Гобелен — это форма текстильного искусства , традиционно сотканная вручную на ткацком станке . Обычно он используется для создания изображений, а не узоров. Гобелен относительно хрупкий и сложный в изготовлении, поэтому большинство исторических произведений предназначены для вертикального размещения на стене (или иногда в палатках), а иногда и горизонтально на предмете мебели, таком как стол или кровать. В некоторые периоды изготавливались меньшие по размеру произведения, часто длинные и узкие, и использовались в качестве границ для других текстильных изделий . Большинство ткачей используют натуральную нить основы, такую как шерсть , лен или хлопок . Уточные нити обычно шерстяные или хлопковые, но могут включать шелк , золото , серебро или другие альтернативы.
В позднесредневековой Европе гобелен был самым грандиозным и самым дорогим средством для создания образных изображений в двух измерениях, и, несмотря на быстрый рост значимости живописи, он сохранял эту позицию в глазах многих покровителей эпохи Возрождения по крайней мере до конца XVI века, если не дольше. [1] Европейская традиция продолжала развиваться и отражать более широкие изменения в художественных стилях вплоть до Французской революции и Наполеоновских войн , прежде чем возродиться в меньших масштабах в XIX веке.
Технически, гобелен — это ткачество с лицевой стороны утка , в котором все нити основы скрыты в готовой работе, в отличие от большинства тканых тканей, где и нити основы, и нити утка могут быть видны. В ткачестве гобелена нити утка, как правило, прерывистые (в отличие от парчи ); мастер переплетает каждый цветной уток вперед и назад в его собственной небольшой области узора. Это простое ткачество с лицевой стороны утка, в котором нити утка разных цветов проработаны над частями основы, чтобы сформировать рисунок. [2] Европейские гобелены обычно изготавливаются так, чтобы их можно было видеть только с одной стороны, и часто имеют простую подкладку, добавленную на изнанку. Однако другие традиции, такие как китайская кеси и традиция доколумбового Перу , делают гобелен видимым с обеих сторон. [3]
Гобелен следует отличать от другой техники вышивки , [4] хотя большие части вышивки с изображениями иногда свободно называют «гобеленом», [5] как в случае со знаменитым гобеленом из Байё , который на самом деле вышит. [6] Начиная со Средних веков европейские гобелены могли быть очень большими, с изображениями, содержащими десятки фигур. Их часто делали наборами, так что ими можно было увешать целую комнату.
В английском языке слово «tapestry» имеет два значения, оба из которых применимы к большинству обсуждаемых здесь работ. Во-первых, оно означает работу с использованием техники ткачества гобелена, описанной выше и ниже, а во-вторых, оно означает довольно большую текстильную настенную подвеску с образным дизайном. Некоторые вышитые работы, такие как Bayeux Tapestry , соответствуют второму определению, но не первому. Ситуация осложняется французским эквивалентом tapisserie , также охватывающим вышивку , что может привести к путанице, особенно с такими изделиями, как чехлы для мебели, где используются обе техники.
Согласно Оксфордскому словарю английского языка , самое раннее использование в английском языке было в завещании 1434 года, где упоминается "Lectum meum de tapstriwerke cum leonibus cum pelicano". [7] Они дают широкое определение, охватывающее: "Текстильная ткань, украшенная узорами орнамента или изобразительными сюжетами, расписанная, вышитая или сотканная в цветах, используемая для настенных украшений, занавесей , чехлов для сидений, ..." прежде чем упомянуть "особенно" те, которые сотканы в гобеленовое переплетение. [8]
Слово гобелен происходит от старофранцузского tapisserie , от tapisser , [9] означающего «покрывать тяжелой тканью, ковром», в свою очередь от tapis , «тяжелая ткань», через латинское tapes ( род : tapetis ), [10] которое является латинизацией греческого τάπης ( tapēs ; род: τάπητος , tapētos ), «ковер, коврик». [11] Самая ранняя засвидетельствованная форма слова — микенское греческое 𐀲𐀟𐀊 , ta -pe-ja , записанное линейным слоговым письмом Б. [12]
«Tapestry» не был общепринятым английским термином до конца классического периода для них. Если их не называли просто «hangings» или «cloths», они были известны как «arras», с того периода, когда Аррас был ведущим производственным центром. Arazzo до сих пор является термином для гобелена в итальянском языке, в то время как ряд европейских языков используют варианты, основанные на Gobelins , по названию французской фабрики; например, и датский, и венгерский используют gobelin (а в датском tapet означает обои ). Томас Кэмпбелл утверждает, что в документах, относящихся к королевской коллекции Тюдоров с 1510 года «arras» конкретно означал гобелены с использованием золотой нити. [13]
Гобелен — это тип ткачества . Могут использоваться различные конструкции ткацких станков , включая вертикальные или «высокоосновные» ткацкие станки, где гобелен натягивается вертикально перед ткачом, или горизонтальные «низкоосновные» ткацкие станки, которые были обычными в крупных средневековых и ренессансных мастерских, но позже в основном использовались для более мелких изделий. Ткач всегда работает с обратной стороны изделия и обычно следует за полноразмерным нарисованным или раскрашенным картоном или, возможно, другим гобеленом; в зависимости от настройки, это переворачивает (является зеркальным отражением) изображение гобелена. Картон обычно создавался с меньшего modello , который в «промышленных» мастерских, по крайней мере, с позднего Средневековья производился профессиональным художником, который часто имел мало или вообще не имел дальнейшего участия в процессе. Картон переносился на линии основы ткачом, а затем помещался туда, где его все еще можно было видеть, иногда через зеркало, когда он висел позади ткача. На ткацких станках с низкой основой картон обычно разрезался на полосы и помещался под ткачество, где ткач мог видеть его сквозь «паутину» нитей. [14] Карикатуры Рафаэля , которые являются очень редкими примерами сохранившихся картонов, были разрезаны именно таким образом.
В европейских «промышленных» гобеленах нити основы обычно были шерстяными, но в более ремесленных и старых гобеленах часто использовался лен . Нити утка были шерстяными, а в самых дорогих гобеленах использовались шелковые, серебряные или золотые нити . Некоторые известные дизайны, такие как гобелены Сикстинской капеллы и набор «История Авраама», вероятно, впервые созданный для короля Генриха VIII , сохранились в версиях с драгоценными металлами и других версиях без них. [15] Использование шелка могло увеличить стоимость в четыре раза, а добавление золотой нити увеличивало стоимость в огромной степени, возможно, в пятьдесят раз по сравнению с одной шерстью. [16]
Ткачи обычно были мужчинами, так как работа была физически тяжелой; прядение нитей обычно было женской прерогативой. Помимо дизайна и материалов, качество гобеленов различается в зависимости от плотности плетения. Одной из современных мер этого является количество нитей основы на сантиметр. Подсчитано, что один ткач может изготовить квадратный ярд гобелена среднего качества за месяц, но только половину гобелена самого высокого качества. [17]
Успех декоративного гобелена можно частично объяснить его портативностью ( Ле Корбюзье однажды назвал гобелены «кочевыми фресками»). [18] Полностью сотканная вручную форма гобелена больше подходит для создания новых образных дизайнов, чем другие типы тканого текстиля, а ткацкие станки могли быть намного больше. [19] Короли и дворяне могли складывать и перевозить гобелены из одной резиденции в другую. У многих королей были «гардеробные» отделы с собственными зданиями, посвященные уходу, ремонту и перемещению гобеленов, которые складывались в большие холщовые сумки и перевозились на тележках. В церквях их выставляли по особым случаям. Гобелены также вешали на стены дворцов и замков для изоляции зимой, а также для декоративной демонстрации. Для особых церемониальных процессий, таких как коронации, королевские въезды и свадьбы, их иногда выставляли на улице. [20] Самые большие и лучшие гобелены, предназначенные для более общественных мест во дворцах, выставлялись только в особых случаях, что уменьшало износ и выцветание. Предположительно, меньшие личные комнаты висели постоянно. [21]
Многие более мелкие изделия изготавливались в качестве чехлов для мебели или подушек, или занавесок и покрывал для кроватей. Другие, особенно в случае тех, которые были сделаны для покровителей, не входящих в элиту, разрезались и повторно использовались для таких функций, когда они, или гобелены в целом, становились старомодными. Сумки, а иногда и одежда были другими повторными использованиями. [22] Мануфактура Бове стала скорее специалистом по обивке мебели, что позволило ей выжить после Французской революции , когда это стало основным оставшимся рынком. В случае гобеленов с драгоценными металлическими нитями их могли сжечь, чтобы извлечь металл, как это сделали солдаты Карла V с некоторыми гобеленами Сикстинской капеллы , а французское правительство Директории сделало в 1790-х годах с большей частью королевской коллекции эпохи Возрождения. [23]
В Средние века и эпоху Возрождения богатая гобеленовая панель, сотканная из символических эмблем , девизов или гербов, называемая балдахином , балдахином или государственными полотнищами, вешалась позади и над троном как символ власти. [24] Сиденье под таким государственным балдахином обычно располагалось на возвышении .
Поскольку картины стали считаться более важными произведениями искусства, как правило, к XVII веку, гобелены во дворцах стали перемещаться меньше и стали рассматриваться как более или менее постоянные принадлежности для определенной комнаты. Именно в этот момент многие старые гобелены были разрезаны, чтобы их можно было разместить вокруг дверей и окон. Они также часто страдали от унижения, когда поверх них висели картины. [25] Некоторые новые гобелены были сделаны, чтобы соответствовать определенной комнате; дизайн набора гобеленов из Крум-Корта , который сейчас находится в Нью-Йорке, имеет большое поле с орнаментальным дизайном, который можно было легко подогнать по размеру, чтобы он соответствовал размерам комнаты заказчика.
Многое неясно о ранней истории гобелена, поскольку фактические сохранившиеся образцы очень редки, а литературные упоминания в греческой, римской и других источниках почти никогда не дают достаточно подробностей, чтобы установить, что описывается техника гобелена. В Древнем Египте куски гобеленового плетения с использованием льна были найдены в гробницах Тутмоса IV (ум. 1391 или 1388 до н. э.) и Тутанхамона (ок. 1323 до н. э.), последний из которых представлял собой перчатку и халат. [26]
Кусочки шерсти, имеющие широкий диапазон дат около двух тысячелетий назад, были найдены на кладбище в Санпуле (Шампула) и других местах около Хотана в Таримской впадине . Они, по-видимому, были сделаны в разных местах, включая эллинистический мир . [27] Самые большие фрагменты, известные как гобелен Сампула и, вероятно, эллинистического происхождения, по-видимому, были получены из большого настенного ковра, но были повторно использованы для изготовления пары брюк.
Гобелен Гестии из Византийского Египта около 500–550 гг. представляет собой в значительной степени неповрежденный кусок шерсти со множеством фигур вокруг восседающей на троне богини Гестии , имя которой дано греческими буквами. Он имеет размеры 114 x 136,5 см (44,9 x 53,7 дюйма) с закругленным верхом и, предположительно, был повешен в доме, что свидетельствует о сохранении греко-римского язычества в этот поздний период. В Музее искусств Кливленда есть сопоставимая восседающая на троне Дева Мария того же периода. [28] Многие из небольших бордюров и заплаток с изображениями, которыми ранний византийский мир любил украшать свою одежду, были на гобелене.
Ряд сохранившихся образцов, датируемых примерно 1000 годом, показывают развитие формы фриза , большого длинного гобелена, который относительно невысок. Они, по-видимому, были предназначены для того, чтобы повесить его вокруг зала или церкви, вероятно, довольно высоко; сохранившиеся образцы почти все сохранились в церквях, но изначально могли быть светскими. Ткань Святого Гереона, датируемая примерно 1000 годом, имеет повторяющийся узор, сосредоточенный на медальонах с мотивом быка, нападающего на грифона , взятым из византийского шелка (или его персидского эквивалента), но, вероятно, сотканным на месте в Рейнской области . [29] Он сохранился в церкви в Кельне , Германия.
Пять полос гобеленов из Оверхогдала , из Швеции, датированные в пределах 70 лет от 1100 года, имеют рисунки, в которых животные значительно превосходят по численности человеческие фигуры, и им даны различные интерпретации. Одна полоса имеет геометрические мотивы. Гобелен из Скуга , также из Швеции, но, вероятно, начала XIV века, сопоставим по стилю.
Самым известным фризовым подвесом является гобелен из Байё , на самом деле вышивка, которая имеет длину 68,38 метра и ширину 0,5 метра (224,3 фута × 1,6 фута) и изначально была еще длиннее. Он был изготовлен в Англии, вероятно, в 1070-х годах, и повествование о нормандском завоевании Англии в 1066 году очень ясно, объяснено титулами на латыни . Это мог быть англосаксонский жанр, так как в Liber Eliensis записано, что вдова англосаксонского командира Биртнота подарила аббатству Эли гобелен или подвеску, прославляющую его деяния, предположительно в стиле гобелена из Байё, единственного сохранившегося примера такой работы. Он был подарен сразу после его смерти в 991 году в битве при Молдоне , поэтому, вероятно, висел в его доме ранее. [30]
Группа с повествовательными религиозными сценами в явно романском стиле , которая относится к иллюминированным рукописям Рейнланда того же периода, была создана для собора Хальберштадта в Германии около 1200 года и имела другую форму, чтобы соответствовать определенным пространствам. Они вполне могли быть сделаны монахинями или светскими канониссами близлежащего Кведлинбургского аббатства . [31]
В этот период повторяющиеся декоративные мотивы, все чаще геральдические и сопоставимые со стилями импортных роскошных тканей, таких как византийский шелк , по-видимому, были распространенными дизайнами. Из гобеленов, упомянутых выше, Полотно Святого Гереона лучше всего представляет этот стиль. [32]
Решающий сдвиг в истории европейского гобелена произошел около 1350 года и во многих отношениях задал образец для отрасли до конца ее основного периода важности, в потрясениях после Французской революции. [33] Гобелены, сделанные для очень небольшого числа клиентов, которые могли заказать лучшие изделия, теперь были чрезвычайно большими и чрезвычайно дорогими, очень часто изготавливались в наборах и часто показывали сложные повествовательные или аллегорические сцены с большим количеством фигур. [22] Они изготавливались в крупных мастерских, сосредоточенных в ряде городов в относительно небольшом регионе северной Франции и южных Нидерландов (отчасти из-за близости к поставкам английской шерсти). По традиции все они часто называются «фламандскими гобеленами», хотя большинство производственных центров на самом деле не находились в графстве Фландрия .
Прежде чем попасть в ткацкую мастерскую, в процессе заказа обычно участвовали покровитель, художник и торговец или дилер, которые занимались организацией и контрактами. Некоторые гобелены, похоже, изготавливались на склад, до того, как появлялся клиент. Финансирование значительных расходов на создание мастерской часто неясно, особенно в ранний период, но правители поддерживали некоторые мастерские или другие богатые люди. Торговцы или дилеры, скорее всего, также были вовлечены.
Где были сделаны сохранившиеся гобелены до 1600 года, часто неясно; с 1528 года Брюссель , к тому времени явно главный центр, требовал от своих ткачей маркировать гобелены любого размера знаком города и ткача или торговца. [34] В любой момент времени с 1350 по 1600 год, вероятно, только один или два центра могли производить самые большие и лучшие королевские заказы, и группы высококвалифицированных ткачей мигрировали в новые центры, часто вынужденные переезжать из-за войн или чумы. Сначала Париж лидировал в этой области, но английская оккупация там после 1418 года отправила многих в Аррас , уже являвшийся центром. Аррас, в свою очередь, был разграблен в 1477 году, что привело к возвышению Турне , пока в начале следующего столетия не случилась серьезная чума. Брюссель приобретал все большее значение и теперь стал важнейшим центром, которым он оставался до тех пор, пока Восьмидесятилетняя война не разрушила все Нидерланды. Брюссель пережил возрождение в начале XVII века, но примерно с 1650 года французские фабрики все больше его обгоняли и оставались доминирующими до тех пор, пока мода и потрясения Французской революции и Наполеоновских войн фактически не положили конец традиционному спросу на большие гобелены. [35]
Всегда существовало некоторое ткачество гобеленов, в основном в небольших мастерских, изготавливающих более мелкие изделия, в других городах на севере Франции и в Нидерландах. Это также имело место в других частях Европы, особенно в Италии и Германии. С середины XVI века многие правители поощряли или напрямую основывали мастерские, способные выполнять высококачественную работу в своих владениях. Это было наиболее успешно во Франции, но Тоскана, Испания, Англия и, в конечном итоге, Россия имели высококачественные мастерские, обычно начинавшиеся с импорта группы квалифицированных рабочих из «фламандских» центров.
Главные ткацкие центры находились под властью французской и бургундской ветвей дома Валуа , которые были чрезвычайно важными покровителями в период позднего Средневековья . Это началось с четырех сыновей Иоанна II Французского (ум. 1362), чьи инвентари показывают, что они владели сотнями гобеленов в общей сложности. Почти единственное ясное уцелевшее из этих коллекций и самый известный гобелен XIV века — это огромный гобелен «Апокалипсис» , очень большой комплект, изготовленный для Людовика I, герцога Анжуйского в Париже между 1377 и 1382 годами. [36]
Другой из братьев, Филипп Смелый , герцог Бургундский (ум. 1404), вероятно, был еще более экстравагантным транжирой и подарил множество гобеленов другим правителям по всей Европе. Несколько центров ткачества гобеленов находились на его территориях, и его дары можно рассматривать как довольно успешную попытку распространить вкус к большим фламандским гобеленам на другие дворы, а также как часть его попытки повысить статус своего герцогства. Помимо Бургундии и Франции, гобелены были переданы нескольким английским Плантагенетам и правителям Австрии, Пруссии, Арагона, Милана и, по его особой просьбе, османскому султану Базажету I (как часть выкупной сделки за сына герцога). Ни один из гобеленов, заказанных Филиппом, похоже, не сохранился. [37] Вкус Филиппа к гобеленам сохранился у его потомков, включая испанских Габсбургов.
Новый стиль больших гобеленов, которые были большими и часто в наборах, в основном показывали сюжеты с большим количеством фигур, представляющих повествовательные сюжеты. Иконография значительной части повествовательных гобеленов восходит к письменным источникам, Библия и Метаморфозы Овидия были двумя популярными вариантами.
Особенностью гобеленового ткачества, в отличие от живописи, является то, что ткачество области работы, содержащей только относительно простые области композиции, такие как небо, трава или вода, все еще требует относительно большого объема медленной и квалифицированной работы. Это, вместе с ожиданием заказчика эффекта подавляющего великолепия и удаленностью основных центров от итальянского влияния, привело к тому, что северные композиции оставались переполненными фигурами и другими деталями еще долгое время после того, как классицистические тенденции в итальянской живописи эпохи Возрождения уменьшили скученность картин.
Важным вызовом для северного стиля стало прибытие в Брюссель, вероятно, в 1516 году, картонов Рафаэля для папского заказа Сикстинской капеллы, представляющих собой грандиозный набор, изображающий Деяния апостолов . Они были отправлены из Рима и использовали новейший монументальный классицистический стиль Высокого Возрождения , который также проникал на север через гравюры.
Сцены охоты также были очень популярны. Обычно им не давали определенной обстановки, хотя иногда комиссару и другим персонажам могли давать портреты. Четыре гобелена «Охота в Девоншире» (1430–1450, V&A), вероятно, сделанные в Аррасе, являются, пожалуй, самым большим набором из сохранившихся произведений XV века, изображающих охоту на медведей, кабанов, оленей, лебедей, выдр и соколиную охоту. Очень модно одетые дамы и господа прогуливаются рядом с бойней. Другой набор , созданный после 1515 года, демонстрирует похожий стиль позднего средневековья, хотя частично сделан из шелка, поэтому очень дорогой.
Но двенадцать произведений из Les Chasses de Maximilien (1530-е, Лувр), созданных в Брюсселе для покровителя Габсбургов, демонстрируют продвинутый композиционный стиль эпохи Возрождения, адаптированный к гобеленам. На них есть сцена охоты для каждого месяца года, а также показаны определенные места в городе. Гойя все еще создавал сцены охоты в 1770-х годах.
После вероятного перерыва с XI века, в конце XIV века наборы гобеленов вернулись как величайшее средство для «официального военного искусства », обычно прославляя победы человека, заказавшего их. [38] Филипп Смелый заказал набор «Битва при Русбеке » через два года после своей победы в 1382 году , который был пять метров в высоту и имел общую ширину более 41 метра. Джон Гонт , герцог Ланкастерский , настоял на том, чтобы он был изменен, когда Филипп продемонстрировал его на дипломатической встрече в Кале в 1393 году для переговоров о мирном договоре; Гонт посчитал этот предмет неподходящим для случая. [39] Португальские гобелены Пастрана (1470-е годы) были ранним примером и редким сохранившимся экземпляром столь раннего периода.
Было создано множество наборов жизнеописаний классических героев, включавших множество батальных сцен. Увековечены были не только Троянская война , Александр Македонский , Юлий Цезарь и Константин I , но и менее вероятные фигуры, такие как Кир Великий из древней Персии .
Было много наборов XV века, посвященных войнам того времени, особенно победам Габсбургов. Карл V заказал большой набор после своей решающей победы в битве при Павии в 1525 году; набор сейчас находится в музее Каподимонте в Неаполе. Когда он возглавил экспедицию в Северную Африку, завершившуюся завоеванием Туниса в 1535 году (не более продолжительным, чем завоевание Танжера, изображенное на гобеленах Пастраны), он взял с собой фламандского художника Яна Корнелиса Вермейена , в основном для создания рисунков для набора гобеленов, заказанных по его возвращении.
Современные военные сюжеты стали менее популярными, поскольку многие войны XVI века стали религиозными, иногда для их освещения выбирались аллегорические сюжеты. Но битва при Лепанто была увековечена в Брюссельском наборе, а поражение Испанской Армады — в Гобеленах Армады (1591); они были сделаны в Делфте командой, которая также сделала много гобеленов с изображением голландских морских побед. Набор Армады был уничтожен во время сожжения парламента в 1834 году, но известен по гравюрам. Оба набора использовали высокий и далекий вид с воздуха, который продолжался во многих более поздних наборах сухопутных сражений, часто в сочетании с несколькими крупными фигурами на переднем плане. Французские гобелены, заказанные Людовиком XIV с изображением побед в начале его правления, были такого типа. В самом конце XVI века был заказан набор (сейчас в Мадриде) с изображением триумфов и сражений эрцгерцога Альберта , который только что стал сувереном Испанских Нидерландов (его военная карьера на самом деле была довольно неудачной). Городской совет Антверпена заказал его в мастерской Мартена Реймбутса Младшего в Брюсселе, чтобы впервые увидеть его во время его королевского въезда в Антверпен в конце 1599 года.
Набор, созданный для Джона Черчилля, 1-го герцога Мальборо, демонстрирующий его победы, менялся для разных клиентов и даже был продан одному из его противников, Максимилиану II Эммануилу, курфюрсту Баварии , после переделки лиц генералов и других деталей. [40]
_Mon_seul_d%C3%A9sir_(La_Dame_%C3%A0_la_licorne)_-_Mus%C3%A9e_de_Cluny_Paris.jpg/1280px-(Toulouse)_Mon_seul_d%C3%A9sir_(La_Dame_%C3%A0_la_licorne)_-_Mus%C3%A9e_de_Cluny_Paris.jpg)
Millefleur (или millefleurs) — стиль фона из множества различных мелких цветов и растений, обычно изображаемых на зеленом фоне, как будто растущих в траве. Часто добавляются различные животные, обычно примерно одинакового размера, так что кролик или голубь и единорог не сильно отличаются по размеру. [41] Деревья обычно слишком малы и не соответствуют масштабу цветов вокруг них, что также часто встречается в средневековой живописи.
Стиль мильфлёр использовался для различных сюжетов примерно с 1400 по 1550 год, но в основном между 1480 и 1520 годами. Во многих сюжетах фон мильфлёр простирается до верхней части гобелена, исключая любое небо; минимизация неба уже была особенностью стиля гобеленов; охотничьи гобелены Девоншира демонстрируют раннюю стадию стиля. Выдающиеся фоны мильфлёр, в отличие от тех, которые в основном покрыты фигурами, особенно характерны для аллегорических и придворных сюжетов. «Дама и единорог», действие которой происходит в Париже, являются известными примерами, датируемыми примерно 1500 годом. [42]
Фоны «мильфлер» стали очень распространены для геральдических гобеленов, которые были одним из самых популярных относительно небольших типов, обычно больше в высоту, чем в ширину. Обычно они изображали герб покровителя в центре с широким цветочным полем. Их часто вешали позади покровителя, когда он сидел в парадном зале или обедал, и изготавливали для многих дворян, которые не могли позволить себе огромные повествовательные наборы, купленные королевской семьей. Энгиен был небольшим ткацким центром, который, по-видимому, специализировался на них. [34] Более ранние типы геральдических гобеленов часто повторяли элементы геральдики в узорах.
Примерно после 1520 года ведущие мастерские отошли от установок мильфлёр к натуралистическому пейзажу, где все элементы были размером в едином перспективном масштабе. Гобелены, основным содержанием которых был пейзаж и животные, известны как verdure subjects (от французского слова «зелень»). Этот жанр пострадал больше, чем большинство других, от изменений цвета, поскольку зелёный цвет гобеленов особенно склонен выцветать или становиться синим. Меньшие гобелены этого типа оставались популярными до 18 века и имели то преимущество, что мастерские могли делать их без определённого заказа и распространять по всей Европе через сеть дилеров. Примерно с 1600 года они следовали более широким тенденциям в европейской пейзажной живописи и гравюре. Ауденарде специализировался на них, но они производились во многих городах. [34] Как и в случае с картинами, добавление одной или двух фигур могло поднять такие произведения до изображения истории из классической мифологии или сюжета об охоте.
Ткачи гобеленов в Нидерландах к концу XV века стали очень комфортно работать с готическим стилем и не спешили отражать стилистические изменения итальянского Возрождения ; возможно, давление со стороны заказчиков гобеленов послужило толчком. Благодаря гравюрам итальянские узоры стали видны на севере.
Характерным итальянским сюжетом был триумф Петрарки , взятый из его цикла поэм I trionfi (до 1374 года). Первые зарегистрированные гобелены были набором из трех частей, заказанным герцогом Филиппом Смелым Бургундским из Парижа в 1399 году. Набор, изготовленный в 1450-х годах для Джованни Медичи , главного покровителя новейшего флорентийского стиля, использовал картоны, отправленные из Италии нидерландским ткачам. Но сюжеты соответствовали стилю гобеленовых ткачей, поскольку большинство дизайнов включали плотные толпы искусно одетых фигур, и там были моральные послания, которые нужно было нарисовать. [43]
XVI век продолжил интерес к гобеленам и, возможно, был самым прекрасным периодом в истории этого вида искусства. К настоящему времени города, производившие гобелены, в основном управлялись семьей Габсбургов , которая заменила Валуа в качестве доминирующих покровителей. В начале века Турне, возможно, все еще был крупнейшим ткацким центром, но после чумы его сменил Брюссель, который в последние десятилетия был, вероятно, уже главным центром ткачества высочайшего качества к 1500 году. Но было много других городов, где ткали гобелены. [44]
Гобелены заказывались в Нидерландах правителями по всей Европе, от короля Генриха VIII в Англии до папы Льва X и Сигизмунда II Августа из Польши и Литвы. Право собственности на гобелены меньшего размера также распространялось более широко среди дворян и буржуазии . С 1528 года гобелены больших размеров, сделанные в Брюсселе, должны были быть отмечены таким образом, а также клеймом изготовителя или торговца, что значительно облегчало задачу историка. [45] После соглашения между соответствующими гильдиями в 1476 году картоны для основных дизайнов должны были предоставляться членом гильдии художников, в то время как ткачи могли разрабатывать их с подробностями, особенно в рисунках мильфер . Это гарантировало высокое качество дизайна для брюссельских изделий. [46]
В начале века господствовали стили поздней готики, и оба самых известных набора гобеленов millefleur « unicorn » были созданы около 1500 года, возможно, по эскизам из Парижа: «Дама и единорог» (ныне Париж) и «Охота на единорога» (ныне Нью-Йорк). Набор папы Льва для Сикстинской капеллы , разработанный Рафаэлем в 1515–1516 годах, ознаменовал введение полного итальянского стиля Высокого Возрождения в гобеленах, и ведущие северные дизайнеры теперь пытались перенять его, что было для них довольно сложной задачей, хотя широкое распространение гравюр по всей Европе дало им один легкий путь, которым многие и воспользовались. « Les Chasses de Maximilien » (Охота Максимилиана) представляла собой серию из двенадцати огромных брюссельских гобеленов, разработанных Бернардом ван Орлеем в 1530-х годах для Габсбургов, одну из самых успешных попыток достичь современного стиля Возрождения. [47] Технически брюссельские гобелены в последней четверти XV века уже стали достаточно сложными, чтобы начать включать в себя больше иллюзионистских элементов, различая различные текстуры в своих сюжетах и включая портреты отдельных лиц (сейчас в основном неизвестных), а не общие фигуры. [48]
На протяжении столетия масляная живопись в основном перешла с панельной основы на холст, что позволило достичь гораздо большего размера, и начала серьезно конкурировать с гобеленами. Подлинность прикосновения мастера, которую допускали картины, но не гобелены, стала цениться самыми искушенными покровителями, включая Габсбургов. Однако Карл V и Филипп II Испанский продолжали тратить огромные суммы на гобелены, по-видимому, считая их самой великолепной формой декора, которая поддерживала преемственность со своими бургундскими предками.
В начале XVII века среди элиты сохранялся интерес к гобеленам, хотя живопись неуклонно набирала силу. Брюссель оставался самым важным центром ткачества, и Рубенс , в основном базировавшийся в Антверпене неподалеку, привнес в эту среду величественный стиль барокко , а Якоб Йорданс и другие также разработали многие из них. [49] В более поздних поколениях важными дизайнерами были Юстус ван Эгмонт (ум. 1674), Людвиг ван Схоор (ум. 1702) и Ян ван Орлей (ум. 1735, последний из долгой династии ). Брюссельские мастерские несколько пришли в упадок во второй половине века, поскольку большие фламандские барочные картины заняли часть их рынка, а французская конкуренция вытеснила оставшуюся нишу для гобеленов. [49]
Производство в Париже возродилось с 1608 года, ослабев во время гражданских войн 1640-х годов, но возобновившись в 1658 году, когда Николя Фуке основал мастерскую. После его падения Кольбер в основном объединил ее с новой мануфактурой гобеленов, которую он основал для короля в 1663 году, которая существует и по сей день. Мануфактура Бове , всегда бывшая частным предприятием, была основана Кольбером в 1664 году, но стала значимой только двадцать лет спустя. Гобелен Обюссон , вероятно, продолжение более ранних небольших мастерских, продолжался, но должен был стать более значительным в следующем столетии. Работы гобеленов, питаемые дизайнами в последнем стиле Людовика XIV придворными художниками, становились все более доминирующими на протяжении остальной части столетия и к 1700 году стали самой почитаемой и имитируемой мастерской в Европе. [50]
Фабрика гобеленов Мортлейк за пределами Лондона была основана в 1619 году при поддержке короля Англии Карла I , в начале использовала фламандских ткачей, а в 1620-х и 1630-х годах производила одни из лучших по качеству гобеленов в Европе. Мастерская Медичи во Флоренции продолжила работу, а с 1630 года к ней присоединилась мастерская в Риме, основанная кардиналом Франческо Барберини с неизбежным импортным фламандским директором. Мастерские Мортлейка и Рима прекратили свое существование примерно к концу века. В Германии мастерские были основаны в Мюнхене в 1604 году, а к концу века еще в девяти городах, многие из которых спонсировались местным правителем. [51]
.jpg/1280px-El_Quitasol_(Goya).jpg)
Примерно в начале века возрос интерес к пейзажным сюжетам, некоторые из которых по-прежнему представляли сцены охоты, а другие — жанровые сцены сельской жизни.
В этом столетии было основано несколько новых мастерских, главным исключением стала Королевская фабрика гобеленов в Мадриде. Она была основана в 1720 году, вскоре после того, как Испания потеряла свои территории во Фландрии по Утрехтскому договору . Филипп V Испанский привез Якоба ван дер Готена и шестерых его сыновей в Мадрид. Самые известные гобелены — это те, что были разработаны Франсиско Гойей в 1775 году. В основном они показывают жанровые сцены влюбленных или сельских жителей, отдыхающих. И его картоны , и гобелены, сделанные по ним, в основном сохранились, многие из картонов находятся в Прадо , а гобелены все еще в королевских дворцах. Как и в случае с картонами Рафаэля для гобеленов Сикстинской капеллы, современные критики, как правило, предпочитают картоны. Работы находились в частной собственности ван дер Готенов и их потомков до 1997 года, а последний член семьи ушел с поста председателя в 2002 году. За исключением перерывов во время войн, фабрика продолжала производить гобелены. [52]
Около середины века новый стиль рококо оказался очень эффективным в гобеленах, теперь гораздо меньших, чем раньше. Франсуа Буше создал 45 картонов для Бове, а затем, к 1753 году, последовал за художником-анималистом Жаном-Батистом Удри в качестве художественного руководителя в Gobelins. [53] Самым известным набором Удри был набор из восьми «Пасторальных забав», созданный с 1720-х годов и далее во многих повторениях.
Во второй половине столетия основные брюссельские мастерские постепенно закрывались, последняя из них закрылась в 1794 году. [49] Гобелены не соответствовали ни неоклассицизму , ни романтизму , и это, в сочетании с потрясениями, вызванными Французской революцией и наполеоновскими войнами, привело к тому, что производство больших фигуративных гобеленов по всей Европе практически прекратилось.
В 19 веке Уильям Моррис возродил искусство изготовления гобеленов в средневековом стиле в аббатстве Мертон . Morris & Co. создали успешную серию гобеленов для домашнего и церковного использования с фигурами, основанными на комиксах Эдварда Берн-Джонса . Набор из шести гобеленов Святого Грааля 1890-х годов, повторенных несколько раз, является самым большим из созданных ими, и, возможно, самым успешным.
Традиционные гобелены по-прежнему производятся на фабрике Gobelins в Париже и на королевской фабрике в Мадриде. Они и несколько других старых европейских мастерских также ремонтируют и реставрируют старые гобелены; главная британская мастерская находится во дворце Хэмптон-Корт , подразделении Королевского фонда коллекций .
Китайский кеси — это гобеленовое плетение, обычно использующее шелк в небольших масштабах по сравнению с европейскими настенными коврами. Одежда для двора была одним из основных применений. Плотность узлов, как правило, очень высока, и платье лучшего качества, возможно, требует столько же работы, сколько и гораздо более крупный европейский гобелен. Первоначально использовавшийся для небольших изделий, часто с декором в виде животных, птиц и цветов или драконов для императорской одежды, во времена династии Мин он использовался для копирования картин.
«Смерть Полидоруса» — один из необычных наборов из семи больших гобеленовых занавесей, изготовленных в Китае для португальского губернатора Макао в 1620-х годах, в которых смешиваются западный и китайский стили. Большинство занавесей — вышивка, но лица и части тела фигур — аппликации из расписанных атласных шелковых кусков , отражающие китайскую технику, часто используемую для буддийских знамен [54] и более крупных форм танка .
Килимы и ковры навахо также являются разновидностями гобеленовых изделий, дизайн которых в основном ограничивается геометрическими узорами, похожими на узоры других техник ткачества ковров.
Что отличает современную область от ее истории до Второй мировой войны, так это преобладание художника как ткача в современной среде. Эта тенденция берет свое начало во Франции 1950-х годов, где один из «карикатуристов» гобеленовых студий Обюссона Жан Люрса возглавил возрождение среды, упростив выбор цвета, тем самым упростив производство, [55] и организовав серию биеннале в Лозанне , Швейцария . Польская работа, представленная на первой биеннале, которая открылась в 1962 году, была довольно новой. [56] Традиционные мастерские в Польше разрушились в результате войны. Кроме того, художественные принадлежности в целом было трудно приобрести. Многие польские художники научились ткать в рамках своего обучения в художественной школе и начали создавать весьма индивидуальные работы, используя нетипичные материалы, такие как джут и сизаль. [56] С каждой биеннале популярность работ, сосредоточенных на исследовании инновационных конструкций из самых разных волокон, разносилась по всему миру. [57]
В довоенных Соединенных Штатах было много ткачей, но никогда не существовало продолжительной системы мастерских по производству гобеленов. Поэтому ткачи в Америке были в основном самоучками и выбирали как дизайн, так и ткачество. Благодаря этим выставкам в Лозанне американские художники/ткачи и другие в странах по всему миру были в восторге от польской тенденции к экспериментальным формам. [56] На протяжении 1970-х годов почти все ткачи исследовали некоторые методы и материалы, которые были в моде в то время. То, что это движение внесло в недавно созданную область художественного ткачества, называемую «современным гобеленом», было возможностью работать с текстурой, с различными материалами и со свободой для индивидуальности в дизайне.
В 1980-х годах стало ясно, что процесс ткачества гобелена с уточным лицом имеет еще одно преимущество — стабильность. Художники, выбравшие гобелен в качестве своего материала, разработали широкий спектр личного самовыражения, стилей и тем, стимулируемых и подпитываемых международным движением по возрождению и обновлению традиций гобеленов со всего мира. Конкуренция за заказы и расширение выставочных площадок были существенными факторами в том, как художники определяли и достигали своих целей.
Большая часть импульса в 1980-х годах для работы в этом более традиционном процессе пришла из Bay Area в Северной Калифорнии, где двадцатью годами ранее Марк Адамс, эклектичный художник, провел две выставки своих гобеленовых дизайнов. Он продолжил разрабатывать множество больших гобеленов для местных зданий. Хэл Пейнтер, другой уважаемый художник в этом районе, стал плодовитым художником по гобеленам в течение десятилетия, ткущим свои собственные дизайны. Он был одним из главных художников, которые «...создали атмосферу, которая помогла родить вторую фазу современного текстильного движения — текстиль как искусство — признание того, что текстиль больше не должен быть утилитарным, функциональным, чтобы служить украшением интерьера». [58]
В начале 1980-х годов многие художники стремились стать более профессиональными, и часто это означало поездки для участия в редких образовательных программах, предлагаемых недавно созданными ателье, такими как San Francisco Tapestry Workshop, или в далекие учреждения, которые они считали подходящими для своих нужд. Это явление наблюдалось в Европе и Австралии, а также в Северной Америке.
Возможности для участия в выставках гобеленов с участием жюри начали появляться к 1986 году, в первую очередь потому, что Американский альянс гобеленов (ATA), основанный в 1982 году, организовал биеннале с участием жюри, начиная с 1986 года. Биеннале планировалось совместить с конференциями Handweavers Guild или America's "Convergence". Новые возможности увидеть работы других художников-гобеленов и возможность наблюдать, как их собственные работы могут выглядеть на таких площадках, значительно повысили осведомленность сообщества единомышленников-художников. Были сформированы региональные группы для создания экспозиций и обмена информацией. [59]
Желание многих художников к более тесному взаимодействию усилилось, когда в 1988 году в Мельбурне (Австралия) состоялся международный симпозиум по гобеленам, который привел к созданию второй организации, занимающейся гобеленами, — Международной сети гобеленов (ITNET). Ее целью было связать американских художников гобеленов с растущим международным сообществом. Журналы были прекращены в 1997 году, поскольку цифровое общение стало более полезным инструментом для взаимодействия. По мере того, как мир вошел в цифровую эпоху, художники гобеленов по всему миру продолжают делиться и вдохновлять друг друга своими работами.
Однако к новому тысячелетию в этой области появились линии разлома. Многие университеты, которые ранее имели сильные ткацкие компоненты на своих художественных факультетах, такие как Университет штата Сан-Франциско, больше не предлагали ручное ткачество как вариант, поскольку они переключили свое внимание на компьютеризированное оборудование. Основной причиной отказа от этой практики был тот факт, что только один студент мог использовать оборудование на протяжении всего проекта, тогда как в большинстве медиа, таких как живопись или керамика, мольберты или гончарные круги использовались несколькими студентами в день. Во всем мире люди из всех разных культур начали принимать эти формы декора для профессионального и личного использования. [60]
В то же время «волоконное искусство» стало одним из самых популярных средств в их художественных программах. Молодым художникам было интересно исследовать более широкий спектр процессов создания искусства с помощью материалов, классифицируемых как волокно. Этот переход к более мультимедийным и скульптурным формам и желание производить работы быстрее подтолкнули современных художников по гобелену внутри и за пределами академических учреждений к размышлениям о том, как они могут идти в ногу со временем, чтобы поддерживать видимость в своей художественной форме. [61]
Сьюзан Айверсон, профессор Школы искусств Университета Содружества Вирджинии , объясняет свои причины:
Я пришел к гобелену после нескольких лет изучения сложных переплетений. Я был очарован гобеленом из-за его простоты — его прямых качеств. Он позволял мне исследовать форму, изображение или текстуру, и он обладал структурной целостностью, чтобы удерживать свою собственную форму. Мне нравилось существенное качество гобелена, сотканного из тяжелых нитей — его предметное качество. [62]
Другая известная художница, Джоан Бакстер, утверждает:
Моя страсть к гобелену внезапно возникла в первый день моего знакомства с ним на первом курсе ECA [Эдинбургский колледж искусств]. Я не помню, чтобы я когда-либо сознательно думал о гобелене до этого дня, но я каким-то образом знал, что в конечном итоге я действительно буду в этом хорош. С того дня я смог проложить прямой путь все глубже и глубже в гобелен, через мою учебу в Шотландии и Польше, мои 8 лет в качестве студийного ткача в Англии и Австралии и с 1987 года как независимый художник по гобелену. Требовательный творческий дух отделения гобелена дал мне уверенность, мотивацию и самодисциплину, которые мне были нужны, чтобы выйти в мир как профессиональный ткач и художник по гобелену. Что было самым вдохновляющим для меня как молодого студента, так это то, что все мои преподаватели на отделении практиковали, выставляя художников, позитивно взаимодействующих с тем, что тогда было передовым международным движением Fibre Art. [63]
Арчи Бреннан , занимающийся ткачеством уже шестой десяток лет, говорит о гобеленах:
500 лет назад он уже был чрезвычайно сложным в своем развитии — эстетически, технически и в многообразии целей. Сегодня его отсутствие определенной цели, его редкость дает мне возможность искать новые роли, расширять его исторический язык и, прежде всего, доминировать над моим навязчивым творческим стремлением. В 1967 году я принял официальное решение отойти от зарождающегося и захватывающего движения волоконного искусства и сосредоточиться на давно устоявшейся графической изобразительной роли тканого гобелена. [64]
Термин «гобелен» может также использоваться для описания больших фигуративных тканей с уточной поверхностью, изготовленных на жаккардовых ткацких станках . До 1990-х годов обивочные ткани для гобеленов и репродукции знаменитых гобеленов Средневековья производились с использованием жаккардовых техник, но в последнее время такие художники, как Чак Клоуз , Патрик Лихти и мастерская Magnolia Editions адаптировали компьютеризированный жаккардовый процесс для создания произведений изобразительного искусства. [65] Обычно гобелены переводятся с оригинального дизайна с помощью процесса, напоминающего раскрашивание по номерам : мультфильм делится на области, каждой из которых назначается сплошной цвет на основе стандартной палитры. Однако в жаккардовом ткачестве повторяющиеся серии разноцветных нитей основы и утка могут использоваться для создания цветов, которые оптически смешиваются, т. е. человеческий глаз воспринимает комбинацию значений нитей как один цвет. [18]
Этот метод можно сравнить с пуантилизмом , который возник из открытий, сделанных в области гобеленовой техники. Возникновение стиля в 19 веке можно проследить под влиянием Мишеля Эжена Шеврёля , французского химика, ответственного за разработку цветового круга основных и промежуточных оттенков. Шеврёль работал директором красильного цеха на фабрике гобеленов Les Gobelins в Париже , где он заметил, что воспринимаемый цвет конкретной нити зависит от окружающих ее нитей, явление, которое он назвал «одновременным контрастом». Работа Шеврёля была продолжением теорий цвета, разработанных Леонардо да Винчи и Гете ; в свою очередь, его работа повлияла на художников, включая Эжена Делакруа и Жоржа-Пьера Сёра . [ требуется ссылка ]
Принципы, сформулированные Шеврёлем, применимы также к современным телевизионным и компьютерным дисплеям, которые используют крошечные точки красного, зеленого и синего ( RGB ) света для передачи цвета, причем каждая составная часть называется пикселем . [ 18]
,_circa_1555_(2).jpg/1280px-Tapestry_with_the_royal_monogram_of_%C5%BDygimantas_Augustas_(King_of_Poland_and_Grand_Duke_of_Lithuania),_circa_1555_(2).jpg)
.jpg/1280px-Chantier_de_fouilles_%C3%A0_Morigny-Champigny_en_juin_2012_24_(cropped_to_bones).jpg)
.jpg/1280px-Principaux_outils_de_la_tapisserie_de_basse_lisse_sur_le_m%C3%A9tier_%C3%A0_tisser_(fl%C3%BBtes,_grattoir,_peigne,_poin%C3%A7on).jpg)
.jpg){kind=link}
