Комедия дель арте ( / k ɒ ˈ m eɪ d i ə d ɛ l ˈ ɑːr t eɪ , k ə -, - ˈ m ɛ d i ə , - ˈ ɑːr t iː / kom- AY -dee-ə del- AR -тай, kəm-, - ED -ee-ə, - AR -tee , [1] [2] Итальянский: [komˈmɛːdja delˈlarte] ; букв. « комедия профессии » ) [3] — ранняя форма профессионального театра , зародившаяся в итальянском театре . был популярен по всей Европе между 16 и 18 веками. [4] [5] Раньше на английском языке это называлось итальянской комедией , а также известно как commedia alla maschera , commedia improvviso и commedia dell'arte all'improvviso . [6] Характеризуемая замаскированными «типами», комедия была ответственна за расцвет актрис, таких как Изабелла Андреини [7] и импровизированных выступлений, основанных на эскизах или сценариях. [8] [9] Комедия , такая как «Вытягиватель зубов» , одновременно является сценарием и импровизацией. [8] [10] Появление персонажей и выходы прописаны. Особая характеристика комедии — lazzo , шутка или «что-то глупое или остроумное», обычно хорошо известная исполнителям и в некоторой степени прописанная рутина. [10] [11] Другая характеристика комедии — пантомима , который в основном используется персонажем Арлекино , теперь более известным как Арлекин. [12]
Персонажи комедии обычно представляют собой фиксированные социальные типы и шаблонные характеры , такие как глупые старики, коварные слуги или военные офицеры, полные фальшивой бравады . [8] [13] Персонажи — это преувеличенные «реальные персонажи», такие как всезнающий доктор по имени il Dottore , жадный старик по имени Pantalone или идеальные отношения, такие как innamorati . [7] Было создано много трупп для представления комедии , включая I Gelosi (в которой были такие актеры, как Изабелла Андреини и ее муж Франческо Андреини ), [14] труппы Confidenti, Desioi и Fedeli. [7] [8] Комедия часто исполнялась на открытом воздухе на платформах или в популярных местах, таких как пьяцца ( городская площадь ). [6] [8] Форма театра возникла в Италии, но путешествовала по всей Европе — иногда даже в Москву. [15]
Генезис комедии может быть связан с карнавалом в Венеции , где автор и актер Андреа Кальмо создал персонажа Il Magnifico, предшественника vecchio ( что означает «старый» или просто «старый») Панталоне, к 1570 году. В сценарии Фламинио Скала , например, Il Magnifico сохраняется и взаимозаменяем с Панталоне в 17 веке. Хотя персонажи Кальмо (включая испанского Капитано и тип il Dottore) не носили масок, неясно, в какой момент персонажи надели маску. Однако связь с карнавалом (период между Богоявлением и Пепельной средой ) предполагает, что ношение масок было условностью карнавала и применялось в какой-то момент. Традиция в северной Италии сосредоточена во Флоренции , Мантуе и Венеции, где основные компании попали под защиту различных герцогов . Одновременно на юге появилась неаполитанская традиция, в которой фигурировала выдающаяся сценическая фигура Пульчинелла , которая долгое время ассоциировалась с Неаполем и получила различные типы в других местах — наиболее известная как кукольный персонаж Панч (из одноименного шоу «Панч и Джуди ») в Англии.
Хотя комедия дель арте процветала в итальянском театре в период маньеризма , существовала давняя традиция попыток установить исторические предшественники в античности. Хотя можно обнаружить формальное сходство между комедией дель арте и более ранними театральными традициями, нет никакого способа установить определенность ее происхождения. [16] Некоторые датируют истоки периодом Римской средней республики ( типы Плавтина ) или ранней республики ( Ателланские фарсы ). Ателланские фарсы ранней Римской республики представляли собой грубые «типы» в масках с грубо преувеличенными чертами лица и импровизированным сюжетом. [17] Некоторые историки утверждают, что ателланские стандартные персонажи, Папп, Маккус+Буккус и Мандукус, являются примитивными версиями персонажей комедии Панталоне , Пульчинеллы и Капитано . [18] [19] [20] Более поздние отчеты устанавливают связи со средневековыми жонглерами и прототипами из средневековых моралей, такими как Хеллекин (как источник Арлекина, например). [21]
Первые зафиксированные выступления комедии дель арте появились в Риме еще в 1551 году. [22] Комедия дель арте исполнялась на открытом воздухе на временных площадках профессиональными актерами, которые были одеты в костюмы и маски, в отличие от commedia erudita ( букв. « ученая комедия » [23] ), которые представляли собой написанные комедии, представленные в помещении неподготовленными и немаскированными актерами. [24] Эта точка зрения может быть несколько романтизирована, поскольку записи описывают , например, как Гелоси исполняли «Аминту » Тассо , и многое делалось при дворе, а не на улице. К середине XVI века начали объединяться определенные труппы исполнителей комедии , и к 1568 году Гелоси стали отдельной компанией. В соответствии с традицией итальянских академий, Гелоси приняли в качестве своего импринта (или герба) двуликого римского бога Януса . Янус символизировал как приходы и уходы этой странствующей труппы, так и двойственную природу актера, который изображает «другого». Gelosi выступали в северной Италии и Франции, где они получали защиту и покровительство от короля Франции. Несмотря на колебания, Gelosi сохраняли стабильность для выступлений с «обычной десяткой»: «два vecchi , четыре innamorati (два мужчины и две женщины-любовника), два Zanni , капитан и серветта (служанка)». [25] Commedia часто выступала в придворных театрах или залах, а также в некоторых стационарных театрах, таких как Teatro Baldrucca во Флоренции. Фламинио Скала, который был второстепенным исполнителем в Gelosi, опубликовал сценарии комедии дель арте примерно в начале 17-го века, на самом деле в попытке узаконить форму — и обеспечить ее наследие. Эти сценарии строго структурированы и построены вокруг симметрии различных типов в дуэте: два Дзанни, Векки , Влюбленный и Влюбленный и т. д.
В комедии дель арте женские роли исполнялись женщинами, что было задокументировано еще в 1560-х годах, что сделало их первыми известными профессиональными актрисами в Европе со времен античности. Лукреция Ди Сиена , чье имя указано в контракте актеров от 10 октября 1564 года, упоминается как первая итальянская актриса, известная по имени, наряду с Винченцой Армани и Барбарой Фламинией как первыми примадоннами и первыми хорошо документированными актрисами в Италии (и Европе). [26] В 1570-х годах английские театральные критики в целом порочили труппы с их актрисами-женщинами (несколько десятилетий спустя Бен Джонсон назвал одну исполнительницу комедии « падающей шлюхой»). К концу 1570-х годов итальянские прелаты попытались запретить женщин-исполнителей; однако к концу 16-го века актрисы стали стандартом на итальянской сцене. [27] Итальянский ученый Фердинандо Тавиани собрал ряд церковных документов, выступающих против появления актрисы как типа куртизанки, чья скудная одежда и беспорядочный образ жизни развращали молодых людей или, по крайней мере, вселяли в них плотские желания. Термин Тавиани negativa poetica описывает эту и другие практики, оскорбительные для церкви, одновременно давая нам представление о феномене представления комедии дель арте.
К началу XVII века комедии Дзанни перешли от чистых импровизационных уличных представлений к определенным и четко очерченным действиям и персонажам. Три книги, написанные в XVII веке — Fruti della moderne commedia Чеккини (1628), La supplica Никколо Барбьери ( 1634) и Dell'arte rapresentativa Перруччи (1699) — «дали твердые рекомендации относительно исполнительской практики». Катрицкий утверждает, что в результате комедия была сведена к шаблонной и стилизованной игре; насколько это было возможно от чистоты импровизационного генезиса столетием ранее. [28] Во Франции во время правления Людовика XIV Comédie -Italienne создала репертуар и описала новые маски и персонажей, исключив при этом некоторых итальянских предшественников, таких как Панталоне. Французские драматурги, в частности Мольер , черпали вдохновение из сюжетов и масок, создавая местную трактовку. Действительно, Мольер делил сцену с Комеди-Итальен в Пти-Бурбоне , и некоторые из его форм, например тирада , являются производными от комедии ( тирата ).
Commedia dell'arte вышла за пределы города в théâtre de la foire , или ярмарочные театры, в начале 17 века, поскольку она развивалась в сторону более пантомимного стиля. С отправкой итальянских комиков из Франции в 1697 году форма преобразилась в 18 веке, когда такие жанры, как comédie larmoyante, приобрели привлекательность во Франции, особенно благодаря пьесам Мариво . Мариво значительно смягчил комедию , привнеся на сцену истинные эмоции. Арлекин достиг большей известности в этот период.
Вполне возможно, что этот тип импровизированной игры передавался итальянским поколениям вплоть до XVII века, когда он был возрожден как профессиональная театральная техника. Однако в том виде, в котором он используется в настоящее время, термин commedia dell'arte был придуман в середине XVIII века. [29]
Commedia dell'arte была столь же, если не более популярна во Франции, где она продолжала свою популярность на протяжении всего 17 века (до 1697 года), и именно во Франции комедия разработала свой устоявшийся репертуар. Комедия развивалась в различных конфигурациях по всей Европе, и каждая страна аккультурировала форму по своему вкусу. Например, пантомима , которая процветала в 18 веке, обязана своим происхождением типам персонажей комедии , в частности Арлекину . Кукольные представления Панча и Джуди , популярные по сей день в Англии, обязаны своей основой маске Пульчинеллы , которая появилась в неаполитанских версиях формы. В Италии маски и сюжеты комедии нашли свое место в опере-буффа и сюжетах Россини , Верди и Пуччини .
Во время наполеоновской оккупации Италии зачинщики реформ и критики французского императорского правления (такие как Джакомо Казанова ) использовали карнавальные маски, чтобы скрыть свою личность, одновременно подпитывая политические программы, бросая вызов социальному правлению и бросая вопиющие оскорбления и критику в адрес режима. В 1797 году, чтобы разрушить импровизированный стиль карнавала как партийной платформы, Наполеон запретил комедию дель арте. Из-за этого она не возрождалась в Венеции до 1979 года. [30]
Compagnie, или компании, были труппами актеров, у каждой из которых была определенная функция или роль. Актеры были сведущи во множестве навыков, и многие из них присоединились к труппам без театрального опыта. Некоторые были врачами, другие священниками, третьи солдатами, привлеченные волнением и распространенностью театра в итальянском обществе. Известно, что актеры переходили из труппы в труппу «на правах аренды», и компании часто сотрудничали, если их объединял один покровитель или они выступали в одном и том же месте. [31] Участники также могли отколоться, чтобы сформировать свои собственные труппы, как это было в случае с Ganassa и Gelosi. Эти труппы путешествовали по всей Европе с раннего периода, начиная с Soldati, затем Ganassa, которые путешествовали в Испанию, [32] и были известны игрой на гитаре и пением — о которых больше никогда не слышали — и знаменитые труппы Золотого века (1580–1605): Gelosi, Confidenti, Accessi. Эти названия, которые означали смелость и предприимчивость, были заимствованы из названий академий — в некотором смысле, чтобы придать легитимность. Однако у каждой труппы был свой impresse (как герб), который символизировал ее природу. Gelosi, например, использовали двуглавое лицо римского бога Януса , чтобы обозначить свои приходы и уходы и связь с сезоном карнавала , который проходил в январе. Янус также означал двойственность актера, который играет персонажа или маску, оставаясь при этом самим собой.
Магистраты и духовенство не всегда были восприимчивы к путешествующим compagnie, особенно в периоды чумы, и из-за их странствующей природы. Актеры, как мужчины, так и женщины, были известны тем, что раздевались почти догола, и сюжетные линии обычно спускались к грубым ситуациям с откровенной сексуальностью, которые, как считал французский парламент, не учили ничему, кроме «разврата и прелюбодеяния... обоих полов». [33] Термин vagabondi использовался по отношению к comici и остается уничижительным термином по сей день ( бродяга ). Это было связано с кочевой природой трупп, часто спровоцированной преследованиями со стороны Церкви, гражданских властей и конкурирующих театральных организаций, которые заставляли компании переезжать с места на место.
Труппа часто состояла из десяти исполнителей известных типов в масках и без масок, и включала женщин. [25] Компании нанимали плотников, реквизиторов, слуг, медсестер и суфлеров, все из которых путешествовали с компанией. Они путешествовали в больших повозках, нагруженных припасами, необходимыми для их кочевого стиля выступления, что позволяло им переезжать с места на место, не беспокоясь о трудностях переезда. Эта кочевая природа, хотя и была под влиянием преследований, также во многом была обусловлена тем, что труппам требовалась новая (и платящая) аудитория. Они пользовались общественными ярмарками и праздниками, чаще всего в более богатых городах, где финансовый успех был более вероятен. Компании также оказывались вызванными высокопоставленными чиновниками, которые предлагали покровительство в обмен на выступления на их земле в течение определенного периода времени. Компании на самом деле предпочитали не оставаться на одном месте слишком долго, в основном из-за страха, что представление станет «устаревшим». Они переезжали в следующее место, пока их популярность была еще высокой, гарантируя, что города и люди будут огорчены их отъездом, и с большей вероятностью пригласят их снова или заплатят за просмотр представлений снова, если труппа когда-нибудь вернется. [34] Цены зависели от решения труппы, которое могло варьироваться в зависимости от богатства места, продолжительности пребывания и правил, которые правительство устанавливало для драматических представлений.
Как правило, актеры, игравшие роли, были разного происхождения с точки зрения класса и религии и выступали везде, где могли. Кастаньо утверждает, что эстетика преувеличения , искажения, антигуманизма (как в типах в масках) и чрезмерного заимствования в противовес оригинальности была типична для всех искусств позднего итальянского Возрождения . [37] Театральный историк Мартин Грин указывает на экстравагантность эмоций в период возникновения комедии как на причину репрезентативных настроений или персонажей, которые определяют искусство. В комедии каждый персонаж воплощает настроение: насмешку, печаль, веселье, смятение и т. д. [38]
По словам лондонского театрального критика XVIII века Баретти , комедия дель арте включает в себя определенные роли и персонажей, которые «первоначально были задуманы как тип характерного представителя определенного итальянского района или города» (архетипы). [29] [39] Персонаж персонажа включал определенный диалект представленного региона или города. Это означает, что на сцене каждый персонаж исполнялся на своем собственном диалекте. Персонажи часто передавались из поколения в поколение, и персонажи, женившиеся на сцене, часто также были женаты в реальной жизни, что наиболее известно с Франческо и Изабеллой Андреини. Считалось, что это делало выступления более естественными, а также укрепляло связи внутри труппы, которая подчеркивала полное единство между каждым участником. Кроме того, у каждого персонажа был уникальный костюм и маска, которые представляли роль персонажа. [29]
В комедии дель арте есть четыре основные группы персонажей: [13]
Персонажи в масках часто называются «масками» (итал. maschere ), которые, по словам Джона Рудлина, неотделимы от персонажа. Другими словами, характеристики персонажа и характеристики маски одинаковы. [41] Со временем, однако, слово maschere стало относиться ко всем персонажам комедии дель арте, независимо от того, в масках они или нет. Женские персонажи (включая служанок) чаще всего не носят масок (женщины- амуры никогда не носят масок). Женский персонаж в группе мастеров называется Примадонна и может быть одним из любовников. Также есть женский персонаж, известный как Куртизанка, у которого также может быть служанка. Женщины-служанки носили чепчики. Их персонажи игрались с ехидным остроумием или сплетничающей веселостью. Amorosi часто являются детьми мужского персонажа в группе мастеров, но не женского персонажа в группе мастеров, которые могут представлять молодых женщин, которые, например, вышли замуж за старика или высококлассную куртизанку. Женские персонажи в группе мастеров, хотя и моложе своих коллег-мужчин, тем не менее старше амороси . Некоторые из наиболее известных персонажей комедии дель арте — Пьеро и Пьеретта, Панталоне , Джандуджа , Иль Дотторе , Бригелла , Иль Капитан , Коломбина , Иннаморати , Педролино , Пульчинелла , Арлеккино , Сандроне , Скарамучча (также известный как Скарамуш), ла Синьора и Тарталья .
По словам Грина , в XVII веке, когда комедия стала популярной во Франции, образы Пьеро, Коломбины и Арлекина были усовершенствованы и стали по сути парижскими. [43]
У каждого персонажа комедии дель арте есть свой уникальный костюм, который помогает зрителям понять, кто этот персонаж.
Первоначально Арлекин носил облегающую длинную куртку с соответствующими брюками, которые имели многочисленные заплатки странной формы, обычно зеленого, желтого, красного и коричневого цветов. [44] [45] Обычно на его поясе висели летучая мышь и кошелек. [45] Его шляпа, представлявшая собой мягкую шапку, была сделана по образцу Карла IX или Генриха II, и почти всегда имела хвост кролика, зайца или лисы с редкими пучками перьев. [45] [44] В 17 веке заплатки превратились в синие, красные и зеленые треугольники, расположенные симметрично. [45] В 18 веке сформировался культовый образ Арлекина с ромбовидными ромбами. Куртка стала короче, а его шляпа изменилась с мягкой шапки на двухконечную шляпу. [45]
Костюм Il Dottore был игрой на академическом платье болонских ученых. [45] [44] Il Dottore почти всегда одет полностью в черное. [45] Он носил длинное черное платье или куртку, которая спускалась ниже колен. [45] [44] Поверх платья он носил длинную черную мантию, доходившую до пят, и на нем были черные туфли, чулки и бриджи. [45] [44] В 1653 году его костюм был изменен Августином Лолли, который был очень популярным актером il Dottore. Он добавил огромную черную шляпу, изменил мантию на куртку, скроенную так же, как у Людовика XIV, и добавил плоский воротник на шею. [45]
Костюм Капитано похож на костюм Доктора в том, что он также является сатирой на военную одежду того времени. [44] Поэтому этот костюм будет меняться в зависимости от того, откуда родом персонаж Капитано и из какого периода он родом. [44] [45]
У Панталоне один из самых знаковых костюмов комедии дель арте. Обычно он носил облегающий пиджак с подходящими брюками. Обычно он сочетал эти два с большим черным пальто, называемым зимарра . [ 45] [44]
Женщины, которые обычно играли слуг или любовников, носили менее стилизованные костюмы, чем мужчины в комедии . Влюбленные носили то, что считалось модой того времени. Обычно они не носили масок, но были сильно накрашены.
Традиционные сюжетные линии были написаны на темы секса , ревности , любви и старости . Многие из основных элементов сюжета можно проследить до римских комедий Плавта и Теренция , некоторые из которых сами были переводами утерянных греческих комедий 4-го века до н. э. Однако более вероятно, что комиксы использовали современные новеллы или традиционные источники и черпали вдохновение из текущих событий и местных новостей того времени. Не все сценарии были комическими, были некоторые смешанные формы и даже трагедии. Шекспировская «Буря» взята из популярного сценария в коллекции «Ла Скала», его Полоний ( Гамлет ) взят из «Панталоне», а его шуты отдают дань уважения Дзанни.
Comici исполняли написанные комедии при дворе. Песни и танцы широко использовались, и ряд innamorati были искусными мадригалистами , формой песни, которая использует хроматику и близкие гармонии . Зрители приходили посмотреть на исполнителей, и сюжетные линии становились вторичными по отношению к представлению. Среди великих innamorate , Изабелла Андреини была, пожалуй, самой широко известной, и медальон, посвященный ей, гласит «вечная слава». Тристано Мартинелли добился международной известности как первый из великих арлекинов и был удостоен чести Медичи и королевы Франции. Исполнители использовали хорошо отрепетированные шутки и стандартные физические гэги, известные как lazzi и concetti , а также импровизированные и интерполированные на месте эпизоды и рутины, называемые burle ( ед. ч .: burla , по-итальянски «шутка»), обычно включающие в себя розыгрыш.
Поскольку постановки были импровизированными, диалоги и действия можно было легко изменить, чтобы высмеять местные скандалы, текущие события или региональные вкусы, при этом все еще используя старые шутки и панчлайны. Персонажи были идентифицированы по костюмам, маскам и реквизиту , такому как тип жезла, известного как фарс . Эти персонажи включали предков современного клоуна , а именно Арлекина и Дзанни. Арлекину, в частности, разрешалось комментировать текущие события в его развлечении. [46]
Классический, традиционный сюжет заключается в том, что влюбленные влюблены и хотят пожениться, но один старейшина ( vecchio ) или несколько старейшин ( vecchi ) мешают этому, заставляя влюбленных просить одного или нескольких Дзанни (эксцентричных слуг) о помощи. Обычно история заканчивается счастливо, свадьбой влюбленных и прощением всех проступков.
Хотя обычно они не были написаны лично, представления часто основывались на сценариях, которые придавали некое подобие сюжета в значительной степени импровизированному формату. Сценарии Фламинио Скала , опубликованные в начале 17 века, являются наиболее широко известной коллекцией и представляют его наиболее уважаемую compagnia , I Gelosi .
Иконография комедии дель арте представляет собой целую область исследований, которая была изучена такими исследователями комедии , как Эренштейн, Кастаньо, Катрицки, Молинари и др. В ранний период репрезентативные работы художников Фонтенбло были примечательны своими эротическими изображениями тонко прикрытой innamorata или куртизанки/актрисы с обнаженной грудью.
Фламандское влияние широко задокументировано, поскольку деятели комедии вошли в мир жанра vanitas , изображая опасности похоти, пьянства и гедонистического образа жизни. Кастаньо описывает фламандского pittore vago («странствующего художника»), который ассимилировался в итальянских мастерских и даже взял итальянские фамилии: один из самых влиятельных художников, Лодевик Тоепут, например, стал Людовико Поццосеррато и был знаменитым художником в регионе Венето в Италии. Pittore vago можно приписать становлению комедии дель арте как жанра живописи, который сохранялся на протяжении столетий.
Хотя иконография свидетельствует о стиле исполнения (см. коллекцию Фоссара), важно отметить, что многие изображения и гравюры не были изображениями из реальной жизни, а были придуманы в студии. Офорты Калло Balli di Sfessania (1611) чаще всего считаются каприччи, а не фактическими изображениями формы танца комедии или типичных масок. Хотя они часто воспроизводятся в больших форматах, важно отметить, что реальные отпечатки имели размер около 2×3 дюймов. В 18 веке картины Ватто , изображающие персонажей комедии, смешивающихся с аристократией, часто размещались в роскошных садах или пасторальных обстановках и были репрезентативными для этого жанра.
Картина Пабло Пикассо 1921 года «Три музыканта» — красочное изображение персонажей, вдохновленных комедией . [47] Пикассо также разработал оригинальные костюмы для балета Стравинского « Пульчинелла» (1920), изображающего персонажей и ситуации комедии . Иконография комедии очевидна в фарфоровых статуэтках, многие из которых продаются за тысячи долларов на аукционах.
Экспрессивный театр оказал влияние на комедию Мольера и впоследствии на балет d'action , таким образом, предоставив новый диапазон выразительных и хореографических средств. Примером персонажа комедии дель арте в литературе является Гамельнский крысолов, одетый как Арлекин .
Музыка и танец были центральными элементами представления комедии дель арте, и в большинстве представлений присутствовала как инструментальная, так и вокальная музыка. [48] Бригелла часто изображался с гитарой, и на многих изображениях комедии изображены поющие влюбленные или танцующие фигуры. Фактически, частью функции влюбленных считалось умение петь и иметь популярный репертуар в запасе. Отчеты о ранней комедии , еще от Кальмо в 1570-х годах и буффони Венеции, отмечают способность комиков петь мадригали точно и красиво. Данзатриче , вероятно, сопровождала труппы и, возможно, была дополнением к общему составу персонажей. Примеры странных инструментов различных гротескных образований см. в статьях Тома Хека, который документировал эту область.
В произведениях ряда драматургов присутствуют персонажи, на которых повлияла комедия дель арте, а иногда и напрямую взятые из нее. Яркими примерами являются « Буря» Уильяма Шекспира , «Чудеса Скапена» Мольера , «Слуга двух господ» (1743) Карло Гольдони , пьесы «Фигаро» Пьера Бомарше и особенно «Любовь к трём апельсинам» , «Турандот и другие фиабе» Карло Гоцци . Влияние проявляется в постояльцах в адаптации Стивена Беркоффа «Превращение» Франца Кафки .
Благодаря своей связи с разговорным театром и драматургами деятели комедии предоставили опере многих из ее стандартных персонажей. «Дон Жуан » Моцарта представляет собой историю кукольного спектакля, а комические слуги, такие как Лепорелло и Фигаро, имеют прецеденты комедии . Персонажи-субретки, такие как Сусанна в «Свадьбе Фигаро» , Церлина в «Дон Жуане» и Деспина в «Так поступают все», напоминают Коломбину и связанных с ней персонажей. Комические оперы Гаэтано Доницетти , такие как «Любовный напиток» , легко черпают вдохновение из стандартных типов комедии . Трагическая мелодрама Леонкавалло « Паяцы» изображает компанию комедии дель арте, в которой исполнители находят свои жизненные ситуации, отражающие события, которые они изображают на сцене. Персонажи комедии также фигурируют в опере Рихарда Штрауса «Ариадна на Наксосе» .
Фортепианная пьеса «Карнавал» Роберта Шумана была задумана как своего рода бал-маскарад, в котором персонажи комедии дель арте сочетались с персонажами реального мира, такими как Шопен , Паганини и Клара Шуман , а также персонажами из внутреннего мира композитора. [49] [50] Движения пьесы отражают имена многих персонажей комедии , включая Пьеро , Арлекина, Панталоне и Коломбину.
В балете также встречаются шаблонные персонажи и ситуации. Петрушка и Пульчинелла Игоря Стравинского напрямую ссылаются на традицию.
Commedia dell'arte сезонно исполняется в Дании на сцене Peacock Stage в садах Тиволи в Копенгагене и к северу от Копенгагена в Dyrehavsbakken . [51] В Тиволи регулярно проходят представления, в то время как в Баккене проходят ежедневные представления для детей с участием Пьеро и кукольной версии Пульчинеллы, напоминающей Панча и Джуди . [52] [53]
Персонажи, созданные и сыгранные английским комиком Сашей Бароном Коэном (наиболее известные из них Али Джи , Борат и Бруно ), обсуждались в связи с их потенциальным происхождением из комедии , поскольку Барон Коэн обучался у французского мастера-клоуна Филиппа Голье , другие ученики которого впоследствии стали учителями и исполнителями комедии . [54]
Пульчинелла всегда был одет в белое, как Маккус, mimus albus, или белый мим.
Далее следует людоед Мандукус, Мили Славные в пьесах Плавта, который позже превращается в чванливого Капитана, Капитана.
...Букко и чувственный Маккус, чья худощавая фигура и трусливая натура вновь появляются в Пульчинелле.
{{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка )Джон Рудлин комедия дель арте.
