Японская живопись (絵画, kaiga ; также gadō画道) является одним из старейших и наиболее изысканных видов японского изобразительного искусства , охватывающим широкий спектр жанров и стилей. Как и история японского искусства в целом, долгая история японской живописи демонстрирует синтез и конкуренцию между исконной японской эстетикой и адаптацией импортных идей, в основном из китайской живописи , которая была особенно влиятельной в ряде точек; значительное западное влияние происходит только с 19-го века, начиная с того же времени, когда японское искусство влияло на западное .
Области сюжетов, где китайское влияние было неоднократно значительным, включают буддийскую религиозную живопись, тушечную живопись пейзажей в китайской литературной традиции живописи, каллиграфию синограмм [1] и живопись животных и растений, особенно птиц и цветов . Однако во всех этих областях развились отличительные японские традиции. Тема, которая широко считается наиболее характерной для японской живописи, а позднее и для гравюры , — это изображение сцен из повседневной жизни и повествовательных сцен, которые часто переполнены фигурами и деталями. Эта традиция, несомненно, началась в раннем средневековье под китайским влиянием, которое сейчас невозможно проследить, за исключением самых общих черт, но с периода самых ранних сохранившихся работ она превратилась в специфически японскую традицию, которая просуществовала до современного периода.
Официальный список национальных сокровищ Японии (живопись) включает 162 произведения или серии произведений с VIII по XIX век, которые представляют собой вершины достижений или очень редкие сохранившиеся образцы ранних периодов.
Истоки живописи в Японии восходят к доисторическому периоду Японии . Простые фигуративные изображения, а также ботанические, архитектурные и геометрические узоры можно найти на керамике периода Дзёмон и бронзовых колокольчиках дотаку периода Яёй (1000 г. до н. э. – 300 г. н. э.) . Настенные росписи с геометрическими и фигуральными узорами были найдены в многочисленных курганах, датируемых периодами Кофун и Асука (300–700 гг. н. э.).
Вместе с появлением китайской письменности ( кандзи ), китайских методов государственного управления и буддизма в период Асука в Японию из Китая было импортировано множество произведений искусства , и началось изготовление местных копий в схожих стилях.
С дальнейшим утверждением буддизма в Японии VI и VII веков религиозная живопись расцвела и использовалась для украшения многочисленных храмов, возведенных аристократией. Однако Япония периода Нара больше известна за важный вклад в искусство скульптуры, чем живописи.
Самые ранние сохранившиеся картины этого периода включают фрески на внутренних стенах Кондо (金堂) в храме Хорю-дзи в Икаруга, префектура Нара . Эти фрески, а также живописные изображения на важном святилище Тамамуси включают повествования, такие как джатака , эпизоды из жизни исторического Будды Шакьямуни , в дополнение к знаковым изображениям будд, бодхисаттв и различных второстепенных божеств. Стиль напоминает китайскую живопись династии Суй или позднего периода Шестнадцати королевств . Однако к середине периода Нара картины в стиле династии Тан стали очень популярны. К ним также относятся настенные фрески в гробнице Такамацудзука , датируемые примерно 700 годом н. э. Этот стиль превратился в жанр кара-э, который оставался популярным в течение раннего периода Хэйан .
Поскольку большинство картин периода Нара носят религиозный характер, подавляющее большинство из них принадлежат анонимным художникам. Большая коллекция произведений искусства периода Нара, как японских, так и китайской династии Тан [2], хранится в Сёсо-ин , хранилище VIII века, ранее принадлежавшее Тодай-дзи , а в настоящее время управляемое Агентством императорского двора .
С развитием эзотерических буддийских сект Сингон и Тэндай , живопись VIII и IX веков характеризуется религиозными образами, в частности, нарисованной мандалой (曼荼羅, mandara ) . Многочисленные версии мандалы, наиболее известные из которых — Алмазная мандала и Мандала Утробы в Тодзи в Киото, были созданы в виде подвесных свитков , а также в виде фресок на стенах храмов. Известным ранним примером является пятиэтажная пагода Дайго -дзи , храм к югу от Киото .
Школа Косэ была семьей придворных художников, основанной Канаокой Косэ во второй половине 9 века, в начале периода Хэйан. Эта школа не представляет собой единый стиль живописи, как другие школы, а представляет собой различные стили живописи, созданные Канаокой Косэ и его потомками и учениками. Эта школа изменила китайский стиль живописи с китайской тематикой на японский стиль и сыграла важную роль в формировании стиля живописи ямато-э . [3] [4]
С ростом значимости сект Чистой Земли японского буддизма в X веке были разработаны новые типы изображений, чтобы удовлетворить религиозные потребности этих сект. К ним относятся райгодзу (来迎図) , которые изображают Будду Амида вместе с сопровождающими его бодхисаттвами Каннон и Сэйси, прибывающими, чтобы приветствовать души верующих, усопших в Западном Раю Амиды. Известный ранний пример, датируемый 1053 годом, нарисован на внутренней стороне Зала Феникса в Бёдо-ин , храме в Удзи, Киото . Это также считается ранним примером так называемой ямато-э (大和絵, «живопись в японском стиле») , поскольку он включает в себя элементы ландшафта, такие как мягкие холмы, которые, кажется, отражают что-то из реального облика ландшафта западной Японии.
Период середины Хэйан считается золотым веком Ямато-э, которые изначально использовались в основном для раздвижных дверей ( фусума ) и складных ширм ( бёбу ). Однако на первый план вышли и новые форматы живописи, особенно к концу периода Хэйан, включая эмакимоно , или длинные иллюстрированные свитки. Разновидности эмакимоно охватывают иллюстрированные романы, такие как « Гэндзи Моногатари» , исторические произведения, такие как « Бан Дайнагон Экотоба» , и религиозные произведения. В некоторых случаях художники эмаки использовали изобразительные повествовательные условности, которые использовались в буддийском искусстве с древних времен, в то время как в других случаях они изобретали новые повествовательные режимы, которые, как считается, визуально передают эмоциональное содержание основного повествования. «Гэндзи Моногатари» организован в виде отдельных эпизодов, тогда как более живой «Бан Дайнагон Экотоба» использует непрерывный повествовательный режим, чтобы подчеркнуть поступательное движение повествования. Эти два эмаки также различаются стилистически: быстрые мазки кистью и легкая окраска Бан Дайнагона резко контрастируют с абстрактными формами и яркими минеральными пигментами свитков Гэндзи . Осада дворца Сандзё — еще один известный пример этого типа живописи.
Э-маки также служат одними из самых ранних и величайших примеров онна -э («женские картины») и отоко-э («мужские картины») и стилей живописи. Между этими двумя стилями существует множество тонких различий. Хотя термины, по-видимому, предполагают эстетические предпочтения каждого пола, историки японского искусства долго спорили о фактическом значении этих терминов, и они остаются неясными. Возможно, наиболее заметными являются различия в тематике. Онна-э , воплощенная в свитке « Повесть о Гэндзи» , обычно повествует о придворной жизни и придворной романтике, в то время как отоко-э часто повествует об исторических или полулегендарных событиях, в частности, о сражениях.
Эти жанры продолжались в период Камакура в Японии. Этот стиль искусства был ярко представлен в картине под названием « Ночная атака на дворец Сандзё» , произведении, полном ярких цветов, деталей и великолепной визуализации из романа под названием « Хэйдзи Моногатари» . Продолжалось создание различных видов э-маки ; однако период Камакура был гораздо сильнее охарактеризован искусством скульптуры , чем живописью. «Период Камакура длился с конца двенадцатого по четырнадцатый век. Это было время произведений искусства, таких как картины, но в основном скульптуры, которые привносили более реалистичный визуальный образ жизни и ее аспектов в то время. В каждой из этих статуй было включено много жизнеподобных черт в процесс их создания. Многие скульптуры включали носы, глаза, отдельные пальцы и другие детали, которые были новыми для скульптуры в искусстве».
Поскольку большинство картин в периоды Хэйан и Камакура носят религиозный характер, подавляющее большинство из них написано анонимными художниками. Одним из художников, известных своим совершенством в этом новом стиле искусства периода Камакура, был Ункэй, и он в конечном итоге освоил эту форму скульптурного искусства и открыл свою собственную школу под названием Школа Кэй. По мере того, как эта эпоха продолжалась, «происходило возрождение еще более ранних классических стилей, импорт новых стилей с континента и, во второй половине периода, развитие уникальных восточно-японских стилей, сосредоточенных вокруг эпохи Камакура».
В XIV веке развитие великих монастырей Дзэн в Камакуре и Киото оказало большое влияние на изобразительное искусство. Суйбокуга , строгий монохромный стиль живописи тушью, пришедший из Китая династии Мин , стилей чернильной отмывки Сун и Юань, особенно Муци (牧谿), в значительной степени заменил полихромные свитковые картины раннего искусства Дзэн в Японии, привязанные к нормам буддийской иконографии за столетия до этого, таким как Такума Эйга (宅磨栄賀). Несмотря на новую китайскую культурную волну, порожденную культурой Хигасияма , сохранилась некоторая полихромная портретная живопись — в основном в форме картин чинсо монахов Дзэн. [5]
«Ловля сома тыквой» (находится в Тайдзо-ин , Мёсин-дзи , Киото) художника-священника Дзёсэцу знаменует собой поворотный момент в живописи Муромати. На переднем плане изображен человек на берегу ручья, держащий небольшую тыкву и смотрящий на большого скользкого сома. Средний план заполняет туман, а на заднем плане горы кажутся далекими. Обычно предполагается, что «новый стиль» картины, выполненной около 1413 года, относится к более китайскому ощущению глубокого пространства в плоскости картины.
К концу XIV века монохромные пейзажи (山水画sansuiga ) нашли покровительство правящей семьи Асикага и стали предпочтительным жанром среди художников дзен, постепенно эволюционируя от своих китайских корней к более японскому стилю. Дальнейшим развитием пейзажной живописи стал свиток с поэмами, известный как сигадзику .
Выдающимися художниками периода Муромати являются священники-живописцы Сюбун и Сэссю . Сюбун, монах храма Сёкоку-дзи в Киото , создал на картине «Чтение в бамбуковой роще » (1446) реалистичный пейзаж с глубоким углублением в пространство. Сэссю, в отличие от большинства художников того периода, смог отправиться в Китай и изучить китайскую живопись у ее истоков. «Пейзаж четырех времен года» ( Sansui Chokan ; ок. 1486) — одна из самых выдающихся работ Сэссю, изображающая непрерывный пейзаж на протяжении четырех времен года.
В конце периода Муромати живопись тушью перекочевала из монастырей Дзэн в мир искусства в целом, поскольку художники школ Кано и Ами (яп. 阿弥派) переняли стиль и темы, но привнесли в нее более пластичный и декоративный эффект, который сохранился и в наше время.
Среди выдающихся художников периода Муромати в Японии можно выделить:
_-_left_screen.jpg/1280px-Kan%C5%8D_Eitoku_-_Rakuch%C5%AB_rakugai_zu_(Uesugi)_-_left_screen.jpg)
_-_right_hand_screen.jpg/1280px-Hasegawa_Tohaku_-_Pine_Trees_(Sh%C5%8Drin-zu_by%C5%8Dbu)_-_right_hand_screen.jpg)
В резком контрасте с предыдущим периодом Муромати, период Адзути-Момояма характеризовался грандиозным полихромным стилем с широким использованием золотой и серебряной фольги, которая [6] применялась к картинам, одежде, архитектуре и т. д.; и работами в очень больших масштабах. [6] В отличие от известного многим роскошного стиля, военная элита поддерживала деревенскую простоту, особенно в форме [7] чайной церемонии, где они использовали выветренную и несовершенную посуду в схожей обстановке. Этот период положил начало объединению «воюющих» лидеров под центральным правительством. Первоначальной датой этого периода часто считается 1568 год, когда Нобунага вошел в Киото, или 1573 год, когда последний сёгун Асикага был удален из Киото. Школа Кано, покровительствуемая Одой Нобунагой, Тоётоми Хидэёси, Токугавой Иэясу и их последователями, чрезвычайно выросла в размерах и престиже. Кано Эйтоку разработал формулу для создания монументальных пейзажей на раздвижных дверях, ограждающих комнату. Эти огромные экраны и настенные росписи были заказаны для украшения замков и дворцов военной знати. В частности, Нобунага построил огромный замок между 1576 и 1579 годами, что оказалось одним из самых больших художественных вызовов для Кано Эйтоку. Его преемник, Тоётоми Хидэёси, также построил несколько замков в этот период. Эти замки были одними из самых важных художественных произведений, когда дело дошло до экспериментов в этот период. Эти замки олицетворяют силу и уверенность лидеров и воинов в новую эпоху. [8] Этот статус продолжался и в последующий период Эдо, поскольку бакуфу Токугава продолжало продвигать работы школы Кано как официально одобренное искусство для сёгуна, даймё и императорского двора.
Однако художники и течения, не относящиеся к школе Кано, также существовали и развивались в период Адзути-Момояма, адаптируя китайские темы к японским материалам и эстетике. Одной из важных групп была школа Тоса , которая развивалась в основном из традиции ямато-э и была известна в основном работами небольшого масштаба и иллюстрациями литературной классики в книжном или эмаки-формате.
Среди выдающихся художников периода Адзути-Момояма можно выделить:
.jpg/1280px-It%C5%8D_Jakuch%C5%AB_-_Black_rooster_and_nandin_(Colorful_Realm_of_Living_Beings).jpg)
Экономическое развитие, сопровождавшее приход мирного общества в период Эдо, привело к развитию широкого спектра форм искусства, и многие картины были созданы в стиле, отличном от стиля школ Кано и Тоса , которые были ортодоксальной школой живописи. В 1970 году Нобуо Цудзи (ja) опубликовал книгу под названием « Кисо но Кэйфу» (奇想の系譜, Родословная эксцентриков) , в которой основное внимание уделялось художникам «Родословной эксцентриков», которые порвали с традицией, таким как Иваса Матабэй , Кано Сансэцу , Ито Дзякутю , Сога Сёхаку , Нагасава Росэцу и Утагава Куниёси . Эта работа произвела революцию в том, как рассматривается история японского искусства, и живопись периода Эдо стала одним из самых популярных направлений японского искусства в Японии. В последние годы ученые и организаторы художественных выставок часто добавляли Хакуина Экаку и Судзуки Киицу к шести художникам, перечисленным Цудзи, называя их художниками «рода эксцентриков». [9] [10] [11]
Одной из очень значительных школ, возникших в ранний период Эдо, была школа Ринпа , которая использовала классические темы, но представляла их в смелом и щедро декоративном формате. Сотацу, в частности, развивал декоративный стиль, воссоздавая темы из классической литературы, используя ярко раскрашенные фигуры и мотивы из природного мира на фоне из листового золота. Спустя столетие Корин переработал стиль Сотацу и создал визуально великолепные работы, уникальные для него самого.
Другим важным жанром, который начался в период Адзути-Момояма, но который достиг своего полного развития в ранний период Эдо, было искусство Намбан , как в изображении экзотических иностранцев, так и в использовании стиля экзотического иностранца в живописи. Этот жанр был сосредоточен вокруг порта Нагасаки , который после начала национальной политики изоляции сёгуната Токугава был единственным японским портом, оставшимся открытым для иностранной торговли, и, таким образом, был каналом, по которому китайские и европейские художественные влияния пришли в Японию. Картины в этом жанре включают картины школы Нагасаки , а также школы Маруяма-Сидзё , которые сочетают западные влияния с традиционными японскими элементами.
Третьей важной тенденцией в период Эдо стал подъем жанра бундзинга (живопись литературных деятелей), также известного как школа Нанга (южная школа живописи). Этот жанр начинался как подражание работам китайских ученых-художников-любителей династии Юань , чьи работы и приемы пришли в Японию в середине XVIII века. Мастер Куваяма Гёкусю был величайшим сторонником создания стиля бундзин . Он предположил, что полихромные пейзажи следует рассматривать на том же уровне, что и монохромные картины китайских литераторов. [12] Позднее художники бундзинга значительно изменили как приемы, так и тематику этого жанра, чтобы создать смешение японских и китайских стилей. Образцами этого стиля являются Икэ-но Тайга , Урагами Гёкудо , Ёса Бусон , Таномура Тикудэн , Тани Бунтё и Ямамото Байицу .
Из-за политики фискальной и социальной экономии сёгуната Токугава роскошные формы этих жанров и стилей были в значительной степени ограничены высшими слоями общества и были недоступны, если не запрещены, для низших классов. Простые люди развили отдельный вид искусства, фудзокуга (風俗画, Жанровое искусство ), в котором были популярны картины, изображающие сцены из обычной повседневной жизни, особенно жизни простых людей, театра кабуки , проституток и пейзажей. Эти картины в XVI веке дали начало картинам и гравюрам на дереве укиё-э .
Среди выдающихся художников периода Эдо:
Довоенный период был отмечен разделением искусства на конкурирующие европейские стили и традиционные местные стили.
В период Мэйдзи Япония претерпела колоссальные политические и социальные изменения в ходе кампании по европеизации и модернизации, организованной правительством Мэйдзи . Западная живопись ( йога ) официально продвигалась правительством, которое отправляло перспективных молодых художников на учебу за границу и нанимало иностранных художников для приезда в Японию с целью создания учебной программы по искусству в японских школах. Курода Сэйки считается лидером движения йога и отцом западной живописи в Японии. [13]
Однако после первоначального всплеска энтузиазма по поводу западного стиля искусства маятник качнулся в противоположную сторону, и под руководством художественного критика Окакуры Какудзо и педагога Эрнеста Феноллозы произошло возрождение признания традиционных японских стилей ( Нихонга ). В 1880-х годах западное искусство было запрещено на официальных выставках и подверглось жесткой критике со стороны критиков. Хасимото Гахо , художник школы Кано , был основателем практической стороны этого движения возрождения. Он не просто писал картины в японском стиле, используя традиционные техники, но и произвел революцию в традиционной японской живописи, включив в нее реалистичное выражение Ёги и задав направление для более позднего движения Нихонга . Будучи первым профессором Токийской школы изящных искусств (ныне Токийский университет искусств ), он подготовил многих художников, которые впоследствии стали считаться мастерами стиля Нихонга , среди которых Ёкояма Тайкан , Симомура Кандзан , Хисида Сюнсо и Кавай Гёкудо . [14] [15]
Художники стиля Ёга основали Общество изящных искусств Мэйдзи (Meiji Bijutsukai ) для проведения собственных выставок и содействия возобновлению интереса к западному искусству.
В 1907 году с созданием Бантена под эгидой Министерства образования обе конкурирующие группы обрели взаимное признание и сосуществование и даже начали процесс взаимного синтеза.
В период Тайсё преобладало направление Йога над Нихонга . После длительного пребывания в Европе многие художники (включая Аришиму Икуму) вернулись в Японию во времена правления Ёсихито, принеся с собой приемы импрессионизма и раннего постимпрессионизма . Работы Камиля Писсарро , Поля Сезанна и Пьера-Огюста Ренуара оказали влияние на раннюю живопись периода Тайсё. Однако художники йога в период Тайсё также тяготели к эклектике , и существовало множество диссидентских художественных течений. К ним относилось Общество Фусайн ( Фюзанкай ), которое подчеркивало стили постимпрессионизма, особенно фовизм . В 1914 году возникло Общество Никакай (Второе отделение), чтобы выступить против спонсируемой правительством выставки Бантен.
Японская живопись периода Тайсё лишь в незначительной степени подверглась влиянию других современных европейских течений, таких как неоклассицизм и поздний постимпрессионизм.
Однако, к середине 1920-х годов возрождалась Нихонга , которая переняла некоторые тенденции постимпрессионизма. Второе поколение художников Нихонга основало Японскую академию изящных искусств ( Нихон Бидзюцуин ), чтобы конкурировать с спонсируемой правительством Бунтэн , и хотя традиции ямато-э оставались сильными, растущее использование западной перспективы и западных концепций пространства и света начало размывать различие между Нихонга и йога .
Японская живопись в довоенный период Сёва в значительной степени доминировала над Сотаро Ясуи и Рюдзабуро Умэхарой , которые ввели концепции чистого искусства и абстрактной живописи в традицию Нихонга и таким образом создали более интерпретативную версию этого жанра. Это направление было далее развито Леонардом Фудзитой и Обществом Ника, чтобы охватить сюрреализм . Для продвижения этих направлений в 1931 году была создана Независимая художественная ассоциация ( Dokuritsu Bijutsu Kyokai ).
Во время Второй мировой войны правительственный контроль и цензура означали, что можно было выражать только патриотические темы. Многие художники были завербованы в правительственную пропаганду , и критический неэмоциональный обзор их работ только начинается.
Среди выдающихся художников довоенного периода:
В послевоенный период в 1947 году была образована спонсируемая правительством Японская академия искусств ( Nihon Geijutsuin ), включавшая в себя как отделения нихонга , так и йога . Правительственное спонсорство художественных выставок прекратилось, но было заменено частными выставками, такими как Nitten , в еще большем масштабе. Хотя Nitten изначально была выставкой Японской академии искусств, с 1958 года ею управляет отдельная частная корпорация. Участие в Nitten стало почти обязательным условием для номинации в Японскую академию искусств, что само по себе является почти неофициальным условием для номинации на Орден культуры .
.jpg/1280px-Myth_of_Tomorrow_(3041116540).jpg)
Искусство Эдо и довоенного периода (1603–1945) поддерживалось торговцами и городскими жителями. В отличие от Эдо и довоенного периода, искусство послевоенного периода стало популярным. После Второй мировой войны художники, каллиграфы и граверы процветали в больших городах, особенно в Токио , и были заняты механизмами городской жизни, отраженными в мерцающих огнях, неоновых цветах и неистовом темпе их абстракций. Все «измы» нью-йоркско-парижского мира искусства были горячо приняты. После абстракций 1960-х годов, в 1970-х годах произошло возвращение к реализму, сильно приправленному движениями «оп» и «поп» искусства, воплощенными в 1980-х годах во взрывных работах Усио Синохары . Многие из таких выдающихся художников-авангардистов работали как в Японии, так и за рубежом, завоевывая международные премии. Эти художники считали, что в их работах нет «ничего японского», и они действительно принадлежали к международной школе. К концу 1970-х годов поиск японских качеств и национального стиля заставил многих художников пересмотреть свою художественную идеологию и отвернуться от того, что некоторые считали пустыми формулами Запада. Таро Окамото был вдохновлен керамикой периода Дзёмон , чтобы создать множество больших авангардных картин и скульптур для общественных мест в Японии. Как художник и теоретик искусства, он значительно повысил репутацию периода Дзёмон в истории японского искусства. [16] Современные картины в рамках современной идиомы начали сознательно использовать традиционные японские художественные формы, приемы и идеологии. Ряд художников моно-ха обратились к живописи, чтобы вернуть традиционные нюансы в пространственных композициях, цветовых гармониях и лиризме.
Японская живопись или нихонга продолжает развиваться в довоенной моде, обновляя традиционные выражения, сохраняя при этом свой внутренний характер. Некоторые художники в этом стиле по-прежнему рисуют на шелке или бумаге традиционными цветами и чернилами, в то время как другие используют новые материалы, такие как акрил .
Многие из старых школ искусства, особенно школы Эдо и довоенного периода, все еще практиковались. Например, декоративный натурализм школы римпа , характеризующийся яркими, чистыми цветами и растекающимися размывками, нашел отражение в работах многих художников послевоенного периода в искусстве Хикосаки Наоёси 1980-х годов. Реализм школы Маруямы Окё и каллиграфический и спонтанный японский стиль джентльменов-ученых широко практиковались в 1980-х годах. Иногда все эти школы, а также более старые, такие как традиции туши школы Кано , были заимствованы современными художниками в японском стиле и в современной идиоме. Многие художники японского стиля были удостоены наград и премий в результате возобновления популярного спроса на искусство японского стиля, начиная с 1970-х годов. Все больше и больше международные современные художники также заимствовали японские школы, отвернувшись от западных стилей в 1980-х годах. Тенденция заключалась в синтезе Востока и Запада. Некоторые художники уже преодолели разрыв между ними, как это сделала выдающаяся художница Шинода Токо . Ее смелые абстракции суми-инк были вдохновлены традиционной каллиграфией, но реализованы как лирические выражения современной абстракции.
В Японии также есть ряд современных художников, чьи работы в значительной степени вдохновлены субкультурами аниме и другими аспектами популярной и молодежной культуры. Такаси Мураками, пожалуй, один из самых известных и популярных из них, наряду с другими художниками из его коллектива студии Kaikai Kiki . Его работа сосредоточена на выражении проблем и забот послевоенного японского общества через то, что обычно кажется безобидными формами. Он во многом черпает вдохновение из аниме и связанных с ним стилей, но создает картины и скульптуры в медиа, более традиционно связанных с изобразительным искусством, намеренно стирая границы между коммерческим и популярным искусством и изобразительным искусством.
Среди выдающихся художников послевоенного периода:
.jpg/1280px-Ry%C5%ABko-zu_By%C5%8Dbu_by_Hashimoto_Gah%C5%8D(Part_of_the_dragon).jpg)
_L.jpg/1280px-Parting_Spring_by_Kawai_Gyokudo_(National_Museum_of_Modern_Art,_Tokyo)_L.jpg)
