений. [2] В Вене Арнольд Шёнберг развил атональность из экспрессионизма , возникшего в начале 20-го века. Позже он разработал технику двенадцати тонов , которую в дальнейшем развили его ученики Альбан Берг и Антон Веберн ; более поздние композиторы (в том числе Пьер Булез ) развили его еще больше. [3] Стравинский (в своих последних произведениях) также исследовал двенадцатитоновую технику, как и многие другие композиторы; действительно, даже Скотт Брэдли использовал эту технику в своих партитурах к мультфильмам «Том и Джерри» . [4]
После Первой мировой войны многие композиторы начали возвращаться в прошлое за вдохновением и писать произведения, черпающие из него элементы (форму, гармонию, мелодию, структуру). Таким образом, этот тип музыки получил название неоклассицизма . Игорь Стравинский ( «Пульчинелла »), Сергей Прокофьев ( «Классическая симфония »), Равель ( «Гробница Куперена »), Мануэль де Фалья ( «Эль ретабло де мазе Педро ») и Пауль Хиндемит (« Симфония: Матис дер Малер ») — все они создали неоклассические произведения.
Итальянские композиторы, такие как Франческо Балилла Прателла и Луиджи Руссоло, разработали музыкальный футуризм . Этот стиль часто пытался воссоздать повседневные звуки и поместить их в «футуристический» контекст. Из этого возникла «Машинная музыка» Джорджа Антейла (начиная с его Второй сонаты «Аэроплан») и Александра Мосолова (наиболее известная его « Железнолитейная мастерская »). Процесс расширения музыкального словаря путем изучения всех доступных тонов получил дальнейшее развитие благодаря использованию микротонов в произведениях Чарльза Айвза , Хулиана Каррильо , Алоиса Хабы , Джона Фулдса , Ивана Вышнеградского , Гарри Партча и Милдред Купер среди многих других. Микротоны — это интервалы меньше полутона ; человеческие голоса и струны без ладов могут легко воспроизводить их, переходя между «нормальными» нотами, но с другими инструментами будет сложнее - фортепиано и орган вообще не имеют возможности воспроизводить их, кроме перенастройки и / или серьезной реконструкции.
В 1940-х и 50-х годах композиторы, особенно Пьер Шеффер , начали исследовать применение технологий в музыке в musique concrète . [5] Термин «электроакустическая музыка» был позже придуман для обозначения всех форм музыки, включающих магнитную ленту , компьютеры , синтезаторы , мультимедиа и другие электронные устройства и технологии. Живая электронная музыка использует живые электронные звуки во время выступления (в отличие от предварительно обработанных звуков, которые накладываются во время выступления), ранним примером является Cartridge Music Джона Кейджа . Спектральная музыка ( Жерар Гризи и Тристан Мюрай ) — дальнейшее развитие электроакустической музыки , в которой для создания музыки используется анализ звуковых спектров. [6] Кейдж, Берио, Булез, Милтон Бэббит , Луиджи Ноно и Эдгар Варез — все писали электроакустическую музыку.
С начала 1950-х годов Кейдж привнес в свою музыку элементы случайности. Музыкальный процесс ( Karlheinz Stockhausen Prozession , Aus den sieben Tagen ; и Steve Reich Piano Phase , Clapping Music ) исследует особый процесс, который по сути обнажается в произведении. [ расплывчато ] Термин «экспериментальная музыка» был придуман Кейджем для описания произведений, которые дают непредсказуемые результаты, [7] согласно определению «экспериментальное действие - это действие, результат которого не предвидится». [8] Этот термин также используется для описания музыки в определенных жанрах, которая выходит за рамки их границ или определений, или же чей подход представляет собой гибрид разрозненных стилей или включает в себя неортодоксальные, новые, явно уникальные ингредиенты.
Важные культурные тенденции часто определяли музыку этого периода: романтическую, модернистскую, неоклассическую, постмодернистскую или другую. Игорь Стравинский и Сергей Прокофьев особенно тянулись к примитивизму в начале своей карьеры, что показано в таких работах, как « Весна священная» и «Чоут» . Другие россияне, особенно Дмитрий Шостакович , отразили социальное влияние коммунизма и впоследствии были вынуждены работать в рамках ограничений социалистического реализма в своей музыке. [9] [ нужна страница ] Другие композиторы, такие как Бенджамин Бриттен ( «Военный реквием »), исследовали политические темы в своих произведениях, хотя и полностью по собственному желанию. [10] Национализм также был важным средством выражения в начале века. Культура Соединенных Штатов Америки, в частности, начала формировать американский народный стиль классической музыки, особенно в произведениях Чарльза Айвза , Джона Олдена Карпентера и (позже) Джорджа Гершвина . Народная музыка (« Пять вариантов погружений и Лазаря» Воана Уильямса , «Сомерсетская рапсодия » Густава Холста ) и джаз (Гершвин, Леонард Бернштейн , «Создание мира » Дариуса Мийо ) также оказали влияние.
В последней четверти века важное значение приобрели эклектика и полистилизм . Они, а также минимализм , новая сложность и новая простота , более подробно рассматриваются в соответствующих статьях.
В конце XIX века (часто называемом « концом века ») романтический стиль начал распадаться, двигаясь по различным параллельным направлениям, таким как импрессионизм и постромантизм . В 20-м веке различные стили, возникшие из музыки предыдущего столетия, повлияли на композиторов, заставив их следовать новым тенденциям, иногда как реакция на эту музыку, иногда как ее продолжение, и обе тенденции сосуществовали вплоть до 20-го века. . [ нужна цитата ] Прежние тенденции, такие как экспрессионизм , обсуждаются позже.
В начале 20-го века многие композиторы писали музыку, которая была продолжением романтической музыки 19-го века, и наиболее типичными оставались традиционные инструментальные группы, такие как оркестр и струнный квартет . Традиционные формы, такие как симфония и концерт, продолжали использоваться. Густав Малер и Ян Сибелиус — примеры композиторов, которые взяли традиционные симфонические формы и переработали их. (См. Романтическая музыка .) Некоторые писатели считают, что творчество Шёнберга находится в пределах позднеромантической традиции Вагнера и Брамса [11] и, в более общем смысле, что «композитором, который наиболее непосредственно и полностью связывает позднего Вагнера и 20-й век, является Арнольд Шенберг». [12]
Неоклассицизм был стилем, культивируемым между двумя мировыми войнами, который стремился возродить сбалансированные формы и ясно ощутимые тематические процессы 17 и 18 веков, в отказе от того, что считалось преувеличенными жестами и бесформенностью позднего романтизма. Поскольку эти композиторы обычно заменяли функциональную тональность своих моделей расширенной тональностью, модальностью или атональностью, этот термин часто используется для обозначения пародии или искажения стиля барокко или классицизма. [13] Известные примеры включают Классическую симфонию Прокофьева и « Пульчинеллу » Стравинского , Симфонию псалмов и Концерт ми-бемоль «Думбартон-Оукс» . Поль Хиндемит ( Симфония: Матис дер Малер ), Дариус Мийо , Франсис Пуленк ( Концертный концерт ) и Мануэль де Фалья ( Эль ретабло де мазе Педро , Концерт для клавесина ) также использовали этот стиль. « Гробницу Куперена » Мориса Равеля часто рассматривают [ ласковые слова ] как необарокко (архитектурный термин), хотя различие между этими терминами не всегда проводится.
Ряд композиторов сочетали элементы джазовой идиомы с классическими композиционными стилями, в частности:
Импрессионизм зародился во Франции как реакция, возглавляемая Клодом Дебюсси , против эмоционального изобилия и эпических тем немецкого романтизма, примером которых является Вагнер . По мнению Дебюсси, искусство было чувственным опытом, а не интеллектуальным или этическим. Он призвал своих соотечественников заново открыть для себя французских мастеров XVIII века, для которых музыка должна была очаровывать, развлекать и служить «фантазией чувств». [14]
Другие композиторы, связанные с импрессионизмом, включают Морис Равель , Альберта Русселя , Исаака Альбениса , Поля Дюка , Мануэля де Фалья , Чарльза Мартина Леффлера , Чарльза Гриффса , Фредерика Делиуса , Отторино Респиги , Сирила Скотта и Кароля Шимановского . [15] Многие французские композиторы продолжали использовать язык импрессионизма в течение 1920-х годов и позже, в том числе Альберт Руссель , Шарль Кехлин , Андре Капле и, позже, Оливье Мессиан . Композиторы незападных культур, такие как Туру Такемицу , и джазовые музыканты, такие как Дюк Эллингтон , Гил Эванс , Арт Татум и Сесил Тейлор , также находились под сильным влиянием импрессионистского музыкального языка. [16]
По своей задумке футуризм был итальянским художественным движением, основанным в 1909 году Филиппо Томмазо Маринетти ; его быстро подхватил русский авангард. В 1913 году художник Луиджи Руссоло опубликовал манифест « L'arte dei слухи» («Искусство шумов»), призывающий включать в музыку всевозможные шумы. [17] Помимо Руссоло, композиторами, непосредственно связанными с этим движением, являются итальянцы Сильвио Микс, Нуччо Фьорда, Франко Казавола и Панниджи (чей Ballo meccanico 1922 года включал в себя два мотоцикла), а также россияне Артур Лурье, Михаил Матюшин и Николай Рославец. .
Хотя сегодня исполняются немногие из футуристических произведений этих композиторов, влияние футуризма на дальнейшее развитие музыки ХХ века было огромным. Сергей Прокофьев , Морис Равель , Игорь Стравинский , Артур Онеггер , Джордж Антейл , Лео Орнштейн и Эдгар Варез входят в число выдающихся композиторов первой половины века, находившихся под влиянием футуризма. Характерные черты музыки более позднего 20-го века, зародившейся в футуризме, включают подготовленное фортепиано , интегральный сериализм , расширенные вокальные техники, графическую нотацию, импровизацию и минимализм . [18]
В начале 20-го века Чарльз Айвз объединил американские и европейские традиции, а также народные и церковные стили, используя при этом новаторские методы в своем ритме, гармонии и форме. [19] Его техника включала использование политональности , полиритмии , тоновых кластеров , алеаторических элементов и четвертей тонов . Эдгар Варез писал крайне противоречивые произведения, в которых использовались необычные звучания и футуристические, научно звучащие имена. Он был пионером в использовании новых инструментов и электронных ресурсов (см. ниже).
К концу 1920-х годов, хотя многие композиторы продолжали писать в смутной экспрессионистской манере, ее вытеснил более безличный стиль немецкого Neue Sachlichkeit и неоклассицизма . Поскольку экспрессионизм, как и любое движение, подвергавшееся стигматизации нацистами, получил сочувственное переосмысление после Второй мировой войны, экспрессионистская музыка вновь всплыла на поверхность в произведениях таких композиторов, как Ганс Вернер Хенце , Пьер Булез , Питер Максвелл Дэвис , Вольфганг Рим и Бернд Алоис Циммерманн. . [20]
Постмодернизм — это реакция на модернизм, но его также можно рассматривать как ответ на глубоко укоренившийся сдвиг в общественном отношении. Согласно этой последней точке зрения, постмодернизм начался, когда исторический (в отличие от личного) оптимизм превратился в пессимизм, самое позднее к 1930 году. [21]
Джон Кейдж — выдающаяся фигура в музыке 20-го века, которого с некоторой справедливостью называют как модернизмом, так и постмодернизмом, поскольку сложные пересечения между модернизмом и постмодернизмом не сводятся к простым схемам. [22] Его влияние неуклонно росло в течение его жизни. Он часто использует элементы случайности: « Воображаемый пейзаж № 4» для 12 радиоприемников и «Музыка перемен» для фортепиано. «Сонаты и интерлюдии» (1946–48) написаны для подготовленного фортепиано : обычного фортепиано, тембр которого резко изменяется путем осторожного размещения различных предметов внутри фортепиано, соприкасающихся со струнами. В настоящее время постмодернизм включает в себя композиторов, выступающих против авангарда и экспериментальных стилей конца 20-го века, таких как Астор Пьяццолла , Аргентина, и Мигель дель Агила , США.
В конце 20-го века такие композиторы, как Ла Монте Янг , Арво Пярт , Филип Гласс , Терри Райли , Стив Райх и Джон Адамс , начали исследовать то, что сейчас называется минимализмом , в котором произведение сводится к наиболее фундаментальным чертам; в музыке часто присутствуют повторения и итерации. Ранним примером является In C Терри Райли (1964), алеаторическое произведение, в котором короткие фразы выбираются музыкантами из сет-листа и воспроизводятся произвольное количество раз, в то время как нота C повторяется в восьмых нотах (дрожаниях) позади них. .
В произведениях Стива Райха « Фаза фортепиано » (1967, для двух фортепиано) и «Барабан » (1970–71, для перкуссии, женских голосов и пикколо) используется техника, называемая фазировкой , при которой фраза, исполняемая одним исполнителем в постоянном темпе, одновременно исполняется другим. но немного быстрее. Это приводит к тому, что игроки выходят из фазы друг друга, и выступление может продолжаться до тех пор, пока они не вернутся в фазу. По словам Райха, « игра на барабанах — это окончательное расширение и уточнение процесса фазирования, а также первое использование четырех новых техник: (1) процесс постепенной замены пауз на доли (или паузы на доли); (2) постепенное изменение тембра при сохранении постоянного ритма и высоты звука; (3) одновременное сочетание разнотембральных инструментов; и (4) использование человеческого голоса, чтобы стать частью музыкального ансамбля, имитируя точное звучание инструментов». [23] Игра на барабанах была последним применением Райхом техники фазирования.
В книге Филипа Гласса 1 + 1 (1968) используется аддитивный процесс, при котором короткие фразы медленно расширяются. В композициях Ла Монте Янга 1960 года используются очень длинные тона, исключительно большая громкость и внемузыкальные приемы, такие как «нарисовать прямую линию и следовать по ней» или «развести огонь». Майкл Найман утверждает, что минимализм был реакцией на сериализм и индетерминизм и стал возможным благодаря им. [24] (См. также экспериментальную музыку .)
Арнольд Шенберг – одна из самых значительных фигур в музыке ХХ века. Хотя его ранние работы были написаны в стиле позднего романтизма под влиянием Вагнера ( Verklärte Nacht , 1899), в годы перед Первой мировой войной он превратился в атональную идиому ( Drei Klavierstücke в 1909 году и Lunaire Pierrot в 1912 году). В 1921 году, после нескольких лет исследований, он разработал двенадцатитоновую технику композиции, которую впервые описал в частном порядке своим коллегам в 1923 году. [25] Его первой крупномасштабной работой, полностью написанной с использованием этой техники, был Духовой квинтет , соч. . 26, написанное в 1923–24 гг. Более поздние примеры включают Вариации для оркестра , соч. 31 (1926–28), Третий и Четвертый струнные квартеты (1927 и 1936 соответственно), Скрипичный концерт (1936) и Фортепианный концерт (1942). В последующие годы он периодически возвращался к более тональному стилю ( Каммерсимфония № 2 , начатая в 1906 году, но завершенная только в 1939 году; Вариации на тему речитатива для органа в 1941 году).
Он преподавал Антону Веберну и Альбану Бергу , и этих трех композиторов часто называют основными членами Второй венской школы (Гайдн, Моцарт и Бетховен - а иногда и Шуберт - рассматриваются в этом контексте как Первая венская школа ). Веберн писал произведения, используя строгий двенадцатитоновый метод, и повлиял на развитие тотального сериализма . Берг, как и Шёнберг, использовал двенадцатитоновую технику в позднеромантическом или постромантическом стиле ( «Скрипичный концерт» , цитирующий хорал Баха и использующий классическую форму). Он написал две крупные оперы ( «Воццек» и «Лулу »).
Развитие технологии записи сделало все звуки доступными для потенциального использования в качестве музыкального материала. Электронная музыка обычно относится к репертуару художественной музыки, разработанной в 1950-х годах в Европе, Японии и Америке. Растущая доступность магнитной ленты в это десятилетие предоставила композиторам среду, позволяющую записывать звуки, а затем манипулировать ими различными способами. Вся электронная музыка зависит от передачи через громкоговорители, но существует два основных типа: акустатическая музыка , которая существует только в записанной форме, предназначенной для прослушивания через громкоговоритель, и живая электронная музыка, в которой электронные устройства используются для генерации, преобразования или запуска звуков во время воспроизведения. выступление музыкантов с использованием голосов, традиционных инструментов, электроакустических инструментов или других устройств. Начиная с 1957 года компьютеры приобретали все большее значение в этой области. [26] Когда исходным материалом были акустические звуки из повседневного мира, использовался термин «конкретная музыка» ; когда звуки производились электронными генераторами, это называлось электронной музыкой .
После 1950-х годов термин «электронная музыка» стал использоваться для обоих типов. Иногда такая электронная музыка сочеталась с более традиционными инструментами: « Déserts » Эдгара Вареза (1954), «Hymnen » Штокхаузена (1969), «Wo bist du Licht » Клода Вивье ! (1981) и серия «Синхронизмы» Марио Давидовского (1963–2006) являются яркими примерами.
Некоторые выдающиеся композиторы 20 века не связаны ни с одной широко признанной композиторской школой . В приведенный ниже список включены некоторые из них, а также известные классифицируемые композиторы, не упомянутые ранее в этой статье:
Цитаты
Источники
