Театральная культура процветала в Древней Греции с 700 г. до н.э. В его центре находился город-государство Афины , который стал важным культурным, политическим и религиозным местом в этот период, и театр был организован там как часть фестиваля под названием Дионисия , который чтил бога Диониса . Трагедия (конец 500 г. до н. э.), комедия (490 г. до н. э.) и сатирская пьеса были тремя драматическими жанрами , возникшими там. Афины экспортировали фестиваль в свои многочисленные колонии. Современный западный театр в значительной степени происходит от театра Древней Греции, от которого он заимствует техническую терминологию, классификацию по жанрам, а также многие его темы , характерные персонажи и элементы сюжета.
Слово τραγῳδία , трагоидия , от которого происходит слово « трагедия », представляет собой соединение двух греческих слов: τράγος , трагос или «коза» и ᾠδή , ода , означающая «песня», от ἀείδειν , aeidein , «петь». [1]
Эта этимология указывает на связь с практиками древних дионисийских культов . Однако невозможно с уверенностью знать, как эти ритуалы плодородия стали основой трагедии и комедии . [2]
.jpg/1280px-The_great_theater_of_Epidaurus,_designed_by_Polykleitos_the_Younger_in_the_4th_century_BC,_Sanctuary_of_Asklepeios_at_Epidaurus,_Greece_(14015010416).jpg)
Греки ценили силу устного слова, и это был их основной метод общения и рассказывания историй. Бан и Бан пишут: «Для греков устное слово было живым существом и бесконечно предпочтительнее мертвых символов письменного языка». Сам Сократ считал, что если что-то было записано, оно теряет способность к изменению и росту. По этим причинам, среди многих других, в Греции процветало устное повествование. [4]
Греческая трагедия , как она известна сейчас, была создана в Афинах примерно в 532 году до нашей эры, когда Феспид был самым ранним зарегистрированным актером. Будучи победителем первого театрального конкурса, состоявшегося в Афинах, он был экзархонтом , или руководителем [5] дифирамбов, исполнявшихся в Аттике и ее окрестностях, особенно в Сельской Дионисии . Ко времени Теспида дифирамб уже далеко отошел от своих культовых корней. Под влиянием героического эпоса, дорической хоровой лирики и новаций поэта Ариона он превратился в повествовательный, балладный жанр. Из-за этого Феспида часто называют «изобретателем трагедии»; однако его важность оспаривается, и Феспида иногда относят к 16-му месту в хронологическом порядке греческих трагиков; государственному деятелю Солону , например, приписывают создание стихов, в которых персонажи говорят своим собственным голосом, а устное исполнение рапсодами гомеровских эпосов было популярно на фестивалях до 534 г. до н.э. [6] Таким образом, истинный вклад Тесписа в драму в лучшем случае неясен, но его имя получило более продолжительную жизнь в английском языке как общий термин для исполнителя, то есть «театр».
Драматические представления были важны для афинян – об этом свидетельствует создание трагедийного конкурса и фестиваля в Городе Дионисии (или Великой Дионисии). Это было организовано, возможно, для укрепления лояльности среди племен Аттики (недавно созданной Клисфеном ). Фестиваль был создан примерно около 508 г. до н.э. Хотя никаких драматических текстов шестого века до нашей эры не существует, известны имена трех конкурентов, помимо Феспида: Хорила, Пратинаса и Фриниха . Каждому приписывают различные инновации в этой области.
О Фринихе известны некоторые сведения. Своё первое соревнование он выиграл между 511 и 508 годами до нашей эры. Он создал трагедии на темы и темы, позже использованные в Золотом Веке , такие как Данаиды , Финикийские Женщины и Алкестида . Он был первым известным нам поэтом, который использовал историческую тему: его «Падение Милета» , написанное в 493–492 годах, описало судьбу города Милета после его завоевания персами. Геродот сообщает, что «афиняне выразили свою глубокую скорбь по поводу взятия Милета разными способами, но особенно в этом: когда Фриних написал пьесу под названием « Падение Милета» и поставил ее, весь театр заплакал; они оштрафовали Фриниха на тысячу драхм за то, что они напомнили о бедствии, которое коснулось их лично и навсегда запретило постановку этой пьесы». [7] Он также считается первым, кто использовал женских персонажей (хотя и не женщин-исполнителей). [8]
До эллинистического периода все трагедии представляли собой уникальные произведения, написанные в честь Диониса и сыгранные только один раз; сегодня в первую очередь сохранились произведения, которые еще помнились достаточно хорошо, чтобы их можно было повторять, когда повторение старых трагедий стало модным (случайности выживания, а также субъективные вкусы эллинистических библиотекарей на более поздних этапах греческой истории также сыграли свою роль). роль в том, что сохранилось от этого периода).
.jpg/1280px-Athen_Akropolis_(18512008726).jpg)
После разрушения Афин Ахеменидами в 480 г. до н.э. город и акрополь были перестроены, а театр стал формализованным и стал еще большей частью афинской культуры и гражданской гордости. Этот век обычно считается Золотым веком греческой драмы. Центральным событием ежегодного Дионисия , который проходил один раз зимой и один раз весной, было соревнование трех трагических драматургов в Театре Диониса . Каждый представил по три трагедии плюс пьесу сатира (комическая, бурлескная версия мифологического сюжета). Начиная с первого конкурса в 486 г. до н. э., каждый драматург представил комедию. [9] Аристотель утверждал, что Эсхил добавил второго действующего лица ( дейтерагониста ), а Софокл ввел третьего ( тритагониста ). Судя по тому, что известно о греческом театре, греческие драматурги никогда не использовали более трех актеров. [10]
Трагедия и комедия рассматривались как совершенно разные жанры, и ни одна пьеса никогда не объединяла их аспекты. Пьесы сатиров затрагивали мифологическую тематику трагедий, но в чисто комедийной форме.
Мощь Афин пришла в упадок после их поражения в Пелопоннесской войне против Спарты . С этого времени театр снова начал ставить старые трагедии. Хотя его театральные традиции, похоже, утратили свою жизнеспособность, греческий театр продолжал существовать и в эллинистический период (период после завоеваний Александра Великого в четвертом веке до нашей эры).
Основной эллинистической театральной формой была не трагедия, а новая комедия , комические эпизоды о жизни простых граждан. Единственный сохранившийся драматург того периода — Менандр . Одним из наиболее важных вкладов Новой комедии было ее влияние на римскую комедию, влияние, которое можно увидеть в сохранившихся произведениях Плавта и Теренция .
.jpg/1280px-Acropolis_amphitheatre_of_Pergamon_(2020).jpg)
Большинство древнегреческих городов располагались на холмах или рядом с ними, поэтому места для сидения обычно строились на склоне холма, образуя естественную смотровую площадку, известную как театрон ( буквально «место для осмотра»). В городах, где не было подходящих холмов, наваливали земляные насыпи. [11] У подножия холма находилось плоское, обычно круглое пространство для выступлений со средним диаметром 78 футов (24 м), [ нужна ссылка ] , известное как оркестр (буквально «танцевальное место»), [11] где хор обычно в составе 12–15 человек [12] исполнял пьесы в стихах под музыку. Часто были высокие арочные входы, называемые пародои или эйсодои , через которые актеры и участники хора входили и выходили из оркестра. В некоторых театрах за оркестром располагался задник или сценическая стена, известная как скене .
Термин «театр» в конечном итоге стал обозначать всю область театра , оркестра и скене .
Театрон представлял собой зону отдыха, встроенную в холм, чтобы создать естественное пространство для просмотра . Первые сиденья в греческих театрах (кроме сидения на земле) были деревянными, но около 499 г. до н.э. практика вставки каменных блоков в склон холма для создания постоянных устойчивых сидений стала более распространенной. Их называли проэдриями и предназначали для священников и некоторых наиболее уважаемых граждан. Диазома разделяла верхнюю и нижнюю зоны отдыха .
После 465 г. до н.э. драматурги начали использовать фон или сценическую стену, называемую скене (от которой происходит слово « сцена »), которая висела или стояла позади оркестра, а также служила местом, где актеры могли менять свои костюмы. После 425 г. до н.э. каменная стена сцены, называемая параскения , стала обычным дополнением к скене . Параскения представляла собой длинную стену с выступающими сторонами, возможно, имевшую дверные проемы для входа и выхода . Сразу за параскенией находился проскений («перед сценой»), похожий на современную авансцену . Верхний этаж назывался эпискенионом . В некоторых театрах на оркестре также было возвышение для выступлений, называемое логейоном . К концу V века до нашей эры, примерно во время Пелопоннесской войны, скене достигала двухэтажной высоты.
Смерть персонажа всегда была слышна за скеном , ибо считалось неуместным показывать убийство на виду у зрителей. [ нужна цитата ] И наоборот, существуют научные аргументы в пользу того, что смерть в греческой трагедии изображалась за сценой в первую очередь из-за драматических соображений, а не из-за ханжества или чувствительности аудитории. [13]
Храм рядом, особенно в правой части сцены, почти всегда является частью греческого театрального комплекса. Это могло бы оправдать в качестве транспозиции повторение фронтона с более поздней застывшей каменной сценой. [14]
Оркестр представлял собой круглый участок земли у подножия театра, где выступали хор и актеры; это слово означает «танцевальное пространство», поскольку хор тоже танцевал в ранние периоды. [15] Первоначально греческий театр не был поднят, позже в него была включена приподнятая сцена для облегчения просмотра. Эта практика стала распространенной после появления «Новой комедии», которая включала драматическое изображение отдельных персонажей. Корифей был главным хористом, который мог войти в историю как персонаж, способный взаимодействовать с персонажами пьесы. Спектакли часто начинались утром и продолжались до вечера.
Театры строились масштабно, чтобы вместить на сцене и в публике большое количество людей — до четырнадцати тысяч [ каких? ] . В строительстве этих театров значительную роль сыграла физико-математическая наука, поскольку проектировщики должны были суметь создать в них такую акустику , чтобы голоса актеров были слышны во всем зале, включая самый верхний ряд сидений. Понимание греками акустики весьма выгодно отличается от нынешнего состояния [ сомнительно ] .
В греческом театре обычно использовалось несколько сценических элементов:
Древнегреческий термин для обозначения маски — просопон (букв. «лицо») [16] и был важным элементом поклонения Диониса в Афинах , вероятно, использовавшимся в церемониальных обрядах и праздниках. Многие маски поклонялись высшей силе, богам, что делало маски также очень важными для религии. Большинство свидетельств взято лишь из нескольких вазовых росписей V века до н. э., таких как изображение маски бога, подвешенной к дереву, с висящей под ней украшенной одеждой и танцующего, а также ваза Прономоса , [ 17] на которой изображены актеры, готовящиеся. для пьесы сатира . [18] Нам не доступны никакие вещественные доказательства, поскольку маски были сделаны из органических материалов и не считались постоянными объектами, и в конечном итоге после представлений их посвящали алтарю Диониса. Тем не менее, известно, что маска использовалась со времен Эсхила и считалась одним из знаковых условностей классического греческого театра. [19]
Также были изготовлены маски для участников хора, которые принимают участие в действии и комментируют события, в которые они вовлечены. Хотя в трагическом хоре двенадцать или пятнадцать участников, все они носят одну и ту же маску, поскольку считается, что они представляют один персонаж.
На иллюстрациях театральных масок V века изображены шлемообразные маски, закрывающие все лицо и голову, с отверстиями для глаз и небольшим отверстием для рта, а также встроенным париком. На этих картинах актеры никогда не изображают настоящие маски; чаще всего актеры держат их в руках до или после спектакля. Это демонстрирует, как маска должна была «таять» на лице и позволять актеру раствориться в роли. [20] По сути, маска изменила актера так же, как и запоминание текста. Поэтому перформанс в Древней Греции не отличал актера в маске от театрального персонажа.
Изготовителей масок называли skeuopoios или «изготовителями реквизита», что предполагало, что их роль включала в себя множество обязанностей и задач. Маски, скорее всего, были сделаны из легких органических материалов, таких как жесткий лен, кожа, дерево или пробка, а парик состоял из волос человека или животного. [21] Из-за визуальных ограничений, налагаемых этими масками, актерам было необходимо слышать, чтобы ориентироваться и балансировать. Таким образом, считается, что уши были покрыты значительным количеством волос, а не самим шлемом-маской. Отверстие рта было относительно небольшим, поэтому рот не был виден во время выступлений. Вервен и Уайлс утверждают, что такой небольшой размер опровергает идею о том, что маска функционировала как мегафон, как это первоначально было представлено в 1960-х годах. [18] Греческий производитель масок Танос Воволис предполагает, что маска служит резонатором для головы, тем самым улучшая акустику голоса и изменяя ее качество. Это приводит к увеличению энергии и присутствия, позволяя более полно превратить актера в своего персонажа. [22]
В большом театре под открытым небом, таком как Театр Диониса в Афинах , классические маски могли вызвать у публики чувство страха, вызывая масштабную панику, особенно потому, что они имели сильно преувеличенные черты и выражения лица. [22] Они позволяли актеру появляться и снова появляться в нескольких разных ролях, тем самым не позволяя зрителям идентифицировать актера с одним конкретным персонажем. Их вариации помогают зрителю различать пол, возраст и социальный статус, а также выявляют изменение внешности конкретного персонажа, например, Эдипа после того, как он ослепил себя. [23] Уникальные маски были также созданы для конкретных персонажей и событий в пьесе, таких как Фурии в « Эвмениде » Эсхила и Пенфей и Кадм в «Вакханках » Еврипида . Носимые хором маски создавали ощущение единства и единообразия, представляя собой многоголосую личность или единый организм, и одновременно поощряли взаимозависимость и повышенную чувствительность между каждым человеком в группе. Одновременно на сцене могли находиться только 2–3 актера, а маски позволяли быстро переходить от одного персонажа к другому. Актеры были только мужчины, но маски позволяли им играть женских персонажей.
Современный метод интерпретации роли путем переключения между несколькими простыми персонажами восходит к смене масок в театре Древней Греции. [24]
_(cropped).jpg/1280px-Soccus_-_comic_actor_in_slip-on_shoes_-_Image_from_page_1067_of_%22A_dictionary_of_Greek_and_Roman_antiquities..%22_(1849)_(cropped).jpg)
Актеры в этих пьесах, исполнявшие трагические роли, носили сапоги, называемые котурнами ( котурны ), которые возвышали их над другими актерами. Актеры комедийных ролей носили только обувь на тонкой подошве, называемую соккус или носок. По этой причине драматическое искусство иногда называют « носком и котурном ».
Актеры-мужчины, играющие женские роли, носили деревянную конструкцию на груди ( постернеда ), чтобы имитировать внешний вид груди, и другую конструкцию на животе ( прогастреда ), чтобы они выглядели мягче и женственнее. Они также носили под костюмами белые чулки, чтобы кожа выглядела светлее.
Большинство деталей костюмов взято из керамических картин того времени, поскольку костюмы и маски были изготовлены из одноразового материала, поэтому от костюмов того времени практически не осталось остатков костюмов. Крупнейшим источником информации является ваза Pronomos, на которой нарисованы актеры на вечеринке после шоу.
Костюмы давали ощущение характера, например, пола, возраста, социального статуса и класса. Например, персонажи более высокого класса были бы одеты в более красивую одежду, хотя все были одеты довольно красиво. Вопреки распространенному мнению, они одевались не только в лохмотья и сандалии, поскольку хотели произвести впечатление. Некоторые примеры костюмов греческого театра включают длинные одежды, называемые хитонами , доходящие до пола, для актеров, играющих богов, героев и стариков. Актеры, игравшие богинь и женщин-персонажей, обладающих большой властью, носили пурпурный и золотой цвета. Актеры, игравшие королев и принцесс, носили длинные плащи, волочившиеся по земле и украшенные золотыми звездами и другими драгоценностями, а воины были одеты в разнообразные доспехи и носили шлемы, украшенные перьями. Костюмы должны были быть яркими и заметными, чтобы их было легко увидеть с любого места в зале. [ нужна цитата ]
