stringtranslate.com

Рококо

Рококо , реже рококо ( / r ə ˈ k oʊ k oʊ / rə- KOH -koh , в США также / ˌ r oʊ k ə ˈ k oʊ / ROH -kə- KOH , французский: [ʁɔkɔko] или [ʁokoko] ⓘ ), также известный какпозднее барокко, представляет собой исключительно декоративный и драматичный стиль архитектуры, искусства и декора, который сочетает в себе асимметрию, завитки, позолоту, белые и пастельные тона, скульптурную лепнину и фрески- обманки , чтобы создать сюрприз и иллюзия движения и драмы. Его часто называют окончательным выражением движениябарокко. [1]

Стиль рококо зародился во Франции в 1730-х годах как реакция на более формальный и геометрический стиль Людовика XIV . Он был известен как «стиль рокайль », или «стиль рокайль». [2] Вскоре он распространился на другие части Европы, особенно на север Италии, Австрию, юг Германии, Центральную Европу и Россию. [3] Это также оказало влияние на другие виды искусства, особенно на скульптуру, мебель, изделия из серебра, стекла, живопись, музыку и театр. [4] Хотя изначально рококо был светским стилем, который в основном использовался для интерьеров частных резиденций, он имел духовный аспект, который привел к его широкому использованию в церковных интерьерах, особенно в Центральной Европе, Португалии и Южной Америке. [5]

Этимология

Интегрированная резьба, лепнина и фреска в стиле рококо в аббатстве Цвифальтен (1739–1745).

Слово рококо впервые было использовано Пьером -Морисом Куэйсом как юмористическая вариация слова рокайль . [6] [7] Рокайль изначально был методом украшения с использованием гальки, ракушек и цемента, который часто использовался для украшения гротов и фонтанов со времен Возрождения. [8] [9] В конце 17-го и начале 18-го века рокайль стал термином для обозначения своего рода декоративного мотива или орнамента, который появился в позднем стиле Людовика XIV в форме морской ракушки, переплетенной с листьями аканта . В 1736 году дизайнер и ювелир Жан Мондон опубликовал Premier Livre de forme rocquaille et cartel — сборник рисунков орнаментов мебели и внутреннего убранства. Это было первое появление в печати термина рокайль для обозначения этого стиля. [10] Мотив резных или формованных ракушек сочетался с пальмовыми листьями или вьющимися лозами для украшения дверных проемов, мебели, стеновых панелей и других архитектурных элементов. [11]

Термин рококо впервые был использован в печати в 1825 году для описания «вышедшего из моды и старомодного» декора. Он использовался в 1828 году для украшения, «принадлежавшего к стилю XVIII века, перегруженному витыми орнаментами». В 1829 году писатель Стендаль описал рококо как «стиль рокайль XVIII века». [12]

Столица аббатства Энгельзель из Австрии (1754–1764).

В 19 веке этот термин использовался для описания чрезмерно декоративной архитектуры или музыки. [13] [14] С середины 19 века этот термин был принят историками искусства . Хотя до сих пор ведутся споры об историческом значении этого стиля, рококо теперь часто рассматривается как отдельный период в развитии европейского искусства .

Характеристики

Рококо отличается обильным декором с обилием изгибов, контр-изгибов, волнистости и элементов, созданных по образцу природы. Внешний вид зданий в стиле рококо часто прост, а в интерьерах полностью преобладает их орнамент. Стиль был очень театральным, призванным произвести впечатление и трепет с первого взгляда. Планы этажей церквей часто были сложными и представляли собой переплетающиеся овалы; Во дворцах парадные лестницы стали центральным элементом и предлагали разные точки зрения на украшение. [1] Основными орнаментами рококо являются: асимметричные ракушки, акант и другие листья, птицы, букеты цветов, фрукты, музыкальные инструменты, ангелы и китайцы ( пагоды , драконы, обезьяны, причудливые цветы и китайцы). [15]

Этот стиль часто включал в себя живопись, лепную лепнину и резьбу по дереву, а также квадратуру или потолочные росписи в стиле иллюзионизма, которые создавали впечатление, что входящие в комнату смотрят на небо, где на них смотрят херувимы и другие фигуры. . Используемые материалы включали штукатурку, окрашенную или оставленную белой; сочетания древесины разных цветов (обычно дуб, бук или орех); лакированное дерево в японском стиле, орнамент из позолоченной бронзы, мраморные столешницы комодов или столов. [16] Целью было создать впечатление удивления, трепета и удивления при первом взгляде. [17]

Различия между барокко и рококо

Рококо имеет следующие характеристики, которых нет у барокко :

Франция

Стиль рокайль , или французское рококо, появился в Париже во время правления Людовика XV и процветал примерно между 1723 и 1759 годами . [20] Этот стиль использовался, в частности, в салонах, новом стиле помещения , предназначенном для того, чтобы произвести впечатление и развлечь гостей. Самым ярким примером был салон принцессы в Отеле де Субиз в Париже, спроектированный Жерменом Боффраном и Шарлем-Жозефом Натуаром (1735–1740). К характеристикам французского рококо относились исключительная художественность, особенно в сложных рамах для зеркал и картин, вылепленных из гипса и часто позолоченных; и использование растительных форм (лиан, листьев, цветов), переплетающихся в сложные конструкции. [21] Мебель также отличалась извилистыми изгибами и растительным орнаментом. Среди ведущих дизайнеров мебели и мастеров этого стиля были Жюст-Орель Мейсонье , Шарль Крессан и Николя Пино . [22] [23]

Стиль рокайль просуществовал во Франции до середины 18 века, и хотя он стал более изогнутым и растительным, он так и не достиг экстравагантного изобилия рококо в Баварии, Австрии и Италии. Открытия римских древностей, начавшиеся в 1738 году в Геркулануме и особенно в Помпеях в 1748 году, повернули французскую архитектуру в направлении более симметричного и менее яркого неоклассицизма .

Италия

Художники в Италии, особенно в Венеции , также создали яркий стиль рококо. Венецианские комоды имитировали изогнутые линии и резной орнамент французского рокайля, но с особой венецианской вариацией; произведения были написаны, часто с пейзажами, цветами или сценами Гварди или других художников, или шинуазри , на синем или зеленом фоне, что соответствовало цветам венецианской школы художников, чьи работы украшали салоны. Среди известных художников-декораторов были Джованни Баттиста Тьеполо , который расписывал потолки и фрески церквей и палаццо, и Джованни Баттиста Крозато , который расписывал потолок бального зала Ка Реццонико в манере квадратуро , создавая иллюзию трехмерности. Тьеполо путешествовал по Германии со своим сыном в 1752–1754 годах, украшая потолки Вюрцбургской резиденции , одной из главных достопримечательностей баварского рококо. Ранее знаменитым венецианским художником был Джованни Баттиста Пьяццетта , написавший несколько известных церковных потолков. [24]

Венецианское рококо также отличалось исключительной стеклянной посудой, особенно муранским стеклом , часто гравированным и окрашенным, которое экспортировалось по всей Европе. Работы включали разноцветные люстры и зеркала с чрезвычайно богато украшенными рамами. [24]

Южная Германия

В церковном строительстве, особенно в южном немецко-австрийском регионе, иногда исключительно из практических соображений создаются гигантские пространственные творения, которые, однако, не кажутся монументальными, а характеризуются своеобразным сплавом архитектуры, живописи, лепнины и т. д. часто стирающие границы между художественными жанрами, характеризуются светлой невесомостью, праздничной веселостью и движением. Декоративный стиль рококо достиг своего апогея на юге Германии и Австрии с 1730-х по 1770-е годы. Там оно и по сей день доминирует в церковном ландшафте и глубоко укоренилось в массовой культуре. Впервые он был представлен из Франции через публикации и работы французских архитекторов и декораторов, в том числе скульптора Клода III Одрана , дизайнера интерьеров Жиля-Мари Оппенорда , архитектора Жермена Боффрана , скульптора Жана Мондона, а также рисовальщика и гравера Пьера Лепотра . Их работы оказали важное влияние на немецкий стиль рококо, но не достигают уровня построек южной Германии. [25]

Немецкие архитекторы адаптировали стиль рококо, но сделали его гораздо более асимметричным и богатым декором, чем французский оригинал. Немецкий стиль характеризовался взрывом форм, ниспадающих каскадом по стенам. Он отличался лепниной в форме кривых и встречных изгибов, извилистыми узорами, потолками и стенами без прямых углов, а также лепной листвой, которая, казалось, ползла вверх по стенам и потолку. Декор часто позолочен или посеребрен, чтобы контрастировать с белыми или бледно-пастельными стенами. [26]

Архитектор и дизайнер бельгийского происхождения Франсуа де Кювилье был одним из первых, кто создал здание в стиле рококо в Германии с павильоном Амалиенбурга в Мюнхене (1734–1739), вдохновленным павильонами Трианон и Марли во Франции. Он был построен как охотничий домик, с площадкой на крыше для отстрела фазанов. Зеркальный зал внутри, выполненный художником и скульптором Иоганном Баптистом Циммерманом , был гораздо более ярким, чем любое французское рококо. [27]

Еще одним ярким примером раннего немецкого рококо является Вюрцбургская резиденция (1737–1744), построенная для принца-епископа Вюрцбурга Бальтазаром Нойманом . Нойманн побывал в Париже и консультировался с французскими художниками-декораторами рокайля Жерменом Боффраном и Робером де Коттом . Хотя внешний вид был выполнен в более сдержанном стиле барокко, интерьер, особенно лестницы и потолки, был намного светлее и декоративнее. Принц-епископ в 1750–1753 годах пригласил итальянского художника в стиле рококо Джованни Баттиста Тьеполо для создания фрески над трехуровневой парадной лестницей. [28] [29] [30] Нойман описал интерьер резиденции как «театр света». Лестница также была центральным элементом резиденции Ноймана, построенной во дворце Аугустусбург в Брюле (1743–1748). В этом здании лестница вела посетителей вверх через лепную фантазию картин, скульптур, изделий из металла и декора, открывая удивительные виды на каждом шагу. [28]

В 1740-х и 1750-х годах в Баварии было построено несколько известных паломнических церквей , интерьеры которых были оформлены в характерном варианте стиля рококо. Одним из наиболее ярких примеров является Вискирхе (1745–1754), спроектированная Доминикусом Циммерманном . Как и большинство баварских паломнических церквей, внешний вид очень простой, со стенами пастельных тонов и небольшим орнаментом. Войдя в церковь, посетитель сталкивается с удивительным театром движения и света. Он представляет собой святилище овальной формы и деамбулаторий такой же формы, наполняющий церковь светом со всех сторон. Белые стены контрастировали с колоннами синей и розовой лепнины в хоре, а куполообразный потолок окружен гипсовыми ангелами под куполом, изображающим небеса, заполненные красочными библейскими фигурами. Среди других известных паломнических церквей - Базилика Четырнадцати Святых Помощников работы Бальтазара Ноймана (1743–1772). [31] [32]

Иоганн Михаэль Фишер был архитектором аббатства Оттобойрен (1748–1766), еще одной достопримечательности баварского рококо. Церковь, как и большая часть архитектуры рококо в Германии, отличается замечательным контрастом между правильностью фасада и обилием декора в интерьере. [28]

Британия

В Великобритании рококо называли «французским вкусом» и оказали меньшее влияние на дизайн и декоративное искусство, чем в континентальной Европе, хотя его влияние ощущалось в таких областях, как изделия из серебра, фарфора и шелка. Уильям Хогарт помог разработать теоретическую основу красоты рококо. Хотя он и не упоминал рококо по имени, в своем « Анализе красоты» (1753) он утверждал, что волнистые линии и S-образные изгибы, заметные в рококо, были основой изящества и красоты в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в классицизме ). . [33]

Рококо медленно приходил в Англию. Прежде чем войти в рококо, британская мебель какое-то время следовала неоклассической палладианской модели под руководством дизайнера Уильяма Кента , который создавал дизайн для лорда Берлингтона и других важных покровителей искусств. Кент путешествовал по Италии с лордом Берлингтоном между 1712 и 1720 годами и привез с собой множество моделей и идей Палладио. Он спроектировал мебель для дворца Хэмптон-Корт (1732 г.), Чизвик-хауса лорда Берлингтона (1729 г.) в Лондоне, Холкхэм- холла Томаса Кока в Норфолке, сваи Роберта Уолпола в Хоутоне , для Девонширского дома в Лондоне и в Рушаме. [22]

Красное дерево появилось в Англии примерно в 1720 году и сразу же стало популярным для изготовления мебели наряду с древесиной ореха . Рококо начал появляться в Англии между 1740 и 1750 годами. Мебель Томаса Чиппендейла была наиболее близка к стилю рококо. В 1754 году он опубликовал «Справочник джентльменов и краснодеревщиков», каталог образцов рококо, шинуазри и других стилей. даже готическая мебель, добившаяся широкой популярности, выдержала три издания. В отличие от французских дизайнеров, Чиппендейл не использовал в своей мебели маркетри или инкрустацию. Преобладающими дизайнерами инкрустированной мебели были Вайл и Коб, краснодеревщики короля Георга III. Другой важной фигурой в британской мебели был Томас Джонсон , который в 1761 году, очень поздно, опубликовал каталог дизайнов мебели в стиле рококо. К ним относится мебель, основанная на довольно фантастических китайских и индийских мотивах, в том числе кровать с балдахином, увенчанная китайской пагодой (сейчас находится в Музее Виктории и Альберта). [24]

Среди других известных фигур британского рококо был серебряный мастер Чарльз Фридрих Кандлер.

Россия

Русский стиль рококо был представлен в основном Елизаветой Петровной и Екатериной II, также известной как Екатерина Великая, в восемнадцатом веке придворными архитекторами, такими как Франческо Растрелли и Чарльз Кэмерон.

Работы Растрелли в таких дворцах, как Эрмитаж в Санкт-Петербурге и Екатерининский дворец в Царском Селе, включали в себя многие черты западноевропейской архитектуры рококо, в том числе величественные залы, украшенные сусальным золотом, зеркалами и большими окнами для естественного освещения интерьеров, а также мягкие пастельные тона. цвета обрамлены большими окнами с капюшонами и карнизами на внешней стороне с мотивами рокайля, такими как асимметричные ракушки и камни. [34] Плафоны часто изображали завитки в стиле рококо, окружающие аллегорические картины древнегреческих и римских богов и богинь. [35] Полы часто инкрустировали паркетными рисунками из разных пород дерева, чтобы создать сложные узоры в изделиях из дерева.

Чарльз Кэмерон, шотландский ученый, изучавший остатки древнеримских общественных бань, был приглашен в Россию в качестве придворного архитектора и спроектировал в Екатерининском дворце ряд помещений между центральным блоком дворца и дворцовой православной часовней, чтобы занять место бывшего висячего сада. [36] Висячие сады пришлось оградить из-за проблем с проникновением влаги на первый этаж дворца. [37] Работы Кэмерона характеризовались более светлыми пастельными тонами, чем темные и позолоченные интерьеры Растрелли в стиле позднего барокко, и он уделял повышенное внимание использованию аллегорических мотивов, таких как арабески на стенах и листья аканта, в проектах, вдохновленных Древним Римом. [38]

Русская православная церковная архитектура также находилась под сильным влиянием стиля рококо в восемнадцатом веке, часто с изображением квадратного греческого креста с четырьмя равноудаленными крыльями. Фасады были окрашены в светлые пастельные тона, такие как синий и розовый, а колокольни часто увенчивались позолоченными луковичными куполами. [39]

Фредерик Рококо

Фридрих Великий из Иоганна Х.К. Франке, около 1781 г.

Фредерицианское рококо — это форма рококо, которая развилась в Пруссии во время правления Фридриха Великого и объединила влияния Франции , Германии (особенно Саксонии) и Нидерландов . [40] Самым известным его приверженцем был архитектор Георг Венцеслав фон Кнобельсдорф . Более того, на рисунки Кнобельсдорфа повлияли художник Антуан Песне и даже сам король Фридрих. Известные здания в стиле Фредерика включают дворец Сан-Суси , [41] Потсдамский городской дворец и части дворца Шарлоттенбург .

Упадок и конец

Сравнение гравюры Жака де Лажу 18 века с кратером чашечки в стиле рококо ; и римский кратер-чашечка I века , который имеет точно такую ​​же форму, как каменная садовая ваза в неоклассическом стиле .

Искусство Буше и других художников того периода с его акцентом на декоративную мифологию и галантность вскоре вызвало реакцию и спрос на более «благородные» темы. В то время как рококо продолжалось в Германии и Австрии, Французская академия в Риме начала преподавать классический стиль. Это было подтверждено назначением Де Троя директором академии в 1738 году, а затем в 1751 году Шарлем-Жозефом Натуаром .

Мадам де Помпадур , фаворитка Людовика XV, способствовала упадку стиля рококо. В 1750 году она отправила своего брата Абеля-Франсуа Пуассона де Вандьера с двухлетней миссией для изучения художественных и археологических событий в Италии. Его сопровождали несколько художников, в том числе гравер Шарль-Николя Кошен и архитектор Суффло . Они вернулись в Париж со страстью к классическому искусству. Вандьер стал маркизом Мариньи и был назначен генеральным директором Королевских зданий. Он повернул официальную французскую архитектуру в сторону неоклассики. Кочин стал важным искусствоведом; он осудил мелкий стиль Буше и призвал к созданию большого стиля с новым акцентом на старину и благородство в академиях живописи и архитектуры. [42]

Начало конца рококо наступило в начале 1760-х годов, когда такие деятели, как Вольтер и Жак-Франсуа Блондель, начали высказывать критику поверхностности и вырождения искусства. Блондель осудил «нелепую мешанину ракушек, драконов, тростника, пальм и растений» в современных интерьерах. [43]

К 1785 году рококо вышло из моды во Франции, его заменил порядок и серьезность художников-неоклассиков, таких как Жак-Луи Давид . В Германии рококо конца 18-го века высмеивали как Zopf und Perücke («косичка и парик»), и эту фазу иногда называют Zopfstil . Рококо оставалось популярным в некоторых немецких провинциальных государствах и в Италии, пока вторая фаза неоклассицизма, « стиль ампир », не пришла с наполеоновскими правительствами и не смела рококо.

Мебель и отделка

Орнаментальный стиль, называемый рокайлем, возник во Франции между 1710 и 1750 годами, в основном во время регентства и правления Людовика XV ; стиль также назывался Луи Квинз . Его основными характеристиками были живописные детали, кривые и контр-кривые, асимметрия и театральное изобилие. На стенах новых парижских салонов извилистые узоры, обычно выполненные из позолоченной или расписной лепнины, обвивали дверные проемы и зеркала, словно виноградные лозы. Одним из самых ранних примеров был отель Soubise в Париже (1704–1705) с его знаменитым овальным салоном, украшенным картинами Буше и Шарля-Жозефа Натуара . [44]

Самым известным французским дизайнером мебели того периода был Жюст-Орель Мейсонье (1695–1750), который также был скульптором и художником. и ювелир для королевского двора. Он имел титул официального дизайнера Палаты и Кабинета Людовика XV. Его работы сегодня хорошо известны благодаря огромному количеству гравюр, сделанных по его работам, которые популяризировали этот стиль по всей Европе. Он оформлял работы для королевских семей Польши и Португалии.

Италия была еще одним местом, где процветал рококо, как на ранней, так и на более поздней стадии. Мастера Рима, Милана и Венеции производили богато украшенную мебель и декоративные предметы.

Скульптурный декор включал флёретты, пальметты, ракушки и листву, вырезанные из дерева. Самые экстравагантные формы рокайля были обнаружены в консолях, столах, предназначенных для установки у стен. Комоды, или сундуки, впервые появившиеся при Людовике XIV, были богато украшены рокайлевым орнаментом из позолоченной бронзы. Они были изготовлены мастерами, в том числе Жаном-Пьером Лацем, а также представляли собой маркетри из разноцветного дерева, иногда помещенного в кубические узоры на чертежной доске, выполненные из светлого и темного дерева. В этот период также пришло появление шинуазри , часто в форме лакированных и позолоченных комодов, названных « китайским соколом » Верниса Мартина , в честь эбениста, который представил эту технику во Франции. Ормолу , или позолоченная бронза, использовалась такими мастерами, как Жан-Пьер Латц . Латц сделал особенно богато украшенные часы, установленные на картонье для Фридриха Великого для его дворца в Потсдаме . Кусочки импортного китайского фарфора часто помещались в оправы в стиле рококо из ормолу (позолоченной бронзы) для демонстрации на столах или консолях в салонах. Другие мастера подражали японскому искусству лакированной мебели и изготавливали комоды с японскими мотивами. [17]

Британское рококо имело тенденцию быть более сдержанным. Дизайн мебели Томаса Чиппендейла сохранил изгибы и ощущение, но не дотянул до французской высоты причудливости. Самым успешным представителем британского рококо, вероятно, был Томас Джонсон , талантливый резчик и дизайнер мебели, работавший в Лондоне в середине 18 века.

Рисование

Элементы стиля рокайля появились в творчестве некоторых французских живописцев, в том числе склонность к живописности в деталях; кривые и контркривые; и диссимметрия, которая заменила движение барокко изобилием, хотя французский рокайль никогда не достиг экстравагантности германского рококо. [45] Ведущим сторонником был Антуан Ватто , особенно в «Паломничестве на острове Кифера» (1717), Лувр , в жанре под названием « Галантный праздник» , изображающем сцены молодых дворян, собравшихся вместе, чтобы праздновать в пасторальной обстановке. Ватто умер в 1721 году в возрасте тридцати семи лет, но его работы продолжали оказывать влияние до конца столетия. Картина « Паломничество на Киферу» была приобретена Фридрихом Великим Прусским в 1752 или 1765 году для украшения своего дворца Шарлоттенбург в Берлине. [45]

Преемником Ватто и Галантного праздника в декоративной живописи стал Франсуа Буше (1703–1770), любимый художник мадам де Помпадур . Среди его работ — чувственная «Туалет Венеры» (1746), ставшая одним из самых известных образцов этого стиля. Буше участвовал во всех жанрах того времени, создавая гобелены, модели для фарфоровой скульптуры, декорации для Парижской оперы и комической оперы , а также декор для ярмарки Сен-Лорана. [46] Среди других важных художников стиля Fête Galante были Николя Ланкре и Жан-Батист Патер . Стиль особенно повлиял на Франсуа Лемуана , который расписал роскошное убранство потолка Салона Геракла в Версальском дворце , завершенного в 1735 году. [45] Картины с галантными праздниками и мифологическими темами Буше, Пьера-Шарля Тремольера и Шарля Жозеф Натуар оформил знаменитый салон отеля Субиз в Париже (1735–1740). [46] Среди других художников в стиле рококо: Жан Франсуа де Труа (1679–1752), Жан-Батист ван Лоо (1685–1745), два его сына Луи-Мишель ван Лоо (1707–1771) и Шарль-Амеде-Филипп ван Лоо. (1719–1795), его младший брат Шарль-Андре ван Лоо (1705–1765), Николя Ланкре (1690–1743) и Жан Оноре Фрагонар (1732–1806).

В Австрии и Южной Германии наибольшее влияние на стиль рококо оказала итальянская живопись. Венецианский художник Джованни Баттиста Тьеполо , которому помогал его сын Джованни Доменико Тьеполо , был приглашен для написания фресок для Вюрцбургской резиденции (1720–1744). Самым выдающимся художником баварских церквей в стиле рококо был Иоганн Баптист Циммерман , расписавший потолок Вискирхе ( 1745–1754).

Скульптура

Скульптура рококо была театральной, чувственной и динамичной, создавая ощущение движения во всех направлениях. Чаще всего его можно было встретить в интерьерах церквей, обычно тесно связанных с живописью и архитектурой. Религиозная скульптура следовала стилю итальянского барокко, примером чего является театральный алтарь Карлскирхе в Вене.

Скульптура раннего рококо или рокайля во Франции была легче и предлагала больше движения, чем классический стиль Людовика XIV. Этому способствовала, в частности, мадам де Помпадур , фаворитка Людовика XV, которая заказала множество работ для своих замков и садов. Скульптор Эдме Бушардон изобразил Купидона , вырезающего свои стрелы любви из палицы Геракла . Фигуры в стиле рококо также заполнили более поздние фонтаны в Версале, такие как Фонтан Нептуна Ламберта-Сигисберта Адама и Николя-Себастьяна Адама (1740 г.). Благодаря успеху в Версале, Фридрих Великий пригласил их в Пруссию для создания фонтанной скульптуры для дворца Сан-Суси в Пруссии (1740-е годы). [47]

Этьен-Морис Фальконе (1716–1791) был еще одним ведущим французским скульптором того периода. Фальконе был наиболее известен своей статуей Петра Великого верхом на коне в Санкт-Петербурге, но он также создал серию небольших работ для богатых коллекционеров, которые могли быть воспроизведены серией в терракоте или отлиты в бронзе. Французские скульпторы Жан-Луи Лемуан , Жан-Батист Лемуан , Луи-Симон Буазо , Мишель Клодион , Ламбер-Сигисберт Адам и Жан-Батист Пигаль создавали серии скульптур для коллекционеров. [48]

В Италии Антонио Коррадини был одним из ведущих скульпторов стиля рококо. Венецианец, он путешествовал по Европе, работая у Петра Великого в Петербурге, при императорских дворах в Австрии и Неаполе. Он отдавал предпочтение сентиментальным темам и сделал несколько искусных работ женщин с лицами, закрытыми вуалью, одна из которых сейчас находится в Лувре . [49]

Наиболее сложные образцы скульптуры рококо были найдены в Испании, Австрии и южной Германии, в убранстве дворцов и церквей. Скульптура была тесно интегрирована с архитектурой; невозможно было понять, где заканчивается одно и начинается другое. Во дворце Бельведер в Вене (1721–1722 гг.) сводчатый потолок Зала Атлантов держится на плечах мускулистых фигур, созданных Иоганном Лукасом фон Хильдебрандтом . Портал дворца маркиза Дос Агуаса в Валенсии (1715–1776) был полностью залит скульптурами, вырезанными из мрамора по эскизам Иполито Ровиры Броканделя. [50]

Алтарь El Transparente в главной часовне собора Толедо представляет собой высокую скульптуру из полихромного мрамора и позолоченной лепнины в сочетании с картинами, статуями и символами. Его сделал Нарцисо Томе (1721–1732). Его конструкция позволяет свету проходить сквозь него, и при изменении освещения кажется, что он движется. [51]

Фарфор

Появилась новая форма мелкомасштабной скульптуры - фарфоровая фигура или небольшая группа фигур, первоначально заменившая сахарные скульптуры на больших обеденных столах, но вскоре ставшая популярной для размещения на каминных полках и мебели. Число европейских фабрик неуклонно росло на протяжении столетия, и некоторые из них производили фарфор, который мог себе позволить растущий средний класс. Увеличилось и количество использованного на них красочного надглазурного декора . Обычно их моделировали художники, обучавшиеся скульптуре. Обычными сюжетами были персонажи из комедии дель арте , городские уличные торговцы, любовники и фигуры в модной одежде, а также пары птиц.

Иоганн Иоахим Кендлер был самым важным модельером мейсенского фарфора , первой европейской фабрики, которая оставалась самой важной примерно до 1760 года. Немецкий скульптор швейцарского происхождения Франц Антон Бустелли создал большое разнообразие красочных фигурок для фарфоровой мануфактуры Нимфенбург в Баварии. которые продавались по всей Европе. Этому примеру последовал французский скульптор Этьен-Морис Фальконе (1716–1791). Создавая также масштабные произведения, он стал директором Севрской фарфоровой мануфактуры и производил небольшие произведения, обычно о любви и веселье, для серийного производства.

Музыка

В истории музыки существовал период рококо , хотя он не так известен, как раннее барокко и более поздние классические формы. Сам музыкальный стиль рококо развился из музыки барокко как во Франции, где новый стиль назывался style galant («галантный» или «элегантный» стиль), так и в Германии, где он назывался empfindsamer Stil («чувствительный» стиль). стиль"). Ее можно охарактеризовать как легкую, интимную музыку с чрезвычайно сложными и изысканными формами орнаментации . Примерами могут служить Жан-Филипп Рамо , Луи-Клод Дакен и Франсуа Куперен во Франции; в Германии основными сторонниками этого стиля были К. П. Э. Бах и Иоганн Христиан Бах , два сына И. С. Баха .

Во второй половине XVIII века произошла реакция на стиль рококо, в первую очередь против чрезмерного использования орнаментов и украшений. Эта реакция под руководством Кристофа Виллибальда Глюка положила начало классической эпохе . К началу 19 века католическое мнение отвернулось от пригодности этого стиля для церковного контекста, поскольку он «никоим образом не способствовал чувствам преданности». [52]

Русский композитор эпохи романтизма Петр Ильич Чайковский написал « Вариации на тему рококо» , соч. 33, для виолончели с оркестром в 1877 году. Хотя тема по происхождению не рококо, она написана в стиле рококо.

Мода

Платье с мешком на спине и нижняя юбка, 1775–1780 гг., Музей Виктории и Альберта №. Т.180&А-1965

Мода рококо основывалась на экстравагантности, элегантности, изысканности и украшении. Женской моде XVII века противопоставлялась мода XVIII века, богато украшенная и утонченная, настоящий стиль рококо. [53] Эта мода распространилась за пределы королевского двора в салоны и кафе восходящей буржуазии. [54] Яркий, игривый, элегантный стиль оформления и дизайна, который мы теперь знаем как «рококо», тогда был известен как стиль рокайль, стиль модерн, подагра. [55]

Стиль, появившийся в начале восемнадцатого века, - это летучее платье , [53] струящееся платье, которое стало популярным к концу правления короля Людовика XIV. Это платье имело черты лифа с крупными складками, струящимися по спине до земли поверх округлой нижней юбки. Цветовая палитра была богатой, темные ткани сопровождались сложными, тяжелыми деталями дизайна. После смерти Людовика XIV стили одежды стали меняться. Мода обратилась к более легкому, легкомысленному стилю, переходя от периода барокко к известному стилю рококо. [56] Более поздний период был известен своими пастельными тонами, более откровенными платьями и множеством оборок, оборок, бантов и кружев в качестве отделки. Вскоре после того, как было представлено типичное женское платье в стиле рококо, robe à la Française, [53] платье с узким лифом, глубоким вырезом, обычно с большими ленточными бантами по центру спереди, широкими корзинами и богато отделанным большое количество кружев, лент и цветов.

Складки Ватто [53] также стали более популярными, названными в честь художника Жана-Антуана Ватто, который с огромной точностью расписывал детали платьев вплоть до кружевных стежков и другой отделки. Позже, примерно в 1718 году, в моду вошли «корзины» и «мантуи ». Это были широкие обручи под платьем, расширявшие бедра в стороны, и вскоре они стали основным предметом официальной одежды. Это дало периоду рококо культовое платье с широкими бедрами в сочетании с большим количеством украшений на одежде. Широкие корзины носили для особых случаев и могли достигать 16 футов (4,9 метра) в диаметре, [57] а в повседневной обстановке носили обручи меньшего размера. Эти особенности изначально пришли из испанской моды семнадцатого века, известной как Guardainfante , первоначально предназначенной для скрытия беременного живота, а затем переосмысленной как корзина. [57] 1745 год стал Золотым веком рококо с появлением во Франции более экзотической восточной культуры, называемой a la turque . [53] Это стало популярным благодаря любовнице Людовика XV, мадам Помпадур, которая поручила художнику Шарлю Андре Ван Лоо изобразить ее в образе турецкой султанши.

В 1760-х годах появился стиль менее формальных платьев, одним из которых был полонез , вдохновленный Польшей. Оно было короче французского платья, что позволяло видеть нижнюю юбку и лодыжки, что облегчало передвижение. Еще одним платьем, вошедшим в моду, было платье a l'anglais , включавшее элементы, вдохновленные мужской модой; короткий жакет, широкие лацканы и длинные рукава. [56] У него также был плотный лиф, пышная юбка без корзин, но все же немного длинная сзади, образующая небольшой шлейф, и часто какой-то кружевной платок, который носили на шее. Еще одним предметом был «редингот», нечто среднее между накидкой и пальто.

Аксессуары также были важны для всех женщин того времени, поскольку они добавляли роскоши и украшения телу, соответствуя их платьям. На любой официальной церемонии дамы были обязаны прикрывать руки перчатками, если их одежда была без рукавов. [56]

Галерея

Архитектура

Гравюры

Рисование

Живопись эпохи рококо

Смотрите также

Примечания и цитаты

  1. ^ Аб Хопкинс 2014, с. 92.
  2. ^ Дючер 1988, с. 136.
  3. ^ "Письменный стол в стиле рококо". Музей Виктории и Альберта. Архивировано из оригинала 21 октября 2018 года . Проверено 20 октября 2018 г.
  4. ^ «Стиль рококо (дизайн)» . Британская онлайн-энциклопедия . Архивировано из оригинала 28 августа 2012 года . Проверено 24 апреля 2012 г.
  5. ^ Говен Александр Бейли , Духовное рококо: декор и божественность от парижских салонов до миссий Патагонии (Фарнхэм: Эшгейт, 2014).
  6. ^ Онлайн-словарь Мерриам-Вебстера
  7. ^ Моник Вагнер, От Галлии до Де Голля: Очерк французской цивилизации. Питер Лэнг, 2005, с. 139. ISBN 0-8204-2277-0. 
  8. ^ Онлайн-словарь Ларусса
  9. ^ Мэрилин Стокстад, изд. История искусства. 4-е изд. Нью-Джерси: Прентис Холл, 2005. Печать.
  10. ^ де Морант 1970, с. 355.
  11. ^ Рено 2006, с. 66.
  12. ^ «Этимология рококо» (на французском языке). Ортолонг: сайт Национального центра текстовых и лексических ресурсов . Проверено 12 января 2019 г. .
  13. ↑ Ancien Regime Rococo. Архивировано 11 апреля 2018 года в Wayback Machine . Bc.edu. Проверено 29 мая 2011 г.
  14. ^ «Рококо (1700–1760)». HuntFor.com. 2007. Архивировано из оригинала 7 октября 2009 года . Проверено 8 февраля 2023 г.{{cite web}}: CS1 maint: неподходящий URL ( ссылка )
  15. ^ Граур 1970, стр. 193–194.
  16. ^ Граур 1970, с. 194.
  17. ^ ab Ducher 1988, с. 144.
  18. ^ Граур 1970, стр. 160–163.
  19. ^ Граур 1970, с. 192.
  20. ^ Ловреглио, Аурелия и Анна, Dictionnaire des Mobiliers et des Objets d'art , Le Robert, Париж, 2006, с. 369
  21. ^ Хопкинс 2014, стр. 92–93.
  22. ^ Аб де Морант 1970, с. 382.
  23. ^ Кляйнер, Фред (2010). Искусство Гарднера на протяжении веков: западная перспектива. Cengage Обучение. стр. 583–584. ISBN 978-0-495-57355-5. Проверено 21 февраля 2011 г.
  24. ^ abc de Morant 1970, с. 383.
  25. ^ де Морант 1970, стр. 354–355.
  26. ^ Дючер 1988, стр. 150–153.
  27. ^ Дючер 1988, с. 150.
  28. ^ abc Prina & Demartini 2006, стр. 222–223.
  29. ^ "Вюрцбургская резиденция". Бавария . Архивировано из оригинала 30 октября 2018 года.
  30. ^ Филд, Б.М. (2001). Величайшая архитектура мира: прошлое и настоящее . Издательство Ридженси Хаус, ООО
  31. ^ Дючер 1988, с. 152.
  32. ^ Кабанн 1988, стр. 89–94.
  33. ^ «Влияние рококо в британском искусстве - манекены». манекены . Проверено 23 июня 2017 г.
  34. ^ «Биография Растрелли, Франческо Бартоломео в Интернет-галерее искусств». www.wga.hu. _
  35. ^ "Бартоломео Франческо Растрелли". Государственный музей-заповедник «Царское Село» .
  36. ^ «Кэмерон, Чарльз, биография» . www.wga.hu. _
  37. ^ «Белл, Инна. «Строительство нового Рима: Чарльз Кэмерон как архитектор нового вечного города Екатерины Великой» Университет Бригама Янга - Прово (2012)».
  38. ^ "Чарльз Кэмерон". Государственный музей-заповедник «Царское Село» .
  39. ^ "Архитектура Русской Православной Церкви". Обернский университет .
  40. ^ Локер, Тобиас (2017). «Фредерикиан Рококо на службе Германской империи: Всемирная выставка в Париже 1900 года и декоративное искусство». ACTA ARTIS: Estudis d'Art Modern (4–5): 89–97. doi : 10.1344/actaartis.4-5.2017.19634 . ISSN  2014-1912.
  41. ^ Майкл Шерф; Ганс Бах; Джоан Клаф (2012). Дворец Сан-Суси (2-е изд.). Берлин. ISBN 978-3-422-04036-6. ОСЛК  796240061.{{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка )
  42. ^ Кабанн 1988, с. 106.
  43. ^ "UB Heidelberg: Die aufgerufene Seite exitiert nicht auf dem Server" . Архивировано из оригинала 17 марта 2020 года . Проверено 8 апреля 2013 г.
  44. ^ Кабанн 1988, с. 102.
  45. ^ abc Cabanne 1988, с. 98.
  46. ^ ab Cabanne 1988, с. 104.
  47. ^ Дуби и Даваль 2013, стр. 789–791.
  48. ^ Дуби и Даваль 2013, с. 819.
  49. ^ Дуби и Даваль 2013, стр. 781–832.
  50. ^ Дуби и Даваль 2013, стр. 782–783.
  51. ^ Дуби и Даваль 2013, стр. 802–803.
  52. ^ «Католическая энциклопедия: стиль рококо». www.newadvent.org . Проверено 8 февраля 2023 г.
  53. ^ abcde Фукуи, А. и Суо, Т. (2012). Мода: история с 18 по 20 век .
  54. ^ «Барокко/Рококо 1650–1800». История костюма .
  55. ^ Гроб, С. (2008). Рококо: продолжающаяся кривая, 1730–2008 гг . Нью-Йорк.{{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка )
  56. ^ abc «Революция стиля Марии-Антуанетты». Национальная география . Ноябрь 2016. Архивировано из оригинала 1 апреля 2017 года . Проверено 22 апреля 2018 г.
  57. ^ аб Гласскок, Дж. «Силуэт и поддержка восемнадцатого века». Метрополитен-музей . Проверено 22 апреля 2018 г.
  58. ^ Хосе Кампече (1796). «Донья Мария де лос Долорес Гутьеррес дель Масо и Перес». Сайт Бруклинского музея . Нью-Йорк.

Библиография

дальнейшее чтение

Внешние ссылки

Викискладе есть медиафайлы, связанные с архитектурой рококо .
Викискладе есть медиафайлы, связанные с искусством рококо .
Найдите рококо в Викисловаре, бесплатном словаре.