Питер Корнелис Мондриан ( голландский: [ˈpi:tər kɔrˈneːlɪs ˈmɔndrijaːn] ), после 1906 года известный как Пит Мондриан ( / p iː t ˈ m ɒ n d r i ɑː n / , также США : /- ˈ m ɔː n -/ , голландский : [pit ˈmɔndrijɑn] ; 7 марта 1872 — 1 февраля 1944) — голландский художник и теоретик искусства , считающийся одним из величайших художников 20 века. Он известен как один из пионеров абстрактного искусства 20-го века , поскольку он изменил свое художественное направление с фигуративной живописи на все более абстрактный стиль, пока не достиг точки, когда его художественный словарь сократился до простых геометрических элементов.
Искусство Мондриана было в высшей степени утопическим и было связано с поиском общечеловеческих ценностей и эстетики. В 1914 году он провозгласил: «Искусство выше реальности и не имеет прямого отношения к реальности. Чтобы приблизиться к духовному в искусстве, нужно как можно меньше использовать реальность, потому что реальность противоположна духовному. Мы оказываемся в наличие абстрактного искусства. Искусство должно быть выше реальности, иначе оно не имело бы никакой ценности для человека».
Он был участником художественного движения и группы De Stijl , которую он основал вместе с Тео ван Дусбургом . Он разработал нерепрезентативную форму, которую назвал неопластицизмом . Это было новое «чистое пластическое искусство», которое, по его мнению, было необходимо для создания «универсальной красоты». Чтобы выразить это, Мондриан в конце концов решил ограничить свой формальный словарь тремя основными цветами (красным, синим и желтым), тремя основными значениями (черным, белым и серым) и двумя основными направлениями (горизонтальным и вертикальным). Приезд Мондриана в Париж из Нидерландов в 1911 году ознаменовал начало периода глубоких перемен. Он столкнулся с экспериментами в кубизме и, стремясь интегрироваться в парижский авангард, удалил букву «а» из голландского написания своего имени (Мондриан).
Работы Мондриана оказали огромное влияние на искусство 20-го века , оказав влияние не только на течение абстрактной живописи и на многочисленные основные стили и художественные движения (например, живопись цветового поля , абстрактный экспрессионизм и минимализм ), но и на области вне области живописи, такие как дизайн. , архитектура и мода . Историк дизайна Стивен Бэйли сказал: «Мондриан стал означать модернизм . Его имя и его работы суммируют идеал Высокого Модернизма. Мне не нравится слово «культовый», поэтому скажем, что он стал тотемом – тотемом всего модернизма». намеревался быть».
Мондриан родился в Амерсфорте , провинция Утрехт в Нидерландах , второй из детей своих родителей . [1] Он происходил от Кристиана Диркзуна Мондеряна, который жил в Гааге еще в 1670 году. [2] Семья переехала в Винтерсвейк , когда его отец, Питер Корнелиус Мондриан, был назначен директором местной начальной школы. [3] Мондриан познакомился с искусством с раннего возраста. Его отец был квалифицированным учителем рисования, и вместе со своим дядей Фрицем Мондрианом (учеником Виллема Мариса Гаагской школы художников) младший Пит часто рисовал и рисовал вдоль реки Гейн. [4]
Получив строгое протестантское воспитание, в 1892 году Мондриан поступил в Академию изящных искусств в Амстердаме . [5] Он уже имел квалификацию учителя. [3] Он начал свою карьеру учителем начальных классов , но также занимался рисованием . Большая часть его работ этого периода натуралистична или импрессионистична и состоит в основном из пейзажей . На этих пасторальных изображениях его родной страны изображены ветряные мельницы , поля и реки , сначала в манере голландских импрессионистов Гаагской школы, а затем в различных стилях и техниках, которые свидетельствуют о его поисках личного стиля. Эти картины носят репрезентативный характер и иллюстрируют влияние, которое различные художественные течения оказали на Мондриана, включая пуантилизм и яркие цвета фовизма . В 1893 году состоялась его первая выставка. [6]
,_oil_on_canvas,_70_x_99_cm,_Gemeentemuseum_Den_Haag.jpg/1280px-Piet_Mondrian,_1908-10,_Evening;_Red_Tree_(Avond;_De_rode_boom),_oil_on_canvas,_70_x_99_cm,_Gemeentemuseum_Den_Haag.jpg)
В Gemeentemuseum Den Haag выставлен ряд картин этого периода, в том числе такие постимпрессионистские работы, как «Красная мельница» и «Деревья на восходе луны» . Другая картина, «Вечер ( Эйвонд )» (1908), изображающая дерево в поле в сумерках, даже предвещает будущее развитие событий, используя палитру, почти полностью состоящую из красного, желтого и синего цветов. Хотя Эйвонд лишь ограниченно абстрактен , это самая ранняя картина Мондриана, в которой подчеркиваются основные цвета .
Самые ранние картины Мондриана, демонстрирующие определенную степень абстракции, представляют собой серию полотен 1905–1908 годов, на которых изображены смутные сцены с нечеткими деревьями и домами, отражающимися в стоячей воде. Хотя результат заставляет зрителя сосредоточиться на форме, а не на содержании, эти картины все же прочно укоренены в природе, и только знание более поздних достижений Мондриана заставляет искать в этих работах корни его будущей абстракции. .
Искусство Мондриана было тесно связано с его духовными и философскими исследованиями. В 1908 году он заинтересовался теософским движением , начатым Еленой Петровной Блаватской в конце 19 века, а в 1909 году вступил в голландское отделение Теософского общества . Творчество Блаватской и параллельного духовного движения, «Антропософии » Рудольфа Штайнера , существенно повлияло на дальнейшее развитие его эстетики. [7] Блаватская считала, что можно достичь более глубокого познания природы, чем то, которое обеспечивается эмпирическими средствами, и большая часть работы Мондриана до конца его жизни была вдохновлена его поиском этого духовного знания. В 1918 году он написал «Я получил все из Тайной Доктрины», имея в виду книгу Блаватской. В 1921 году в письме Штайнеру Мондриан утверждал, что его неопластицизм был «искусством обозримого будущего для всех истинных антропософов и теософов». В последующие годы он оставался убежденным теософом, хотя также верил, что его собственное художественное течение, неопластицизм, в конечном итоге станет частью более широкой, экуменической духовности. [8]
Мондриан и его более поздние работы находились под глубоким влиянием выставки кубизма Moderne Kunstkring 1911 года в Амстердаме . Его поиск упрощения показан в двух версиях « Натюрморта с имбирным горшком» ( Стилевен встретил Гемберпота ). Версия 1911 года [9] является кубистической; в версии 1912 года [10] объекты уменьшены до круглой формы с треугольниками и прямоугольниками .
,_oil_on_canvas,_79.7_x_109.1_cm,_Gemeentemuseum_Den_Haag,_Netherlands.jpg/1280px-Piet_Mondrian,_1911,_Gray_Tree_(De_grijze_boom),_oil_on_canvas,_79.7_x_109.1_cm,_Gemeentemuseum_Den_Haag,_Netherlands.jpg)
В 1911 году Мондриан переехал в Париж и сменил имя, опустив букву «а» от «Мондриан», чтобы подчеркнуть свой отъезд из Нидерландов и интеграцию в парижский авангард . [12] [13] Находясь в Париже, влияние кубистского стиля Пабло Пикассо и Жоржа Брака почти сразу проявилось в творчестве Мондриана. [14] Такие картины, как «Море» (1912) и его различные исследования деревьев того года, все еще содержат определенную степень репрезентации, но в них все чаще преобладают геометрические формы и пересекающиеся плоскости. Хотя Мондриан стремился впитать влияние кубизма в свои работы, кажется очевидным, что он рассматривал кубизм как «порт захода» на своем творческом пути, а не как пункт назначения. Кубистический период Пита Мондриана длился с 1912 по 1917 год.
В отличие от кубистов, Мондриан все еще пытался примирить свою живопись со своими духовными поисками, и в 1913 году он начал объединять свое искусство и теософские исследования в теорию, которая ознаменовала его окончательный разрыв с изобразительной живописью. Когда Мондриан посещал Нидерланды в 1914 году, началась Первая мировая война , вынудившая его остаться там на время конфликта. В этот период он жил в колонии художников Ларена , где познакомился с Бартом ван дер Леком и Тео ван Дусбургом , которые оба совершали свой личный путь к абстракции. Использование Ван дер Леком только основных цветов в своем искусстве оказало большое влияние на Мондриана. После встречи с Ван дер Леком в 1916 году Мондриан писал: «Моя техника, которая была более или менее кубистической и, следовательно, более или менее живописной, попала под влияние его точного метода». [15] Вместе с Ван Дусбургом Мондриан основал De Stijl ( «Стиль» ), журнал группы De Stijl Group , в котором он впервые опубликовал эссе, определяющие его теорию, которую он назвал неопластицизмом.
Мондриан опубликовал « De Nieuwe Beelding in de schilderkunst » («Новая пластика в живописи») [16] в двенадцати выпусках в 1917 и 1918 годах. Это была его первая крупная попытка выразить свою художественную теорию в письменной форме. Однако лучшее и наиболее часто цитируемое выражение этой теории Мондрианом содержится в письме, которое он написал Г. П. Бреммеру в 1914 году:
Я строю линии и цветовые комбинации на плоской поверхности, чтобы максимально осознанно выразить общую красоту. Природа (или то, что я вижу) меня вдохновляет, приводит, как и любого художника, в такое эмоциональное состояние, что возникает побуждение что-то сделать, но мне хочется как можно ближе подойти к истине и абстрагироваться от всего. что, пока я не доберусь до основы (все же внешней основы!) вещей... Я верю, что возможно, что через горизонтальные и вертикальные линии, построенные осознанно, а не расчетом, ведомые высокой интуицией и приведенные в гармонию и ритм , эти основные формы красоты, дополненные при необходимости другими прямыми линиями или кривыми, могут стать произведением искусства, столь же сильным, сколь и правдивым. [17]
В течение следующих двух десятилетий Мондриан методично развивал свой фирменный стиль, охватывающий классическое, платоническое и евклидово мировоззрение, где он просто сосредоточился на своих, теперь уже знаковых, горизонтальных и вертикальных черных линиях, образующих квадраты и прямоугольники, наполненные основными оттенками. [18]
Когда в 1918 году закончилась Первая мировая война , Мондриан вернулся во Францию, где оставался до 1938 года. Погруженный в послевоенную парижскую культуру художественных инноваций, он процветал и полностью принял искусство чистой абстракции на всю оставшуюся жизнь. Мондриан начал создавать картины на основе сетки в конце 1919 года, а в 1920 году начал проявляться стиль, которым он прославился.
Мондриан считал, что «чистое абстрактное искусство становится полностью эмансипированным, свободным от натуралистических видимостей. Оно больше не является естественной гармонией, но создает эквивалентные отношения. Реализация эквивалентных отношений имеет величайшее значение для жизни» [19] .
В ранних картинах этого стиля линии, очерчивающие прямоугольные формы, относительно тонкие и серые, а не черные. Линии также имеют тенденцию исчезать по мере приближения к краю картины, а не резко останавливаться. Сами формы, меньшие и более многочисленные, чем в более поздних картинах, заполнены основными цветами, черным или серым, и почти все они цветные; лишь немногие остались белыми.
В конце 1920 и 1921 годов картины Мондриана приобрели то, что для случайного наблюдателя является их окончательной и зрелой формой. Толстые черные линии теперь разделяют формы, которые стали больше и меньше по количеству, а большая часть форм остается белой. Однако это не было кульминацией его творческой эволюции. Хотя уточнения стали более тонкими, работы Мондриана продолжали развиваться в течение его лет в Париже.
На картинах 1921 года многие, хотя и не все, черные линии обрываются на, казалось бы, произвольном расстоянии от края холста, хотя разделения между прямоугольными формами остаются неизменными. И здесь прямоугольные формы остаются преимущественно цветными. Шли годы и работа Мондриана развивалась дальше, он начал расширять все линии до краев холста и начал использовать все меньше и меньше цветных форм, отдавая предпочтение белому цвету.
Эти тенденции особенно очевидны в «ромбовидных» работах, которые Мондриан начал регулярно создавать в середине 1920-х годов. Картины «ромбовидные» представляют собой квадратные полотна, наклоненные под углом 45 градусов, так что они имеют ромбовидную форму. Типичным из них является «Шильдерий № 1: Ромб с двумя линиями и синим» (1926). Эта картина, одно из самых минималистичных полотен Мондриана, состоит всего из двух черных перпендикулярных линий и небольшого синего треугольной формы. Линии доходят до краев холста, создавая впечатление, что картина является фрагментом более крупного произведения.
Хотя обзор картины затруднен из-за защищающего ее стекла, а также из-за того, что возраст и обращение явно нанесли холсту ущерб, внимательное рассмотрение этой картины начинает раскрывать кое-что о методе художника. Картина не состоит из идеально плоских цветовых плоскостей, как можно было бы ожидать. Тонкие мазки кисти заметны повсюду. Судя по всему, художник использовал разные техники для разных элементов. [20] Черные линии — самые плоские элементы с наименьшей глубиной. Цветные формы имеют наиболее заметные мазки, идущие в одном направлении. Однако наиболее интересны белые формы, которые явно были написаны слоями с использованием мазков кисти, идущих в разных направлениях. Это создает большее ощущение глубины белых форм, так что кажется, что они подавляют линии и цвета, что они действительно и делали, поскольку в картинах Мондриана этого периода все больше доминировало белое пространство.
В 1926 году Кэтрин Дрейер , соучредитель Общества независимых художников Нью-Йорка (вместе с Марселем Дюшаном и Ман Рэем ), посетила студию Пита Мондриана в Париже и приобрела одну из его алмазных композиций «Картина I». Выставка, организованная Обществом независимых художников в Бруклинском музее , — первая крупная выставка современного искусства в Америке после Armory Show . В каталоге она заявила, что «Голландия родила трех великих художников, которые, хотя и были логическим выражением своей страны, поднялись над ней благодаря силе своей личности: первым был Рембрандт , вторым — Ван Гог , а третьим — Мондриан. ." [21]
С течением времени линии начали преобладать над формами в картинах Мондриана. В 1930-е годы он начал чаще использовать более тонкие и двойные линии, акцентированные несколькими небольшими цветными формами, если таковые вообще были. Двойные линии особенно волновали Мондриана, поскольку он считал, что они придают его картинам новый динамизм, который он стремился исследовать. На введение двойной линии в его творчестве повлияло творчество его друга и современника Марлоу Мосса . [22] [ нужна страница ]
С 1934 по 1935 год три картины Мондриана экспонировались в рамках выставок «Абстракция и конкретность» в Великобритании в Оксфорде, Лондоне и Ливерпуле. [23]
В сентябре 1938 года Мондриан покинул Париж перед лицом наступающего фашизма и переехал в Лондон. После вторжения в Нидерланды и падения Парижа в 1940 году он уехал из Лондона в Манхэттен в Нью-Йорке, где оставался до своей смерти. Некоторые из более поздних работ Мондриана трудно отнести к уровню его художественного развития, поскольку было довольно много полотен, которые он начал в Париже или Лондоне и завершил лишь несколько месяцев или лет спустя на Манхэттене. Законченные работы этого более позднего периода визуально насыщены: в них больше линий, чем в любой из его работ с 1920-х годов, и они расположены в перекрывающемся порядке, который по внешнему виду почти картографичен. Он проводил много долгих часов, рисуя самостоятельно, пока его руки не покрывались волдырями, иногда он плакал или его тошнило. [ нужна цитата ]
Мондриан создал «Ромбовидную композицию с четырьмя желтыми линиями» (1933), простую картину, в которой использовались толстые цветные линии вместо черных. После той единственной картины эта практика оставалась бездействующей в творчестве Мондриана до тех пор, пока он не прибыл на Манхэттен, после чего он начал с энтузиазмом относиться к ней. В некоторых примерах этого нового направления, таких как «Композиция» (1938) / «Площадь Согласия» (1943), он, кажется, взял незаконченные картины с черными линиями из Парижа и завершил их в Нью-Йорке, добавив короткие перпендикулярные линии разных цветов. проходит между более длинными черными линиями или от черной линии до края холста. Недавно окрашенные области толстые, почти перекрывающие разрыв между линиями и формами, и удивительно видеть цвет в картине Мондриана, не ограниченный черным. В других работах длинные красные линии смешиваются со знакомыми черными линиями, создавая новое ощущение глубины за счет добавления цветного слоя поверх черного. Его картина «Композиция № 10» , 1939–1942, характеризующаяся основными цветами, белым фоном и черными линиями сетки, четко определила радикальный, но классический подход Мондриана к прямоугольнику. [ нужна цитата ]
23 сентября 1940 года Мондриан покинул Европу и направился в Нью-Йорк на борту корабля Cunard White Star Line RMS Samaria (1920) , отправившегося из Ливерпуля. [25] Новые полотна, которые Мондриан начал на Манхэттене, еще более поразительны и указывают на начало новой идиомы, которая была прервана смертью художника. Нью-Йорк (1942) представляет собой сложную решетку красных, синих и желтых линий, иногда переплетающихся, чтобы создать большее ощущение глубины, чем его предыдущие работы. [26] В незавершенной версии этой работы 1941 года под названием « Нью-Йорк I » используются полоски окрашенной бумажной ленты, которые художник мог переставлять по своему желанию, чтобы экспериментировать с различными дизайнами. В октябре 2022 года выяснилось, что работа, которая впервые была выставлена в Музее современного искусства (МоМА) в Нью-Йорке в 1945 году, по крайней мере с 1980 года выставлялась в перевернутом виде в Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen в Германии, где сейчас оно проводится. В галерее объяснили, что и дальше будут демонстрировать ее неправильно, чтобы не повредить. [27] [28]
Его картина «Бродвей-буги-вуги» (1942–43) в Музее современного искусства оказала большое влияние на школу абстрактной геометрической живописи. Произведение состоит из множества мерцающих квадратов ярких цветов, которые выскакивают из холста, а затем кажутся мерцающими, привлекая зрителя к неоновым огням. В этой картине и незаконченной «Победе-буги-вуги» (1942–1944) Мондриан заменил прежние сплошные линии линиями, созданными из небольших прилегающих цветных прямоугольников, частично созданных с помощью небольших кусочков бумажной ленты разных цветов. Большие неограниченные цветные прямоугольники подчеркивают дизайн, некоторые из них содержат концентрические прямоугольники меньшего размера. Хотя произведениям Мондриана 1920-х и 1930-х годов свойственна почти научная строгость, это яркие, живые картины, отражающие жизнерадостную музыку, которая их вдохновляла, и город, в котором они были созданы.
В этих последних работах формы действительно узурпировали роль линий, открывая еще одну новую дверь для развития Мондриана как абстракциониста. Картины в стиле буги -вуги явно были скорее революционным изменением, чем эволюционным, представляя собой наиболее глубокое развитие творчества Мондриана с момента его отказа от изобразительного искусства в 1913 году.
В 2008 году голландская телепрограмма Andere Tijden нашла единственную известную видеозапись с Мондрианом. [29] Об обнаружении отснятого материала было объявлено в конце двухлетней исследовательской программы по Победе Буги-Вуги . Исследование показало, что картина находилась в очень хорошем состоянии и что Мондриан написал композицию за один сеанс. Также выяснилось, что композиция была радикально изменена Мондрианом незадолго до его смерти с использованием небольших кусочков цветной ленты.
Когда 47-летний Пит Мондриан во второй и последний раз в 1919 году уехал из Нидерландов в свободный Париж, он сразу же приступил к тому, чтобы превратить свою студию в благоприятную среду для задуманных им картин, которые все больше выражали бы принципы неопластицизма . о котором он писал два года. Чтобы быстро и недорого скрыть структурные недостатки студии, он прикрепил большие прямоугольные плакаты, каждый одного цвета или нейтрального оттенка. Меньшие цветные бумажные квадраты и прямоугольники, составленные вместе, украшали стены. Затем наступил интенсивный период живописи. Он снова обратился к стенам, перемещая цветные вырезы, увеличивая их количество, изменяя динамику цвета и пространства, создавая новое напряжение и равновесие. Вскоре он установил творческий график, в котором периоды рисования чередовались с периодами экспериментальной перегруппировки небольших листов на стенах, и этот процесс напрямую питал следующий период рисования. Этому образцу он следовал всю оставшуюся жизнь, переезжая во время войны из Парижа в лондонский Хэмпстед в 1938 и 1940 годах, через Атлантику на Манхэттен.
Осенью 1943 года в возрасте 71 года Мондриан переехал в свою вторую и последнюю студию на Манхэттене по адресу 15 East 59th Street и приступил к воссозданию среды, которая, как он узнал за эти годы, наиболее соответствовала его скромному образу жизни и наиболее стимулирование его искусства. Он покрасил высокие стены в тот же кремово-белый цвет, который использовал на мольберте, а также на сиденьях, столах и ящиках для хранения вещей, которые он тщательно спроектировал и вылепил из выброшенных ящиков из-под апельсинов и яблок. Он отполировал верхнюю часть белого металлического табурета тем же ярким первичным красным цветом, который использовал для картонных ножен, которые он сделал для радиофонографа, который воспроизводил его любимый джаз из многоходовых пластинок. Посетители этой последней мастерской редко видели больше одного или двух новых холстов, но часто к своему удивлению обнаруживали, что восемь больших композиций из цветных кусочков бумаги, которые он прикреплял и переприкреплял к стенам в постоянно меняющихся отношениях, вместе составляли целое произведение искусства. среда, которая, как ни парадоксально и одновременно, была одновременно динамичной и безмятежной, стимулирующей и успокаивающей. По словам Мондриана, это было лучшее место, где он когда-либо жил. Он пробыл там всего несколько месяцев и умер в феврале 1944 года.
После его смерти друг и спонсор Мондриана на Манхэттене, художник Гарри Хольцман , и еще один друг художника, Фриц Гларнер , тщательно задокументировали студию на пленке и на фотографиях, прежде чем открыть ее для публики для шестинедельной выставки. Прежде чем разобрать студию, Хольцман (который также был наследником Мондриана) точно прорисовал настенные композиции, подготовил точные портативные копии пространства, которое каждая из них занимала, и прикрепил к каждой оригинальные сохранившиеся вырезанные компоненты. Эти портативные композиции Мондриана стали известны как «The Wall Works». После смерти Мондриана они дважды выставлялись в Манхэттенском музее современного искусства (1983 и 1995–96), [30] один раз в Сохо , в галерее Carpenter + Hochman (1984), и по одному разу в галерее Tokoro в Токио, Япония ( 1993 г.), XXII биеннале в Сан-Паулу (1994 г.), Мичиганском университете (1995 г.) и - впервые показанный в Европе - в Akademie der Künste (Академия искусств) в Берлине (22 февраля - 22 апреля). 2007). Его работы также были показаны на ретроспективной выставке в галерее Уайтчепел в Лондоне, которая проходила с августа по сентябрь 1955 года.
Хотя теории абстракции Мондриана остались его непреходящим наследием, он также был художником цветов. Он начал рисовать цветы на рубеже веков, создавая портреты отдельных цветов, в которых его строгая художественная подготовка и наблюдательность сочетались с его духовными и романтическими стремлениями. [31] Мондриан продолжал тайно рисовать цветы до 1920-х годов, заявляя друзьям, что делал это исключительно по коммерческим причинам. [31] Цветочные картины были созданы в условиях табу, которое было наложено на традиционную жанровую и изобразительную живопись целой эпохой, охваченной триумфом абстракции. Тем не менее, цветы Мондриана способствуют более широкому взгляду на жизнь и творчество Мондриана – взгляду, который резко расходится с традиционным прочтением его художественной эволюции. [31]
Пит Мондриан умер от пневмонии 1 февраля 1944 года и был похоронен на кладбище Сайпресс-Хиллз в Бруклине, Нью-Йорк .
3 февраля 1944 года в Универсальной часовне на Лексингтон-авеню и 52-й улице в Манхэттене был проведен мемориал Мондриану . На службе присутствовало около 200 человек, в том числе Александр Архипенко , Марк Шагал , Марсель Дюшан , Фернан Леже , Александр Колдер и Роберт Мазервелл . [32]
Фонд Мондриана/Хольцмана функционирует как официальное поместье Мондриана и «направлен на повышение осведомленности о произведениях искусства Мондриана и обеспечение целостности его работ». [33]
Критик Роберт Хьюз в своей книге «Шок нового» 1980 года описал Мондриана как «одного из величайших художников 20-го века». [34] Точно так же в своих телевизионных документальных фильмах «Шок нового» Хьюз снова упомянул Мондриана, которого снова считают «одним из величайших художников 20-го века (...), который был одним из последних художников, которые считали, что условия человеческую жизнь можно изменить, создав фотографии». [35] Голландский историк искусства Карел Блоткамп , специалист по Де Стейлу , подтвердил то же мнение, что он был «одним из величайших художников двадцатого века». [36]
14 ноября 2022 года «Композиция № II» Мондриана была продана на аукционе Sotheby 's за 51 миллион долларов США, что побило предыдущий рекорд его работы в 50,6 миллиона долларов США. Композиция № II представляет собой холст размером 20 на 20 дюймов с большим красным квадратом в правом верхнем углу, маленьким синим квадратом в левом нижнем углу и желтым блоком, обведенным черным. [37]
В октябре 2020 года наследники Мондриана подали иск в суд США против музея кайзера Вильгельма в Крефельде, Германия, о возврате четырех картин Мондриана. [38]
В декабре 2021 года наследники Мондриана подали в суд на Художественный музей Филадельфии с требованием вернуть «Композицию с синим» Мондриана (1928), которая была конфискована нацистами и прошла через арт-дилеров Карла Бухгольца и Курта Валентина , прежде чем Альберт подарил ее музею. Э. Галлатин . [39] [40] [41]
.jpg/1280px-Mondriaanmode_door_Yves_St_Laurent_(1966).jpg)
С 6 июня по 5 октября 2014 года в галерее Тейт Ливерпуль была представлена крупнейшая в Великобритании коллекция работ Мондриана в ознаменование 70-летия его смерти. Мондриан и его студии включили реконструкцию его парижской студии в натуральную величину. Чарльз Дарвент в The Guardian писал: «С ее черным полом и белыми стенами, увешанными подвижными панелями красного, желтого и синего цветов, студия на улице Рю дю Депар была не просто местом, где создавали Мондриана. Это был Мондриан – и генератор Мондриана». [12] Его называют «величайшим абстрактным геометристом в мире». [63]
{{cite web}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link){{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link)
