Симфония — это расширенное музыкальное произведение в западной классической музыке , чаще всего для оркестра . Хотя этот термин имел много значений с момента своего возникновения в древнегреческой эпохе, к концу 18 века слово приобрело общепринятое сегодня значение: произведение, обычно состоящее из нескольких отдельных разделов или частей , часто из четырех, с первой частью в форме сонаты . Симфонии почти всегда пишутся для оркестра, состоящего из струнной секции ( скрипка , альт , виолончель и контрабас ), медных духовых , деревянных духовых и ударных инструментов , которые в общей сложности насчитывают от 30 до 100 музыкантов. Симфонии записываются в музыкальной партитуре , которая содержит все партии инструментов. Оркестровые музыканты играют по партиям, которые содержат только нотную музыку для их собственного инструмента. Некоторые симфонии также содержат вокальные партии (например, Девятая симфония Бетховена или Вторая симфония Малера ).
Слово симфония происходит от греческого слова συμφωνία ( symphōnía ), что означает «согласие или гармония звука», «концерт вокальной или инструментальной музыки», от σύμφωνος ( sýmphōnos ), «гармоничный». [1] Это слово относилось к множеству различных понятий, прежде чем в конечном итоге остановилось на своем нынешнем значении, обозначающем музыкальную форму.
В позднегреческой и средневековой теории это слово использовалось для обозначения консонанса , в отличие от διαφωνία ( diaphōnía ), которое было словом для обозначения «диссонанса». [2] В Средние века и позже латинская форма symphonia использовалась для описания различных инструментов, особенно тех, которые могли производить более одного звука одновременно. [2] Исидор Севильский был первым, кто использовал слово symphonia в качестве названия двухголового барабана, [3] а с 1155 по 1377 год французская форма symphonie была названием органиструма или хёрди -гарди . В позднесредневековой Англии слово symphony использовалось в обоих этих значениях, тогда как к XVI веку оно было приравнено к цимбалам . В немецком языке Symphonie было общим термином для спинетов и вёрджиналов с конца XVI века по XVIII век. [4]
В значении «звучать вместе» это слово начинает появляться в названиях некоторых произведений композиторов 16 и 17 веков, включая Sacrae Symphoniae Джованни Габриэли и Symphoniae Sacrae, liber secundus , опубликованных в 1597 и 1615 годах соответственно. ; «Церковная симфония Адриано Банкьери , детские песни в французской арии, per sonare, et cantare» , соч. 16, опубликовано в 1607 г.; Музыкальная симфония Лодовико Гросси да Виаданы , соч. 18, опубликовано в 1610 г.; и «Симфонии священные » Генриха Шютца , соч. 6 и Symphoniarum Sacrarum secunda pars , соч. 10, опубликованные в 1629 и 1647 годах соответственно. За исключением коллекции Виаданы, которая содержала чисто инструментальную и светскую музыку, все эти произведения представляли собой сборники духовных вокальных произведений, некоторые с инструментальным сопровождением. [5] [6]
В XVII веке, на протяжении большей части эпохи барокко, термины симфония и симфония использовались для обозначения различных композиций, включая инструментальные пьесы, используемые в операх , сонатах и концертах — обычно являющиеся частью более крупного произведения. Оперная симфония , или итальянская увертюра , к XVIII веку имела стандартную структуру из трех контрастных частей: быстрой, медленной, быстрой и танцевальной. Именно эту форму часто считают прямой предшественницей оркестровой симфонии. Термины «увертюра», «симфония» и «симфония» широко считались взаимозаменяемыми на протяжении большей части XVIII века. [6]
В 17 веке пьесы, написанные для большого инструментального ансамбля, не определяли точно, какие инструменты должны были играть те или иные партии, как это практикуется с 19 века до настоящего времени. Когда композиторы 17 века писали пьесы, они ожидали, что эти произведения будут исполняться любой доступной группой музыкантов. Приведем один пример: в то время как басовая линия в произведении 19 века записана для виолончелей , контрабасов и других определенных инструментов, в произведении 17 века партия бассо континуо для симфонии не будет указывать, какие инструменты будут играть эту партию. Исполнение пьесы может быть сделано с группой бассо континуо, такой небольшой, как одна виолончель и клавесин . Однако если для выступления был доступен больший бюджет и требовалось более мощное звучание, группа бассо континуо могла включать в себя несколько инструментов, играющих аккорды (клавесин, лютню и т. д.), а также ряд басовых инструментов, включая виолончель, контрабас, басовую виолу или даже серпент — ранний басовый духовой инструмент.
LaRue, Bonds, Walsh и Wilson пишут во втором издании The New Grove Dictionary of Music and Musicians , что «симфония культивировалась с необычайной интенсивностью» в XVIII веке. [7] Она играла роль во многих областях общественной жизни, включая церковные службы, [8] но особенно сильной областью поддержки симфонических выступлений была аристократия. В Вене, возможно, самом важном месте в Европе для сочинения симфоний, «буквально сотни знатных семей поддерживали музыкальные заведения, как правило, разделяя свое время между Веной и своим родовым поместьем [в другом месте в Империи]». [9] Поскольку обычный размер оркестра в то время был довольно небольшим, многие из этих придворных заведений были способны исполнять симфонии. Молодой Йозеф Гайдн , получивший свою первую работу в качестве музыкального руководителя в 1757 году для семьи Морцинов , обнаружил, что, когда семья Морцинов находилась в Вене, его собственный оркестр был лишь частью оживленной и конкурентной музыкальной сцены, поскольку многочисленные аристократы спонсировали концерты со своими собственными ансамблями. [10]
Статья ЛаРю, Бондса, Уолша и Уилсона прослеживает постепенное расширение симфонического оркестра на протяжении XVIII века. [11] Сначала симфонии были струнными, написанными всего в четырех частях: первая скрипка, вторая скрипка, альт и бас (басовая линия была занята виолончелью(ями), контрабасом(ами), играющим партию на октаву ниже, и, возможно, также фаготом). Иногда ранние симфонисты даже обходились без партии альта, создавая таким образом трехчастные симфонии. Также была возможна партия бассо континуо, включающая фагот вместе с клавесином или другим аккордовым инструментом. [11]
Первыми дополнениями к этому простому ансамблю были пара валторн, иногда пара гобоев, а затем и валторны, и гобои вместе. На протяжении столетия к классическому оркестру были добавлены другие инструменты : флейты (иногда заменяющие гобои), отдельные партии для фаготов, кларнетов, труб и литавр. Произведения различались по партитуре относительно того, какой из этих дополнительных инструментов должен был появиться. Полномасштабный классический оркестр, развернутый в конце столетия для самых масштабных симфоний, имеет стандартный струнный ансамбль, упомянутый выше, пары духовых ( флейты , гобои , кларнеты , фаготы ), пару валторн и литавр. Клавишный инструмент континуо (клавесин или фортепиано ) оставался опцией.
«Итальянский» стиль симфонии, часто используемый в качестве увертюры и антракта в оперных театрах , стал стандартной трехчастной формой: быстрая часть, медленная часть и еще одна быстрая часть. В течение XVIII века стало принято писать четырехчастные симфонии, [12] по принципу, описанному в следующем абзаце. Трехчастная симфония медленно вымирала; около половины первых тридцати симфоний Гайдна состоят из трех частей; [13] а для молодого Моцарта трехчастная симфония была нормой, возможно, под влиянием его друга Иоганна Христиана Баха . [14] Выдающимся поздним примером трехчастной классической симфонии является Пражская симфония Моцарта 1786 года.
Четырехчастная форма, возникшая в результате этой эволюции, была следующей: [15] [16]
Вариации этой компоновки, такие как изменение порядка средних частей или добавление медленного вступления к первой части, были обычным явлением. Гайдн, Моцарт и их современники ограничивали использование четырехчастной формы оркестровой или многоинструментальной камерной музыкой, такой как квартеты, хотя со времен Бетховена сольные сонаты так же часто пишутся в четырех, как и в трех частях. [17]
Составление ранних симфоний было сосредоточено в Милане, Вене и Мангейме . Миланская школа была сосредоточена вокруг Джованни Баттисты Саммартини и включала Антонио Бриоски , Фердинандо Галимберти и Джованни Баттиста Лампуньяни . Ранние представители этой формы в Вене включали Георга Кристофа Вагензайля , Венцеля Раймунда Бирка и Георга Маттиаса Монна , в то время как более поздние значительные венские композиторы симфоний включали Иоганна Баптиста Ванхала , Карла Диттерса фон Диттерсдорфа и Леопольда Хофмана . Мангеймская школа включала Иоганна Стамица . [18]
Наиболее значительными симфонистами второй половины XVIII века являются Гайдн, написавший не менее 106 симфоний за 36 лет [ 19] и Моцарт, написавший не менее 47 симфоний за 24 года [20] .
В начале 19 века Бетховен возвысил симфонию из повседневного жанра, производимого в больших количествах, до высшей формы, в которой композиторы стремились достичь наивысшего потенциала музыки всего в нескольких произведениях. [21] Бетховен начал с двух произведений, напрямую подражающих его образцам Моцарту и Гайдну, затем еще семи симфоний, начиная с Третьей симфонии («Героическая»), которая расширила сферу и амбиции жанра. Его Симфония № 5, возможно, самая известная симфония из когда-либо написанных; ее переход от эмоционально бурной вступительной части до минор к триумфальному финалу в мажорной тональности послужил образцом, принятым более поздними симфонистами, такими как Брамс [22] и Малер . [ необходима цитата ] Его Симфония № 6 является программным произведением, в котором представлены инструментальные имитации криков птиц и шторма; и, что нетрадиционно, пятая часть (симфонии обычно имели не более четырех частей). Его Симфония № 9 включает в себя партии для вокальных солистов и хора в последней части, что делает ее хоровой симфонией . [23]
Из симфоний Шуберта две являются основными репертуарными произведениями и часто исполняются. Из Восьмой симфонии (1822) Шуберт завершил только первые две части; это весьма романтическое произведение обычно называют по его прозвищу «Неоконченное». Его последняя завершенная симфония, Девятая ( 1826) — масштабное произведение в классическом стиле. [24]
Из ранних романтиков Феликс Мендельсон (пять симфоний, плюс тринадцать струнных симфоний ) и Роберт Шуман (четыре) продолжали писать симфонии в классическом стиле, хотя и используя свой собственный музыкальный язык. Напротив, Берлиоз отдавал предпочтение программным произведениям, включая его «драматическую симфонию» «Ромео и Джульетта» , альтовую симфонию «Гарольд в Италии» и весьма оригинальную «Фантастическую симфонию» . Последняя также является программным произведением и содержит как марш, так и вальс и пять частей вместо обычных четырех. Его четвертая и последняя симфония, « Большая траурно-триумфальная симфония» (первоначально называвшаяся «Военная симфония» ), была написана в 1840 году для марширующего военного оркестра из 200 человек , для исполнения на открытом воздухе, и является ранним примером оркестровой симфонии. Позже Берлиоз добавил дополнительные струнные партии и хоровой финал. [25] В 1851 году Рихард Вагнер заявил, что все эти постбетховенские симфонии были не более чем эпилогом, не предлагая ничего существенно нового. Действительно, после последней симфонии Шумана, «Рейненской», написанной в 1850 году, на протяжении двух десятилетий симфоническая поэма Листа , казалось, вытеснила симфонию как ведущую форму крупномасштабной инструментальной музыки. Однако Лист также написал в это время две программные хоровые симфонии, «Фауст» и «Данте» . Если бы симфония в ином случае затмила себя, то вскоре она вновь появилась во «второй эпохе» в 1870-х и 1880-х годах с симфониями Брукнера , Брамса , Чайковского , Сен - Санса , Бородина , Дворжака и Франка — произведениями, которые в значительной степени избегали программных элементов Берлиоза и Листа и доминировали в концертном репертуаре по крайней мере столетие. [21]
В течение 19 века композиторы продолжали увеличивать размер симфонического оркестра. Примерно в начале века полноценный оркестр состоял из струнной секции плюс пары флейт, гобоев, кларнетов, фаготов, валторн, труб и, наконец, набора литавр. [26] Это, например, партитура, используемая в симфониях Бетховена под номерами 1 , 2 , 4 , 7 и 8. Тромбоны, которые ранее ограничивались церковной и театральной музыкой, стали добавляться в симфонический оркестр, особенно в 5-й , 6-й и 9-й симфониях Бетховена. Сочетание большого барабана, треугольника и цимбал (иногда также: пикколо), которое композиторы 18-го века использовали в качестве колористического эффекта в так называемой « турецкой музыке », стало все чаще использоваться во второй половине 19-го века без каких-либо подобных коннотаций жанра. [26] Ко времени Малера (см. ниже) композитор мог написать симфонию, партитурированную для «настоящего сборника оркестровых инструментов». [26] В дополнение к увеличению разнообразия инструментов, симфонии 19-го века постепенно пополнялись большим количеством струнных исполнителей и большим количеством духовых партий, так что оркестр существенно вырос в чистом виде, поскольку концертные залы также росли. [26]
Ближе к концу 19 века Густав Малер начал писать длинные, масштабные симфонии, которые он продолжал сочинять вплоть до начала 20 века. Его Третья симфония , завершенная в 1896 году, является одной из самых длинных регулярно исполняемых симфоний, ее продолжительность составляет около 100 минут для большинства выступлений. Восьмая симфония была написана в 1906 году и получила прозвище «Симфония тысячи» из-за большого количества голосов, необходимых для исполнения произведения.
В 20 веке произошло дальнейшее разнообразие в стиле и содержании произведений, которые композиторы называли симфониями . [27] Некоторые композиторы, включая Дмитрия Шостаковича , Сергея Рахманинова и Карла Нильсена , продолжали писать в традиционной четырехчастной форме, в то время как другие композиторы использовали иные подходы: Симфония № 7 Яна Сибелиуса , его последняя, состоит из одной части, Альпийская симфония Рихарда Штрауса , состоящая из одной части, разделенной на двадцать две части, подробно описывающая одиннадцатичасовой поход по горам, а Симфония № 9 Алана Ховханесса , « Святой Вартан» — первоначально соч. 80, измененная на соч. 180 — написанная в 1949–50 годах, состоит из двадцати четырех частей. [28]
Забота об объединении традиционной четырехчастной симфонии в единую, всеобъемлющую формальную концепцию возникла в конце 19 века. Это называлось «двумерной симфонической формой», и ее ключевой поворотный момент находит в Камерной симфонии № 1 Арнольда Шенберга , соч. 9 (1909), за которой в 1920-х годах последовали другие известные немецкие одночастные симфонии, включая Первую симфонию Курта Вайля (1921), Камерную симфонию Макса Баттинга , соч. 25 (1923) и Симфонию 1926 года Пауля Дессау . [29]
Наряду с этим экспериментом, другие симфонии 20-го века намеренно пытались вызвать к жизни истоки жанра 18-го века с точки зрения формы и даже музыкального стиля, яркими примерами чего являются Симфония № 1 «Классическая» Сергея Прокофьева 1916–1917 годов и Симфония до мажор Игоря Стравинского 1938–40 годов. [30]
Однако определенные тенденции сохранились. Обозначение произведения как «симфония» все еще подразумевало определенную степень утонченности и серьезности цели. Слово « симфониетта» вошло в употребление для обозначения произведения, которое короче, имеет более скромные цели или «легче», чем симфония, например, «Симфониетта » для оркестра Сергея Прокофьева . [31] [32]
В первой половине века такие композиторы, как Эдвард Элгар , Густав Малер , Ян Сибелиус , Карл Нильсен , Игорь Стравинский , Богуслав Мартину , Роджер Сешнс , Сергей Прокофьев , Руд Ланггор и Дмитрий Шостакович, сочиняли симфонии, «необычайные по размаху, богатству, оригинальности и срочности выражения». [33] Одним из показателей значимости симфонии является степень, в которой она отражает концепции временной формы, характерные для эпохи, в которой она была создана. Пять композиторов XX века, которые соответствуют этому критерию, — это Ян Сибелиус , Игорь Стравинский , Лучано Берио (в его «Симфонии» , 1968–69), Эллиот Картер (в его «Симфонии трех оркестров» , 1976) и Пелле Гудмундсен-Холмгрин (в «Симфонии/Антифонии» , 1980). [34]
С середины 20-го века и до 21-го века наблюдается всплеск интереса к симфонии, и многие композиторы-постмодернисты внесли существенный вклад в канон, не в последнюю очередь в Соединенном Королевстве: Питер Максвелл Дэвис (10), [35] Робин Холлоуэй (1), [36] Дэвид Мэтьюз (9), [37] Джеймс Макмиллан (5), [38] Питер Сибурн (6), [39] и Филип Сойерс (6). [40] Британский композитор Дерек Буржуа превзошел по количеству симфоний, написанных Гайдном, написав 116 симфоний. [41] Наибольшее количество симфоний на сегодняшний день было написано финном Лейфом Сегерстамом , список произведений которого включает 371 симфонию. [42]
Первоначально Гектор Берлиоз написал Большую симфонию Funèbre et Triomphale для военного оркестра в 1840 году. Антон Райха сочинил свою четырехчастную симфонию «Памятник» (также известную как Musique pour célébrer le Mémorie des Grands Hommes qui se sont Illustrés au Service de la Nation Française). ) для большого духового ансамбля еще раньше, в 1815 году, для церемоний, связанных с перезахоронением Людовика XVI и Марии-Антуанетты [43] [ нужен лучший источник ]
После этих ранних попыток, лишь немногие симфонии были написаны для духовых оркестров вплоть до 20-го века, когда для концертного оркестра было написано больше симфоний , чем в прошлые века. Хотя примеры существуют еще с 1932 года, первой такой важной симфонией является Симфония № 19, соч. 46 Николая Мясковского , написанная в 1939 году. [44] Еще несколько примеров: Симфония в си-бемоль мажор для оркестра Пауля Хиндемита , написанная в 1951 году; Симфония № 4 «Вест-Пойнт» Мортона Гулда , написанная в 1952 году; Симфония № 6, соч. 69 Винсента Персикетти , написанная в 1956 году; Симфония № 3 Витторио Джаннини , написанная в 1958 году; Симфонии № 4, соч. 165, № 7, «Нанга Парват», соч. 175, № 14, «Арарат», соч. 194, и № 23, «Ани», соч. 249, написанные в 1958, 1959, 1961 и 1972 годах соответственно; [45] Симфония № 2 Джона Барнса Ченса , написанная в 1972 году; 2-я, 3-я, 4-я и 5-я симфонии Альфреда Рида , написанные в 1979, 1988, 1992 и 1994 годах соответственно; восемь из десяти пронумерованных симфоний Дэвида Масланки ; [46] пять симфоний на сегодняшний день Жюли Жиру (хотя в настоящее время она работает над шестой [47] ); Симфония № 1 «Властелин колец» Йохана де Мейя , написанная в 1988 году, и его же Симфония № 2 «Большое яблоко», написанная в 1993 году; Симфония в трех картинах «Жизнь» Ясухидэ Ито, написанная в 1998 году, которая является его третьей симфонией для духового оркестра; Симфония № 3 «Цирк Максимус» Джона Корильяно , написанная в 2004 году; Симфония PachaMama Дениса Левайяна , написанная в 2014 и 2015 годах [48] , и Симфония № 2 Джеймса М. Стивенсона, впервые исполненная Оркестром морской пехоты США («The President's Own»), получили награды Уильяма Д. Ревелли (2017) [49] от Национальной ассоциации оркестров и Соузы/Оствальда (2018) [50] от Американской ассоциации капельмейстеров .
В некоторых формах английского языка слово «симфония» также используется для обозначения оркестра , большого ансамбля, который часто исполняет эти произведения. Слово «симфония» появляется в названии многих оркестров, например, Лондонского симфонического оркестра , Бостонского симфонического оркестра , Сент-Луисского симфонического оркестра , Хьюстонского симфонического оркестра или Нью-Уорлд-симфонического оркестра Майами . Для некоторых оркестров «(название города) Симфония» представляет собой более короткую версию полного названия; например, Оксфордский словарь английского языка приводит «Ванкуверский симфонический оркестр» как возможную сокращенную форму Ванкуверского симфонического оркестра . [51] [52] Кроме того, в обычном использовании человек может сказать, что он собирается послушать выступление симфонии, имея в виду оркестр, а не произведения в программе. Эти употребления не распространены в британском английском .
Неизвестному композитору приходится платить, чтобы его сочинения исполнялись хорошим симфоническим оркестром.
