Итальянская опера — это и оперное искусство в Италии , и опера на итальянском языке . Опера появилась в Италии около 1600 года, и итальянская опера продолжает играть доминирующую роль в истории этой формы вплоть до наших дней. Многие известные оперы на итальянском языке были написаны иностранными композиторами, включая Генделя , Глюка и Моцарта . Произведения итальянских композиторов XIX и начала XX веков, таких как Россини , Беллини , Доницетти , Верди и Пуччини , являются одними из самых известных опер, когда-либо написанных, и сегодня они исполняются в оперных театрах по всему миру.
«Dafne» Якопо Пери была самой ранней композицией, считающейся оперой, как она понимается сегодня. [1] Однако работы Пери не возникли из творческого вакуума в области песенной драмы. Основной предпосылкой для создания оперы как таковой была практика монодии . Монодия — это сольное пение/постановка драматически задуманной мелодии, призванное выразить эмоциональное содержание текста, который она несет, которое сопровождается относительно простой последовательностью аккордов, а не другими полифоническими частями. Итальянские композиторы начали сочинять в этом стиле в конце XVI века, и он частично вырос из давней практики исполнения полифонических мадригалов одним певцом в сопровождении инструментального исполнения других частей, а также из растущей популярности более популярных, более гомофонических вокальных жанров, таких как фроттола и вилланелла . В этих последних двух жанрах возрастающая тенденция была в сторону более гомофонической текстуры, с верхней частью, отличающейся сложной, активной мелодией, и нижними (обычно это были трехчастные композиции, в отличие от четырех-или более-частного мадригала) менее активной поддерживающей структурой. От этого был лишь небольшой шаг к полноценной монодии. Все такие произведения имели тенденцию устанавливать гуманистическую поэзию типа, который пытался подражать Петрарке и его последователям Треченто , еще один элемент тенденции периода к желанию восстановления принципов, которые он связывал со смешанным представлением об античности.
Сольный мадригал, фроттола, вилланелла и их родственники занимали видное место в интермедио или интермеццо, театральных представлениях с музыкой, которые финансировались в последние семьдесят лет XVI века богатыми и все более светскими дворами итальянских городов-государств. Такие представления обычно ставились в ознаменование значимых государственных событий: свадеб, военных побед и тому подобного, и чередовались в исполнении с актами пьес. Как и более поздняя опера, интермедио включало вышеупомянутое сольное пение, но также мадригалы, исполняемые в их типичной многоголосной фактуре, и танцы в сопровождении присутствующих инструменталистов. Они были щедро поставлены и возглавляли сценографию второй половины XVI века. Интермедио, как правило, не рассказывали историю как таковую, хотя иногда и рассказывали, но почти всегда фокусировались на каком-то конкретном элементе человеческих эмоций или опыта, выраженном через мифологическую аллегорию.
Постановка оперы Пери «Эвридика» в 1600 году в рамках празднования свадьбы Медичи, случая самого эффектного и всемирно известного интермедийного представления предыдущего столетия, вероятно, стала решающим событием для новой формы, поставив ее в русло роскошных придворных развлечений.
Другим популярным придворным развлечением в это время была « мадригальная комедия », позже также названная «мадригальной оперой» музыковедами, знакомыми с более поздним жанром. Она состояла из серии мадригалов, связанных вместе, чтобы предложить драматическое повествование, но не поставленных на сцене. [2] Были также две поставленные музыкальные «пасторали», Il Satiro и La Disperazione di Fileno , обе поставленные в 1590 году и написанные Эмилио де Кавальери . Хотя эти утраченные произведения, похоже, включали только арии , без речитатива , именно их, по-видимому, имел в виду Пери в своем предисловии к опубликованному изданию своей «Эвридики» , когда писал: «Синьор Эмилио дель Кавальери, прежде всех, кого я знаю, позволил нам услышать нашу музыку на сцене». [3] Другие пасторальные пьесы долгое время включали некоторые музыкальные номера; одна из самых ранних, Fabula di Orfeo (1480) Полициано содержал по крайней мере три сольные песни и один хор. [4]
.jpg/1280px-Bernardo_Strozzi_-_Claudio_Monteverdi_(c.1630).jpg)
Музыка Дафны в настоящее время утеряна, за исключением либретто из 455 строк стиха. Первая опера, к которой сохранилась музыка, была исполнена в 1600 году на свадьбе Генриха IV Французского и Марии Медичи во дворце Питти во Флоренции . Опера «Эвридика» с либретто Ринуччини, положенная на музыку Пери и Джулио Каччини , рассказывала историю Орфея и Эвридики. Стиль пения, предпочитаемый Пери и Каччини, представлял собой возвышенную форму естественной речи, драматический речитатив, поддержанный инструментальной струнной музыкой. Таким образом, речитатив предшествовал развитию арий, хотя вскоре стало традицией включать отдельные песни и инструментальные интермедии в периоды, когда голоса молчали. И Дафна , и Эвридика также включали хоры, комментирующие действие в конце каждого акта в манере греческой трагедии. Тема Орфея, полубога музыки, была по понятным причинам популярна и привлекла Клаудио Монтеверди (1567–1643), который написал свою первую оперу « Орфей» (Басня об Орфее) в 1607 году для мантуанского двора .
Монтеверди настаивал на прочной связи между словами и музыкой. Когда «Орфей» был исполнен в Мантуе , оркестр из 38 инструментов, многочисленные хоры и речитативы были использованы для создания живой драмы. Это была гораздо более амбициозная версия, чем те, которые исполнялись ранее — более пышная, более разнообразная в речитативах, более экзотическая в декорациях — с более сильными музыкальными кульминациями, которые позволяли певцам в полной мере проявить виртуозность. Опера раскрыла свою первую стадию зрелости в руках Монтеверди. « Орфей» также отличается тем, что является самой ранней сохранившейся оперой, которая до сих пор регулярно исполняется.
В течение нескольких десятилетий опера распространилась по всей Италии. В Риме она нашла сторонника в лице прелата и либреттиста Джулио Роспильози (будущего папы Климента IX). Покровителями Роспильози были Барберини.
Среди композиторов, работавших в этот период, были Луиджи Росси , Микеланджело Росси , Марко Мараццоли , Доменико и Виргилио Маццокки , Стефано Ланди .
Начиная с 1630-х годов тематика произведений существенно изменилась: от пасторальной традиции и Аркадии предпочтение отдается рыцарским поэмам, обычно Лодовико Ариосто и Торквато Тассо , или поэмам из агиографии и христианской комедии дель арте .
С увеличением числа персонажей римские оперы стали очень драматичными и имели несколько поворотов. С ними появился новый метод фиксации строк речитатива, лучше подходящий к различным ситуациям, которые возникали из богатой сюжетной линии, и который был ближе к речи, полной вводных в ущерб паратаксическому стилю , который так характеризовал первые флорентийские произведения.
Основными характеристиками венецианской оперы были: (1) больший акцент на формальных ариях; (2) начало стиля bel canto («прекрасное пение») и большее внимание к вокальной элегантности, чем к драматической выразительности; (3) меньшее использование хоровой и оркестровой музыки; (4) сложные и невероятные сюжеты; (5) сложная сценическая техника; и (6) короткие фанфароподобные инструментальные вступления, прототипы более поздней увертюры. [5]
Опера приняла важное новое направление, когда она достигла Венецианской республики . Именно здесь в 1637 году Бенедетто Феррари и Франческо Манелли открыли первый публичный оперный театр, Teatro di San Cassiano . Его успех вывел оперу из-под аристократического покровительства в коммерческий мир. В Венеции музыкальная драма больше не была нацелена на элиту аристократов и интеллектуалов и приобрела характер развлечения. Вскоре в городе появилось много других оперных театров, которые исполняли произведения для платящей публики во время карнавального сезона. Оперные театры нанимали очень маленький оркестр, чтобы сэкономить деньги. Большая часть их бюджета тратилась на привлечение звездных певцов того времени; это было начало правления кастрата и примадонны ( ведущей леди).
Главным композитором ранней венецианской оперы был Монтеверди, который переехал в республику из Мантуи в 1613 году, а более поздними важными композиторами были Франческо Кавалли , Антонио Чести , Антонио Сарторио и Джованни Легренци . [5] Монтеверди написал три произведения для публичных театров: «Возвращение Улисса на родину» (1640), «Свадьба Энея с Лавинией» (1641, ныне утеряна) и, самое известное, «Коронация Поппеи» (1642). Сюжеты новых опер Монтеверди и других, как правило, были взяты из римской истории или легенд о Трое, чтобы прославить героические идеалы и благородную генеалогию венецианского государства. Однако они не испытывали недостатка в любовном интересе или комедии. Большинство опер состояли из трех актов, в отличие от более ранних опер, которые обычно состояли из пяти. Основная часть стихосложения по-прежнему была речитативной, однако в моменты большого драматического напряжения часто встречались ариозные пассажи, известные как arie cavate . При последователях Монтеверди различие между речитативом и арией стало более заметным и условным. Это очевидно в стиле четырех самых успешных композиторов следующего поколения: Франческо Кавалли , Джованни Легренци , Антонио Чести и Алессандро Страделла .
В Речи Посполитой традиция оперного производства началась в Варшаве в 1628 году с постановки «Галатеи» (композитор неизвестен), первой итальянской оперы, поставленной за пределами Италии. Вскоре после этого представления двор поставил оперу Франчески Каччини «Освобождение Руджеро из острова Альцина» , которую она написала для князя Владислава Вазы тремя годами ранее, когда он был в Италии. Еще одно новшество: это самая ранняя сохранившаяся опера, написанная женщиной. «Gli amori di Aci e Galatea» Санти Орланди также была поставлена в 1628 году. Когда Владислав был королем (как Владислав IV), он руководил постановкой по меньшей мере десяти опер в конце 1630-х и 1640-х годов, сделав Варшаву центром искусства. Композиторы этих опер неизвестны: возможно, это были поляки, работавшие под руководством Марко Скакки в королевской часовне, или они могли быть среди итальянцев, привезенных Владиславом. Dramma per musica (так в то время называлась серьезная итальянская опера) под названием Giuditta , основанная на библейской истории Юдифи , была поставлена в 1635 году. Композитором, вероятно, был Виргилио Пуччителли.
Оперы Кавалли с огромным успехом исполнялись по всей Италии гастролирующими труппами. Фактически, его «Giasone» была самой популярной оперой 17-го века, хотя некоторые критики были потрясены ее смесью трагедии и фарса. Слава Кавалли распространилась по всей Европе. Одной из его специализаций было придание своим героиням « грунтовых басовых плачей ». Это были скорбные арии, исполнявшиеся поверх нисходящей басовой линии, и они оказали большое влияние на Генри Перселла , чья «When I am laid in earth» из «Дидоны и Энея» является, вероятно, самым знаменитым примером этой формы. Репутация Кавалли заставила кардинала Мазарини пригласить его во Францию в 1660 году, чтобы он сочинил оперу для свадьбы короля Людовика XIV с Марией Терезой Испанской. Итальянская опера уже исполнялась во Франции в 1640-х годах и имела неоднозначный прием, а зарубежная экспедиция Кавалли закончилась катастрофой. Французская публика не очень хорошо отреагировала на возобновление « Ксерса» (1660) и специально написанную «Эрколе влюбленный» (1662), предпочитая балеты, вставленные между актами флорентийским композитором Жаном-Батистом Люлли , и Кавалли поклялся никогда больше не сочинять оперу.
Чести повезло больше, когда его попросили написать оперу для двора Габсбургов в Вене в 1668 году. Il pomo d'oro был настолько грандиозным, что представление пришлось растянуть на два дня. Это был огромный успех, и он ознаменовал начало итальянского оперного господства к северу от Альп. В конце 17 века немецкие и английские композиторы пытались установить свои собственные национальные традиции, но к началу 18 века они уступили место импортной итальянской опере, которая стала международным стилем в руках таких композиторов, как Гендель . Только Франция сопротивлялась (и ее оперная традиция была основана итальянцем Люлли). Это задавало шаблон вплоть до 19 века: итальянская традиция была международной, и ее ведущие представители (например, Гендель, Хассе, Глюк и Моцарт) часто не были уроженцами Италии. Композиторам, которые хотели развивать свои собственные национальные формы оперы, как правило, приходилось бороться с итальянской оперой. Таким образом, в начале XIX века и Карл Мария фон Вебер в Германии, и Гектор Берлиоз во Франции чувствовали, что им необходимо бросить вызов огромному влиянию итальянца Россини .
К концу 17 века некоторые критики считали, что необходима новая, более возвышенная форма оперы. Их идеи дали начало жанру opera seria (буквально «серьёзная опера»), [6] который стал доминирующим в Италии и большей части остальной Европы до конца 18 века. Влияние этого нового отношения можно увидеть в работах композиторов Карло Франческо Поллароло [7] и чрезвычайно плодовитого Алессандро Скарлатти . [8]
В течение XVIII века художественная и культурная жизнь в Италии находилась под сильным влиянием эстетических и поэтических идеалов членов Accademia dell'Arcadia . Аркадийские поэты внесли много изменений в серьезную музыкальную драму на итальянском языке, в том числе: [9]
Самым успешным либреттистом той эпохи был Пьетро Метастазио , и он сохранил свой престиж вплоть до XIX века. Он принадлежал к Аркадийской академии и твердо придерживался ее теорий. Либретто Метастазио часто писали двадцать или тридцать разных композиторов, и зрители знали слова его драм наизусть. [10]
В XVII веке комические оперы ставились лишь изредка, и устойчивой традиции не было. Только в первые годы XVIII века в Неаполе зародился комический жанр оперы-буффа , который начал распространяться по всей Италии после 1730 года.
Опера-буффа отличалась от оперы-сериа многочисленными характеристиками:
_Ca_Goldoni_Venezia.jpg/1280px-Alessandro_Longhi_-_Ritratto_di_Carlo_Goldoni_(c_1757)_Ca_Goldoni_Venezia.jpg)
Во второй половине XVIII века комическая опера обязана своим успехом сотрудничеству драматурга Карло Гольдони и композитора Бальдассаре Галуппи . Благодаря Галуппи комическая опера приобрела гораздо большее достоинство, чем во времена интермеццо. Оперы теперь делились на два или три акта, создавая либретто для произведений существенно большей длины, которые значительно отличались от опер начала XVIII века сложностью своих сюжетов и психологией своих персонажей. Теперь они включали некоторые серьезные фигуры вместо преувеличенных карикатур, и оперы имели сюжеты, которые фокусировались на конфликте между социальными классами, а также включали самореферентные идеи. Самая известная совместная работа Гольдони и Галуппи — «Философ деревни» (1754).
Сотрудничество Гольдони и другого известного композитора Никколо Пиччини с La Cecchina (1760) породило еще один новый жанр: полусериа-опера . В ней было два персонажа -буффона , два дворянина и два «промежуточных» персонажа.
Одноактный фарс оказал значительное влияние на развитие комической оперы. Это был тип музыкальной драмы, изначально считавшийся сжатой версией более длинной комической оперы, но со временем ставший самостоятельным жанром. Для него были характерны: вокальная виртуозность; более утонченное использование оркестра; большое значение, придаваемое постановке; наличие недоразумений и неожиданностей в ходе драмы.
Opera seria имела свои слабости и критиков; вкус к приукрашиванию со стороны превосходно обученных певцов и использование зрелища в качестве замены драматической чистоты и единства вызывали нападки. « Эссе об опере» Франческо Альгаротти (1755) оказалось источником вдохновения для реформ Кристофа Виллибальда Глюка . Он выступал за то, чтобы opera seria вернулась к основам и чтобы все различные элементы — музыка (как инструментальная, так и вокальная), балет и постановка — были подчинены главенствующей драме. Несколько композиторов того периода, включая Никколо Йоммелли и Томмазо Траэтта , пытались воплотить эти идеалы в жизнь. В 1765 году Мельхиор Гримм опубликовал «Poème lyrique» , влиятельную статью для Encyclopédie о лирических и оперных либретто . [12] [13] [14] [15] [16]
Однако первым, кто действительно добился успеха и оставил неизгладимый след в истории оперы, был Глюк. Глюк пытался достичь «прекрасной простоты». Это проиллюстрировано в первой из его «реформаторских» опер, «Орфей и Эвридика» , где вокальные партии, лишенные виртуозности (скажем) произведений Генделя, поддерживаются простыми гармониями и заметно более богатым, чем обычно, оркестровым присутствием на протяжении всего произведения.
Реформы Глюка имели резонанс на протяжении всей истории оперы. Вебер, Моцарт и Вагнер, в частности, находились под влиянием его идеалов. Моцарт, во многих отношениях преемник Глюка, сочетал превосходное чувство драмы, гармонии, мелодии и контрапункта, чтобы написать серию комедий, в частности «Женитьба Фигаро» , «Дон Жуан» и «Так поступают все » (в сотрудничестве с Лоренцо да Понте ), которые остаются среди самых любимых, популярных и известных опер сегодня. Но вклад Моцарта в оперу-сериа был более неоднозначным; к его времени она угасала, и, несмотря на такие прекрасные работы, как «Идоменей» и «Милосердие Тита» , ему не удалось снова вернуть эту форму искусства к жизни.
Романтическая опера, которая делала акцент на воображении и эмоциях, начала появляться в начале 19 века, и благодаря своим ариям и музыке придала больше измерения экстремальным эмоциям, которые были типичны для театра той эпохи. Кроме того, говорят, что хорошая музыка часто оправдывала вопиющие недостатки в прорисовке персонажей и сюжетных линиях. Джоаккино Россини (1792–1868) положил начало романтическому периоду. Его первым успехом была «opera buffa» (комическая опера), La cambiale di matrimonio (1810). Его репутация сохранилась и сегодня благодаря его « Севильскому цирюльнику» (1816) и «Золушке» (1817). Но он также написал серьезные оперы, «Танкред» (1813) и «Семирамида» (1823).
Преемниками Россини в итальянском бельканто были Винченцо Беллини (1801–35), Гаэтано Доницетти (1797–1848) и Джузеппе Верди (1813–1901). Именно Верди преобразил всю природу оперного письма в течение своей долгой карьеры. Его первая большая успешная опера, «Набукко» (1842), привлекла внимание публики из-за движущей силы ее музыки и ее великолепных хоров. « Va, pensiero », одно из исполнений хора, было интерпретировано и придало выгодное значение борьбе за независимость Италии и объединение Италии.
После «Набукко » Верди основывал свои оперы на патриотических темах и многих стандартных романтических источниках: Фридрих Шиллер ( Жанна д'Арк , 1845; Маснадьери , 1847; Луиза Миллер , 1849); Лорд Байрон ( Двое Фоскари , 1844; Корсар , 1848); и Виктор Гюго ( Эрнани , 1844; Риголетто , 1851). Верди экспериментировал с музыкальными и драматическими формами, пытаясь открыть то, что могла сделать только опера.
В 1887 году он создал «Отелло» , который полностью заменил одноименную оперу Россини и который критики описывают как лучшую из итальянских романтических опер с традиционными компонентами: сольными ариями, дуэтами и хорами, полностью интегрированными в мелодичное и драматическое течение.
Последняя опера Верди, «Фальстаф» (1893), полностью освободилась от традиционной формы и нашла музыку, которая следует за быстрыми, текущими простыми словами, и благодаря своему уважению к шаблону обычной речи, она создала порог для новой оперной эпохи, в которой речевые шаблоны имеют первостепенное значение.
Опера стала браком искусств, музыкальной драмой, полной славных песен, костюмов, оркестровой музыки и зрелищ; иногда, без помощи правдоподобной истории. С момента своего зарождения в период барокко до зрелости романтического периода, она была средством, посредством которого сказки и мифы пересматривались, история пересказывалась и воображение стимулировалось. Ее сила пришлась на более жестокую эпоху для оперы: веризм , с Cavalleria Rusticana Пьетро Масканьи и Pagliacci Руджеро Леонкавалло .
Некоторые из величайших итальянских опер XX века были написаны Джакомо Пуччини (1858–1924). К ним относятся «Манон Леско» , «Богема » , « Тоска» , «Мадам Баттерфляй» , «Девушка с Запада» , «Ла Рондина» и «Турандот» , последние две остались незаконченными. В 1926 и 2002 годах Франко Альфано и Лучано Берио соответственно попытались завершить «Турандот» , а в 1994 году Лоренцо Ферреро завершил оркестровку третьей версии «Ла Рондина» . Сам Берио написал две оперы: «Услышав короля » и «Опера» . Ферреро также написал несколько опер, включая «Сальваторе Джулиано» , «Завоевателя» и «Ризорджименто!» 2011 года.
Другие итальянские оперные композиторы XX века:
