Индийская живопись имеет очень давнюю традицию и историю в индийском искусстве . [1] Самыми ранними индийскими рисунками были наскальные рисунки доисторических времен, такие как петроглифы , найденные в таких местах, как скальные убежища Бхимбетка . Некоторым наскальным рисункам каменного века , найденным среди скальных укрытий Бхимбетка, около 10 000 лет. Из-за климатических условий Индийского субконтинента сегодня сохранилось очень мало ранних экземпляров.
В древней индуистской и буддийской литературе Индии много упоминаний о дворцах и других зданиях, украшенных картинами ( читра ), [2] но картины пещер Аджанты являются наиболее значительными из немногих, которые сохранились. Живопись в рукописях меньшего масштаба, вероятно, также практиковалась в этот период, хотя самые ранние из них относятся к средневековому периоду. [1] Новый стиль возник в эпоху Великих Моголов как сочетание персидской миниатюры с более старыми индийскими традициями, а с 17 века его стиль распространился среди индийских княжеских дворов всех религий, каждый из которых развивал свой местный стиль. Картины компании создавались для британских клиентов во времена британского правления , которое с 19 века также вводило художественные школы по западному образцу. Это привело к появлению современной индийской живописи, которая все больше возвращается к своим индийским корням.
Индийские картины можно разделить на фрески, миниатюры и картины на ткани. Фрески — это большие произведения, выполненные на стенах прочных построек, например, в пещерах Аджанты и храме Кайлашнатх. Миниатюрные картины выполняются в очень маленьком масштабе для книг или альбомов на скоропортящихся материалах, таких как бумага и ткань. Следы фресок, выполненных в технике фрески , сохранились на ряде мест с индийской скальной архитектурой , насчитывающей не менее 2000 лет, но останки I и V веков в пещерах Аджанты являются гораздо более значительными. [3]
Картины на ткани часто создавались в более популярном контексте, часто как народное искусство , использовались , например, странствующими чтецами эпической поэзии, такими как бхопы Раджастана и Читракати в других местах, и покупались в качестве сувениров во время паломничества. Очень немногие сохранившиеся памятники старше 200 лет, но очевидно, что традиции намного старше. Некоторые региональные традиции все еще производят произведения. [4]
Кажется очевидным, что миниатюрная живопись, часто иллюстрирующая рукописи, имеет очень долгую историю, [5] но джайнские миниатюры примерно XII века, в основном из Западной Индии, и немного более ранние буддийские миниатюры из империи Пала на востоке являются самыми древними из выживать. [6] Подобные индуистские иллюстрации сохранились примерно с 15-го века на западе и 16-го века в Восточной Индии, [7] к тому времени миниатюра Великих Моголов при Акбаре также иногда иллюстрировала переводы на персидский язык индуистских эпосов и других сюжетов. [8]
Великий период придворной живописи Великих Моголов начинается с возвращения Хумаюна из ссылки в Персии в 1555 году и приезда с собой персидских художников. Оно заканчивается во время правления Аурангзеба , который довольно не одобрял живопись по религиозным причинам и распустил крупную императорскую мастерскую, возможно, к 1670 году. Художники разошлись по меньшим княжеским дворам, как мусульманским, так и индуистским, и в много местных вариантов. [9] В их число входили различные школы живописи Раджастана, такие как Бунди, Кишангарх, Джайпур, Марвар и Мевар. Картины Рагамалы также принадлежат этой школе, как и более поздние картины Компании , созданные для британских клиентов в середине 18 века.
В современном индийском искусстве в 1930-х годах возникла Бенгальская школа искусств, за которой последовало множество форм экспериментов в европейском и индийском стилях. После обретения Индией независимости многие новые жанры искусства были разработаны такими известными художниками, как Джамини Рой, М.Ф. Хусейн , Фрэнсис Ньютон Соуза и Васудео С. Гаитонде . С развитием экономики формы и стили искусства также претерпели множество изменений. В 1990-е годы индийская экономика была либерализована и интегрирована в мировую экономику, что привело к свободному потоку культурной информации внутри страны и за ее пределами. В число художников входят Субодх Гупта , Атул Додия , Деваджьоти Рэй , Бос Кришнамачари и Джитиш Каллат , чьи работы были выставлены на аукционы на международных рынках. Бхарти Даял решила использовать традиционную живопись Митхилы самым современным способом и создала свой собственный стиль, используя свое воображение, они кажутся свежими и необычными.
Доисторические изображения обычно выполнялись на камнях, и эти наскальные рисунки назывались петроглифами . На этих картинах обычно изображены такие животные, как бизоны, медведи, тигры и т. д. [10] Самые старые индийские картины — это наскальные рисунки в пещерах, которым около 30 000 лет, например, наскальные рисунки Бхимбетки . [11]
Существует множество важных индийских трактатов, посвященных живописи, традиционно называемых читра . Некоторые из них представляют собой главы более крупных текстов, похожих на энциклопедии. Они датируются 4-13 веками нашей эры. К ним относятся: [12] [13]
В этих и других текстах по живописи обсуждаются индийские идеи, теория и практика живописи, ее связь с другими видами искусства, методы подготовки холста или стены, рецепты изготовления цветных пигментов и другие темы. [13] [18] [14]
История индийских фресок начинается в древности и раннем средневековье, со 2 века до нашей эры по 8-10 века нашей эры. Известно более 20 мест по всей Индии, содержащих фрески этого периода, в основном это естественные пещеры и высеченные в скалах камеры. К ним относятся пещеры Аджанта , Баг , Ситтанавасал , пещера Армамалай (Тамил Наду), храм Кайласанатха в пещерах Эллора , Рамгарх и Ситабинджи.
Фрески этого периода изображают в основном религиозные темы буддизма, джайна и индуизма. Однако есть места, где картины были светскими. Сюда входит самая старая известная расписная пещера и театр в Чхаттисгархе - пещеры Джогимара и Ситабенга , датируемые III-I веками до нашей эры. [19] [20]
Все ранние сохранившиеся переносные индийские картины представляют собой миниатюры из текстов (подавляющее большинство) или нарисованные предметы, такие как коробки. Несмотря на значительные доказательства существования более крупных картин на ткани (известных как пата ), а также сохранившиеся тексты, обсуждающие, как их делать, известно, что ни одна средневековая индийская картина на ткани не сохранилась, если только некоторые буддийские картины не были приняты за тибетские [21] . ] или из Средней Азии. Некоторые из изображений, найденных там сэром Аурелом Стейном, представляют собой индийские картины, большинство из которых буддийские, а некоторые изображают индуистских божеств, таких как Ганеша и Шива. [1] По словам Блёртона, такие ранние картины не сохранились во многом из-за вредного климата Индии, а также из-за «дополнительной проблемы мусульманского иконоборчества» в последующие столетия. [1]
Образец крупномасштабной настенной росписи, который доминировал на сцене, стал свидетелем появления миниатюрных картин в 11 и 12 веках. Этот новый стиль впервые появился в виде иллюстраций, выгравированных на рукописях на пальмовых листьях. [ нужна цитата ]
В восточной Индии основными центрами художественной и интеллектуальной деятельности буддийской религии были Наланда, Одантапури, Викрамшила и Сомарпура, расположенные в королевстве Пала (Бенгалия и Бихар). Миниатюрная живопись этого региона сохранилась с 10 века. Эти миниатюры, изображающие буддийских божеств и сцены из жизни Будды, были нарисованы на листьях (около 2,25 на 3 дюйма) пальмовых рукописей, а также на их деревянных обложках. Наиболее распространенные буддийские иллюстрированные рукописи включают тексты Астасахасрика Праджняпарамита , [22] Панчаракша , Карандавьюха и Калачакра-тантра . Самые ранние дошедшие до нас миниатюры найдены в рукописи Астасахасрика Праджняпарамиты, датированной шестым годом правления Махипалы (около 993 г.), которая в настоящее время принадлежит Азиатскому обществу в Калькутте. Этот стиль исчез из Индии в конце 12 века.
Влияние восточноиндийских картин можно увидеть в различных буддийских храмах в Багане , Мьянма, в частности в храме Абаядана , названном в честь супруги королевы Мьянмы, Абаядане , которая сама имела индийские корни, и храме Губьяукги . [23] Влияние восточноиндийских картин также можно ясно наблюдать в тибетских картинах Тханка. [24]
Сохранившиеся иллюстрированные рукописи из Западной Индии, в основном из Гуджарата , начинаются примерно с 11 века, но в основном относятся к 13 веку. Первоначально все сохранившиеся примеры — джайнские . К 15 веку они становились все более щедрыми и широко использовали золото. [25]
Наиболее часто иллюстрируемый рукописный текст — это Кальпа Сутра , содержащая биографии Тиртханкаров , особенно Паршванатхи и Махавиры . Иллюстрации представляют собой квадратные панели, вставленные в текст, с «жестким рисунком» и «блестящим, даже похожим на драгоценный камень цветом». Фигуры всегда видны в три четверти, с характерными «длинными заостренными носами и выпученными глазами». Существует соглашение, согласно которому более дальняя часть лица выступает вперед, так что видны оба глаза. [26]
Древние тексты определяли шесть важных аспектов живописи. Эти «Шесть конечностей» были переведены следующим образом: [27]
Последующее развитие живописи буддистов указывает на то, что эти «Шесть ступеней» были реализованы на практике индийскими художниками и являются основными принципами, на которых было основано их искусство.
Живопись Великих Моголов — это стиль индийской живописи, обычно ограничивающийся иллюстрациями к книгам и выполненными в миниатюрах, который возник, развился и сформировался в период Империи Великих Моголов между 16 и 19 веками. [28] Стиль Великих Моголов находился под сильным влиянием персидских миниатюр и, в свою очередь, повлиял на несколько индийских стилей, включая стили живописи раджпутов , пахари и декана .
Картины Великих Моголов представляли собой уникальную смесь индийского, персидского и исламского стилей. Поскольку короли Великих Моголов хотели наглядно запечатлеть свои деяния охотников и завоевателей, их художники сопровождали их в военных экспедициях или государственных миссиях, или записывали их мастерство в убийстве животных, или изображали их на великих династических свадебных церемониях. [29]
Правление Акбара (1556–1605) открыло новую эру в индийской миниатюрной живописи. [30] После того, как он укрепил свою политическую власть, он построил новую столицу в Фатехпур-Сикри, где собрал художников из Индии и Персии. Он был первым монархом, открывшим в Индии ателье под руководством двух персидских мастеров, Мира Сайеда Али и Абдуса Самада . Ранее оба они служили под покровительством Хумаюна в Кабуле и сопровождали его в Индию, когда он восстановил свой трон в 1555 году. Было занято более сотни художников, большинство из которых были выходцами из Гуджарата, Гвалиора и Кашмира, родивших в новую школу живописи, широко известную как Школа миниатюрной живописи Великих Моголов.
Тути-Нама была ранним произведением Великих Моголов середины 16 века, и сходство, особенно в женских фигурах, со школой коренных народов Западной Индии ясно заметно. В то время как некоторые считают, что это переходный этап, в котором сочетаются стилистические особенности местных и персидских школ, другие считают, что это работа художников, прошедших обучение в школе Западной Индии и работавших в ателье Акбара над созданием произведений искусства для палитры Великих Моголов. возможно, под наблюдением персидских мастеров.
Еще одним ранним произведением этой школы миниатюрной живописи была рукопись Акбара Хамзанамы , работа над которой, по словам придворного историка Бадаюни, была начата в 1567 году и завершена в 1582 году. Была иллюстрирована «Хамзанама» , эпическое персидское повествование об Амире Хамзе, дяде Пророка. Мир Сайид Али . Картины Акбара Хамзанамы имеют большой размер, 20 х 27 дюймов, и написаны на ткани. Они выполнены в персидском стиле сафави. Преобладают яркие красные, синие и зеленые цвета; розовые, размытые скалы и растительность, плоскости и цветущие сливы и персиковые деревья напоминают Персию. Хамза Нама по стилю сильно отличается от Тути Нама. Это различие произошло либо из-за другой группы художников, обучавшихся персидскому стилю, либо из-за сознательного изменения стиля через В любом случае, экспериментируя, живопись Великих Моголов быстро превратилась в более плавный и натуралистический стиль, отличающийся от жесткости фигур, наблюдаемых в более ранних картинах.Тем не менее, при внимательном рассмотрении связи со школами Западной Индии все еще присутствовали, особенно в изображении женской фигуры.
После него Джахангир призвал художников писать портреты и сцены для торжеств. [31] [30] Его самыми талантливыми портретистами были Устад Мансур , Абул Хасан и Бишандас .
Шах-Джахан (1627–1658) продолжал покровительство живописи. [31] Некоторыми из известных художников того периода были Мохаммад Факирулла Хан, Мир Хашим, Мухаммад Надир, Бичитр , Читарман, Анупчхатар, Манохар и Хонхар. [32] [30]
Аурангзеб не имел вкуса к изобразительному искусству, вероятно, из-за своего исламского консерватизма. [31] Из-за отсутствия покровительства художники мигрировали в Декан и индуистские дворы Раджпутаны , что сильно повлияло на стили в этих центрах.
Деканская живопись производилась в районе Декана в Центральной Индии , в различных мусульманских столицах султанатов Декана , возникших в результате распада султаната Бахмани к 1520 году. Это были Биджапур , Голконда , Ахмаднагар , Бидар и Берар . Основной период был между концом 16-го века и серединой 17-го, [34] [35] с чем-то вроде возрождения в середине 18-го века, к тому времени сосредоточенным в Хайдарабаде .
По сравнению с ранней живописью Великих Моголов, развивавшейся в то же время на севере, [36] живопись Декана превосходит «блеск цвета, изысканность и артистизм композиции, а также общую атмосферу декадентской роскоши». [37] Другие различия включают в себя рисование лиц, не очень умело смоделированных, в три четверти, а не в основном в профиль в стиле Великих Моголов, и «высоких женщин с маленькими головами», носящих сари. Есть много королевских портретов, хотя им не хватает точного подобия своих могольских эквивалентов. Здания изображены как «совершенно плоские панели, похожие на экраны». [38]
Картины Рагамала , наборы, иллюстрирующие (вызывая их настроение) различные музыкальные формы раги , по-видимому, были новшеством Декана. Помимо обычных портретов и иллюстраций к литературным произведениям, иногда встречаются иллюстрированные хроники, например « Тузук-и-Асафия» . Особенностью Декана (также иногда встречающейся в других материалах, таких как слоновая кость ) [39] является «составное животное», большое животное, состоящее из множества меньших изображений других животных.
Ранние школы Мевар и Мальва, иногда также известные как школа Западной Индии, возникли примерно в этот период, стилистически схожи и связаны со стилем изображения в текстах Гуджарата XIV–XV веков. Похожие большие глаза, чопорные фигуры, выступающие бедра и грудь — объединяющая черта. Группа картин «Кульхадар» считается одним из лучших произведений западноиндийской школы. На картинах этой группы, выполненных в начале 16 века, были изображены мужчины в конической шапке (кулха), на которой носили тюрбаны. Группа картин Кулхадара состояла из Чаурапанчасики – «Пятидесяти стихов вора» Билхана, Гиты Говинды, Бхагавата Пураны и Рагамалы.
Под влиянием исламских завоеваний в середине-конце 16 века влияние Центральной Азии начало проникать в индийское художественное представление. Использование золотой фольги и синего ультрамарина, полученного из импортированного ляпис-лазури, было двумя такими персидскими влияниями, которые были приняты в индийской живописи. Рукописи Лора Чанды в Национальном музее являются примером такого влияния.
Несколько различных стилей раджпутской живописи развивались с конца 16 века в индуистских королевских дворах Раджпутаны . [40] [41] Каждое королевство раджпутов развило свой стиль, но с некоторыми общими чертами. Картины раджпутов изображают ряд тем, события таких эпосов, как Рамаяна и Махабхарата , жизнь Кришны, красивые пейзажи и людей. Многие миниатюры представляли собой отдельные альбомные фрагменты, но есть и иллюстрированные книги, и в то же время существовала фресковая живопись на стенах дворцов, крепостей и хавели . Особенно это касается региона Шехавати , где бизнесмены Марвари , в основном работающие в крупных городах, соревновались в том, чтобы иметь ярко окрашенные фасады домов, которые они обслуживали в своем родном регионе.
Живопись раджпутов состоит из четырех основных групп:
Живопись Пахари является самым северным продолжением раджпутского стиля, но обычно рассматривается отдельно.
Стиль Пахари, также называемый стилем Пенджабских холмов, развивался и процветал в 17-19 веках, простираясь от Джамму до Алморы и Гарвала , в субгималайской Индии , через Химачал-Прадеш . [42] Картины Пахари можно разделить на две группы: школа Джамму или Догра; и школа Башоли и Кангра. [43] Каждый из них создал резкие вариации внутри жанра, начиная от смелой интенсивной живописи Басоли , происходящей из Басохли в Джамму и Кашмире , до нежных и лирических картин Кангра , которые стали синонимом стиля до того, как появились другие школы живописи. [42] [41]
Новую тенденцию в иллюстрации рукописей задала рукопись « Ниматнама» , написанная в Манду во время правления Насир-шаха (1500–1510). Это представляет собой синтез местного и покровительствуемого персидского стиля, хотя именно последний доминировал в рукописях Манду. [ нужна цитация ] Был еще один стиль живописи, известный как Лоди Хуладар, который процветал во владениях Султаната в Северной Индии, простирающихся от Дели до Джаунпура. [ нужна цитата ]
Майсурская живопись — важная форма классической южноиндийской живописи, зародившаяся в городе Майсур в штате Карнатака. Эти картины известны своей элегантностью, приглушенными цветами и вниманием к деталям. Темами большинства этих картин являются индуистские боги и богини, а также сцены из индуистской мифологии . В наше время эти картины стали очень популярным сувениром во время праздников в Южной Индии.
Процесс создания картины Майсура включает в себя множество этапов. Первый этап предполагает изготовление предварительного эскиза изображения на основе. Основа состоит из картриджной бумаги, наклеенной на деревянную основу. Паста из оксида цинка и гуммиарабика называется «левкас». Тонкой кистью прокрашиваются все украшения и части трона или арки, имеющие рельеф, для создания слегка приподнятого эффекта резьбы. Этому дают высохнуть. На это наклеена тонкая золотая фольга. Остальная часть рисунка затем раскрашивается акварелью. Используются только приглушенные цвета.
Танджорская живопись — важная форма классической южноиндийской живописи, родом из города Танджор в штате Тамил Наду. Этот вид искусства восходит к началу 9 века, периоду, когда доминировали правители Чола , которые поощряли искусство и литературу. Эти картины известны своей элегантностью, насыщенными цветами и вниманием к деталям. Темами большинства этих картин являются индуистские боги и богини, а также сцены из индуистской мифологии . В наше время эти картины стали очень популярным сувениром во время праздников в Южной Индии.
Процесс создания картины Танджора включает в себя множество этапов. Первый этап предполагает изготовление предварительного эскиза изображения на основе. Основа состоит из ткани, наклеенной на деревянную основу. Затем меловой порошок или оксид цинка смешивают с водорастворимым клеем и наносят на основу. Чтобы сделать основание более гладким, иногда используют мягкий абразив . После выполнения рисунка происходит декорирование украшений и одежды на изображении полудрагоценными камнями. Для украшения украшений также используются шнурки или нитки. Поверх этого наклеивается золотая фольга. Наконец, красители используются для придания цвета фигурам на картинах.
Паттачитра относится к классической живописи Одиши и Западной Бенгалии , в восточном регионе Индии. «Патта» на санскрите означает «Вастра» или «одежда», а «читра» означает картины.
Бенгальская Патачитра относится к живописи Западной Бенгалии . Это традиционное и мифологическое наследие Западной Бенгалии . Бенгальская Патачитра разделена на несколько различных аспектов, таких как Дурга Пат , Чалчитра , Племенная Патачитра , Мединипур Патачитра , Калигхат Патачитра и т. Д. [44] Темой Бенгальской Патачитры являются в основном мифологические, религиозные истории, фольклор и социальные темы. Калигхат Патачитра, последняя традиция бенгальской Патачитры, разработана Джамини Роем . Художника бенгальской Патачитры зовут Патуа . [45]
Традиция Ориша Паттачитра тесно связана с поклонением Господу Джаганнатхе . Помимо фрагментарных свидетельств росписей в пещерах Кхандагири и фресок Удаягири и Ситабхинджи шестого века нашей эры, самыми ранними местными картинами из Одиши являются Паттачитра, выполненные Читракарами (художников называют Читракарами). [46] Тема живописи Ория сосредоточена вокруг секты вайшнавов . С момента зарождения культуры Паттачитры главным источником вдохновения был Господь Джаганнатх, который был воплощением Господа Кришны. Темой Патта Читры являются в основном мифологические, религиозные истории и фольклор. Темы в основном посвящены Господу Джаганнатхе и Радхе - Кришне , различным «Весам» Джаганнатхи , Балабхадре и Субхадре , храмовой деятельности, десяти воплощениям Вишну на основе « Гиты Говинды » Джаядева , Кама Куджара, Наба Гунджара , Рамаяна , Махабхарата . Также рисуются отдельные изображения богов и богинь. Художники используют растительные и минеральные краски, не прибегая к цветам фабричных плакатов. Они готовят свои собственные цвета. Белый цвет получают из раковин моллюсков путем измельчения, кипячения и фильтрации в ходе очень опасного процесса. Это требует много терпения. Но этот процесс придает оттенку блеск и стойкость . «Хингула», минеральный краситель, используется для красного цвета. Используются «Харитала», король каменных ингредиентов для желтого цвета, и «Рамараджа», разновидность индиго для синего. Используется чистая ламповая сажа или сажа, полученная путем сжигания скорлупы кокосовых орехов. Кисти, которыми пользуются эти «Читракары», также являются местными и сделаны из волос домашних животных. Пучок волос, привязанный к концу бамбуковой палки, сделает кисть. Действительно удивительно, как эти художники создают линии с такой точностью и законченностью с помощью этих грубых кистей. Эта старая традиция живописи ория до сих пор сохранилась в умелых руках Читракаров (традиционных художников) в Пури , Рагхураджпуре , Паралакхемунди , Чикити и Сонепуре .
Живопись Ассама привела к ее росту в ответ на движение неовайшнавизма, начавшееся в 15 веке, и даже получила королевское покровительство различных бывших королевских классов. Рукописная живопись Ассама продолжала процветать до упадка царства Ахом .
Живопись Мадхубани — это стиль живописи, практикуемый в регионе Митхила штата Бихар. [47] Темы вращаются вокруг индуистских богов и мифологии, а также сцен королевского двора и общественных мероприятий, таких как свадьбы. Обычно ни одно место не остается пустым; промежутки заполнены изображениями цветов, животных, птиц и даже геометрическими узорами. В этих картинах художники используют листья, травы и цветы, чтобы создать цвет, используемый для рисования картин.
Когда в 18 веке началось правление Компании в Индии , большое количество европейцев мигрировали в Индию. Стиль компании — это термин, обозначающий гибридный индоевропейский стиль картин, созданный в Индии индийскими и европейскими художниками, многие из которых работали на европейских покровителей в Британской Ост-Индской компании или других иностранных компаниях в 18 и 19 веках. [48] [30] Стиль сочетал в себе традиционные элементы раджпутской и могольской живописи с более западной трактовкой перспективы, объема и спада.
В начале XVIII века в Индии началась масляная и станковая живопись, где многие европейские художники, такие как Зоффани , Кеттл , Ходжес , Томас и Уильям Дэниел , Джошуа Рейнольдс , Эмили Иден и Джордж Чиннери, приехали в Индию в поисках живописи. слава и удача. Дворы княжеств Индии были важной приманкой для европейских художников из-за их покровительства изобразительному и исполнительскому искусству. Для индийских художников это западное влияние, во многом являющееся результатом колониализма, рассматривалось как «средство самосовершенствования», и эти западные академические художники, посетившие Индию, послужили образцом. [49] Однако они не обеспечили обучение. По словам Р. Шивы Кумара, «эта задача, которая легла на различные художественные школы, созданные в 1850-х годах, задала институциональную основу вестернизации индийского искусства». [49]
Были созданы первые формальные художественные школы в Индии, а именно Государственный колледж изящных искусств в Мадрасе (1850 г.), Государственный колледж искусств и ремесел в Калькутте (1854 г.) и Школа искусств сэра Дж. Дж. в Бомбее (1857 г.). [50]
Раджа Рави Варма был пионером современной индийской живописи. Он опирался на западные традиции и методы, включая масляную краску и станковую живопись, причем его сюжеты были чисто индийскими, например, индуистские божества и эпизоды из эпосов и Пуран . Некоторые другие выдающиеся индийские художники, родившиеся в 19 веке, - Махадев Вишванат Дхурандхар (1867–1944), А. С. Триндаде (1870–1935), [51] М. Ф. Питавалла (1872–1937), [52] Савларам Лакшман Халданкар (1882–1968). и Хемен Маджумдар (1894–1948).
В XIX веке, по словам Р. Шивы Кумара, «избирательная вестернизация ради самосовершенствования на рубеже веков уступила место националистической культурной контрпозиции - во всем мире это был первый шаг к политическому сопротивлению колониальному правлению». [53] На практике это материализовалось как ассимиляция «разнообразных азиатских элементов», скорее расширяющая традицию, чем возрождающая ее. [53] Ведущий художник того времени, Абаниндранат Тагор (1871–1951), использовал как реализм под влиянием Запада, так и азиатские элементы, которые приблизили его к раннему модернизму. [53]
Реакция на западное влияние привела к возрождению исторического и более националистического индийского искусства, известного как Бенгальская школа искусств , основанного на богатом культурном наследии Индии.
Бенгальская школа искусств была влиятельным стилем искусства, который процветал в Индии во времена британского владычества в начале 20 века. Это было связано с индийским национализмом, но его также продвигали и поддерживали многие британские руководители сферы искусства.
Бенгальская школа возникла как авангардное и националистическое движение, выступающее против стилей академического искусства , ранее пропагандируемых в Индии как индийскими художниками, такими как Рави Варма , так и в британских художественных школах. После широкого влияния индийских духовных идей на Запад, британский учитель рисования Эрнест Бинфилд Гавел попытался реформировать методы обучения в Калькуттской школе искусств, поощряя студентов подражать миниатюрам Великих Моголов . Это вызвало огромные споры, приведшие к забастовке студентов и жалобам местной прессы, в том числе националистов, которые считали это регрессивным шагом. Гавела поддержал художник Абандранат Тагор , племянник поэта и художника Рабиндраната Тагора . [30] [54] Абаниндранат написал ряд работ под влиянием искусства Великих Моголов, стиля, который он и Гавел считали выражением особых духовных качеств Индии, в отличие от «материализма» Запада. Его самая известная картина «Бхарат Мата» («Мать Индия») изображала молодую женщину с четырьмя руками в стиле индуистских божеств, держащую в руках предметы, символизирующие национальные устремления Индии.
Позже Тагор попытался наладить связи с дальневосточными художниками в рамках стремления построить паназиатскую модель искусства. Среди тех, кто был связан с этой индо-дальневосточной моделью, были Нандалал Бос , Мукул Дей , Калипада Гошал , Беноде Бехари Мукерджи , Винаяк Шиварам Масоджи, Б.С. Саньял , Беохар Рамманохар Синха , а впоследствии их ученики А. Рамачандран , Тан Юань Чамели, Рамананда Бандопадхьяй и несколько других.
Влияние бенгальской школы на индийскую художественную сцену постепенно начало ослабевать с распространением модернистских идей после обретения независимости. Роль К.Г. Субраманяна в этом движении значительна.
Термин «контекстуальный модернизм» , который Шива Кумар использовал в каталоге выставки, стал постколониальным критическим инструментом в понимании искусства, которое практиковали шантиникетанские художники.
Несколько терминов, в том числе «контркультура современности » Пола Гилроя и « Колониальная современность » Тани Барлоу, использовались для описания альтернативной современности, возникшей в неевропейских контекстах. Профессор Галл утверждает, что «контекстуальный модернизм» является более подходящим термином, потому что «колониализм в колониальной современности не учитывает отказ многих людей, находящихся в колонизированных ситуациях, интернализировать неполноценность. Отказ учителей-художников Шантиникетана от подчинения включал в себя противоположное видение современности, которое стремилось Чтобы исправить расовый и культурный эссенциализм, который двигал и характеризовал имперскую западную современность и модернизм. Эти европейские современности, спроецированные через триумфальную британскую колониальную власть, вызвали националистические реакции, столь же проблематичные, когда они включали подобные эссенциализмы». [55]
По словам Р. Шивы Кумара , «художники Шантиникетана были одними из первых, кто сознательно бросил вызов этой идее модернизма, отказавшись как от интернационалистического модернизма, так и от историцистской самобытности, и попытались создать контекстно-зависимый модернизм». [56] Он изучал работы шантиникетанских мастеров и размышлял об их подходе к искусству с начала 80-х годов. Практика включения Нандалала Боса , Рабиндраната Тагора , Рама Кинкера Байджа и Беноде Бехари Мукерджи в Бенгальскую школу искусств , по мнению Шивы Кумара, вводит в заблуждение. Это произошло потому, что ранние писатели руководствовались генеалогией ученичества, а не своим стилем, мировоззрением и взглядами на художественную практику . [56]
Литературный критик Ранджит Хоскоте , рецензируя работы современного художника Атула Додии, пишет: «Познакомление с Сантинкетаном посредством литературного обхода открыло Додии глаза на исторические обстоятельства развития того, что историк искусства Р. Шива Кумар назвал «контекстуальным модернизмом». в восточной Индии в 1930-х и 40-х годах, во время бурных десятилетий глобальной депрессии, Гандианской освободительной борьбы, тагоровского культурного возрождения и Второй мировой войны». [57]
Контекстуальный модернизм в недавнем прошлом нашел свое применение в других смежных областях исследований, особенно в архитектуре . [58]
В колониальную эпоху западное влияние начало оказывать влияние на индийское искусство. Некоторые художники разработали стиль, который использовал западные идеи композиции, перспективы и реализма для иллюстрации индийских тем. Другие, как Джамини Рой , сознательно черпали вдохновение в народном искусстве. [59] Бхарти Даял решила использовать традиционную живопись Митхилы самым современным способом и использует в своих работах как реализм, так и абстракционизм с большим количеством фантазии, смешанной с обоими. Ее работы обладают безупречным чувством баланса, гармонии и изящества.
Ко времени обретения независимости в 1947 году несколько художественных школ Индии предоставили доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно демонстрирует влияние западных стилей, но часто вдохновляется индийскими темами и образами. Крупные артисты начинают получать международное признание, сначала среди индийской диаспоры, но также и среди неиндийской публики.
Группа прогрессивных художников , созданная вскоре после того, как Индия стала независимой в 1947 году, была призвана создать новые способы выражения Индии в постколониальную эпоху. Основателями были шесть выдающихся художников — К. Х. Ара , С. К. Бакре , Х. А. Гаде , М. Ф. Хусейн , С. Х. Раза и Ф. Н. Соуза . Хотя группа была распущена в 1956 году, она оказала глубокое влияние на изменение идиомы индийского искусства. [60] Почти все крупные художники Индии 1950-х годов были связаны с этой группой. Некоторые из тех, кто хорошо известен сегодня, - это Бал Чабда, Маниши Дей , В.С. Гаитонде , Кришен Кханна , Рам Кумар , Тайб Мехта , Беохар Рамманохар Синха и Акбар Падамси . Другие известные художники, такие как Джахар Дасгупта , Прокаш Кармакар , Джон Уилкинс и Биджон Чоудхури, обогатили художественную культуру Индии. Они стали иконой современного индийского искусства. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна, также ссылались на работы современных художников, отражающие индийский дух.
Кроме того, рост дискуссий об индийском искусстве как на английском, так и на местных индийских языках соответствовал тому, как искусство воспринималось в художественных школах. Критический подход стал строгим, такие критики, как Гита Капур , [61] [62] Р. Шива Кумар , [63] [54] [64] [65] способствовал переосмыслению практики современного искусства в Индии. Их голоса представляли индийское искусство не только в Индии, но и во всем мире. Критики также сыграли важную роль в качестве кураторов важных выставок, дающих новое определение модернизму и индийскому искусству.
Индийское искусство получило импульс благодаря экономической либерализации страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей теперь начали привносить разные стили работы. Таким образом, постлиберализационное индийское искусство работает не только в рамках академических традиций, но и за их пределами. На этом этапе художники представили еще новые концепции, которых до сих пор не было в индийском искусстве. Деваджьоти Рэй представил новый жанр искусства под названием «Псевдореализм» . Псевдореалистическое искусство — это оригинальный художественный стиль, полностью развившийся на индийской земле. Псевдореализм учитывает индийскую концепцию абстракции и использует ее для превращения обычных сцен индийской жизни в фантастические образы.
Народное искусство — это живое искусство (современное искусство), основанное на прошлом (мифах, традициях и религии) и созданное определенными группами. Народное искусство основано на коллективной памяти этой группы.
Примеры народной индийской живописи:
Племенная живопись:
Сельская живопись:
Исследования, проведенные с тех пор, твердо установили, что многие из этих картин относятся к эпохе мезолита и вполне могут иметь возраст 10 000 лет.
{{cite journal}}: Требуется цитировать журнал |journal=( помощь )