Альберто Бурри (12 марта 1915 — 13 февраля 1995; итальянское произношение: [alˈbɛrto buˈri] ) — итальянский художник , живописец , скульптор и врач, живший в Читта-ди-Кастелло . Он связан с материализмом европейского движения неформального искусства и описывает свой стиль как полиматериалист. Он имел связи с пространственным движением Лучо Фонтаны и , с Антони Тапиесом , влиянием на возрождение искусства послевоенной сборки в Америке ( Роберт Раушенберг ), как и в Европе.
В колонке «Переоценено и недооценено», публикуемой американским арт-журналом ARTnews , часто упоминается имя Альберто Бурри. Например, Кэролайн-Кристов-Бакаргиев упомянула его в январском номере 2005 года. [2]
Если вы посмотрите журналы 1950-х годов, то увидите, что Бурри разделял ту же платформу, что и большинство американских абстрактных экспрессионистов, но по какой-то причине он почти полностью забыт. Бурри имел огромное значение в тот послевоенный период и имел влияние на международном уровне... Я не думаю, что в Испании был бы Антони Тапиес , если бы не Бурри. [3]
- Каролин Христов-Бакаргиев, 2005 г.
Альберто Бурри родился 12 марта 1915 года в Читта-ди-Кастелло , в Умбрии , в семье Пьетро Бурри, тосканского торговца вином, и Каролины Торреджиани, учительницы начальной школы из Умбрии . [4] В 1935 году Бурри учился в государственной средней школе в Ареццо, живя в пансионе в пансионате, и, как отмечалось в его школьных отчетах, он изучал классику в частной школе в Читта-ди-Кастелло. [5] По возвращении из Северной Африки Бурри и его младший брат Витторио были зачислены в медицинскую школу в Перудже, и после своего африканского приключения Бурри решил, что хочет специализироваться на тропических болезнях. [6] Бурри окончил медицинскую школу в 1940 году, а 12 октября того же года, через два дня после вступления Италии во Вторую мировую войну , имея ранний добровольный опыт участия в Итало-эфиопской войне , был отозван на военную службу и отправлен в Ливия как боевой медик. [7] Армейские записи показывают, что в течение 20 дней после этого приказа Бурри был временно уволен, что позволило ему пройти медицинскую стажировку и получить диплом врача. [8] Бурри утверждал, что изучал историю искусств, потому что хотел понять произведения искусства, которые его окружали. [9] Он также изучал греческий язык, которым он овладел, а позже в жизни смог читать и наслаждаться классической греческой литературой. [10] 8 мая 1943 года подразделение, в котором он состоял, было захвачено британцами в Тунисе , а затем передано американцам и переведено в Херефорд, штат Техас, в лагерь для военнопленных, в котором проживало около 3000 итальянских офицеров, [11] ] , где он начал рисовать. После освобождения в 1946 году он переехал в Рим и посвятил себя исключительно живописи ; его первая персональная выставка состоялась в галерее La Margherita в 1947 году. Затем он выставлялся в галерее Мальборо в Нью-Йорке и в галерее де Франс в Париже .
Не имея возможности заниматься медицинской профессией, Бурри получил возможность выбрать вид досуга благодаря Ассоциации YMCA . Используя ограниченное количество материалов, доступных в лагере, он начал заниматься рисованием в возрасте почти 30 лет и без какой-либо академической подготовки. [12] Тем временем, трагическая гибель его младшего брата Витторио на русском фронте в 1943 году оказала на него сильное влияние. [13] Отгородившись от остального мира и изображая фигуративные предметы толстыми хроматическими знаками, он постепенно осознал желание отказаться от медицинской профессии в пользу живописи. [14] [а]
Когда Бурри вернулся в Италию 27 февраля 1946 года, его решение столкнулось с серьезной рецессией после Второй мировой войны и недовольством его родителей. Он переехал в Рим в качестве гостя у скрипача и композитора Аннибале Бучки, двоюродного брата его матери, который поощрял его деятельность как художника. [15]
Находясь в Риме, у него была возможность установить контакт с немногими, но очень активными учреждениями, занимающимися живописью, которые после войны создавали новую платформу для изобразительного искусства. [17]
Он оставался замкнутым художником, непрерывно работая и творя, сначала в небольшой студии на Виа Маргутта , но часто переезжая. Собственно говоря, Милтон Гендель – американский журналист, посетивший студию Бурри в 1954 году – позже сообщал: « Студия — толстостенная, побеленная, аккуратная и аскетичная; его работы — это «кровь и плоть», покрасневшая рваная ткань, кажется, это похоже на заживление ран, которые Бурри пережил во время войны ». [18]
Первая персональная выставка фигуративных произведений Бурри состоялась 10 июля 1947 года в галерее-книжном магазине La Margherita в Риме, представленная поэтами Леонардо Синисгалли и Либеро Де Либеро. Однако к концу того же года художественное творчество Бурри окончательно перешло в абстрактные формы, а использование темперы малого формата стало результатом влияния таких художников, как Жан Дюбюффе и Жоан Миро , чью студию Бурри посетил во время поездки в Париж в зима 1948 года. [19]
Художественные исследования Бурри за короткое время стали личными: между 1948 и 1950 годами он начал экспериментировать с использованием необычных, «неортодоксальных» материалов, таких как деготь , песок , цинк , пемза и алюминиевая пыль, а также поливинилхлоридный клей, причем последний материал был возведен в ранг такое же значение, как и масляные краски. Во время этого художественного перехода художник проявил свою чувствительность к смешанной абстракции Энрико Прамполини , центральной фигуры итальянского абстрактного искусства . Тем не менее Бурри пошел еще дальше в своей работе « Катрами» («Смолы»), представляя смолу не как простой материал для коллажа , а как реальный цвет, который – посредством различных светлых и непрозрачных оттенков монохромного черного – слился с целостностью картины. . [23]
Его «Нерон 1» (Черный 1) 1948 года позже был воспринят художником как начальная веха в его живописи и установил преобладание черного монохрома, который будет сохраняться как близкая идентичность на протяжении всей его карьеры наряду с белым, начиная с Бьянки («Белые»). Серия 1949–50, красный.
Следующая серия Muffe (Molds) буквально представляла спонтанные реакции используемых материалов, позволяя материи «ожить» в каплях и конкрециях, которые воспроизводили эффекты и внешний вид настоящей плесени . В некоторых произведениях того же периода, которые он назвал «Гобби» («Горбуны»), Бурри сосредоточился на пространственном взаимодействии картины, достигнув еще одного оригинального результата за счет включения ветвей деревьев на задней стороне холста, что подтолкнуло двумерность к трехмерному пространству. . [24]
В 1949 году критик Кристиан Зервос опубликовал фотографию Катрама ( выставленную в прошлом году в Париже) в известном Cahiers d'art . [24]
Несмотря на близость Бурри к неформальности и дружбу с Этторе Коллой, которая сблизила Альберто с Gruppo Origine (основанной и распущенной в 1951 году самим Коллой, Марио Балокко и Джузеппе Капогросси ), художественные поиски художника казались все более одиночными и независимыми. [25]
Начиная с 1952 года Бурри добился яркой индивидуальной характеристики с помощью « Сакки » («Мешки») — произведений искусства, полученных непосредственно из джутовой ткани, широко распространявшихся в рамках « Плана Маршалла» : цвет почти полностью исчез, оставив место для поверхностного материала, так что живопись совпадала с ее материей по своей сути . полная автономия, поскольку больше не было разделения между поверхностью живописи и ее формой. [26]
Формальная художественная элегантность и пространственный баланс, достигнутый посредством аэроформных паров, кратеров, разрывов, перекрывающихся цветовых слоев и различных форм, отличали искусство Бурри, основанное на внимательных размышлениях и точных расчетах, от импульсивных жестов, которые характеризовали живопись действия того же периода. [27]
Бурри предложил первоначальный взгляд на эти своеобразные элементы в 1949 году, представив SZ1 (аббревиатура от Sacco di Zucchero 1, что означает «Мешок сахара», 1): присутствие части американского флага , содержавшейся в произведении искусства, предвосхищало использование того же самого предмета, сделанного по поп-арту . Однако в случае Бурри не было никакого социального или символического подтекста: единственным реальным фокусом был формальный и хроматический баланс картины. [28]
Сакки Бурри не завоевали понимания публики и считались крайне далекими от понятия искусства. В 1952 году, в год его первого участия в выставке Венецианской биеннале , работы «Мешки» под названием « Ло Страппо » («Разрыв») и «Раттоппо» («Патч») были отклонены. [29]
И снова в 1959 году итальянский парламент потребовал убрать одну из работ художника из Национальной галереи современного искусства в Риме. [25]
Работы Бурри получили другое и положительное признание в 1953 году, когда Джеймс Джонсон Суини (директор Музея Соломона Р. Гуггенхайма ) обнаружил картины Бурри в галерее Обелиско в Риме и впоследствии представил работы художника Соединенным Штатам на коллективной выставке. представитель новых европейских художественных тенденций. [30] Эта встреча впоследствии привела к дружбе на всю жизнь со Суини, который стал активным сторонником искусства Бурри в ведущих американских музеях и написал самую первую монографию о художнике в 1955 году. В том же году Роберт Раушенберг дважды посетил студию художника. времена: несмотря на то, что языковые различия между двумя художниками не позволяли им разговаривать друг с другом, визиты Раушенберга внесли существенный вклад в создание его « Комбинированных картин». [31] [32] [33]
Прочные отношения Бурри с Соединенными Штатами стали официальными, когда он встретил Минсу Крейг (1928–2003), американскую балерину (ученицу Марты Грэм ) и хореографа, на которой он женился 15 мая 1955 года в Вестпорте, штат Коннектикут . Они держались вместе, несмотря ни на что, на всю оставшуюся жизнь. [34]
После нескольких спорадических попыток в 1953–54 годах Бурри провел тщательно спланированные эксперименты с огнем посредством небольших возгораний на бумаге, которые послужили иллюстрациями к книге стихов Эмилио Вильи . [35] Поэт одним из первых осознал революционный художественный потенциал художника, писал о нем с 1951 года и работал с ним над книгами художника. [36] Позже он вспоминал совместное посещение нефтяного месторождения (для репортажа 1955 года для журнала «Civiltà delle Macchine») как сильное влияние на интерес художника к использованию огня. [37]
Процедура, принятая для Combustioni (Возгорания), перешла от бумаги к Legni (Лесу) примерно в 1957 году с использованием тонких листов деревянного шпона, прикрепленных к холсту и другим опорам. [38]
В тот же период Бурри также работал над Ферри (утюгами), творениями, сделанными из металлических листов, вырезанными и сваренными паяльной лампой , чтобы добиться общего баланса элементов. Наиболее известное применение этой процедуры было достигнуто в Plastiche (Пластике) в шестидесятые годы, когда постепенная открытость критиков к искусству Бурри проявилась и в Италии.
Паяльная лампа была лишь внешне разрушительным устройством. Действительно, кратеры, смоделированные пламенем на целлофане, черном, красном или прозрачном пластике или на серии Bianchi Plastica (Белый пластик), в которой прозрачный пластик уложен на белую или черную подложку, были слегка направлены дуновением художника. Таким образом, баланс вопроса был еще раз подчеркнут, в своего рода «пренебрежении» к случайности пламени, с одной стороны, и в своего рода попытке «доминировать над случайностью», присущей философии Бурри, с другой. [39]
С 1963 года Бурри и его жена начали проводить зимы в Лос-Анджелесе. Художник постепенно отделился от художественного сообщества города, полностью сосредоточившись на собственном творчестве. [40] Во время своих периодических поездок в национальный парк «Долина Смерти» художник нашел в естественных трещинах пустыни визуальный стимул, который побудил его, начиная с 1973 года, создать « Кретти » («Трещины»), развивая использование эффекта потрескавшейся краски его Работы 1940-х годов. [41]
Используя специальную смесь каолина, смол и пигмента, художник высушивал поверхность нагреванием печи. Бурри останавливал процесс нагрева в нужный момент, используя слой клея ПВА, получая таким образом большие и меньшие эффекты растрескивания, которые всегда были сбалансированы благодаря обширным познаниям художника в химии. [42]
Бурри воспроизвел процедуру, использованную для Кретти, черную или белую, также в скульптуре, на больших пристройках в Калифорнийском университете, Лос-Анджелесе и Неаполе ( Музей Каподимонте ). Гранди Кретти (Большие трещины), сделанные из обожженной глины (обе 49 x 16) и, что наиболее важно, в обширном цементном покрытии Кретто -ди-Бурри в Джибеллине , на руинах старого небольшого сицилийского городка, разрушенного землетрясением 1968 года. [43] Начатая в 1984 году и прерванная в 1989 году, работа была завершена в 2015 году, к столетию со дня рождения художника. Это одно из крупнейших когда-либо реализованных произведений искусства, занимающее площадь около 85 000 квадратных метров. Его белое бетонное покрытие простирается над городом, следуя старой карте улиц длинными магистральными дорогами и коридорами, по которым можно ходить, тем самым символически возвращая опустошенный город к жизни.
В семидесятые годы искусство Бурри постепенно переходило к более широким измерениям, а ретроспективы следовали одна за другой по всему миру. Одним из примеров является великая персональная выставка, прошедшая по Соединенным Штатам в 1977–1978 годах и завершившаяся в Музее Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке.
В цикле картин 1979 года под названием «Il Viaggio» («Путешествие») Бурри через десять монументальных композиций проследил ключевые моменты своего творческого творчества. [44]
Привилегированным материалом на этом этапе является Celotex (автор добавил букву l к его названию), промышленная смесь отходов древесного производства и клеев, очень часто используемая при изготовлении изоляционных плит. [45] До этого момента художник использовал этот материал в своих предыдущих работах с начала 1950-х годов в качестве основы для своих ацетатных и акриловых работ. [46]
После этого Cellotex использовался для циклических серий, задуманных как полиптих с доминирующей и четкой геометрической структурой, с помощью чрезвычайно тонких процарапанных оттенков или сопоставления гладких и шероховатых частей, как Орсанмикеле (1981), или в вариациях черного монохрома, как Анноттарси (Up to Nite, 1985). ), а также в разноцветных формах, таких как Сестанте ( Секстант , 1983) или дань уважения золоту мозаик Равенны в его последней серии Nero e Oro (Черное и золото). [47]
Все художественное произведение Бурри было задумано автором как неразрывное целое формы и пространства, как в живописи, так и в скульптуре. Примером может служить повторяющийся мотив архивольта , рассматриваемый в своей простой форме в живописи и в перспективе в таких железных скульптурах, как Театр Скультура – работа, представленная на Венецианской биеннале 1984 года – и в серии Огив 1972 года в керамике . [48]
Сильную преемственность скульптурных работ Бурри с его картинами также можно увидеть в керамике Гранди Кретти Каподимонте в Лос-Анджелесе, Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе и Неаполе (с помощью давнего соавтора-керамиста Массимо Бальделли), или в Гранде Ферро (Большой утюг), выставленном в Перудже. по случаю встречи 1980 года художника с Йозефом Бойсом . [49]
Большой Кретто в Джибеллине не совсем подпадает под категорию лэнд-арта , но в нем есть черты, сочетающие в себе архитектуру, скульптуру и пространство. Другие скульптуры из железа постоянно хранятся в музеях Читта-ди-Кастелло, Равенне, Целле (Пистойя), Перудже и Милане, где вращающиеся крылья Театро Континуо (Непрерывный театр) представляют собой одновременно настоящее живописное пространство и скульптуру, в качестве которой используется парк замка Сфорца. натуральный задник. [50]
Театр играл привилегированную роль в творчестве Бурри. Хотя и в отдельных интервенциях, художник работал в области прозы, балета и оперы. В 1963 году Бурри разработал декорации для «Spirituals» , балета Мортона Гулда в Ла Скала в Милане. « Пластика» художника подчеркнула драматическую силу таких пьес, как сценическая адаптация Игнацио Силоне 1969 года в Сан-Миниато (Пиза) и «Тристан и Изольда» , поставленная в 1975 году в Королевском театре в Турине.
В 1973 году Бурри разработал декорации и костюмы для «Ноябрьских шагов» , задуманного его женой Минсой Крейг, на музыку Тору Такемицу . Балет взаимодействовал с ранним образцом изобразительного искусства посредством видеоклипа, показывающего, как постепенно возникал Кретти .
Бурри никогда не считал графическое искусство второстепенным по сравнению с живописью. Он активно участвовал в экспериментах с новыми методами печати, такими как репродукция Combustioni в 1965 году , в которой муж и жена Вальтера и Элеоноры Росси прекрасно преуспели в имитации эффекта горения на бумаге, или нерегулярные полости Кретти (1971). с теми же принтерами.
Дальнейшие инновационные разработки можно найти в шелкографии Sestante (1987–89) – с помощью старого друга и соратника Бурри Нуволо – в серии Mixoblack (1988), созданной в лос-анджелесской печатной мастерской Mixografia с использованием мраморной пыли и песка для создавать печатные поверхности с определенными текстурными трехмерными эффектами. [51]
Показательным фактом является то, что Бурри использовал деньги от Премии Фельтринелли за графику, присужденной ему в 1973 году Академией Линчеи , для продвижения и поддержки реставрации фресок Луки Синьорелли в небольшой часовне Сан-Кресченти, всего в нескольких километрах. далеко от загородного дома Бурри в Читта-ди-Кастелло; еще один пример того, насколько мысленно близко модерн и современность в искусстве Бурри. [52]
Альберто Бурри умер бездетным 13 февраля 1995 года в Ницце, на Французской Ривьере , куда он переехал из-за легкости жизни и из-за эмфиземы легких . [53]
Незадолго до смерти художник был награжден Орденом Почетного легиона и званием Ордена «За заслуги перед Итальянской Республикой» , а также был назван почетным членом Американской академии искусств и литературы . Его графическая серия Oro e Nero (Золото и черный) была подарена художником, в частности, галерее Уффици во Флоренции в 1994 году, когда его уже начали считать скорее «классическим», чем «современным» художником. [54]
Искусство Альберто Бурри вызвало интерес многих коллег-современных художников, от Лучо Фонтаны и Джорджио Моранди до Янниса Кунеллиса , Микеланджело Пистолетто и Ансельма Кифера , которые снова и снова признавали величие Бурри, а в некоторых случаях и влияние. [55] [56] [57] [58]
По завещанию художника в 1978 году в Читта-ди-Кастелло был основан Фонд Палаццо Альбиццини, чтобы защитить авторские права на собственные работы Бурри. Первая музейная коллекция, открытая в 1981 году, расположена внутри жилого дома Альбиццини в стиле ренессанс. Патрицианский дом XV века, принадлежавший покровителям рафаэлевской свадьбы Богородицы , был отреставрирован архитекторами Альберто Занматти и Тициано Сартеанези в соответствии с собственными планами Бурри. [59] [60]
Вторая коллекция — это бывшие сараи для сушки табака в Читта-ди-Кастелло, промышленное сооружение, постепенно заброшенное в 1960-х годах и открытое в 1990 году, занимающее площадь 11 500 квадратных метров. В настоящее время в структуре собрана совокупность крупных циклов живописи художника, монументальной скульптуры, а с марта 2017 года — все графическое творчество художника. [60]
Черный внешний вид конструкции и особая пространственная адаптация представляют собой последнюю попытку Бурри создать полноценное произведение искусства, соответствующее идее формального и психологического баланса, которую он постоянно преследовал. [59]
Альберто Бурри признан радикальным новатором второй половины ХХ века, предшественником решений, найденных такими художественными движениями, как Арте Повера , Неодада , Новый реализм , Постминимализм и процессуальное искусство , оставляющим открытыми множество критических интерпретаций и методологические интерпретации его работ. [61] [62]
В своей монографии 1963 года Чезаре Бранди подчеркнул важность живописи Бурри и его отказ как от декоративных деталей, так и от провокаций исторического авангарда (например, футуризма ), отдав предпочтение новому подходу через концепцию «неокрашенной живописи». [63]
С другой стороны, Энрико Криспольти интерпретировал использование Бурри материала с экзистенциальной точки зрения – как это сделал Джеймс Джонсон Суини в самой первой монографии о Бурри, опубликованной в 1955 году – подразумевая критику определенного послевоенного этического дрейфа.
Пьер Рестани считал его «особым случаем» в истории минимализма , поскольку он был « монументальным аутсайдером и гениальным предшественником одновременно ». [64] Маурицио Кальвеси на протяжении многих лет придерживался психоаналитического прочтения, находя «этические ценности» в своем искусстве, одновременно определяя ренессансные истоки родины Бурри: Пьеро делла Франческа вдохновил бы Бурри ощущение пространства и торжественности массы, которые художник затем переносил на сгоревшее дерево или изношенные мешки. [65]
Совсем недавно позиция Бурри была переоценена благодаря крупной ретроспективной выставке 2015 года « Альберто Бурри: Травма живописи», которую курировала Эмили Браун для Музея Соломона Р. Гуггенхайма, и коллективной выставке 2016 года «Бурри Ло спазио ди Материя тра Европа и США» под редакцией нынешний председатель Фонда Бруно Кора, который выдвинул на первый план радикальные изменения в традиционной западной живописи и современном коллаже, вызванные Бурри, а также сосредоточился на его «психологическом» восстановлении живого формального баланса классической живописи. [66]
Среди многих исторических чтений символическим остается суждение Джулио Карло Аргана (написанное в каталоге Венецианской биеннале 1960 года): « Для Бурри мы должны говорить от имени перевернутого Тромпеля , потому что это уже не живопись, изображающая реальность, а имитация живописи — это реальность ». [67]
Карьера Бурри началась в Риме с первой персональной выставки в 1947 году в книжном магазине La Margherita, принадлежавшем Ирен Брин , где в следующем году он представил свои первые абстрактные работы. Брин и ее муж Гасперо дель Корсо основали галерею Obelisco, первую художественную галерею, открывшуюся в послевоенном Риме, где в 1952 году прошла персональная выставка Muffe e Neri (Molds and Blacks) и первые возгорания в 1957 году. Первая выставка Бурри с участием Сакки . был представлен поэтом Эмилио Вилья в Фонде Origine в 1952 году в подтверждение его все более оригинального произведения. Ферри (Утюги) проходили в Galleria Blu в Милане .
С 1953 года Бурри регулярно выставлял свои работы в США, в галерее Аллана Фрумкина (Чикаго), галерее Стейбл и галерее Марты Джексон в Нью-Йорке. В том же году директор и куратор Музея Гуггенхайма Джеймс Джонсон Суини включил Бурри в знаковую выставку « Молодые европейские художники: выбор», привлекая внимание международного сообщества к его работам.
Первоначально нестабильные отношения Бурри с Венецианской биеннале стали поворотным моментом в 1960 году, когда Джулио Карло Арган предложил ему свою первую сольную работу . В 1962 году Чезаре Бранди представил «Пластику» на выставке Marlborough Fine Art в Риме. Примерно в это же время и в последующее десятилетие прошли первые антологические ретроспективы: персональные выставки в Национальном музее современного искусства в Париже (1972), выставка в Священном монастыре Франциска Ассизского (1975) и большая передвижная выставка, которая начался в галерее Фредерика С. Уайта Калифорнийского университета в Лос-Анджелесе, переехал в Художественный институт Мэрион Куглер Макней в Сан-Антонио (Техас) и закончился в 1978 году в Музее Соломона Р. Гуггенхайма .
С 1979 года « Большие циклы картин на целлотексе » доминировали во всей последующей постановке Бурри, которая была задумана для больших пространств, таких как соборы (например, цикл 1981 года во Флоренции под названием « Гли Орти ») или бывшие промышленные комплексы, такие как бывшие верфи на острове Джудекка в Венеция, где он выставил хроматическую серию «Сестанте» . В 1994 году Бурри представил цикл « Бурри Афинский полиптих». Архитектура с кактусом для выставки, курируемой Джулиано Серфафини в Национальной галерее (Афины) , а затем в Итальянском институте культуры в Мадриде (1995).
Посмертная антологическая выставка 1996 года в Палаццо делле Эспозициони (Рим) была успешно повторена в Ленбаххаусе (Мюнхен) и в Центре изящных искусств в Брюсселе . В 2015–2016 годах крупная ретроспективная выставка «Травма живописи», организованная Эмили Браун в Музее Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке (позже в Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen , Дюссельдорф, в 2016 году), привлекла большое международное внимание к искусству художника.
По завершении столетия со дня рождения Альберто Бурри выставка под названием Burri Lo spazio di materia tra Europa e USA, курируемая Бруно Кора, провела сравнение между эпигонами материального искусства 20-го века. Выставка проходила в Читта-ди-Кастелло, в выставочном пространстве бывших сараев для сушки табака, где с 2017 года размещается графическая коллекция художника. [68]
На лондонской распродаже произведений из частной коллекции на севере Италии Sotheby's работа Бурри Combustione legno (1957) была продана на аукционе за 3,2 миллиона долларов в 2011 году. [69] 11 февраля 2014 года Christie's установил рекорд художника с работой Combustione Plastica , проданной за 4 674 500 фунтов стерлингов (оценочный диапазон от 600 000 до 800 000 фунтов стерлингов). Работа (подписанная и датированная на оборотной стороне) из пластика, акрила и горения (4 х 5 футов) была сделана между 1960 и 1961 годами. [70]
Рекорд художника был установлен в 2016 году в Лондоне, когда на вечере, посвященном Sotheby's современнику Сакко и Россо 1959 года, произведение искусства было продано за более чем 9 миллионов фунтов стерлингов, что вдвое превысило предыдущий рекорд. [71]
Искусство Альберто Бурри вдохновило многих итальянских режиссеров, среди которых Микеланджело Антониони , который черпал вдохновение в исследованиях материалов художника для своей « Красной пустыни» 1964 года . [72]
Композитор Сальваторе Шаррино написал дань уважения в память о кончине художника в 1995 году по заказу Фестиваля делле Национи в Читта-ди-Кастелло. Для того же фестиваля бывшие сараи для сушки табака стали местом действия композиции Элвина Каррана в 2002 году. [73]
Большой Кретто в Джибеллине несколько раз использовался в качестве декорации для фестиваля Орестиади , а также в качестве декорации для выступления художников Джанкарло Нери и Роберта Дель Наха (« Массивная атака ») в 2015 году. Балет «Ноябрьские шаги» 1973 года с декорациями и костюмами Бурри был снова предложен в 2015 году Музеем Гуггенхайма в Нью-Йорке. В 2016 году хореограф Вирджилио Сиени создал произведение Quintetti sul Nero [74] , вдохновленное умбрийским мастером. В 2017 году Джон Денсмор ( The Doors ) выступил перед Grande Nero Cretto (Большая черная трещина) в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе во время мероприятия Burri Prometheia . [75]
На протяжении многих лет модельеры черпали вдохновение у Бурри, от Роберто Капуччи с его предметом одежды Omaggio a Burri 1969 года, который имеет асимметричные черты, воссоздающие эффекты Кретти , до Лауры Бьяджотти для ее (последней) коллекции 2017 года.
В 1987 году Бурри создал официальные плакаты чемпионата мира по футболу 1990 года . Джазовый фестиваль в Умбрии использовал серию Sestante для плаката выпуска 2015 года, посвященного столетию со дня рождения артиста.
{{cite magazine}}: Журналу Cite требуется |magazine=( помощь ){{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка ){{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка ){{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка ){{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка ){{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка ){{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка ){{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка ){{cite magazine}}: Журналу Cite требуется |magazine=( помощь )