Фильм , также называемый кинофильмом , движущейся картиной , фотографией , фотопьесой или флик — это произведение визуального искусства , которое имитирует переживания и иным образом передает идеи, истории, восприятия, эмоции или атмосферу посредством использования движущихся изображений, которые обычно сопровождаются звуком и (реже) другими сенсорными стимуляциями. [ 1] Слово «кино» является сокращением от слова « кинематография » и используется для обозначения либо кинопроизводства , либо киноиндустрии , либо общей формы искусства, либо кинотеатра .
Движущиеся изображения в фильме создаются путем фотографирования реальных сцен с помощью кинокамеры , путем фотографирования рисунков или миниатюрных моделей с использованием традиционных методов анимации , с помощью CGI и компьютерной анимации или путем сочетания некоторых или всех этих методов и других визуальных эффектов .
До внедрения цифрового производства серия неподвижных изображений записывалась на полосу химически сенсибилизированного целлулоида ( фотопленка ), обычно со скоростью 24 кадра в секунду. Изображения передаются через кинопроектор с той же скоростью, с которой они были записаны, с приводом Geneva, обеспечивающим, чтобы каждый кадр оставался неподвижным в течение короткого времени проецирования. Вращающийся затвор вызывает стробоскопические интервалы темноты, но зритель не замечает перерывов из-за слияния мерцаний . Видимое движение на экране является результатом того, что зрительное чувство не может различать отдельные изображения на высоких скоростях, поэтому впечатления от изображений смешиваются с темными интервалами и, таким образом, связываются вместе, создавая иллюзию одного движущегося изображения. Аналоговая оптическая звуковая дорожка (графическая запись произнесенных слов, музыки и других звуков ) проходит вдоль части фильма, зарезервированной исключительно для нее, и не проецируется.
Современные фильмы, как правило, полностью цифровые на протяжении всего процесса производства, распространения и показа.
Первоначально название «пленка» относилось к тонкому слою фотохимической эмульсии [2] на целлулоидной ленте, которая использовалась в качестве фактического носителя для записи и показа кинофильмов.
Существует много других терминов для обозначения отдельного фильма, включая «picture», «picture show», «moving picture», «photoplay» и «flick». Наиболее распространенным термином в Соединенных Штатах является «movie», в то время как в Европе предпочитают «film». Архаичные термины включают «animated pictures» и «animated photography».
«Flick» — это, в общем-то, жаргонный термин, впервые зафиксированный в 1926 году. Он происходит от глагола flicker, что связано с мерцающим внешним видом ранних фильмов. [3]
Общие термины для этой области, в целом, включают "большой экран", "фильмы", "серебряный экран" и "кино"; последний из них обычно используется как всеобъемлющий термин в научных текстах и критических эссе. В ранние годы слово "sheet" иногда использовалось вместо "screen".
Искусство кино опирается на несколько более ранних традиций в таких областях, как устное повествование , литература , театр и изобразительное искусство . Формы искусства и развлечений , которые уже включали движущиеся или проецируемые изображения, включают:
Принцип стробоскопической анимации был представлен в 1833 году вместе с стробоскопическим диском (более известным как фенакистикопа ) и позднее применялся в зоотропе (с 1866 года), перекидной книге (с 1868 года) и праксиноскопе (с 1877 года), прежде чем стал основным принципом кинематографии.
Эксперименты с ранними анимационными проекторами на основе фенакистикопа проводились по крайней мере еще в 1843 году и были публично показаны в 1847 году. Жюль Дюбоск занимался продажей проекционных систем на основе фенакистикопа во Франции примерно с 1853 года до 1890-х годов.
Фотография была представлена в 1839 году, но изначально фотографические эмульсии требовали такой длительной экспозиции , что запись движущихся объектов казалась невозможной. По крайней мере, уже в 1844 году были созданы фотографические серии объектов, расположенных в разных положениях, чтобы либо предложить последовательность движения, либо документировать ряд различных углов обзора. Появление стереоскопической фотографии с ранними экспериментами в 1840-х годах и коммерческим успехом с начала 1850-х годов вызвало интерес к дополнению фотографической среды добавлением средств для фиксации цвета и движения. В 1849 году Жозеф Плато опубликовал идею объединить свое изобретение фенакистикопа со стереоскопом, как ему предложил изобретатель стереоскопа Чарльз Уитстон , и использовать фотографии гипсовых скульптур в разных положениях для анимации в комбинированном устройстве. В 1852 году Жюль Дюбоск запатентовал такой инструмент, как «Стереоскоп-фантаскоп, или Биоскоп», но он продавал его очень недолго, безуспешно. Один диск Bïoscope со стереоскопическими фотографиями машины находится в коллекции Plateau Гентского университета, но никаких инструментов или других дисков пока не обнаружено.
К концу 1850-х годов появились первые примеры мгновенной фотографии , которые дали надежду на то, что фотография движения скоро станет возможной, но потребовалось несколько десятилетий, прежде чем ее успешно объединили с методом записи серии последовательных изображений в реальном времени. В 1878 году Эдвард Мейбридж в конце концов сумел сделать серию фотографий бегущей лошади с помощью батареи камер, выстроенных в линию вдоль трассы, и опубликовал результаты под названием «Лошадь в движении» на карточках кабинета . Мейбридж, а также Этьен-Жюль Марей , Оттомар Аншютц и многие другие создадут еще множество хронофотографических исследований. Мейбридж начертил контуры десятков своих хронофотографических серий на стеклянных дисках и спроецировал их с помощью своего зоопраксископа на своих лекциях с 1880 по 1895 год.
Аншютц сделал свои первые мгновенные фотографии в 1881 году. В 1882 году он разработал портативную камеру, которая позволяла использовать выдержку всего лишь 1/1000 секунды. Качество его снимков в целом считалось намного выше, чем качество хронофотографических работ Мейбриджа и Этьена-Жюля Маре . [4] В 1886 году Аншютц разработал электротахоскоп , раннее устройство, которое отображало короткие циклы движущихся изображений с 24 фотографиями на стеклянных пластинах на вращающемся колесе шириной 1,5 метра, которое вручную приводилось в движение со скоростью около 30 кадров в секунду. Различные версии демонстрировались на многих международных выставках, ярмарках, конгрессах и игровых автоматах с 1887 по 1894 год. Начиная с 1891 года, около 152 экземпляров модели электротахископа с монетоприемником были изготовлены компанией Siemens & Halske в Берлине и продавались по всему миру. [5] [4] Около 34 000 человек заплатили, чтобы увидеть его в Берлинском выставочном парке летом 1892 года. Другие видели его в Лондоне или на Всемирной выставке в Чикаго в 1893 году . 25 ноября 1894 года Аншютц представил проектор электротахископа с экраном 6x8 метров в Берлине. В период с 22 февраля по 30 марта 1895 года около 7000 платных зрителей пришли посмотреть 1,5-часовое шоу из 40 сцен в зале на 300 мест в старом здании Рейхстага в Берлине. [6]
Эмиль Рейно уже упоминал о возможности проецирования изображений Праксиноскопа в своей патентной заявке 1877 года. Он представил проекционное устройство праксиноскопа на Французском фотографическом обществе 4 июня 1880 года, но не продавал свой праксиноскоп в качестве проекции до 1882 года. Затем он усовершенствовал устройство в Théâtre Optique , который мог проецировать более длинные последовательности с отдельными фонами, запатентованный в 1888 году. Он создал несколько фильмов для машины, рисуя изображения на сотнях желатиновых пластин, которые были вмонтированы в картонные рамки и прикреплены к тканевой ленте. С 28 октября 1892 года по март 1900 года Рейно дал более 12 800 показов для более чем 500 000 посетителей в Музее Гревен в Париже.
К концу 1880-х годов появление длинной целлулоидной фотопленки и изобретение кинокамер , которые могли снимать быструю последовательность изображений, используя всего один объектив, позволило фиксировать и сохранять действие на одной компактной катушке пленки.
Фильмы изначально демонстрировались публично одному человеку за раз с помощью устройств «peep show», таких как Electrotachyscope , Kinetoscope и Mutoscope . Немного позже экспонентам удалось проецировать фильмы на большие экраны для театральной аудитории.
Первые публичные показы фильмов, на которые взималась плата, были проведены в 1895 году американцем Вудвиллом Латамом и его сыновьями, использовавшими фильмы, произведенные их компанией Eidoloscope , [7] братьями Складановски и, возможно, более известными, французскими братьями Огюстом и Луи Люмьер с десятью собственными постановками. [ необходима цитата ] Частные показы предшествовали этим на несколько месяцев, причем Латам показал их немного раньше остальных. [ необходима цитата ]
Самые ранние фильмы представляли собой просто один статичный кадр , показывающий событие или действие без монтажа или других кинематографических приемов . Типичные фильмы показывали сотрудников, выходящих из ворот фабрики, людей, идущих по улице, и вид спереди трамвая, движущегося по главной улице города. Согласно легенде, когда в фильме показывали локомотив, на большой скорости приближающийся к зрителям, зрители паниковали и выбегали из кинотеатра. На рубеже 20-го века фильмы начали связывать несколько сцен вместе, чтобы рассказать историю. (Кинематографисты, которые впервые поместили несколько кадров или сцен, обнаружили, что когда один кадр следует за другим, этот акт устанавливает связь между содержанием в отдельных кадрах в сознании зрителя. Именно эта связь делает возможным все повествование в кино. В простом примере, если человек показан смотрящим в окно, то что бы ни было показано в следующем кадре, это будет считаться видом, который видел человек.) Каждая сцена представляла собой один статичный кадр с действием, происходящим до него. Позже сцены были разбиты на несколько кадров, снятых с разных расстояний и углов. Другие методы, такие как движение камеры, были разработаны как эффективные способы рассказать историю с помощью фильма. Пока звуковое кино не стало коммерчески практичным в конце 1920-х годов, кинофильмы были чисто визуальным искусством , но эти новаторские немые фильмы завоевали общественное воображение. Вместо того чтобы оставлять зрителей только с шумом проектора в качестве аккомпанемента, владельцы кинотеатров нанимали пианиста или органиста , а в крупных городских театрах — целый оркестр , чтобы играть музыку, которая соответствовала настроению фильма в любой момент. К началу 1920-х годов большинство фильмов поставлялись с готовым списком нот, которые использовались для этой цели, и для крупных постановок были составлены полные партитуры фильмов .
Подъем европейского кино был прерван началом Первой мировой войны , в то время как киноиндустрия в Соединенных Штатах процветала с подъемом Голливуда , наиболее ярким примером чего являются новаторские работы Д. У. Гриффита в фильмах «Рождение нации» (1915) и «Нетерпимость» (1916). Однако в 1920-х годах европейские режиссеры, такие как Эйзенштейн , Ф. В. Мурнау и Фриц Ланг , во многом вдохновленные стремительным прогрессом военного времени в кинематографе благодаря Гриффиту, а также вкладом Чарльза Чаплина , Бастера Китона и других, быстро догнали американское кинопроизводство и продолжили развивать эту среду.
В 1920-х годах развитие технологий электронной звукозаписи сделало возможным включение звуковой дорожки речи, музыки и звуковых эффектов, синхронизированных с действием на экране. [ требуется цитата ] Полученные звуковые фильмы изначально отличались от обычных немых «движущихся картин» или «фильмов», называя их «говорящими картинами» или «токио». [ требуется цитата ] Революция, которую они совершили, была быстрой. К 1930 году немое кино практически исчезло в США и уже называлось «старым средством массовой информации». [ требуется цитата ]
Эволюция звука в кино началась с идеи объединения движущихся изображений с существующей технологией фонографического звука. Ранние звуковые киносистемы, такие как кинетоскоп Томаса Эдисона и Vitaphone, используемые Warner Bros. , заложили основу для синхронизированного звука в кино. Система Vitaphone, созданная совместно с Bell Telephone Company и Western Electric , столкнулась с первоначальным сопротивлением из-за высоких затрат на оборудование, но звук в кино получил признание с такими фильмами, как «Дон Жуан» (1926) и «Певец джаза» (1927). [8]
Американские киностудии, в то время как Европа стандартизировала системы Tobis-Klangfilm и Tri-Ergon. Эта новая технология обеспечила большую текучесть в кино, что привело к появлению более сложных и эпических фильмов, таких как «Кинг-Конг» (1933). [9]
С появлением телевизионной угрозы в 1940-х и 1950-х годах киноиндустрии потребовались инновации, чтобы привлечь аудиторию. С точки зрения звуковых технологий это означало разработку объемного звука и более сложных аудиосистем, таких как семиканальная система Cinerama . Однако эти достижения требовали большого количества персонала для работы с оборудованием и поддержания качества звука в кинотеатрах. [9]
В 1966 году Dolby Laboratories представила систему шумоподавления Dolby A, которая стала стандартом в индустрии звукозаписи и устранила шипящий звук, связанный с более ранними попытками стандартизации. Dolby Stereo , революционная система объемного звучания, последовала за ней и позволила проектировщикам кинотеатров учитывать акустику при проектировании театров. Это нововведение позволило зрителям в небольших помещениях наслаждаться сравнимыми звуковыми впечатлениями с теми, что были в крупных городских театрах. [10]
Сегодня будущее звука в кино остается неопределенным, поскольку на его развитие могут влиять искусственный интеллект , ремастеринг аудио и личный опыт просмотра. [11] [12] Однако очевидно, что эволюция звука в кино отмечена постоянными инновациями и желанием создать более захватывающие и увлекательные впечатления для зрителей.
Значительным технологическим достижением в области кино стало введение «естественного цвета», когда цвет был получен непосредственно с натуры посредством фотографии, а не вручную добавлялся к черно-белым отпечаткам с использованием таких методов, как ручная раскраска или трафаретная раскраска. [13] [14] Ранние цветовые процессы часто создавали цвета, которые казались далекими от «естественных». [15] В отличие от быстрого перехода от немого кино к звуковому, замена черно-белого на цветное происходила более постепенно. [16]
Решающим нововведением стала трехполосная версия процесса Technicolor, впервые использованная в анимационных мультфильмах в 1932 году. [17] [18] Позднее этот процесс был применен к короткометражным фильмам с живыми актерами, определенным эпизодам в художественных фильмах и, наконец, к полному художественному фильму «Бекки Шарп» в 1935 году. [19] Хотя процесс был дорогим, положительный отклик публики, о чем свидетельствует рост кассовых сборов, в целом оправдывал дополнительные затраты. [13] Следовательно, количество фильмов, снятых в цвете, постепенно увеличивалось из года в год. [20] [21]
В начале 1950-х годов распространение черно-белого телевидения начало серьезно снижать посещаемость кинотеатров в Северной Америке. [ требуется цитата ] В попытке заманить зрителей обратно в кинотеатры были установлены большие экраны, внедрены широкоэкранные процессы, поляризованная 3D-проекция и стереофонический звук , и больше фильмов снималось в цвете, что вскоре стало правилом, а не исключением. Некоторые важные мейнстримные голливудские фильмы все еще снимались в черно-белом цвете вплоть до середины 1960-х годов, но они ознаменовали конец эпохи. Цветные телевизионные приемники были доступны в США с середины 1950-х годов, но поначалу они были очень дорогими, и лишь немногие трансляции были цветными. В 1960-х годах цены постепенно снизились, цветные трансляции стали обычным явлением, а продажи резко возросли. Подавляющее общественное мнение в пользу цвета было очевидным. После того, как в середине десятилетия был выпущен последний шквал черно-белых фильмов, все голливудские студийные фильмы снимались в цвете, за исключением случаев, когда на этом настаивали «звездные» режиссеры, такие как Питер Богданович и Мартин Скорсезе . [ необходима цитата ]
Десятилетия после упадка студийной системы в 1960-х годах ознаменовались изменениями в производстве и стиле фильмов. Различные движения Новой волны (включая Французскую новую волну , Новую немецкую киноволну , Индийскую новую волну , Японскую новую волну , Новый Голливуд и Египетскую новую волну ) и рост независимых режиссеров, получивших образование в киношколах, способствовали изменениям, которые эта среда пережила во второй половине 20-го века. Цифровые технологии были движущей силой изменений на протяжении 1990-х и в 2000-х годах. Цифровая 3D-проекция в значительной степени заменила более ранние, подверженные проблемам 3D-системы кино и стала популярной в начале 2010-х годов. [ необходима цитата ]
« Теория кино » стремится разработать краткие и систематические концепции, которые применимы к изучению фильма как искусства . Концепция фильма как формы искусства началась в 1911 году с манифеста Риччотто Канудо «Рождение шестого искусства» . Московская киношкола , старейшая киношкола в мире, была основана в 1919 году для того, чтобы преподавать и исследовать теорию кино. Формалистическая теория кино , возглавляемая Рудольфом Арнгеймом , Белой Балажем и Зигфридом Кракауэром , подчеркивала, как фильм отличается от реальности и, таким образом, может считаться действительным изящным искусством . Андре Базен выступил против этой теории, утверждая, что художественная сущность фильма заключается в его способности механически воспроизводить реальность, а не в его отличиях от реальности, и это дало начало реалистической теории . Более поздний анализ, вызванный психоанализом Жака Лакана и семиотикой Фердинанда де Соссюра , среди прочего, привел к появлению психоаналитической теории кино , структуралистской теории кино , феминистской теории кино и др. С другой стороны, критики из аналитической философской традиции, находящиеся под влиянием Витгенштейна , пытаются прояснить заблуждения, используемые в теоретических исследованиях, и провести анализ словаря фильма и его связи с формой жизни .
Считается, что у фильма есть свой собственный язык . Джеймс Монако написал классический текст по теории кино под названием «Как читать фильм», в котором рассматривается этот вопрос. Режиссер Ингмар Бергман сказал: « Для меня Андрей Тарковский — величайший режиссер , тот, кто изобрел новый язык , верный природе фильма, поскольку он захватывает жизнь как отражение, жизнь как сон». Примером языка является последовательность изображений вперед и назад левого профиля одного говорящего актера, за которым следует правый профиль другого говорящего актера, затем повторение этого, что является языком, понятным зрителям, чтобы обозначить разговор. Это описывает другую теорию кино, правило 180 градусов , как визуальное устройство повествования со способностью помещать зрителя в контекст психологического присутствия посредством использования визуальной композиции и монтажа. « Голливудский стиль » включает в себя эту повествовательную теорию из-за подавляющей практики правила киностудиями, базирующимися в Голливуде, Калифорния, в классическую эпоху кино. Другим примером кинематографического языка является кадр, в котором крупный план делается на лбу актера с выражением молчаливого раздумья, а затем кадр с более молодым актером, который отдаленно напоминает первого актера, указывая на то, что первый человек вспоминает себя в прошлом, — монтаж композиций, вызывающий временной переход.
Монтаж — это метод редактирования фильмов, при котором отдельные части фильма выбираются, редактируются и собираются для создания нового раздела или последовательности в фильме. Этот метод может использоваться для передачи повествования или создания эмоционального или интеллектуального эффекта путем сопоставления различных кадров, часто с целью уплотнения времени, пространства или информации. Монтаж может включать флэшбэки , параллельное действие или взаимодействие различных визуальных элементов для улучшения повествования или создания символического значения . [22]
Понятие монтажа возникло в 1920-х годах, когда такие советские кинематографисты-новаторы, как Сергей Эйзенштейн и Лев Кулешов, разработали теорию монтажа. Фильм Эйзенштейна «Броненосец «Потемкин»» (1925) является ярким примером новаторского использования монтажа, где он использовал сложные сопоставления изображений для создания интуитивного воздействия на аудиторию. [23]
По мере развития искусства монтажа кинематографисты начали включать музыкальный и визуальный контрапункт, чтобы создать более динамичный и захватывающий опыт для зрителя. Развитие конструкции сцены посредством мизансцены , монтажа и спецэффектов привело к появлению более сложных методов, которые можно сравнить с теми, которые используются в опере и балете. [24]
Французское движение Новой волны конца 1950-х и 1960-х годов также приняло технику монтажа, и такие режиссеры, как Жан-Люк Годар и Франсуа Трюффо, использовали монтаж для создания отличительных и инновационных фильмов. Этот подход продолжает оказывать влияние на современный кинематограф, и режиссеры используют монтаж для создания запоминающихся эпизодов в своих фильмах. [25]
В современном кино монтаж продолжает играть важную роль в формировании повествования и создании эмоционального резонанса. Кинорежиссеры адаптировали традиционную технику монтажа, чтобы она соответствовала развивающейся эстетике и стилям повествования современного кино.
По мере того, как киноиндустрия продолжает развиваться, монтаж остается неотъемлемым аспектом визуального повествования, и кинематографисты находят новые и инновационные способы использования этого мощного приема.
Если фильм может пролить свет на жизнь других людей, живущих с нами на этой планете, и показать нам не только то, насколько они разные, но и то, что у них общие мечты и боли, то он заслуживает того, чтобы его называли великим.
— Роджер Эберт (1986) [30]
Кинокритика — это анализ и оценка фильмов. В целом эти работы можно разделить на две категории: академическая критика, проводимая киноведами, и журналистская кинокритика, которая регулярно появляется в газетах и других средствах массовой информации. Кинокритики, работающие в газетах, журналах и вещательных СМИ, в основном рецензируют новые релизы. Обычно они видят любой фильм только один раз и имеют всего день или два, чтобы сформулировать свое мнение. Несмотря на это, критики оказывают важное влияние на реакцию аудитории и посещаемость фильмов, особенно определенных жанров . Массовые боевики , фильмы ужасов и комедии, как правило, не сильно зависят от общей оценки фильма критиками. Краткое содержание и описание фильма, а также оценка работы режиссера и сценаристов, которые составляют большую часть большинства обзоров фильмов, все еще могут иметь важное влияние на то, решат ли люди посмотреть фильм. Для престижных фильмов, таких как большинство драм и арт-хаусных фильмов , влияние обзоров важно. Плохие обзоры ведущих критиков в крупных газетах и журналах часто снижают интерес аудитории и посещаемость.
Влияние рецензента на кассовые сборы конкретного фильма является предметом споров. Некоторые наблюдатели утверждают, что маркетинг фильмов в 2000-х годах был настолько интенсивным, хорошо скоординированным и хорошо финансируемым, что рецензенты не могли помешать плохо написанному или снятому блокбастеру достичь успеха на рынке. Однако катастрофический провал некоторых сильно разрекламированных фильмов, которые были жестко рецензированы, а также неожиданный успех критически восхваляемых независимых фильмов указывают на то, что экстремальные критические реакции могут иметь значительное влияние. Другие наблюдатели отмечают, что положительные рецензии на фильмы, как было показано, вызывают интерес к малоизвестным фильмам. И наоборот, было несколько фильмов, в которых кинокомпании были настолько мало уверены, что отказывались давать рецензентам предварительный просмотр, чтобы избежать повсеместной критики фильма. Однако это обычно имеет обратный эффект, поскольку рецензенты мудры в отношении тактики и предупреждают публику, что фильм может не заслуживать просмотра, и в результате фильмы часто оказываются плохими. Журналистов-кинокритиков иногда называют кинорецензентами. Критики, которые подходят к фильмам более академически, публикуясь в киножурналах и сочиняя книги о фильмах с использованием подходов теории кино или киноведения , изучают, как работают кино и методы съемок, и какое влияние они оказывают на людей. Вместо того, чтобы публиковать свои обзоры в газетах или появляться на телевидении, их статьи публикуются в научных журналах или престижных журналах. Они также, как правило, связаны с колледжами или университетами в качестве профессоров или инструкторов.
Производство и демонстрация кинофильмов стали источником прибыли почти сразу после изобретения этого процесса. Увидев, насколько успешным было их новое изобретение и его продукт в их родной Франции, Люмьеры быстро отправились в турне по континенту, чтобы демонстрировать первые фильмы в частном порядке королевской семье и публично массам. В каждой стране они обычно добавляли новые местные сцены в свой каталог и достаточно быстро находили местных предпринимателей в разных странах Европы, которые покупали их оборудование и фотографировали, экспортировали, импортировали и демонстрировали дополнительный продукт на коммерческой основе. « Страсти Христовы» в Обераммергау 1898 года [31] стали первым коммерческим кинофильмом, когда-либо произведенным. Вскоре последовали и другие картины, и кино превратилось в отдельную отрасль, затмившую мир водевиля. Были созданы специализированные театры и компании, специально предназначенные для производства и распространения фильмов, в то время как киноактеры стали крупными знаменитостями и получали огромные гонорары за свои выступления. К 1917 году у Чарли Чаплина был контракт, предусматривавший годовую зарплату в один миллион долларов. С 1931 по 1956 год кинопленка была единственной системой хранения и воспроизведения изображений для телевизионных программ до появления видеомагнитофонов .
В Соединенных Штатах большая часть киноиндустрии сосредоточена вокруг Голливуда, Калифорния . Другие региональные центры существуют во многих частях мира, например, сосредоточенный в Мумбаи Болливуд , индийская киноиндустрия на хинди , которая производит наибольшее количество фильмов в мире. [32] Хотя расходы, связанные с производством фильмов, привели к тому, что кинопроизводство сосредоточилось под эгидой киностудий , недавние достижения в области доступного оборудования для кинопроизводства позволили независимому кинопроизводству процветать.
Прибыль является ключевой силой в отрасли из-за дорогостоящего и рискованного характера кинопроизводства; многие фильмы имеют большой перерасход средств , примером чего является «Водный мир » Кевина Костнера . Тем не менее, многие режиссеры стремятся создавать работы, имеющие долгосрочное социальное значение. Премия «Оскар» (также известная как «Оскар») является самой важной кинопремией в Соединенных Штатах, ежегодно присуждающей признание фильмам на основе их художественных достоинств. Существует также крупная индустрия образовательных и обучающих фильмов, снятых вместо или в дополнение к лекциям и текстам. Доходы в отрасли иногда нестабильны из-за зависимости от блокбастеров, выпущенных в кинотеатрах . Рост альтернативных домашних развлечений поднял вопросы о будущем киноиндустрии, и занятость в Голливуде стала менее надежной, особенно для средне- и малобюджетных фильмов. [33]
Производные академические области изучения могут как взаимодействовать с кинопроизводством, так и развиваться независимо от него, как в теории и анализе кино. Были созданы области академического изучения, которые являются производными или зависят от существования кино, такие как кинокритика , история кино , подразделения пропаганды фильмов в авторитарных правительствах или психологические на подсознательных эффектах (например, мигающая банка газировки во время показа). Эти области могут в дальнейшем создавать производные области, такие как раздел обзоров фильмов в газете или телевизионном гиде. Подотрасли могут отделиться от кино, такие как производители попкорна и игрушки, связанные с фильмами (например, фигурки «Звездных войн» ). Подотрасли уже существующих отраслей могут иметь дело конкретно с кино, такие как размещение продукта и другая реклама в фильмах.
Терминология, используемая для описания кинофильмов, значительно различается в британском и американском английском . В британском использовании название средства массовой информации — film . Слово movie понятно, но используется редко. [34] [35] Кроме того, the pictures (множественное число) довольно часто используется для обозначения места, где демонстрируются фильмы; в американском английском это может называться the movies , но этот термин устаревает. В других странах место, где демонстрируются фильмы, может называться cinema или movie theatre .
Напротив, в Соединенных Штатах преобладающим термином для обозначения средства массовой информации является слово «фильм» . Хотя слова «фильм» и «кино» иногда используются взаимозаменяемо, слово «фильм» чаще используется при рассмотрении художественных , теоретических или технических аспектов. Термин «фильмы» чаще относится к развлекательным или коммерческим аспектам, например, куда пойти на свидание для веселого вечера. Например, книга под названием « Как понять фильм» будет, вероятно, посвящена эстетике или теории кино, в то время как книга под названием « Пойдем в кино» будет, вероятно, посвящена истории развлекательных фильмов и блокбастеров .
Дальнейшая терминология используется для различения различных форм и носителей, используемых в киноиндустрии. Кинофильмы и движущиеся изображения часто используются для обозначения фильмов и кинопродукции, специально предназначенных для театрального показа, например, «Звездные войны» . DVD , Blu-ray Disc и видеокассета — это видеоформаты, которые могут воспроизводить фотохимическую пленку. Воспроизведение, основанное на таком, называется переносом . После появления театрального фильма как отрасли, телевизионная индустрия начала использовать видеокассету в качестве носителя записи. В течение многих десятилетий лента была исключительно аналоговым носителем, на который можно было либо записывать, либо переносить движущиеся изображения. Фильм и киносъемка относятся к фотохимическому носителю, который химически записывает визуальное изображение, и к процессу записи соответственно. Однако процесс съемки изображений с помощью других визуальных носителей, например, цифровой камеры, по-прежнему называется киносъемкой , а полученные в результате работы часто называют фильмами , поскольку они взаимозаменяемы с фильмами , несмотря на то, что они не были сняты на пленку. Немые фильмы не обязательно должны быть полностью немыми, но представляют собой фильмы и кинофильмы без слышимого диалога, включая те, которые имеют музыкальное сопровождение. Слово talkies относится к самым ранним звуковым фильмам, созданным для записи звукового диалога для воспроизведения вместе с фильмом, независимо от музыкального сопровождения. Кино либо в широком смысле охватывает как фильмы, так и кинофильмы, либо является синонимом кино и театральной выставки, и оба слова пишутся с заглавной буквы, когда речь идет о категории искусства. Silver screen относится к проекционному экрану, используемому для показа фильмов, и, в более широком смысле, также используется как метоним для всей киноиндустрии.
Widescreen refers to a larger width to height in the frame, compared to earlier historic aspect ratios.[36] A feature-length film, or feature film, is of a conventional full length, usually 60 minutes or more, and can commercially stand by itself without other films in a ticketed screening.[37] A short is a film that is not as long as a feature-length film, often screened with other shorts, or preceding a feature-length film. An independent is a film made outside the conventional film industry.
In US usage, one talks of a screening or projection of a movie or video on a screen at a public or private theater. In British English, a film showing happens at a cinema (never a theatre, which is a different medium and place altogether).[35] Cinema usually refers to an arena designed specifically to exhibit films, where the screen is affixed to a wall, while theatre usually refers to a place where live, non-recorded action or combination thereof occurs from a podium or other type of stage, including the amphitheatre. Theatres can still screen movies in them, though the theatre would be retrofitted to do so. One might propose going to the cinema when referring to the activity, or sometimes to the pictures in British English, whereas the US expression is usually going to the movies. A cinema usually shows a mass-marketed movie using a front-projection screen process with either a film projector or, more recently, with a digital projector. But, cinemas may also show theatrical movies from their home video transfers that include Blu-ray Disc, DVD, and videocassette when they possess sufficient projection quality or based upon need, such as movies that exist only in their transferred state, which may be due to the loss or deterioration of the film master and prints from which the movie originally existed. Due to the advent of digital film production and distribution, physical film might be absent entirely.
A double feature is a screening of two independently marketed, stand-alone feature films. A viewing is a watching of a film. Sales and at the box office refer to tickets sold at a theater, or more currently, rights sold for individual showings. A release is the distribution and often simultaneous screening of a film. A preview is a screening in advance of the main release.
Any film may also have a sequel, which portrays events following those in the film. Bride of Frankenstein is an early example. When there are more films than one with the same characters, story arcs, or subject themes, these movies become a series, such as the James Bond series. Existing outside a specific story timeline usually does not exclude a film from being part of a series. A film that portrays events occurring earlier in a timeline with those in another film, but is released after that film, is sometimes called a prequel, an example being Butch and Sundance: The Early Days.
The credits, or end credits, are a list that gives credit to the people involved in the production of a film. Films from before the 1970s usually start a film with credits, often ending with only a title card, saying "The End" or some equivalent, often an equivalent that depends on the language of the production.[citation needed] From then onward, a film's credits usually appear at the end of most films. However, films with credits that end a film often repeat some credits at or near the start of a film and therefore appear twice, such as that film's acting leads, while less frequently some appearing near or at the beginning only appear there, not at the end, which often happens to the director's credit. The credits appearing at or near the beginning of a film are usually called titles or beginning titles. A post-credits scene is a scene shown after the end of the credits. Ferris Bueller's Day Off has a post-credits scene in which Ferris tells the audience that the film is over and they should go home.
A film's cast refers to a collection of the actors and actresses who appear, or star, in a film. A star is an actor or actress, often a popular one, and in many cases, a celebrity who plays a central character in a film. Occasionally the word can also be used to refer to the fame of other members of the crew, such as a director or other personality, such as Martin Scorsese. A crew is usually interpreted as the people involved in a film's physical construction outside cast participation, and it could include directors, film editors, photographers, grips, gaffers, set decorators, prop masters, and costume designers. A person can both be part of a film's cast and crew, such as Woody Allen, who directed and starred in Take the Money and Run.
A film goer, movie goer, or film buff is a person who likes or often attends films and movies, and any of these, though more often the latter, could also see oneself as a student to films and movies or the filmic process. Intense interest in films, film theory, and film criticism, is known as cinephilia. A film enthusiast is known as a cinephile or cineaste.
Preview performance refers to a showing of a film to a select audience, usually for the purposes of corporate promotions, before the public film premiere itself. Previews are sometimes used to judge audience reaction, which if unexpectedly negative, may result in recutting or even refilming certain sections based on the audience response. One example of a film that was changed after a negative response from the test screening is 1982's First Blood. After the test audience responded very negatively to the death of protagonist John Rambo, a Vietnam veteran, at the end of the film, the company wrote and re-shot a new ending in which the character survives.[38]
Trailers or previews are advertisements for films that will be shown in 1 to 3 months at a cinema. Back in the early days of cinema, with theaters that had only one or two screens, only certain trailers were shown for the films that were going to be shown there. Later, when theaters added more screens or new theaters were built with a lot of screens, all different trailers were shown even if they were not going to play that film in that theater. Film studios realized that the more trailers that were shown (even if it was not going to be shown in that particular theater) the more patrons would go to a different theater to see the film when it came out. The term trailer comes from their having originally been shown at the end of a film program. That practice did not last long because patrons tended to leave the theater after the films ended, but the name has stuck. Trailers are now shown before the film (or the "A film" in a double feature program) begins. Film trailers are also common on DVDs and Blu-ray Discs, as well as on the Internet and mobile devices. Trailers are created to be engaging and interesting for viewers. As a result, in the Internet era, viewers often seek out trailers to watch them. Of the ten billion videos watched online annually in 2008, film trailers ranked third, after news and user-created videos.[39] A teaser is a much shorter preview or advertisement that lasts only 10 to 30 seconds. Teasers are used to get patrons excited about a film coming out in the next six to twelve months. Teasers may be produced even before the film production is completed.
Films are cultural artifacts created by specific cultures, facilitating intercultural dialogue. It is considered to be an important art form that provides entertainment and historical value, often visually documenting a period of time. The visual basis of the medium gives it a universal power of communication, often stretched further through the use of dubbing or subtitles to translate the dialog into other languages.[42] Just seeing a location in a film is linked to higher tourism to that location, demonstrating how powerful the suggestive nature of the medium can be.[43]
Film is used for a range of goals, including education and propaganda due its ability to effectively intercultural dialogue. When the purpose is primarily educational, a film is called an "educational film". Examples are recordings of academic lectures and experiments, or a film based on a classic novel. Film may be propaganda, in whole or in part, such as the films made by Leni Riefenstahl in Nazi Germany, US war film trailers during World War II, or artistic films made under Stalin by Sergei Eisenstein. They may also be works of political protest, as in the films of Andrzej Wajda, or more subtly, the films of Andrei Tarkovsky. The same film may be considered educational by some, and propaganda by others as the categorization of a film can be subjective.
At its core, the means to produce a film depend on the content the filmmaker wishes to show, and the apparatus for displaying it: the zoetrope merely requires a series of images on a strip of paper. Film production can, therefore, take as little as one person with a camera (or even without a camera, as in Stan Brakhage's 1963 film Mothlight), or thousands of actors, extras, and crew members for a live-action, feature-length epic. The necessary steps for almost any film can be boiled down to conception, planning, execution, revision, and distribution. The more involved the production, the more significant each of the steps becomes. In a typical production cycle of a Hollywood-style film, these main stages are defined as development, pre-production, production, post-production and distribution.
This production cycle usually takes three years. The first year is taken up with development. The second year comprises preproduction and production. The third year, post-production and distribution. The bigger the production, the more resources it takes, and the more important financing becomes; most feature films are artistic works from the creators' perspective (e.g., film director, cinematographer, screenwriter) and for-profit business entities for the production companies.
A film crew is a group of people hired by a film company, employed during the "production" or "photography" phase, for the purpose of producing a film or motion picture. Crew is distinguished from cast, who are the actors who appear in front of the camera or provide voices for characters in the film. The crew interacts with but is also distinct from the production staff, consisting of producers, managers, company representatives, their assistants, and those whose primary responsibility falls in pre-production or post-production phases, such as screenwriters and film editors. Communication between production and crew generally passes through the director and his/her staff of assistants. Medium-to-large crews are generally divided into departments with well-defined hierarchies and standards for interaction and cooperation between the departments. Other than acting, the crew handles everything in the photography phase: props and costumes, shooting, sound, electrics (i.e., lights), sets, and production special effects. Caterers (known in the film industry as "craft services") are usually not considered part of the crew.
Film stock consists of transparent celluloid, acetate, or polyester base coated with an emulsion containing light-sensitive chemicals. Cellulose nitrate was the first type of film base used to record motion pictures, but due to its flammability was eventually replaced by safer materials. Stock widths and the film format for images on the reel have had a rich history, though most large commercial films are still shot on (and distributed to theaters) as 35 mm prints. Originally moving picture film was shot and projected at various speeds using hand-cranked cameras and projectors; though 1000 frames per minute (162/3 frame/s) is generally cited as a standard silent speed, research indicates most films were shot between 16 frame/s and 23 frame/s and projected from 18 frame/s on up (often reels included instructions on how fast each scene should be shown).[44] When synchronized sound film was introduced in the late 1920s, a constant speed was required for the sound head. 24 frames per second were chosen because it was the slowest (and thus cheapest) speed which allowed for sufficient sound quality.[45] The standard was set with Warner Bros.'s The Jazz Singer and their Vitaphone system in 1927.[46][47] Improvements since the late 19th century include the mechanization of cameras – allowing them to record at a consistent speed, quiet camera design – allowing sound recorded on-set to be usable without requiring large "blimps" to encase the camera, the invention of more sophisticated filmstocks and lenses, allowing directors to film in increasingly dim conditions, and the development of synchronized sound, allowing sound to be recorded at exactly the same speed as its corresponding action. The soundtrack can be recorded separately from shooting the film, but for live-action pictures, many parts of the soundtrack are usually recorded simultaneously.
As a medium, film is not limited to motion pictures, since the technology developed as the basis for photography. It can be used to present a progressive sequence of still images in the form of a slideshow. Film has also been incorporated into multimedia presentations and often has importance as primary historical documentation. However, historic films have problems in terms of preservation and storage, and the motion picture industry is exploring many alternatives. Most films on cellulose nitrate base have been copied onto modern safety films. Some studios save color films through the use of separation masters: three B&W negatives each exposed through red, green, or blue filters (essentially a reverse of the Technicolor process). Digital methods have also been used to restore films, although their continued obsolescence cycle makes them (as of 2006) a poor choice for long-term preservation. Film preservation of decaying film stock is a matter of concern to both film historians and archivists and to companies interested in preserving their existing products in order to make them available to future generations (and thereby increase revenue). Preservation is generally a higher concern for nitrate and single-strip color films, due to their high decay rates; black-and-white films on safety bases and color films preserved on Technicolor imbibition prints tend to keep up much better, assuming proper handling and storage.
Some films in recent decades have been recorded using analog video technology similar to that used in television production. Modern digital video cameras and digital projectors are gaining ground as well. These approaches are preferred by some film-makers, especially because footage shot with digital cinema can be evaluated and edited with non-linear editing systems (NLE) without waiting for the film stock to be processed. The migration was gradual, and as of 2005, most major motion pictures were still shot on film.[needs update]
Independent filmmaking often takes place outside Hollywood, or other major studio systems. An independent film (or indie film) is a film initially produced without financing or distribution from a major film studio. Creative, business and technological reasons have all contributed to the growth of the indie film scene in the late 20th and early 21st century. On the business side, the costs of big-budget studio films also lead to conservative choices in cast and crew. There is a trend in Hollywood towards co-financing (over two-thirds of the films put out by Warner Bros. in 2000 were joint ventures, up from 10% in 1987).[48] A hopeful director is almost never given the opportunity to get a job on a big-budget studio film unless he or she has significant industry experience in film or television. Also, the studios rarely produce films with unknown actors, particularly in lead roles.
Before the advent of digital alternatives, the cost of professional film equipment and stock was also a hurdle to being able to produce, direct, or star in a traditional studio film. But the advent of consumer camcorders in 1985, and more importantly, the arrival of high-resolution digital video in the early 1990s, have lowered the technology barrier to film production significantly. Both production and post-production costs have been significantly lowered; in the 2000s, the hardware and software for post-production can be installed in a commodity-based personal computer. Technologies such as DVDs, FireWire connections and a wide variety of professional and consumer-grade video editing software make film-making relatively affordable.
Since the introduction of digital video DV technology, the means of production have become more democratized. Filmmakers can conceivably shoot a film with a digital video camera and edit the film, create and edit the sound and music, and mix the final cut on a high-end home computer. However, while the means of production may be democratized, financing, distribution, and marketing remain difficult to accomplish outside the traditional system. Most independent filmmakers rely on film festivals to get their films noticed and sold for distribution. The arrival of internet-based video websites such as YouTube and Veoh has further changed the filmmaking landscape, enabling indie filmmakers to make their films available to the public.
An open content film is much like an independent film, but it is produced through open collaborations; its source material is available under a license which is permissive enough to allow other parties to create fan fiction or derivative works rather than a traditional copyright. Like independent filmmaking, open source filmmaking takes place outside Hollywood and other major studio systems. For example, the film Balloon was based on the real event during the Cold War.[49]
A fan film is a film or video inspired by a film, television program, comic book or a similar source, created by fans rather than by the source's copyright holders or creators. Fan filmmakers have traditionally been amateurs, but some of the most notable films have actually been produced by professional filmmakers as film school class projects or as demonstration reels. Fan films vary tremendously in length, from short faux-teaser trailers for non-existent motion pictures to rarer full-length motion pictures.
Film distribution is the process through which a film is made available for viewing by an audience. This is normally the task of a professional film distributor, who would determine the marketing strategy of the film, the media by which a film is to be exhibited or made available for viewing, and may set the release date and other matters. The film may be exhibited directly to the public either through a movie theater (historically the main way films were distributed) or television for personal home viewing (including on DVD-Video or Blu-ray Disc, video-on-demand, online downloading, television programs through broadcast syndication etc.). Other ways of distributing a film include rental or personal purchase of the film in a variety of media and formats, such as VHS tape or DVD, or Internet downloading or streaming using a computer.
Animation is a technique in which each frame of a film is produced individually, whether generated as a computer graphic, or by photographing a drawn image, or by repeatedly making small changes to a model unit (see claymation and stop motion), and then photographing the result with a special animation camera. When the frames are strung together and the resulting film is viewed at a speed of 16 or more frames per second, there is an illusion of continuous movement (due to the phi phenomenon). Generating such a film is very labor-intensive and tedious, though the development of computer animation has greatly sped up the process. Because animation is very time-consuming and often very expensive to produce, the majority of animation for TV and films comes from professional animation studios. However, the field of independent animation has existed at least since the 1950s, with animation being produced by independent studios (and sometimes by a single person). Several independent animation producers have gone on to enter the professional animation industry.
Limited animation is a way of increasing production and decreasing costs of animation by using "short cuts" in the animation process. This method was pioneered by UPA and popularized by Hanna-Barbera in the United States, and by Osamu Tezuka in Japan, and adapted by other studios as cartoons moved from movie theaters to television.[50] Although most animation studios are now using digital technologies in their productions, there is a specific style of animation that depends on film. Camera-less animation, made famous by film-makers like Norman McLaren, Len Lye, and Stan Brakhage, is painted and drawn directly onto pieces of film, and then run through a projector.
{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
Definitions from Wiktionary
Media from Commons
News from Wikinews
Quotations from Wikiquote
Texts from Wikisource
Textbooks from Wikibooks
Resources from Wikiversity