Японская живопись (絵画, кайга ; также гадо画道) — одно из старейших и наиболее изысканных японских изобразительных искусств , охватывающее большое разнообразие жанров и стилей. Как и история японского искусства в целом, долгая история японской живописи демонстрирует синтез и конкуренцию между исконной японской эстетикой и адаптацией импортированных идей, главным образом из китайской живописи , которая имела особенное влияние в ряде моментов; Значительное западное влияние приходит только с 19 века, начиная с того времени, когда японское искусство влияло на искусство Запада .
Области предмета, где китайское влияние неоднократно оказывалось значительным, включают буддийскую религиозную живопись, рисование пейзажей тушью в традициях живописи китайских литераторов , каллиграфию синограмм [ 1] и живопись животных и растений, особенно птиц и цветов . Однако во всех этих областях сложились характерные японские традиции. Предметом, который широко считается наиболее характерным для японской живописи, а затем и гравюры , является изображение сцен из повседневной жизни и повествовательных сцен, которые часто переполнены фигурами и деталями. Эта традиция, несомненно, зародилась в период раннего средневековья под китайским влиянием, которое сейчас невозможно проследить, за исключением самых общих черт, но с периода самых ранних сохранившихся произведений развилась в специфически японскую традицию, которая продолжалась до современного периода.
Официальный Список национальных сокровищ Японии (картины) включает 162 произведения или комплекта работ VIII-XIX веков, которые представляют собой вершины достижений или очень редкие пережитки ранних периодов.
Истоки живописи в Японии восходят к доисторическому периоду Японии . Простые фигурные изображения, а также ботанические, архитектурные и геометрические узоры встречаются на керамике периода Дзёмон и бронзовых колокольчиках дотаку периода Яёи (1000 г. до н.э. – 300 г. н.э.) . Фрески с геометрическим и фигурным орнаментом были найдены в многочисленных курганах , относящихся к периодам Кофун и Аска (300–700 гг. н. э.).
Наряду с введением китайской системы письма ( кандзи ), китайских способов государственного управления и буддизма в период Асука, многие произведения искусства были импортированы в Японию из Китая , и начали производиться местные копии в аналогичных стилях.
С дальнейшим утверждением буддизма в Японии VI и VII веков религиозная живопись процветала и использовалась для украшения многочисленных храмов, возведенных аристократией. Однако Япония периода Нара известна больше за важный вклад в искусство скульптуры, чем в живопись.
Самые ранние сохранившиеся картины этого периода включают фрески на внутренних стенах Кондо (金堂) в храме Хорю-дзи в Икаруга, префектура Нара . Эти фрески, а также нарисованные изображения важного храма Тамамуши включают в себя такие повествования, как джатака , эпизоды из жизни исторического Будды Шакьямуни , а также знаковые изображения будд, бодхисаттв и различных второстепенных божеств. Стиль напоминает китайскую живопись династии Суй или конца периода Шестнадцати королевств . Однако к середине периода Нара картины в стиле династии Тан стали очень популярны. К ним также относятся настенные фрески гробницы Такамацузука , датируемые примерно 700 годом нашей эры. Этот стиль превратился в жанр Кара-э, который оставался популярным на протяжении всего раннего периода Хэйан .
Поскольку большинство картин периода Нара носят религиозный характер, подавляющее большинство из них принадлежат анонимным художникам. Большая коллекция произведений искусства периода Нара, как японского, так и китайской династии Тан [2], хранится в Сёсо-ин , хранилище 8-го века, ранее принадлежавшем Тодай-дзи и в настоящее время находящемся в ведении Агентства императорского двора .
С развитием эзотерических буддийских сект Сингон и Тэндай живопись 8-9 веков характеризуется религиозными образами, в первую очередь нарисованной мандалой (曼荼羅, мандара ) . Многочисленные версии мандалы, наиболее известные из которых — Мандала Алмазного Царства и Мандала Царства Чрева в Тодзи в Киото, были созданы в виде свисающих свитков , а также в виде фресок на стенах храмов. Ярким ранним примером является пятиэтажная пагода Дайго -дзи , храм к югу от Киото .
Школа Косе — это семья придворных художников, основанная Канаока Косе во второй половине IX века, в начале периода Хэйан. Эта школа представляет не один стиль живописи, как другие школы, а различные стили живописи, созданные Канаокой Косе и его потомками и учениками. Эта школа превратила картины китайского стиля с китайской тематикой в японский стиль и сыграла важную роль в формировании стиля живописи ямато-э . [3] [4]
С ростом значения сект Чистой Земли японского буддизма в 10 веке были разработаны новые типы изображений для удовлетворения религиозных потребностей этих сект. К ним относятся райгодзу (来迎図) , на которых изображен Будда Амида вместе с сопровождающими его бодхисаттвами Каннон и Сейши, прибывающие, чтобы приветствовать души верующих, ушедших в Западный рай Амиды. Известный ранний образец, датируемый 1053 годом, нарисован внутри Зала Феникса Бёдо -ин , храма в Удзи, Киото . Это также считается ранним примером так называемого ямато-э (大和絵, «живопись в японском стиле») , поскольку оно включает элементы ландшафта, такие как мягкие холмы, которые, кажется, отражают что-то от фактического внешнего вида ландшафта. западная Япония.
Период середины Хэйан считается золотым веком Ямато-э, которые изначально использовались в основном для раздвижных дверей ( фусума ) и складных ширм ( бёбу ). Однако на первый план также вышли новые форматы живописи, особенно к концу периода Хэйан, в том числе эмакимоно или длинные иллюстрированные ручные свитки. Разновидности эмакимоно включают иллюстрированные романы, такие как «Гэндзи Моногатари» , исторические произведения, такие как « Бан Дайнагон Экотоба» , и религиозные произведения. В некоторых случаях художники эмаки использовали условности изобразительного повествования, которые использовались в буддийском искусстве с древних времен, тогда как в других случаях они изобретали новые способы повествования, которые, как полагают, визуально передают эмоциональное содержание основного повествования. «Гэндзи Моногатари» разбит на отдельные эпизоды, тогда как в более живом «Бан Дайнагон Экотоба» используется непрерывный режим повествования, чтобы подчеркнуть поступательное движение повествования. Эти два эмаки также различаются стилистически: быстрые мазки кисти и светлые тона Бан Дайнагона резко контрастируют с абстрактными формами и яркими минеральными пигментами свитков Гэндзи . Осада дворца Сандзё — еще один известный пример живописи этого типа.
Э-маки также служат одними из самых ранних и величайших примеров онна -э («женских изображений») и отоко-э («мужских изображений») и стилей живописи. В этих двух стилях есть много тонких различий. Хотя эти термины, кажется, отражают эстетические предпочтения каждого пола, историки японского искусства уже давно обсуждают истинное значение этих терминов, и они остаются неясными. Пожалуй, наиболее заметны различия в предметах. Онна-э , воплощенный в свитке «Повесть о Гэндзи» , обычно посвящен придворной жизни и куртуазным романам, в то время как отоко-э часто связано с историческими или полулегендарными событиями, особенно сражениями.
Эти жанры продолжались в Японии периода Камакура . Ярким примером этого стиля искусства стала картина под названием « Ночная атака на дворец Сандзё» , произведение, полное ярких цветов, деталей и великолепной визуализации из романа под названием « Хэйдзи Моногатари» . Продолжали производиться различные виды э-маки ; однако период Камакура гораздо сильнее характеризовался искусством скульптуры , а не живописи. «Период Камакура длился с конца двенадцатого по четырнадцатый век. Это было время произведений искусства, таких как картины, но в основном скульптур, которые привносили более реалистичное изображение жизни и ее аспектов того времени. В каждом из них Многие скульптуры включали в себя носы, глаза, отдельные пальцы и другие детали, которые были новыми для скульптуры в искусстве».
Поскольку большинство картин периодов Хэйан и Камакура носят религиозный характер, подавляющее большинство из них принадлежат анонимным художникам. Одним из художников, известных своим совершенством в этом новом художественном стиле периода Камакура, был Ункей, и в конце концов он освоил этот вид искусства скульптуры и открыл свою собственную школу под названием Школа Кей. В течение этой эпохи «произошло возрождение еще более ранних классических стилей, импорт новых стилей с континента и, во второй половине периода, развитие уникальных восточно-японских стилей, сосредоточенных вокруг эпохи Камакура».
В XIV веке развитие великих дзэнских монастырей в Камакуре и Киото оказало большое влияние на изобразительное искусство. Суйбокуга , строгий монохромный стиль живописи тушью, пришедший из китайской династии Мин в стилях Сун и Юань, особенно Муци (牧谿), в значительной степени заменил полихромные свитки раннего искусства дзэн в Японии, привязанные к буддийским иконографическим нормам на протяжении веков. ранее, например, Такума Эйга (宅磨栄賀). Несмотря на новую китайскую культурную волну, порожденную культурой Хигасияма , сохранилась некоторая полихромная портретная живопись – главным образом в виде картин чинсо дзэнских монахов. [5]
Картина священника-художника Дзёсэцу «Поймать сома тыквой» (расположенная в Тайдзо-ин , Мёсин-дзи , Киото) знаменует собой поворотный момент в живописи Муромати. На переднем плане изображен мужчина на берегу ручья, держащий в руках небольшую тыкву и смотрящий на большого скользкого сома. Туман заполняет средний план, а на заднем плане горы кажутся далекими. Принято считать, что «новый стиль» картины, выполненной около 1413 года, относится к более китайскому ощущению глубокого пространства внутри картинной плоскости.
К концу XIV века монохромные пейзажные картины (山水画сансуйга ) нашли покровительство правящей семьи Асикага и стали предпочтительным жанром среди художников дзэн, постепенно развиваясь от китайских корней к более японскому стилю. Дальнейшим развитием пейзажной живописи стала стихотворная картинка-свиток, известная как сигадзику .
Выдающимися художниками периода Муромати являются священники-художники Сюбун и Сэссю . Сюбун, монах киотского храма Сёкокудзи , создал в картине «Чтение в бамбуковой роще» (1446) реалистичный пейзаж с глубоким уходом в пространство. Сэссю, в отличие от большинства художников того периода, смог поехать в Китай и изучить китайскую живопись у ее истоков. Пейзаж четырех времен года ( Сансуи Чокан ; ок. 1486) — одна из самых совершенных работ Сэссю, изображающая непрерывный пейзаж на протяжении четырех времен года.
В поздний период Муромати живопись тушью мигрировала из монастырей дзэн в мир искусства в целом, поскольку художники школ Кано и Ами (джа: 阿弥派) переняли стиль и темы, но привнесли более пластичный и декоративный эффект, который сохранится и в наше время.
Важные художники Японии периода Муромати:
_-_left_screen.jpg/1280px-Kan%C5%8D_Eitoku_-_Rakuch%C5%AB_rakugai_zu_(Uesugi)_-_left_screen.jpg)
_-_right_hand_screen.jpg/1280px-Hasegawa_Tohaku_-_Pine_Trees_(Sh%C5%8Drin-zu_by%C5%8Dbu)_-_right_hand_screen.jpg)
В отличие от предыдущего периода Муромати, период Адзути-Момояма характеризовался грандиозным полихромным стилем с широким использованием золотой и серебряной фольги, которая [6] применялась к картинам, одежде, архитектуре и т. д.; и работами в очень больших масштабах. [6] В отличие от роскошного стиля, который был известен многим, военная элита поддерживала деревенскую простоту, особенно в форме [7] чайной церемонии, где в аналогичной обстановке использовалась обветренная и несовершенная посуда. В этот период началось объединение «воюющих» лидеров под центральной властью. Часто полагают, что первоначальной датировкой этого периода является 1568 год, когда Нобунага вошел в Киото, или 1573 год, когда последний сёгун Асикага был изгнан из Киото. Школа Кано, которой покровительствовали Ода Нобунага, Тоётоми Хидэёси, Токугава Иэясу и их последователи, значительно выросла в размерах и престиже. Кано Эйтоку разработал формулу создания монументальных пейзажей на раздвижных дверях, ограждающих комнату. Эти огромные ширмы и настенные росписи предназначались для украшения замков и дворцов военной знати. В частности, между 1576 и 1579 годами Нобунага построил огромный замок, который оказался одной из самых больших художественных задач для Кано Эйтоку. Его преемник Тоётоми Хидэёси также построил в этот период несколько замков. Эти замки были одними из самых важных художественных произведений того периода, когда дело доходило до экспериментов. Эти замки олицетворяют силу и уверенность лидеров и воинов новой эпохи. [8] Этот статус сохранялся и в последующий период Эдо, поскольку бакуфу Токугава продолжали продвигать произведения школы Кано как официально санкционированное искусство для сёгунов, даймё и императорского двора.
Однако художники и течения, не принадлежащие к школе Кано, существовали и развивались и в период Адзути-Момояма, адаптируя китайские темы к японским материалам и эстетике. Одной из важных групп была школа Тоса , которая развилась в основном из традиции ямато-э и была известна в основном благодаря небольшим произведениям и иллюстрациям классических литературных произведений в книжном формате или формате эмаки.
Среди важных художников периода Адзути-Момояма:
.jpg/1280px-It%C5%8D_Jakuch%C5%AB_-_Black_rooster_and_nandin_(Colorful_Realm_of_Living_Beings).jpg)
Экономическое развитие, сопровождавшее приход мирного общества в период Эдо, привело к развитию широкого разнообразия форм искусства, и многие картины были созданы в стиле, отличном от стиля школ Кано и Тоса , которые были ортодоксальными. школа живописи. В 1970 году Нобуо Цудзи (джа) опубликовал книгу под названием «Кисо-но Кэйфу» (奇想の系譜, «Линия эксцентриков») , в которой основное внимание уделялось художникам «Линии эксцентриков», порвавшим с традицией, таким как Иваса Матабей , Кано Сансэцу , Ито. Джакучу , Сога Сёхаку , Нагасава Росэцу и Утагава Куниёси . Эта работа произвела революцию в взгляде на историю японского искусства, а живопись периода Эдо стала одним из самых популярных направлений японского искусства в Японии. В последние годы ученые и художественные выставки часто добавляли Хакуина Экаку и Сузуки Киицу к шести художникам, перечисленным Цудзи, называя их художниками «Линии эксцентриков». [9] [10] [11]
Одной из очень значительных школ, возникших в ранний период Эдо, была школа Ринпа , которая использовала классические темы, но представляла их в смелом и богато декоративном формате. Сотацу, в частности, развил декоративный стиль, воссоздавая темы классической литературы, используя яркие цветные фигуры и мотивы из мира природы на фоне сусального золота. Столетие спустя Корин переработал стиль Сотацу и создал уникальные визуально великолепные работы.
Другим важным жанром, зародившимся в период Адзути-Момояма, но достигшим своего полного развития в ранний период Эдо, было искусство Нанбан , как в изображении экзотических иностранцев, так и в использовании экзотического стиля иностранцев в живописи. Этот жанр был сосредоточен вокруг порта Нагасаки , который после начала национальной политики изоляции сёгуната Токугава был единственным японским портом, открытым для внешней торговли, и, таким образом, был каналом, по которому китайские и европейские художественные влияния пришли в Японию. Картины в этом жанре включают картины школы Нагасаки , а также школы Маруяма-Сидзе , сочетающие западные влияния с традиционными японскими элементами.
Третьей важной тенденцией периода Эдо был рост жанра Бундзинга (литературная живопись), также известного как школа Нанга (Южная школа живописи). Этот жанр зародился как подражание произведениям китайских учёных-художников-любителей династии Юань , чьи произведения и техники пришли в Японию в середине 18 века. Мастер Куваяма Гёкусю был величайшим сторонником создания стиля бунджин . Он предположил, что полихроматические пейзажи следует рассматривать на том же уровне, что и монохроматические картины китайских литераторов. [12] Позже художники бундзинга значительно модифицировали как технику, так и тематику этого жанра, чтобы создать смесь японского и китайского стилей. Образцами этого стиля являются Икэ-но Тайга , Урагами Гёкудо , Ёса Бусон , Таномура Тикудэн , Тани Бунчо и Ямамото Байитсу .
Из-за политики жесткой финансовой и социальной экономии сёгуната Токугава роскошные образы этих жанров и стилей были в основном ограничены высшими слоями общества и были недоступны, если не запрещены, для низших классов. В простонародье возник отдельный вид искусства — фудзокуга (風俗画, Жанровое искусство ), в котором были популярны картины, изображающие сцены из повседневной, повседневной жизни, особенно жизни простых людей, театра кабуки , проституток и пейзажей. Эти картины в 16 веке дали начало картинам и гравюрам на дереве укиё-э .
Важные художники периода Эдо включают:
Предвоенный период был отмечен разделением искусства на конкурирующие европейские стили и традиционные стили коренных народов.
В период Мэйдзи Япония претерпела огромные политические и социальные изменения в ходе кампании европеизации и модернизации, организованной правительством Мэйдзи . Живопись в западном стиле ( йога ) официально продвигалась правительством, которое отправляло многообещающих молодых художников за границу для обучения и нанимало иностранных художников для приезда в Японию для создания учебной программы по искусству в японских школах. Курода Сэйки считается лидером движения йоги и отцом живописи в западном стиле в Японии. [13]
Однако после первоначального всплеска энтузиазма по поводу искусства в западном стиле маятник качнулся в противоположном направлении, и под руководством искусствоведа Окакура Какудзо и педагога Эрнеста Феноллоса произошло возрождение признания традиционных японских стилей ( Нихонга ). В 1880-х годах искусство западного стиля было запрещено на официальных выставках и подверглось резкой критике со стороны критиков. Хашимото Гахо , художник школы Кано , был основателем практической стороны этого движения возрождения. Он не просто писал картины в японском стиле, используя традиционные техники, но произвел революцию в традиционной японской живописи, включив реалистическое выражение йоги и задав направление для более позднего движения Нихонга . Будучи первым профессором Токийской школы изящных искусств (ныне Токийский университет искусств ), он обучил многих художников, которые позже будут считаться мастерами Нихонга , в том числе Ёкояма Тайкан , Симомура Кандзан , Хисида Сюнсо и Каваи Гёкудо . [14] [15]
Художники стиля Йога сформировали Мэйдзи Бидзюцукай (Общество изящных искусств Мэйдзи), чтобы проводить собственные выставки и способствовать возобновлению интереса к западному искусству.
В 1907 году, с созданием Бунтена под эгидой Министерства образования , обе конкурирующие группы нашли взаимное признание и сосуществование и даже начали процесс взаимного синтеза.
В период Тайсё йога преобладала над нихонгой . После длительного пребывания в Европе многие художники (в том числе Аришима Икума) вернулись в Японию под властью Ёсихито, привезя с собой техники импрессионизма и раннего постимпрессионизма . Работы Камиля Писсарро , Поля Сезанна и Пьера Огюста Ренуара оказали влияние на картины раннего периода Тайсё. Однако художники йоги в период Тайсё также были склонны к эклектизму , и существовало множество диссидентских художественных движений. В их число входило Общество Фусаин ( Фьюзанкай ), которое делало упор на стили постимпрессионизма, особенно фовизма . В 1914 году возникло Никаи (Общество второго дивизиона), выступающее против спонсируемой правительством выставки Бунтена.
Японская живопись периода Тайсё лишь слегка находилась под влиянием других современных европейских движений, таких как неоклассицизм и поздний постимпрессионизм.
Однако к середине 1920-х годов возродилась Нихонга , которая переняла определенные тенденции постимпрессионизма. Второе поколение художников Нихонга сформировало Японскую Академию изящных искусств ( Нихон Бидзюцуин ), чтобы конкурировать с спонсируемым правительством Бунтеном , и хотя традиции ямато-э оставались сильными, все большее использование западной перспективы и западных концепций пространства и света начали стереть различие между нихонгой и йогой .
В японской живописи довоенного периода Сёва в значительной степени доминировали Сотаро Ясуи и Рюзабуро Умехара , которые представили концепции чистого искусства и абстрактной живописи в традиции Нихонга и, таким образом, создали более интерпретативную версию этого жанра. Эта тенденция была далее развита Леонардом Фужитой и Обществом Ника, чтобы охватить сюрреализм . Для продвижения этих тенденций в 1931 году была образована Независимая художественная ассоциация ( Dokuritsu Bijutsu Kyokai ).
Во время Второй мировой войны правительственный контроль и цензура означали, что можно было выражать только патриотические темы. Многие художники были привлечены к правительственной пропаганде , и критическая, неэмоциональная оценка их работ только начинается.
Важными художниками довоенного периода являются:
В послевоенный период в 1947 году была создана спонсируемая правительством Японская академия искусств ( Нихон Гейдзюцуин ), в которую входили подразделения как нихонга , так и йоги . Государственное спонсорство художественных выставок прекратилось, но его заменили частные выставки, такие как Ниттен , в еще большем масштабе. Хотя изначально Ниттен был выставкой Японской академии искусств, с 1958 года ею управляет отдельная частная корпорация. Участие в Ниттене стало чуть ли не обязательным условием для выдвижения в Японскую академию искусств, что само по себе является почти неофициальным условием для выдвижения в Орден Культуры .
.jpg/1280px-Myth_of_Tomorrow_(3041116540).jpg)
Искусство эпохи Эдо и довоенного периода (1603–1945) поддерживалось купцами и горожанами. В отличие от периода Эдо и довоенного периода, искусство послевоенного периода стало популярным. После Второй мировой войны художники, каллиграфы и гравюры процветали в больших городах, особенно в Токио , и были озабочены механизмами городской жизни, отраженными в мерцающем свете, неоновых цветах и безумном темпе их абстракций. Все «измы» мира искусства Нью-Йорка и Парижа были горячо приняты. После абстракций 1960-х годов, 1970-е годы стали свидетелями возвращения к реализму, сильно приправленного движениями «оп» и «поп-арт», воплощенными в 1980-х годах во взрывных работах Ушио Синохары . Многие такие выдающиеся художники-авангардисты работали как в Японии, так и за рубежом, завоевывая международные премии. Эти художники чувствовали, что в их работах нет «ничего японского», и они действительно принадлежали к международной школе. К концу 1970-х годов поиск японских качеств и национального стиля заставил многих художников переоценить свою художественную идеологию и отвернуться от того, что некоторые считали пустыми формулами Запада. Таро Окамото был вдохновлен керамикой периода Дзёмон и создал множество крупных авангардных картин и скульптур для общественных мест в Японии. Как художник и теоретик искусства, он значительно укрепил репутацию периода Дзёмон в истории японского искусства. [16] Современные картины в рамках современной идиомы начали сознательно использовать традиционные японские художественные формы, устройства и идеологии. Ряд художников моно-ха обратились к живописи, чтобы вернуть традиционные нюансы пространственного расположения, цветовую гармонию и лиризм.
Живопись в японском стиле, или нихонга, продолжает довоенную моду, обновляя традиционные выражения, сохраняя при этом свой внутренний характер. Некоторые художники этого стиля по-прежнему рисуют на шелке или бумаге традиционными цветами и тушью, в то время как другие используют новые материалы, такие как акрил .
Многие из старых школ искусства, особенно школы Эдо и довоенного периода, все еще практиковались. Например, декоративный натурализм школы римпа , характеризующийся яркими, чистыми цветами и кровавыми разливами, нашел отражение в творчестве многих художников послевоенного периода в искусстве Хикосаки Наоёси 1980-х годов. Реализм школы Маруямы Окё , а также каллиграфический и спонтанный японский стиль господ-ученых широко практиковались в 1980-х годах. Иногда все эти школы, а также более старые, такие как традиции чернил школы Кано , использовались современными художниками в японском стиле и в современной идиоме. Многие художники японского стиля были удостоены наград и премий в результате возобновления массового спроса на искусство японского стиля, начиная с 1970-х годов. Современные художники со всего мира все больше и больше опирались на японские школы, отвернувшись от западных стилей в 1980-х годах. Тенденция заключалась в синтезе Востока и Запада. Некоторые художники уже преодолели разрыв между ними, как это сделал выдающийся художник Шинода Токо . Ее смелые абстракции тушью суми были вдохновлены традиционной каллиграфией, но реализованы как лирическое выражение современной абстракции.
В Японии также есть ряд современных художников, чьи работы во многом вдохновлены субкультурами аниме и другими аспектами популярной и молодежной культуры. Такаси Мураками, пожалуй, один из самых известных и популярных из них, наряду с другими художниками его студийного коллектива Kaikai Kiki . Его работа сосредоточена на выражении проблем и проблем послевоенного японского общества в обычно, казалось бы, безобидных формах. Он в значительной степени опирается на аниме и связанные с ним стили, но создает картины и скульптуры в средствах массовой информации, более традиционно связанных с изобразительным искусством, намеренно стирая границы между коммерческим и популярным искусством и изобразительным искусством.
Важные художники послевоенного периода включают:
.jpg/1280px-Ry%C5%ABko-zu_By%C5%8Dbu_by_Hashimoto_Gah%C5%8D(Part_of_the_dragon).jpg)
_L.jpg/1280px-Parting_Spring_by_Kawai_Gyokudo_(National_Museum_of_Modern_Art,_Tokyo)_L.jpg)
