Ганс Хофманн (21 марта 1880 г. — 17 февраля 1966 г.) — американский художник немецкого происхождения, известный как художник и преподаватель. Его карьера охватывала два поколения и два континента, и считается, что он предшествовал абстрактному экспрессионизму и оказал на него влияние . [1] Родившийся и получивший образование недалеко от Мюнхена, он был активным деятелем европейского авангарда начала двадцатого века и привнес глубокое понимание и синтез символизма , неоимпрессионизма , фовизма и кубизма, когда эмигрировал в Соединенные Штаты в 1932 году. [2] Живопись Хофманна характеризуется строгой заботой о живописной структуре и единстве, пространственным иллюзионизмом и использованием смелого цвета для выразительных средств. [3] [4] Влиятельный критик Клемент Гринберг считал первую персональную выставку Хофманна в Нью-Йорке в галерее Пегги Гуггенхайм «Искусство этого века » в 1944 году (вместе с выставкой Джексона Поллока в конце 1943 года) прорывом в живописной и геометрической абстракции, предвещавшей абстрактный экспрессионизм. [5] В последующее десятилетие признание Хофманна росло благодаря многочисленным выставкам, особенно в галерее Kootz , кульминацией которых стали крупные ретроспективы в Музее американского искусства Уитни (1957) и Музее современного искусства (1963), которые путешествовали по площадкам по всем Соединенным Штатам, Южной Америке и Европе. [6] Его работы находятся в постоянных коллекциях крупнейших музеев по всему миру, включая Музей Метрополитен , Галерею Тейт Модерн , Германский национальный музей , Национальную галерею искусств и Чикагский институт искусств . [6]
Хофманн также считается одним из самых влиятельных преподавателей искусств 20-го века. Он основал художественную школу в Мюнхене в 1915 году, которая была основана на идеях и работах Сезанна , кубистов и Кандинского ; некоторые историки искусства предполагают, что это была первая современная школа искусства где-либо. [2] После переезда в Соединенные Штаты он вновь открыл школу как в Нью-Йорке, так и в Провинстауне, штат Массачусетс, пока не ушел с преподавания в 1958 году, чтобы полностью посвятить себя живописи. [6] Его присутствие в преподавании в Нью-Йорке оказало значительное влияние на американских художников-авангардистов послевоенного периода, включая Джозефа Гласко , [7] Хелен Франкенталер , Нелл Блейн , Ли Краснер , Джоан Митчелл , Луизу Невельсон и Ларри Риверса , среди многих других, а также на теории Гринберга, в его акценте на среде, плоскости изображения и единстве работы. [4] Другие ключевые принципы Хофманна включают его пространственные теории «тяни/толкай», его настойчивое убеждение в том, что абстрактное искусство берет свое начало в природе, и его веру в духовную ценность искусства. [2] [8] Хофманн умер от сердечного приступа в Нью-Йорке 17 февраля 1966 года.
Ганс Хофманн родился в Вайсенбурге , Бавария , 21 марта 1880 года в семье Теодора Фридриха Хофманна (1855–1903) и Франциски Мангер Хофманн (1849–1921). В 1886 году его семья переехала в Мюнхен, где его отец устроился на работу в правительство. С юных лет Хофманн тяготел к науке и математике. В шестнадцать лет он последовал за отцом на государственную службу, работая в баварском правительстве помощником директора общественных работ. Там он расширил свои познания в математике, в конечном итоге разработав и запатентовав такие устройства, как электромагнитный комптометр, радар для кораблей в море, сенсибилизированную лампочку и переносной морозильник для военного использования. В это время Хофманн также заинтересовался творческими исследованиями, начав брать уроки искусства между 1898 и 1899 годами у немецкого художника Морица Хеймана. [6]
Между 1900 и 1904 годами Хофманн встретил свою будущую жену Марию «Миз» Вольфегг (1885–1963) в Мюнхене, а также познакомился с Филиппом Фройденбергом, владельцем элитного берлинского универмага Kaufhaus Gerson и страстным коллекционером произведений искусства. Фройденберг стал покровителем Хофманна в течение следующего десятилетия, что позволило ему переехать и жить в Париже с Миз. [6] В Париже Хофманн учился в Академии Гранд Шомьер и Академии Коларосси . [9] [10] Он также погрузился в авангардную художественную сцену Парижа, работая с Матиссом и подружившись с Пикассо , Жоржем Браком , а также Робером и Соней Делоне . [2] Хофманн работал и выставлялся в Париже до начала Первой мировой войны, создавая картины, на которые больше всего повлияли кубисты и Сезанн. Вынужденный вернуться в Германию и исключенный из военной службы из-за респираторного заболевания, Хофманн открыл художественную школу в Мюнхене в 1915 году, заработав репутацию прогрессивного преподавателя. В 1930 году его пригласили преподавать на западном побережье Соединенных Штатов, что в конечном итоге проложило ему путь к постоянному проживанию в Соединенных Штатах в 1932 году, где он прожил до конца своей жизни. Хофманн и Миз жили раздельно в течение шести лет, пока она не получила иммиграционную визу в Соединенные Штаты в 1939 году. [6]
Между 1933 и 1958 годами Хофманн совмещал работу в студии с преподаванием и, как и в Париже, погрузился в (и оказал влияние) растущую авангардную художественную сцену Нью-Йорка. Он вновь открыл свою художественную школу в 1934 году, проводя занятия в Нью-Йорке и в Провинстауне летом. [9] В 1941 году он стал гражданином Америки. В это время его работы привлекали все большее внимание и признание критиков, дилеров и музеев. В 1958 году он ушел из преподавания, чтобы сосредоточиться на живописи, что привело к позднему расцвету его творчества (в возрасте семидесяти восьми лет). [2] В 1963 году Миз Хофманн, его партнер и жена на протяжении более шестидесяти лет, умерла после операции. Два года спустя Хофманн женился на Ренате Шмитц, которая оставалась с ним до его смерти от сердечного приступа в Нью-Йорке 17 февраля 1966 года, незадолго до его 86-го дня рождения. [6]
Искусство Хофманна в целом отличается строгим интересом к изобразительной структуре и единству, развитием пространственной иллюзии посредством «толкания и притяжения» цвета, формы и размещения, а также использованием смелого, часто основного цвета для выразительных средств. [4] В первые десятилетия века он писал в модернистском, хотя все еще определенно репрезентативном стиле, создавая пейзажи, натюрморты и портреты, в значительной степени под влиянием кубизма и Сезанна с точки зрения формы, а также Кандинского, Матисса и Ван Гога с точки зрения цвета. [3] [2] Он начал длительный период, сосредоточенный исключительно на рисунке где-то в 1920-х годах, вернувшись к живописи в 1935 году. [9] Однако к 1940 году он начал писать полностью абстрактные работы, такие как «Весна », небольшая картина маслом на панели «капля». Историки искусства описали эту работу, а также другие, такие как «Ветер» (1942), «Фантазия» (1943) и «Вскипание» (1944), с точки зрения их «живописных атак», резких контрастов, насыщенного цвета и спонтанности жестов как «записи интенсивного опыта художника» в отношении краски, цвета и процессов, которые были произвольными, случайными и прямыми, а также преднамеренными. [1] Они демонстрируют ранние стилистические эксперименты Хофмана с техниками, которые будут называться «живописью действия», которую Поллок и другие прославили к концу десятилетия. [11] [6] Хофманн считал, что абстрактное искусство — это способ добраться до важной реальности, однажды заявив, что «способность упрощать означает устранять ненужное, чтобы необходимое могло говорить». [12]
Работы Хофманна в 1940-х годах отстаивали несколько ключевых фигур, которые инициировали новую эру растущего влияния арт-дилеров и галерей, включая Пегги Гуггенхайм, Бетти Парсонс и Сэмюэла М. Кутца . Его первая персональная выставка в Нью-Йорке в галерее Guggenheim's Art of This Century в 1944 году получила положительные отзывы в New York Times , ARTnews и Arts Digest . [6] Критик Клемент Гринберг считал эту выставку — и выставку Джексона Поллока несколькими месяцами ранее — «прорывом» из «теснительной хватки синтетического кубизма» в американской живописи, которая открыла путь к более живописному стилю абстрактного экспрессионизма. [5] В том же году работы Хофманна также были представлены на персональной выставке в The Arts Club of Chicago и двух ключевых групповых выставках абстрактного и сюрреалистического искусства в Америке, кураторами которых выступили Сидни Дженис и Парсонс. Рецензируя выставку Хофманна 1945 года, Гринберг писал: «Хофманн стал силой, с которой приходится считаться как в практике, так и в интерпретации современного искусства». [6] Не все критики были единодушны в своих похвалах; например, Роберт Коутс , один из первых, кто назвал новую работу «абстрактным экспрессионизмом», выразил скептицизм по поводу стиля живописи «брызги и мазня» в обзоре работ Хофманна 1946 года. [13] [5] В 1947 году Хофманн начал ежегодно выставляться в галерее Kootz в Нью-Йорке (и делал это каждый год до 1966 года, за исключением 1948 года, когда галерея временно закрылась), и в течение следующего десятилетия продолжал получать признание. [14]
В более поздний период Хофманн часто работал менее жестикуляционно, создавая такие работы, как «Врата» (1959–60), «Помпеи» (1959) или «Миз — Пакс Вобискус» (мемориал 1964 года после ее смерти), которые были в общих чертах посвящены архитектурным объемам и иногда назывались его «картинами на плитах». [16] [17] В этих работах он использовал прямоугольники чувственного цвета, которые усиливали форму его последовательного формата станковой живописи и иногда предполагали модульную логику, но при этом избегали окончательных прочтений посредством областей модулированной краски и неправильных форм. [18]
В 1957 году Музей Уитни организовал большую ретроспективу Хофманна, которая в течение следующего года посетила еще семь музеев в Соединенных Штатах. В своем обзоре ретроспективы критик Гарольд Розенберг написал: «Ни один американский художник не мог бы организовать выставку более последовательного разнообразия, чем Ганс Хофманн». [6] В 1960 году Хофманн был выбран представлять Соединенные Штаты на Венецианской биеннале вместе с Филиппом Гастоном , Францем Клайном и Теодором Рошаком . [19] В 1963 году Музей современного искусства провел полномасштабную ретроспективу, организованную Уильямом Зейтцем, с каталогом, включавшим отрывки из произведений Хофманна. [3] В течение следующих двух лет выставка посетила еще пять площадок в США, музеи в Буэнос-Айресе и Каракасе, и, наконец, пять площадок в Нидерландах, Италии и Германии.
Посмертные ретроспективы работ Хофманна включают выставки в музее Хиршхорна (1976), музее Уитни (1990) и лондонской галерее Тейт («Ганс Хофманн: Поздние картины», 1988), куратором которой был британский художник Джон Хойланд . Хойланд впервые столкнулся с работами Хофманна во время своего первого визита в Нью-Йорк в 1964 году в компании Клемента Гринберга и был сразу же впечатлен. [20]
Хофманн был известен не только как художник, но и как преподаватель искусства, как в родной Германии, так и позднее в США. Его ценность как преподавателя заключалась в последовательности и бескомпромиссной строгости его художественных стандартов и его способности преподавать основные принципы послевоенной абстракции разнообразному кругу студентов. [16] Он основал свою первую школу, Schule für Bildende Kunst (Школа изящных искусств) в Мюнхене в 1915 году, опираясь на идеи и работы Сезанна, кубистов и Кандинского. Его практические методы обучения включали постоянное обсуждение теории искусства, сеансы рисования с натуры и регулярную критику самого Хофмана, практика, которая была редкостью в Академии. [6] К середине 1920-х годов он приобрел репутацию прогрессивного учителя и привлекал множество студентов со всего мира, ищущих более авангардного обучения, включая Альфа Байрле , Альфреда Йенсена , Луизу Невельсон , Вольфганга Паалена , Уорта Райдера [21] и Бистру Винарову . [22] Историк искусств Гершель Чипп утверждал, что школа , вероятно, была первой школой современного искусства в мире. [2] Хофман руководил школой, включая летние сессии, проводившиеся по всей Германии, а также в Австрии, Хорватии, Италии и Франции, пока не эмигрировал в США в 1932 году.
В США он сначала преподавал летом в Калифорнийском университете в Беркли в 1930 году по приглашению бывшего студента Уорта Райдера, тогда члена факультета искусств. Он снова преподавал в Беркли и в Институте искусств Шуинарда в Лос-Анджелесе в следующем году, прежде чем снова вернуться в Германию. [23] [24] После переезда в Нью-Йорк он начал преподавать в Лиге студентов-художников Нью-Йорка в 1933 году. К 1934 году Хофманн открыл собственные школы в Нью-Йорке и в Провинстауне, Массачусетс. У него учились многие известные художники, в том числе Ли Краснер , Хелен Франкенталер , Рэй Имс , Ларри Риверс , Аллан Капроу , Ред Грумс , Нелл Блейн , Ирен Райс Перейра , Жером Камровски , Уорд Джексон , Фриц Бултман , Израиль Левитан , Роберт Де Ниро-старший , Джейн Фрейлихер , Вольф Кан , Марисоль Эскобар , Бергойн Диллер , Джеймс Гахаган , Ричард Станкевич , Линда Линдеберг , Лилиан Орловски , Луиза Маттиасдоттир и Нина Триггвадоттир . [25] [26] [27] Среди его учеников также была Беула Стивенсон , давний куратор Бруклинского музея . [28] [29] В 1958 году Хофманн закрыл свои школы, чтобы посвятить себя исключительно собственной творческой работе. В 1963 году Музей современного искусства курировал передвижную выставку «Ганс Хофманн и его ученики», в которую вошли 58 работ, представляющих 51 художника. [30]
Несмотря на то, что ему приписывают обучение ряда самых одаренных женщин-художников того периода — в то время, когда они все еще были довольно редки — Хофманна иногда описывали как человека, демонстрирующего «прямую мужскую шовинистическую позицию». [31] Ли Краснер, которая оставалась его преданной поклонницей, сравнивала некоторые из его критических замечаний с двусмысленной похвалой, которую часто получали ранние женщины-художники (например, «так хорошо, вы никогда не поймете, что это сделала женщина!»). [31] Скульптор Лила Катцен рассказывала, что он сказал ей, что «только у мужчин есть крылья для искусства». [32]
Влиятельные работы Хофмана о современном искусстве были собраны в книге « Поиск реального и другие эссе» (1948), которая включает его обсуждения его пространственных теорий «толкай/тяни», его почтение к природе как источнику искусства, его убежденность в том, что искусство имеет духовную ценность, и его философию искусства в целом. С формальной точки зрения он особенно примечателен как теоретик среды, который утверждал, что «каждая среда выражения имеет свой собственный порядок бытия», что «цвет — это пластическое средство создания интервалов», и его осознание рамы картины, представленное его цитатой: «любая линия, нанесенная на холст, уже является пятой». [33] Хофманн верил в необходимость оставаться верным плоскостности основы холста и в то, что для того, чтобы придать картине глубину и движение, художник должен создать то, что он называл «толкай и тяни» в изображении — контрасты цвета, формы и текстуры.
Хофманн был глубоко убежден в духовной и социальной ценности искусства. В 1932 году он писал: «Обеспечение руководства со стороны учителей и поддержка развивающихся художников — это национальный долг, гарантия духовной солидарности. То, что мы делаем для искусства, мы делаем для себя, для наших детей и будущего». [34]
Работы Хофманна находятся в постоянных коллекциях многих крупных музеев в Соединенных Штатах и по всему миру, включая: Музей искусств Калифорнийского университета в Беркли , Музей Метрополитен, Музей Соломона Р. Гуггенхайма , Музей Уитни, Музей современного искусства, Музей современного искусства Сан-Франциско , Музей изящных искусств Бостона , Институт искусств Чикаго, Музей искусств Сиэтла , Музей искусств Балтимора , Музей изящных искусств Хьюстона , Музей искусств Кливленда , Музей искусств Филадельфии , Ассоциация и музей искусств Провинстауна , Städtische Galerie im Lenbachhaus ( Мюнхен ), Museu d'Art Contemporani (Барселона), Галерея Тейт, Художественный музей Университета Западной Вирджинии и Художественная галерея Онтарио (Торонто). Хофманн также разработал публичную работу, красочную фреску, расположенную у входа в Высшую школу графических коммуникационных искусств, расположенную в районе Адская кухня на Манхэттене . [35]
В 2015 году на аукционе Christie's в Нью-Йорке картина Хофманна « Осер» (1960), вдохновленная огромными витражами собора Святого Этьена во Франции, достигла мирового аукционного рекорда для художника — 6 325 000 долларов. [36]
Когда 17 февраля 1966 года Хофманн умер, его вдова, Ренате Хофманн, управляла его имуществом. После смерти Ренате в 1992 году, New York Daily News опубликовала статью под названием «От икры до кошачьего корма», в которой подробно описывалась «печальная и мучительная история» вдовы Хофманна. В статье утверждалось, что назначенные судом опекуны Ренате «доили имущество более десяти лет» и позволили психически неуравновешенной Ренате жить «со своими кошками и выпивкой в заваленном мусором доме на берегу океана». [37] Под угрозой судебного преследования первоначальный исполнитель имущества Хофманна Роберт Уоршоу добился того, что нерадивые опекуны выплатили имуществу 8,7 млн долларов за «чрезвычайную осознанную боль и страдания». [37]
По завещанию Ренаты Хофманн был официально создан Фонд Ренаты, Ганса и Марии Хофманн во главе с Уоршоу. Миссия Фонда — «содействовать изучению и пониманию необыкновенной жизни и творчества Ганса Хофманна» и достигать этих целей «через выставки, публикации и образовательные мероприятия и программы, посвященные Гансу Хофманну» [38] , а также каталог-резоне картин Хофманна. [39] Представителем по авторским правам в США для Фонда Ренаты, Ганса и Марии Хофманн является Общество по правам художников . [40]
