Театральная культура процветала в Древней Греции с 700 г. до н. э. В ее центре находился город-государство Афины , который стал значимым культурным, политическим и религиозным местом в этот период, и театр был там институционализирован как часть фестиваля под названием Дионисии , который чествовал бога Диониса . Трагедия (конец 500 г. до н. э.), комедия (490 г. до н. э.) и пьеса сатиров были тремя драматическими жанрами , возникшими там. Афины экспортировали фестиваль в свои многочисленные колонии. Современный западный театр происходит, в значительной степени, от театра Древней Греции , из которого он заимствует техническую терминологию, классификацию по жанрам и многие из его тем , основных персонажей и элементов сюжета.
Слово τραγῳδία , tragodia , от которого произошло слово « трагедия », является соединением двух греческих слов: τράγος , tragos или «козёл» и ᾠδή , ode , что означает «песня», от ἀείδειν , aeidein , «петь». [1]
Эта этимология указывает на связь с практиками древних дионисийских культов . Однако невозможно знать наверняка, как эти ритуалы плодородия стали основой трагедии и комедии . [2]
.jpg/1280px-The_great_theater_of_Epidaurus,_designed_by_Polykleitos_the_Younger_in_the_4th_century_BC,_Sanctuary_of_Asklepeios_at_Epidaurus,_Greece_(14015010416).jpg)
Древние греки ценили силу устного слова, и это был их основной метод общения и повествования. Бан и Бан пишут: «Для греков устное слово было живым и бесконечно предпочтительнее мертвых символов письменного языка». Сам Сократ считал, что как только что-то было записано, оно теряло способность к изменению и росту. По этим причинам, среди многих других, устное повествование процветало в Греции. [4]
Греческая трагедия , как она известна в настоящее время, была создана в Афинах около 532 г. до н. э., когда Феспис был самым ранним зарегистрированным актером. Будучи победителем первого театрального состязания, проведенного в Афинах, он был экзархонтом , или руководителем, [5] дифирамбов, исполнявшихся в Аттике и ее окрестностях, особенно на Сельских Дионисиях . Ко времени Фесписа дифирамб далеко ушел от своих культовых корней. Под влиянием героического эпоса, дорической хоровой лирики и нововведений поэта Ариона он стал повествовательным, балладоподобным жанром. Из-за этого Фесписа часто называют «изобретателем трагедии»; однако его значимость оспаривается, и Фесписа иногда указывают даже на 16-м месте в хронологическом порядке греческих трагиков; Например, государственному деятелю Солону приписывают создание поэм, в которых персонажи говорят собственным голосом, а устные выступления рапсодов поэм Гомера были популярны на празднествах до 534 г. до н. э. [6] Таким образом, истинный вклад Феспида в драму в лучшем случае неясен, но его имя получило более долгую жизнь в английском языке в качестве общего термина для обозначения исполнителя, то есть «thespian».
Драматические представления были важны для афинян — это становится ясно из создания трагедийного конкурса и фестиваля в Городских Дионисиях (или Великих Дионисиях). Это было организовано, возможно, для укрепления лояльности среди племен Аттики (недавно созданных Клисфеном ). Фестиваль был создан примерно около 508 г. до н. э. Хотя не существует никаких драматических текстов с шестого века до н. э., известны имена трех участников, помимо Феспида: Хорил, Пратинас и Фриних . Каждому приписывают различные нововведения в этой области.
Известна некоторая информация о Фринихе. Он выиграл свой первый конкурс между 511 г. до н. э. и 508 г. до н. э. Он создал трагедии на темы и сюжеты, позже эксплуатируемые в Золотой век, такие как Данаиды , Финикийские женщины и Алкестида . Он был первым поэтом, о котором мы знаем, который использовал историческую тему — его Падение Милета , созданное в 493–492 гг., описывало судьбу города Милета после того, как он был завоеван персами. Геродот сообщает, что «афиняне ясно выразили свою глубокую скорбь о взятии Милета многими способами, но особенно этим: когда Фриних написал пьесу под названием Падение Милета и поставил ее, весь театр заплакал; они оштрафовали Фриниха на тысячу драхм за то, что он напомнил о бедствии, которое так коснулось их лично, и навсегда запретили постановку этой пьесы». [7] Он также считается первым, кто использовал женских персонажей (хотя и не женщин-исполнителей). [8]
До эллинистического периода все трагедии были уникальными произведениями, написанными в честь Диониса и исполнявшимися только один раз; до наших дней дошли в основном те произведения, которые помнились достаточно хорошо, чтобы их можно было повторить, когда повторение старых трагедий стало модным (случайности выживания, а также субъективные вкусы эллинистических библиотекарей более поздней греческой истории также сыграли свою роль в том, что сохранилось с этого периода).
.jpg/1280px-Athen_Akropolis_(18512008726).jpg)
После разрушения Афин Ахеменидами в 480 г. до н. э. город и акрополь были восстановлены, а театр стал формализованным и даже большей частью афинской культуры и гражданской гордости. Этот век обычно считается Золотым веком греческой драмы. Центральным моментом ежегодных Дионисий , которые проходили один раз зимой и один раз весной, было соревнование между тремя трагическими драматургами в Театре Диониса . Каждый представлял три трагедии, а также сатирскую пьесу (комическую, бурлескную версию мифологического сюжета). Начиная с первого соревнования в 486 г. до н. э. каждый драматург представлял комедию. [9] Аристотель утверждал, что Эсхил добавил второго актера ( дейтерагониста ), а Софокл ввел третьего ( тритагониста ). Судя по тому, что известно о греческом театре, греческие драматурги никогда не использовали более трех актеров. [10]
Трагедия и комедия рассматривались как совершенно отдельные жанры, и ни одна пьеса не объединяла аспекты этих двух жанров. Сатирические пьесы рассматривали мифологическую тематику трагедий, но в чисто комедийной манере.
Мощь Афин упала после поражения в Пелопоннесской войне против Спарты . С этого времени театр снова начал ставить старые трагедии. Хотя его театральные традиции, по-видимому, утратили свою жизнеспособность, греческий театр продолжал существовать в эллинистический период (период после завоеваний Александра Македонского в четвертом веке до нашей эры).
Первичной эллинистической театральной формой была не трагедия, а Новая комедия , комические эпизоды о жизни простых граждан. Единственным сохранившимся драматургом того периода является Менандр . Одним из важнейших вкладов Новой комедии было ее влияние на римскую комедию, влияние, которое можно увидеть в сохранившихся работах Плавта и Теренция .
.jpg/1280px-Acropolis_amphitheatre_of_Pergamon_(2020).jpg)
Большинство древнегреческих городов располагались на холмах или около них, поэтому места для сидения обычно строились на склоне холма, создавая естественную смотровую площадку, известную как theatron ( буквально «место для просмотра»). В городах без подходящих холмов насыпались насыпи земли. [11] У подножия холма находилось сплющенное, как правило, круглое пространство для выступлений со средним диаметром 78 футов (24 м), [ требуется ссылка ] известное как орхестра (буквально «место для танцев»), [11] где хор из обычно 12-15 человек [12] исполнял пьесы в стихах в сопровождении музыки. Часто были высокие арочные входы, называемые parodoi или eisodoi , через которые актеры и участники хора входили и выходили из оркестра. В некоторых театрах за оркестром находился фон или сценическая стена, известная как skené .
Термин «театр» в конечном итоге стал обозначать всю область театра , оркестра и скене .
Театрон был зоной для сидения, встроенной в холм, чтобы создать естественное пространство для просмотра. Первые сиденья в греческих театрах (кроме просто сидений на земле) были деревянными, но около 499 г. до н. э. практика вставки каменных блоков в склон холма для создания постоянных, устойчивых сидений стала более распространенной. Они назывались проэдриями и предназначались для жрецов и нескольких наиболее уважаемых граждан. Диазома разделяла верхнюю и нижнюю зоны для сидения.
После 465 г. до н. э. драматурги начали использовать задник или сценическую стену, называемую скене (от которой произошло слово сцена ), которая висела или стояла позади оркестра и также служила местом, где актеры могли менять свои костюмы. После 425 г. до н. э. каменная сценическая стена, называемая параскения , стала обычным дополнением к скене . Параскения была длинной стеной с выступающими сторонами, которые могли иметь дверные проемы для входов и выходов. Сразу за параскенией находился проскенион («перед сценой»), который похож на современный просцениум . Верхний этаж назывался эпискенион . В некоторых театрах также было возвышенное место для выступов на оркестре, называемое логейон . К концу V в. до н. э., примерно во время Пелопоннесской войны, скене была двухэтажной.
Смерть персонажа всегда раздавалась за скеной , поскольку считалось неуместным показывать убийство на виду у зрителей. [ требуется ссылка ] Напротив, существуют научные аргументы в пользу того, что смерть в греческой трагедии изображалась за сценой в первую очередь из-за драматических соображений, а не из-за благоразумия или чувствительности зрителей. [13]
Храм поблизости, особенно справа от сцены, почти всегда является частью греческого театрального комплекса. Это могло бы оправдать, как транспозицию, повторение фронтона с более поздней затвердевшей каменной сценой. [14]
Оркестр представлял собой круглую часть земли в нижней части театрона, где выступали хор и актеры; слово означает «танцевальное пространство», так как хор также танцевал в ранние периоды. [15] Первоначально не приподнятый, греческий театр позже стал включать приподнятую сцену для более удобного просмотра. Эта практика стала распространенной после появления «Новой комедии», которая включала драматическое изображение отдельных персонажей. Корифей был главным участником хора, который мог войти в историю как персонаж, способный взаимодействовать с персонажами пьесы. Спектакли часто начинались утром и продолжались до вечера.
Театры строились в больших масштабах, чтобы вместить большое количество исполнителей на сцене и в зале — до четырнадцати тысяч [ каких? ] . Физика и математика играли значительную роль в строительстве этих театров, поскольку их проектировщики должны были уметь создавать в них акустику , чтобы голоса актеров были слышны по всему театру, включая самый верхний ряд сидений. Понимание греками акустики весьма выгодно отличается от современного состояния искусства [ сомнительно – обсудить ] .
В греческом театре широко использовались несколько сценических элементов:
Древнегреческий термин для обозначения маски — prosopon (букв. «лицо»), [16] и был важным элементом в поклонении Дионису в Афинах, вероятно, использовавшимся в церемониальных обрядах и празднованиях. Многие маски поклонялись высшей силе, богам, что делало маски также очень важными для религии. Большинство доказательств исходят всего из нескольких вазовых картин V века до н. э., таких как та, на которой изображена маска бога, подвешенная к дереву с украшенным одеянием, висящим под ней и танцующим, и ваза Pronomos , [17] на которой изображены актеры, готовящиеся к сатирской пьесе . [18] Никаких физических доказательств нам не доступно, поскольку маски были сделаны из органических материалов и не считались постоянными объектами, в конечном итоге посвящаясь алтарю Диониса после представлений. Тем не менее, известно, что маска использовалась со времен Эсхила и считается одним из знаковых условностей классического греческого театра. [19]
Маски также были сделаны для членов хора, которые играют определенную роль в действии и комментируют события, в которых они участвуют. Хотя в трагическом хоре двенадцать или пятнадцать членов, все они носят одну и ту же маску, поскольку считается, что они представляют одного персонажа.
Стилизованные комедийные и трагические маски, которые, как говорят, берут свое начало в древнегреческом театре, стали широко символизировать исполнительское искусство в целом. [20]
Иллюстрации театральных масок V века демонстрируют шлемоподобные маски, закрывающие все лицо и голову, с отверстиями для глаз и небольшим отверстием для рта и встроенным париком. Эти картины никогда не показывают настоящих масок на актерах во время представления. Чаще всего их показывают в руках актеров до или после представления. Это демонстрирует способ, которым маска должна была «раствориться» в лице и позволить актеру исчезнуть в роли. [21] По сути, маска преобразовывала актера так же, как и запоминание текста. Поэтому представление в Древней Греции не отличало актера в маске от театрального персонажа.
Изготовители масок назывались skeuopoios или «изготовители реквизита», что предполагает, что их роль охватывала множество обязанностей и задач. Маски, скорее всего, изготавливались из легких органических материалов, таких как укрепленный лен, кожа, дерево или пробка, а парик состоял из человеческих или животных волос. [22] Из-за визуальных ограничений, налагаемых этими масками, актерам было необходимо слышать, чтобы ориентироваться и балансировать. Таким образом, считается, что уши были покрыты значительным количеством волос, а не самой маской-шлемом. Отверстие для рта было относительно небольшим, что не позволяло видеть рот во время выступлений. Вербена и Уайлс утверждают, что этот небольшой размер опровергает идею о том, что маска функционировала как мегафон, как это первоначально было представлено в 1960-х годах. [18] Греческий изготовитель масок Танос Воволис предполагает, что маска служит резонатором для головы, тем самым улучшая вокальную акустику и изменяя ее качество. Это приводит к увеличению энергии и присутствия, позволяя актеру более полно вживаться в своего персонажа. [23]
В большом открытом театре, таком как Театр Диониса в Афинах , классические маски могли создавать чувство страха у зрителей, создавая масштабную панику, особенно потому, что они имели сильно преувеличенные черты лица и выражения. [23] Они позволяли актеру появляться и снова появляться в нескольких разных ролях, таким образом, не давая зрителям идентифицировать актера с одним конкретным персонажем. Их вариации помогают зрителям различать пол, возраст и социальный статус, в дополнение к выявлению изменений во внешности конкретного персонажа, например, Эдипа , после того, как он ослепил себя. [24] Уникальные маски также создавались для определенных персонажей и событий в пьесе, таких как Эринии в « Эвменидах и Пенфее» Эсхила и Кадм в « Вакханках » Еврипида . Носимые хором, маски создавали чувство единства и единообразия, представляя многоголосую персону или единый организм и одновременно поощряя взаимозависимость и повышенную чувствительность между каждым индивидуумом группы. На сцене одновременно могли находиться только 2–3 актера, а маски позволяли быстро переходить от одного персонажа к другому. Были только актеры-мужчины, но маски позволяли им играть женских персонажей.
Современный метод интерпретации роли путем переключения между несколькими простыми персонажами восходит к смене масок в театре Древней Греции. [25]
_(cropped).jpg/1280px-Soccus_-_comic_actor_in_slip-on_shoes_-_Image_from_page_1067_of_%22A_dictionary_of_Greek_and_Roman_antiquities..%22_(1849)_(cropped).jpg)
Актеры в этих пьесах, игравшие трагические роли, носили сапоги, называемые котурнус ( котурн ), которые возвышали их над другими актерами. Актеры, игравшие комедийные роли, носили только обувь на тонкой подошве, называемую соккус или носок. По этой причине драматическое искусство иногда называют « носок и котурн ».
Актеры-мужчины, играющие женские роли, носили деревянную конструкцию на груди ( posterneda ), чтобы имитировать вид груди, и еще одну конструкцию на животе ( progastreda ), чтобы они казались мягче и женственнее. Они также носили белые чулки под костюмами, чтобы их кожа казалась светлее.
Большинство деталей костюмов взяты из росписей керамики того времени, поскольку костюмы и маски изготавливались из одноразового материала, поэтому от костюмов того времени почти ничего не осталось. Самым большим источником информации является ваза Прономос, на которой актеров рисуют на вечеринке после шоу.
Костюмы передавали характер персонажа, например, пол, возраст, социальный статус и класс. Например, персонажи более высокого класса были одеты в более красивую одежду, хотя все были одеты довольно прилично. Вопреки распространенному мнению, они не одевались только в тряпки и сандалии, поскольку хотели произвести впечатление. Некоторые примеры греческих театральных костюмов включают длинные мантии, называемые хитонами , которые достигали пола для актеров, играющих богов, героев и стариков. Актеры, играющие богинь и женщин, обладающих большой властью, носили пурпур и золото. Актеры, играющие королев и принцесс, носили длинные плащи, которые волочились по земле и были украшены золотыми звездами и другими драгоценностями, а воины были одеты в разнообразные доспехи и носили шлемы, украшенные перьями. Костюмы должны были быть красочными и заметными, чтобы их было легко увидеть с каждого места в зале. [ необходима цитата ]
