.jpg/1280px-Platter_with_Scene_of_the_Rape_of_Europa_LACMA_48.2.17_(cropped).jpg)
Лиможская эмаль производится в Лиможе , на юго-западе Франции , на протяжении нескольких столетий и до настоящего времени. Есть два периода, когда он имел европейское значение. С XII века по 1370 год существовала крупная промышленность по производству металлических предметов, украшенных эмалью в технике выемчатого плетения , из которых большая часть сохранившихся (около 7500 штук) [1] и, вероятно, большая часть оригинальной продукции представляют собой религиозные предметы. такие как реликварии .
После столетнего перерыва промышленность возродилась в конце 15 века, теперь она специализируется на технике расписной эмали и в течение нескольких десятилетий производит скорее светские, чем религиозные произведения. Во времена французского Возрождения это был ведущий центр с несколькими династическими мастерскими, которые часто подписывали или ставили штампы на своих работах. [2] Роскошные предметы, такие как тарелки, бляшки и кувшины, были расписаны сложным маньеристским декором в виде живописных фигурных сцен, которые на сосудах были окружены сложными бордюрами.
В оба периода самые крупные произведения включают сюжетные сцены. Они иллюстрируют стили соответствующих периодов. В средневековом шамплеве действие просто и прямо показано несколькими фигурами на узорчатом фоне. В картинах маньеристов многочисленные фигуры и детализированный фон имеют тенденцию подавлять активность главных фигур.
После упадка примерно с 1630 года и более поздней конкуренции со стороны фарфора , высококачественное производство возродилось в середине 19 века и приняло модерн и другие современные стили с относительно небольшим производством. [3]
К XII веку Лимож уже был крупнейшим и самым известным, но не самым качественным европейским центром производства выемчатой эмали ; его работы были известны как Opus de Limogia или Labor Limogiae . [5] Основными конкурентами города на ценовом рынке были северные испанские мастерские, а работы Лиможа с самого начала демонстрируют признаки испанского и исламского влияния; высказывались предположения, что между двумя регионами имело место перемещение рабочих. [6] Более поздний вермикулированный стиль и псевдокуфические границы являются двумя примерами такого влияния. [7] На некоторых из ранних эмалевых изделий Лиможа изображена полоса, написанная псевдокуфическим письмом, которая «была повторяющимся орнаментом в Лиможе и уже давно была принята в Аквитании». [8]
Таблички с шамплеве и « шкаты шассе » или реликварии на меди в конечном итоге стали производиться почти массово и были доступны приходским церквям и дворянству. Тем не менее, работы высочайшего качества с шамплеве происходили из долины Мосан в таких произведениях, как « Триптих Ставело» , а позже эмальеры Basse-taille из Парижа, Сиены и других стран возглавили верхнюю часть рынка эмали, часто с основами из драгоценного металла; почти все эти куски в какой-то момент были переплавлены. Но Лимож по-прежнему получал заказы на важные предметы для соборов или королевских покровителей, особенно в XII и XIII веках, и был доступен целый ряд работ разного качества. Промышленность уже находилась в упадке к 1370 году, когда жестокое разграбление города после осады Лиможа англичанами во главе с Эдвардом Черным принцем фактически положило ей конец. [9] К тому времени ювелиры в крупных центрах в основном обратились к другим методам, таким как басс-тайль. [10]
Лиможскую эмаль обычно наносили на медную основу, но иногда и на серебро или золото. [5] Сохранность часто превосходна из-за прочности используемого материала, [5] и более дешевые лиможские работы по меди сохранились гораздо быстрее, чем изысканные работы по драгоценным металлам, которые почти все были переработаны для получения материалов в некоторых случаях. точка. Части, не покрытые эмалью, обычно золочились ; существовало два основных стиля. В первом, более распространенном, но появившемся только около 1200 года, фигуры были позолочены и часто, по крайней мере частично, рельефны , а фон в основном был покрыт цветной эмалью. В другом все было наоборот, и фигуры были покрыты эмалью на позолоченном фоне. [11]
Позолоченные участки также были отмечены врезанными линиями, изображающими лица и одежду фигур или узоры на заднем плане (последний вариант известен как вермикулированный стиль). Изделия часто украшались драгоценными камнями, обычно имитациями эмали или стекла в сохранившихся изделиях, а разноцветные медальоны на многих фонах можно понимать как имитацию драгоценных камней. Примерно с 1200 года синий с золотом позолоченных участков стал преобладающим цветом в палитре Лиможа. В средневековом искусстве синий цвет был общеизвестно дорогим в других средах, таких как живопись, но относительно легко достигался как в эмали, так и в витражах , производители которых в полной мере воспользовались этим. [12]
Более мелкие элементы рельефа в основном изготавливались путем штамповки в штампах с изображением таких деталей, как головы фигур, которые в остальном были плоскими; Если целые фигуры имеют рельеф, они обычно изготавливаются из отдельного куска меди, который сначала выталкивают сзади, чтобы придать грубую форму, а затем обрабатывают лицевую часть. Они были прикреплены к основной части медными заклепками , круглые головки которых обычно хорошо видны. В некоторых изделиях, особенно таких, как головки посохов трехмерной формы, одинаковые с двух сторон, весь корпус был забит в металлические матрицы, несущие рисунок. Тогда, скорее всего, обе стороны должны были быть спаяны вместе. [13]
Росту промышленности Лиможа и его репутации в XII веке, судя по всему, во многом обязан Гранмонтинцам , монашескому ордену, материнский дом которого находился за пределами города. Орден быстро рос после смерти его основателя, святого Стефана Мюре в 1124 году, и ему покровительствовал король Англии Генрих II . Уже не считается, что в самом аббатстве Гранмонт существовала эмалировочная мастерская; вместо этого покровительствовали светским мастерским Лиможа. Орден имел мало земли и был беден, а его суровое правление, на первый взгляд, не поощряло расходы на искусство; здесь не использовалась монументальная скульптура. Тем не менее, эмали отправляли в новые дома, возникающие, в основном во Франции. [14]
Папа Иннокентий III (1198–1216), дважды посещавший Грандмонт, заказал работы в Лиможе для Рима: реликварий для своей титульной церкви и работу для святыни Святого Петра в базилике Святого Петра , которая фактически является самым престижным местом в Западной церкви. Четвертый Латеранский собор , созванный Иннокентием, уточнил, что лиможская эмаль подходит для одного из двух пиксов, которые должна была иметь каждая церковь (хотя она не считалась подходящим материалом для чаш , которые католические правила до сих пор обычно требуют, чтобы они были как минимум покрыты покрытием). в драгоценном металле). [15]
Другими факторами в распространении репутации работы Лиможа было то, что Лимож находился на главном маршруте паломничества в Сантьяго-де-Компостелла , а также находился под покровительством рыцарей-тамплиеров . Части были подарены даже в королевствах крестоносцев Святой Земли и Скандинавии , и сохранились в Новгороде в России. [13]
Помимо шкатулок, которые составляли значительную часть продукции того периода, существовало много других типов предметов, выполненных из лиможской эмали. Те, что были созданы для церковного использования, имели больше шансов выжить, и в начале периода, вероятно, преобладали. Некоторые типы предметов, например подсвечники, обычно небольшого размера с шипом, и орнаментальные медальоны для сундуков, обычно имеют светское или нейтральное оформление и, вероятно, делались одинаковыми для обоих рынков. В более поздний период другие предметы могут иметь явно светское оформление, например рыцарские сцены боя рыцарей [16] или, более редкие, сцены куртуазной любви . [17] Религиозные книжные обложки (или переплеты с сокровищами ) производились в большом количестве на протяжении всего периода, обычно в виде пар бляшек, которые редко сохранились вместе; Бог Отец и распятие Христа — общие темы. [18]
Другие сюжеты, которые появляются в лиможской эмали гораздо чаще, чем в другом религиозном искусстве того периода, включают жизнь святой Валерии Лиможской , местной героини, а также мученичество святого Фомы Бекета , чей культ активно пропагандировался церковью после его смерть, включая распространение вторичных реликвий (кусков его одежды, пропитанных его разбавленной кровью) по Европе. Тот факт, что в Лиможе существует более двадцати картин, изображающих историю трех волхвов, слегка озадачил историков искусства. Их мощи были «перенесены» из Милана в Кёльн в 1164 году, [19] и было высказано предположение, что в качестве реликвий были доступны части каменной кладки старой святыни в Милане. [20] В подобных предметах, со многими сохранившимися примерами, изображения часто очень похожи или делятся на группы, предполагая общие замыслы и, возможно, разные мастер-классы с использованием одних и тех же узоров.
В 13 веке была мода на верхушки элитных гробниц иметь эмалированную и металлическую панель с изображением усопшего, часто рельефным . Двое детей святого Людовика IX (1214–1270), умерших молодыми, имели такие гробницы в аббатстве Руайомон под Парижем (ныне в базилике Сен-Дени ), [21] и зарегистрирован ряд гробниц епископов и великих дворян; немногие пережили Французскую революцию . [22] Это было частью тенденции позднего Лиможа к тому, чтобы работы становились все более скульптурными, часто с небольшими штрихами эмали. [23] Число светских предметов или тех, что сохранились, увеличилось в более поздний период, включая подсвечники, медальоны для украшения сундуков и другие вещи, [24] и драгоценные камни, чаши для церемониального омовения рук, которые приходили парами, слуги переливают руки из одного в другого. [17]
_(cropped).jpg/1280px-Master_of_the_Orl%C3%A9ans_Triptych_-_Triptych_-_Annunciation_with_the_Prophets_David_and_Isaiah_-_Walters_44316_(2)_(cropped).jpg)
Техника расписной эмали появилась в середине 15 века, возможно, сначала в Нидерландах, а вскоре за ней последовал Лимож во время правления Людовика XI (1461–1483). [26] Первый значительный мастер, известный под именем Монваерни, или Псевдо-Монваерни, поскольку теперь известно, что это имя основано на неправильном прочтении надписи, работал в последние десятилетия века. [27] За ним последовали неизвестные художники, названные «Мастером триптиха Людовика XII» по названию произведения из Музея Виктории и Альберта , и «Мастер Орлеанского триптиха», создавший ряд религиозных произведений примерно до 1515 года. в стиле, все еще основанном на живописи прошлого века. [28] Они были слишком малы для церквей и, очевидно, использовались для частных богослужений, возможно, особенно для частых путешественников. [29]
Эта техника процветала в различных мастерских Лиможа на протяжении 16 века, пользуясь привилегиями короля, которые давали ей почти монополию во Франции. Кроме того, со времен Людовика XI королевскими указами возможность получить звание мастера гильдии эмальеров была ограничена несколькими семьями. [30] Эмали производились в мастерских, которые часто сохранялись в одной семье на протяжении нескольких поколений, и часто подписывались на эмали или идентифицировались, по крайней мере, в пределах семьи или мастерской, по отметкам на обратной стороне панелей, как ну и по стилю. [31]
По крайней мере, первоначально это были предметы очень высокого статуса для изысканного вкуса двора и других богатых коллекционеров, [32] а богатые горожане пополняли клиентскую базу с 1530-х годов по мере расширения отрасли. [33] В отличие от средневекового лиможского шамплеве, эти эмали производились для рынка, в основном ограниченного Францией, хотя некоторые изделия были заказаны из Германии. [34] В то время как средневековый шамплеве Лиможа конкурировал с рядом других центров Европы, в 16 веке действительно не было другого города, производящего какое-либо количество больших живописных эмалей в стиле маньеризма . Некоторые кусочки муранского стекла были частично окрашены в аналогичном стиле.
К 1580 году этот стиль, похоже, вышел из моды, и Бернар Палисси , создатель дополнительного стиля в керамике, писал, что «их искусство стало настолько дешевым, что они едва могут зарабатывать на жизнь». [35] Производство продолжалось и в 17 веке, но после первых десятилетий качество снижалось. В 18 веке роль предметов роскоши эмалированной посуды в значительной степени вытеснил европейский фарфор , но после некоторых технических усовершенствований роспись эмалью стала широко использоваться для небольших портретных миниатюр , что до этого было английской эксцентричностью. Они были нарисованы во многих крупных городах, где были клиенты, и Лимож играл лишь незначительную роль. Лимож также был активным центром расписного фаянса , а затем и лиможского фарфора . [3]
В новой технике создавались изделия с очень подробными фигуративными сценами или декоративными схемами. Как и в случае с итальянской майоликой , на которую в некотором смысле окрашенная эмалью Лиможа была запоздалым французским ответом, образы, как правило, были взяты из классической мифологии или аллегории, хотя они включают религиозные сцены, часто из Ветхого Завета . Многие мастера на протяжении столетия становились гугенотами (французскими кальвинистами ), а новые печатные моралисты Библии с иллюстрациями Бернара Саломона и других сделали доступными большое количество повествовательных сцен, которые ранее не были широко известны. [36]
Композиции в основном были взяты из немецких, французских или итальянских гравюр , особенно для более крупных сцен с множеством фигур. Границы на более крупных изделиях очень сложны и используют весь спектр маньеристского орнамента, дополненный орнаментальными принтами и другими моделями. Здесь много ремешков , а фантастическим гротескам часто придается комическая трактовка. [37] Веселые гротески, изображенные справа, находятся на обратной стороне большого блюда, на главной стороне которого изображено яркое изображение Разгрома армии фараона в Красном море . [38] Оба дизайна тесно параллельны, но не являются точными копиями, в произведениях из других коллекций, в частности в Метрополитен-музее в Нью-Йорке. Дизайны также основаны на гравюрах, но эмалировщики адаптировали их для своих изделий. [39]
Появление около 1530 года стиля гризайль , в котором большая часть композиции выполнена в черно-белом цвете, может показаться удивительным в среде, эффект которой обычно полагался на широкую гамму ярких цветов, с которыми могла сравниться только керамика в других странах. средства массовой информации, такие как металлические изделия, из которых были изготовлены подобные объекты. Часто включались другие приглушенные цвета, особенно золотой и розовый для телесного цвета. Возможно, на это повлияло черно-белое изображение отпечатков, с которых были созданы рисунки, и этот стиль, вероятно, было гораздо легче реализовать. Области гризайля обычно создавались путем обжига слоя «черной» эмали, на самом деле обычно очень темного цвета шелковицы , иногда очень темно-синей, с последующим добавлением слоя белого цвета и частичным стиранием его перед повторным обжигом. Затем можно добавить блики белого, золотого или других цветов. [40] Изделия в стиле гризайль доминировали в производстве примерно в период между 1530 и 1560 годами, и после этого продолжали производиться наряду с полихромными. [41] Утверждалось, что эти произведения были «мрачными и мрачными, отражая пессимизм, преобладавший во время Реформации». [3]
Эмали по-прежнему наносились на основы из медных листов; при изготовлении сложных трехмерных форм, часто используемых сейчас, не может использоваться припой , который не выдерживает температуры обжига. Заднюю часть листов также необходимо было покрыть эмалью, даже там, где она была бы невидима, чтобы уменьшить коробление во время обжига; эта невидимая эмаль называется «контрэмалью», и в ней используются отходы окрашенных сторон. Техника требовала (если не гризайли ) многократных обжигов при тщательно контролируемых температурах для обжига различных цветов, хотя количество фактически необходимых обжигов в последние десятилетия стало предметом некоторых споров. Более ранние авторы утверждали, что их число может достигать двадцати, но теперь более вероятным кажется максимум восемь или девять. [42] Ртутное золочение использовалось для золотых участков, очень распространенных на границах; этот и некоторые другие цвета использовались лишь ненадолго, на заключительном этапе. [43]
Учитывая королевские привилегии, эмалевые мастерские, как правило, оставались семейными и к тому же довольно плохо документированы по сравнению с художниками; Различные подписи и монограммы на произведениях дали историкам искусства повод для споров. [44] Клейма на металлических рамах или оправе могут помочь определить даты. Леонар Лимузен был самым известным из семи художников-эмальеров семьи Лимузен, чьи подписанные и датированные работы простираются от 1532 до 1574 года. В семью Курт/де Кур, вероятно, входила большая часть Жана Курта (активный 1550-е годы), Жана де Курта (активный 1560-е и 1550 -е годы). 1570-е годы, также успешный художник-портретист маслом), Сюзанна де Курт , возможно, работавшая с 1570-х по 1620-е годы, и Пьер Курте (или Куртуа), подписывавший работы с 1550 по 1568 год. Семьи Пенико, Лоден и Реймон или Раймон ( Пьер Реймонд ) были также выдающиеся эмальеры, [31] Лаудены, особенно известные в 17 веке, как «последняя искра» лиможской традиции. [45]
Некоторые из этих подписей (обычно это просто инициалы) могут означать «из фирмы/мастерской», а не «нарисованные». Некоторые отдельные художники-эмалисты также известны по конкретным работам, а других приписывают им на основании их стиля; иллюстрация здесь взята из серии об « Энеиде» «Мастера Энеиды», [46] изготовившего около 1530-х годов большой набор бляшек, из которых 74 сейчас широко разбросаны по различным коллекциям. Они копируют композиции гравюр на дереве , впервые использованные в издании произведений Вергилия , опубликованном в Страсбурге в 1502 году, а затем повторно использованные в лионских изданиях 1517 и 1529 годов; в них было 143 иллюстрации к «Энеиде» , и ни одна из последних трех книг не сохранила эмалевых версий. Они, возможно, украсили небольшой кабинет, [47] отделанный деревянными панелями, как в кабинете красот, принадлежавшем королеве Екатерине Медичи после ее смерти в 1589 году, украшенный небольшими эмалевыми портретами. [48]
Серия «Энеида» отражает по существу готический стиль скопированных гравюр на дереве, [47] но, вероятно, была сделана, когда Леонар Лимузен уже находился на службе у короля. Его знакомство с итальянским стилем Первой школы Фонтенбло, вероятно, стало ключом к быстрому принятию утонченного стиля маньеризма художниками Лиможа, где он господствовал до конца столетия. [49]
Эмали изготавливались в виде таких предметов, как подсвечники, блюда, сосуды и задние части зеркал, а также в виде плоских пластинок, которые можно было вставлять в другие предметы, например, шкатулки. Хотя их очень часто изготавливали в форме для подачи еды и напитков, данные свидетельствуют о том, что обычно они не использовались для этого, а хранились среди других предметов искусства в приемных. [50] Как и в случае со средневековыми эмалями, некоторые изделия, очевидно, делались на заказ, другие, вероятно, изготавливались для продажи или распространения на рынке. [33] Значки на шляпах стали популярными по мере расширения отрасли и клиентуры; Гранд предпочитал для них традиционные украшения. [35]
Самым большим сохранившимся трехмерным произведением является «настольный фонтан» в стиле гризайль высотой 490 мм в поместье Уоддесдон в Англии, датированный 1552 годом и предположительно сделанный для Дианы де Пуатье , любовницы французского короля Генриха II . [51] Однако это может быть «составное» произведение, составленное в 18 и 19 веках из ряда произведений 16 века с добавленными соединенными инициалами Анри и Дианы. [52]
Шкатулка Сивиллы из наследия Уоддесдона в Британском музее (одна из лучших коллекций и всегда выставлена напоказ) представляет собой искусно сделанную небольшую запирающуюся шкатулку с каркасом из позолоченного серебра и драгоценными камнями, украшенным панелями гризайль с оттенками золота и телесного цвета. оттенки. Он представляет изысканный придворный вкус примерно 1535 года и, вероятно, предназначался для женских драгоценностей. Большинство таких наборов эмалевых вставок утратили настройки, для которых они предназначались, [53] , но многие из них сейчас находятся в сменных рамах, добавленных парижскими дилерами во второй половине XIX века. [54]
После длительного периода, когда их собирали очень мало, интерес к нарисованным Лиможу возродился в первой половине XIX века как часть общего возрождения эпохи Возрождения. Вкус рос до конца века, когда Париж стал основным рынком для сбора образцов из замков, при необходимости переделывал их с обычной смелостью 19-го века и продавал их все более интернациональной группе очень богатых коллекционеров. Навыки, приобретенные для ремонта, привели к некоторым откровенным подделкам. Историки искусства начали реконструировать имена и биографии за запутанными свидетельствами по подписям и стилям, [54], а также имитациям керамики из Франции и Англии. [55]
С середины века большие группы включались в соответствующие выставки в Париже и Лондоне, а позже частные коллекции большей частью перешли в музеи; «Важные коллекции лиможских эмалей сегодня находятся в десятке музеев»: [56]
Эта часть представляет собой центральную пластинку креста » первой трети XIII века. Сейчас она находится в Почетном легионе Сан-Франциско . Нерезная часть позолочена, чтобы обрамлять эмалированные части. Этот крест, вероятно, использовался в Аббатство Сен-Марциаль, вероятно, как процессионный крест .
Крест Спитцера — это распятие , изготовленное около 1190 года в Лиможе , во Франции, мастером, известным как «Мастер королевской мастерской Плантагенетов». Работа выполнена из меди, гравирована и позолочена, инкрустирована выемчатой лиможской эмалью с оттенками синего, зеленого, желтого, красного и белого цветов и изображает Христа на кресте . Возможно, он был сделан как процессионный крест для аббатства Грандмон : подобные кресты хранятся в других коллекциях, в том числе в Метрополитен-музее .
На этом гробу-реликварии изображены сцены смерти Томаса Бекета . Святой Томас Бекет, архиепископ Кентерберийский , был убит в Кентерберийском соборе в 1170 году, предположительно по желанию короля Англии Генриха II . Беккет был канонизирован как святой через три года после его убийства, а сцены из жизни и смерти Томаса Беккета очень быстро стали популярными источниками вдохновения для художников Лиможа, которые находятся на более чем 45 сохранившихся сегодня гробах. [57] Сейчас он находится в Ордене Почетного легиона Сан-Франциско в Галереях средневекового искусства.
Ларец Беккета в Лондоне (на фото вверху) — еще один пример Лиможа; это самая большая сохранившаяся гробница Бекета и, возможно, самая старая. Возможно, это было сделано всего через десять лет после убийства Беккета. [58]
_(15008672249).jpg/1280px-Rijksmuseum.amsterdam_(74)_(15008672249).jpg)
.jpg/1280px-LACMA_Laudin_ma-71360-WEB_(cropped).jpg)
