Многоэтническое население Соединенных Штатов отражается в разнообразии музыкальных стилей . Это смесь музыки, на которую повлияла музыка Европы , коренных народов , Западной Африки , Латинской Америки , Ближнего Востока , Северной Африки и многих других мест. Самыми всемирно известными жанрами страны являются традиционный поп , джаз , блюз , кантри , мятлик , рок , рок-н-ролл , R&B , поп , хип-хоп/рэп , соул , фанк , религиозный , дискотека , хаус , техно , рэгтайм , ду- wop , фолк , американа , бугалу , теджано , реггетон , серфинг и сальса , среди многих других. Американскую музыку слышны во всем мире. С начала 20-го века некоторые формы американской популярной музыки завоевали почти всемирную аудиторию. [1]
Коренные американцы были первыми жителями земли, которая сегодня известна как Соединенные Штаты, и впервые исполнили музыку. Начиная с 17 века, поселенцы из Великобритании, Ирландии, Испании, Германии и Франции начали прибывать в больших количествах, принося с собой новые стили и инструменты. Порабощенные люди из Западной Африки принесли свои музыкальные традиции, и каждая последующая волна иммигрантов вносила свой вклад в плавильный котел .
В музыкальной традиции европейско-американских поселенцев также присутствуют некоторые афроамериканские влияния, такие как джаз, блюз, рок, кантри и мятлик. В Соединенных Штатах также видели документированную народную музыку и записывали популярную музыку, созданную в этнических стилях украинской , ирландской , шотландской , польской , латиноамериканской и еврейской общин , среди других.
Во многих американских городах и поселках есть яркая музыкальная сцена, которая, в свою очередь, поддерживает ряд региональных музыкальных стилей. Музыкальные центры по всей стране создали и внесли свой вклад в развитие многих самобытных стилей американской музыки. Каджунские и креольские традиции в музыке Луизианы , народные и популярные стили гавайской музыки , а также блюграсс и старинная музыка юго -восточных штатов — вот несколько примеров разнообразия в американской музыке.
Музыку Соединенных Штатов можно охарактеризовать использованием синкоп и асимметричных ритмов, длинных, нерегулярных мелодий , которые, как говорят, «отражают широко открытую географию (американского ландшафта)» и «чувство личной свободы, характерное для американского народа». жизнь". [2] Некоторые отдельные аспекты американской музыки, такие как формат «призыв-и-ответ» , заимствованы из африканских техник и инструментов.
На протяжении более позднего периода американской истории и в наше время отношения между американской и европейской музыкой были обсуждаемой темой среди исследователей американской музыки. Некоторые призывали к принятию более чисто европейских техник и стилей, которые иногда воспринимаются как более изысканные и элегантные, в то время как другие настаивали на чувстве музыкального национализма, прославляющем отчетливо американские стили. Исследователь современной классической музыки Джон Уортен Страбл противопоставил американскую и европейскую музыку, заключив, что музыка Соединенных Штатов по своей сути различна, потому что в Соединенных Штатах не было столетий музыкальной эволюции как нации. Вместо этого музыка Соединенных Штатов — это музыка десятков или сотен групп коренных народов и иммигрантов, каждая из которых развивалась в основном в региональной изоляции до Гражданской войны в США , когда люди со всей страны были собраны в армейские подразделения, обмениваясь музыкальными стилями. и практики. Страбл считал баллады о Гражданской войне «первой американской народной музыкой с заметными особенностями, которые можно считать уникальными для Америки: первой музыкой, звучащей по-американски, в отличие от любого регионального стиля, заимствованного из другой страны». [3]
Гражданская война и период после нее стали свидетелями общего расцвета американского искусства , литературы и музыки. Любительские музыкальные ансамбли этой эпохи можно рассматривать как зарождение американской популярной музыки. Музыкальный автор Дэвид Юэн описывает эти ранние любительские группы как сочетающие «глубину и драматизм классики с нетребовательной техникой, избегая сложности в пользу прямого выражения. Если бы это была вокальная музыка, слова были бы на английском языке, несмотря на снобов, объявляющих английский язык В каком-то смысле это было частью всего пробуждения Америки, которое произошло после Гражданской войны, времени, когда американские художники, писатели и «серьезные» композиторы обращались к специфически американским темам». [4] В этот период сформировались корни блюза, госпела, джаза и кантри; в 20 веке они стали основой американской популярной музыки, которая в дальнейшем развилась в такие стили, как ритм-н-блюз, рок-н-ролл и хип-хоп.
Музыка переплетается с аспектами американской социальной и культурной идентичности, в том числе через социальный класс , расу и этническую принадлежность , географию , религию , язык , пол и сексуальность . Отношения между музыкой и расой, пожалуй, являются самым мощным определяющим фактором музыкального значения в Соединенных Штатах. Развитие афроамериканской музыкальной идентичности из разрозненных источников из Африки и Европы было постоянной темой в истории музыки Соединенных Штатов . Существует мало документации об афроамериканской музыке колониальной эпохи, когда стили, песни и инструменты со всей Западной Африки смешивались с европейскими стилями и инструментами, что привело к созданию новых жанров и самовыражению порабощенных людей. К середине 19 века отчетливо афроамериканская народная традиция была хорошо известна и широко распространена, а афроамериканские музыкальные техники, инструменты и образы стали частью основной американской музыки через спиричуэлс , шоу менестрелей и песни рабов. [5] Афроамериканские музыкальные стили стали неотъемлемой частью американской популярной музыки через блюз , джаз , ритм-н-блюз , а затем рок-н-ролл , соул и хип-хоп ; все эти стили использовались американцами всех рас, но были созданы в афроамериканских стилях и идиомах, прежде чем в конечном итоге стали обычным явлением в исполнении и потреблении независимо от расовой принадлежности. Напротив, музыка кантри происходит как из африканских, так и из европейских, а также из индейских и гавайских традиций и долгое время воспринималась как форма белой музыки. [6]
Экономические и социальные классы разделяют американскую музыку через создание и потребление музыки, например, покровительство высшего класса любителям симфонических произведений и, как правило, плохим исполнителям сельской и этнической народной музыки. Однако музыкальные разделения по классам не являются абсолютными и иногда воспринимаются так же, как и фактические; [8] популярная американская кантри-музыка, например, представляет собой коммерческий жанр, призванный «обращаться к идентичности рабочего класса, независимо от того, являются ли его слушатели на самом деле рабочим классом». [9] Кантри-музыка также переплетается с географической идентичностью и имеет преимущественно сельское происхождение и функции; другие жанры, такие как R&B и хип-хоп, воспринимаются как городские по своей сути. [10] На протяжении большей части американской истории создание музыки было «феминизированным занятием». [11] В 19 веке любительское фортепиано и пение считались подходящими для женщин среднего и высшего класса. Женщины также играли важную роль в исполнении ранней популярной музыки, хотя в записанных традициях быстро стали доминировать мужчины. В большинстве жанров популярной музыки, в которых доминируют мужчины, также присутствуют исполнители-женщины, часто в нише, привлекательной в первую очередь для женщин; к ним относятся гангста-рэп и хэви-метал . [12]
Соединенные Штаты часто называют культурным плавильным котлом , вбирающим в себя влияние со всего мира и создающим совершенно новые методы культурного самовыражения. Хотя аспекты американской музыки можно проследить до определенного происхождения, утверждение какой-либо конкретной оригинальной культуры в качестве музыкального элемента по своей сути проблематично из-за постоянной эволюции американской музыки посредством трансплантации и гибридизации техник, инструментов и жанров. Элементы иностранной музыки прибыли в Соединенные Штаты как посредством формального спонсорства образовательных и информационно-просветительских мероприятий отдельными лицами и группами, так и посредством неформальных процессов, например, при случайной трансплантации западноафриканской музыки через рабство и ирландской музыки через иммиграцию. Наиболее отчетливо американская музыка является результатом межкультурной гибридизации посредством тесного контакта. Рабство, например, смешивало людей из многочисленных племен в тесных жилищах, что привело к созданию общей музыкальной традиции, которая обогащалась за счет дальнейшего гибридизации с элементами местной, латинской и европейской музыки. [13] Американское этническое, религиозное и расовое разнообразие также привело к появлению таких смешанных жанров, как франко-африканская музыка креолов Луизианы , индейская, мексиканская и европейская музыка техано-фьюжн , а также тщательно гибридизированная гитара со слабой клавишей и другие стили музыки. современная гавайская музыка .
Процесс трансплантации музыки между культурами не лишен критики. Например, народное возрождение середины 20-го века присвоило музыку различных сельских народов, отчасти для продвижения определенных политических целей, что заставило некоторых усомниться в том, что этот процесс вызвал «коммерческое превращение в товар песен других народов». .. и неизбежное размывание «сердости» в присвоенной музыке. Использование афроамериканских музыкальных техник, образов и тщеславия в популярной музыке, в основном белыми американцами и для них, получило широкое распространение, по крайней мере, начиная с песен Стивена Фостера середины XIX века и появления шоу менестрелей . Американская музыкальная индустрия активно пыталась популяризировать белых исполнителей афроамериканской музыки, потому что они более приемлемы для американцев среднего класса и среднего класса. [ нужна цитата ] Этот процесс был связан с появлением таких разных звезд, как Бенни Гудман , Эминем и Элвис Пресли , а также с популярными стилями, такими как голубоглазый соул и рокабилли . [13]
Народная музыка в США различается среди многочисленных этнических групп страны. Каждое из индейских племен играет свои собственные разновидности народной музыки, большей частью духовной по своей природе. Афроамериканская музыка включает блюз и госпел , потомки западноафриканской музыки, привезенной в Америку рабами и смешанной с западноевропейской музыкой. В колониальную эпоху в Америку были завезены английские , французские и испанские стили и инструменты. К началу 20-го века Соединенные Штаты стали крупным центром народной музыки со всего мира, включая польку , украинскую и польскую скрипку , ашкеназскую , клезмерскую и несколько видов латинской музыки .
Коренные американцы исполнили первую народную музыку на территории нынешних Соединенных Штатов, используя самые разные стили и техники. Однако некоторые общие черты почти универсальны для традиционной музыки коренных американцев, особенно отсутствие гармонии и полифонии , а также использование вокалов и нисходящих мелодических фигур. Традиционные инструменты используют флейту и многие виды ударных инструментов , таких как барабаны , погремушки и шейкеры . [14] С тех пор, как были установлены контакты между Европой и Африкой, индейская народная музыка развивалась в новых направлениях, превращаясь в слияния с разрозненными стилями, такими как европейские народные танцы и музыка Теджано . Современная индейская музыка, возможно, наиболее известна благодаря пау-вау , общеплеменным собраниям, на которых исполняются танцы и музыка в традиционном стиле. [15]
Все Тринадцать колоний первоначальных Соединенных Штатов были бывшими владениями Англии, и англоязычная культура стала основной основой американского фолка и популярной музыки. Многие американские народные песни по аранжировкам идентичны британским песням, но с новыми текстами, часто являющимися пародиями на оригинальный материал. Американо-англоязычные песни также характеризуются меньшим количеством пентатонических мелодий, менее заметным аккомпанементом (но с более интенсивным использованием дронов ) и большим количеством мажорных мелодий. [16] Англо-американская традиционная музыка также включает в себя разнообразные баллады , юмористические истории и небылицы , а также песни о бедствиях, связанных с добычей полезных ископаемых, кораблекрушениями и убийствами. Легендарные герои, такие как Джо Магарак , Джон Генри и Джесси Джеймс , являются частью многих песен. Народные танцы британского происхождения включают кадриль , произошедшую от кадрили , в сочетании с американским нововведением, когда вызывающий инструктирует танцоров. [17] Религиозное общинное общество , известное как шейкеры , эмигрировало из Англии в 18 веке и разработало свой собственный стиль народного танца. Их ранние песни можно отнести к образцам британских народных песен. [18] Другие религиозные общества создали свои собственные уникальные музыкальные культуры в начале американской истории, такие как музыка амишей , Общество гармонии и монастырь Эфрата в Пенсильвании. [19]
Предки сегодняшнего афроамериканского населения были привезены в Соединенные Штаты в качестве рабов и работали в основном на плантациях Юга. Они были выходцами из сотен племен по всей Западной Африке и принесли с собой определенные черты западноафриканской музыки , включая призывный и ответный вокал и сложную ритмичную музыку, [20] , а также синкопированные биты и меняющиеся акценты. [21] Африканский музыкальный акцент на ритмичном пении и танцах был перенесен в Новый Свет, где стал частью особой народной культуры, которая помогла африканцам «сохранить преемственность со своим прошлым посредством музыки». Первые рабы в Соединенных Штатах пели рабочие песни , полевые крики [22] и, после христианизации, гимны . В 19 веке Великое пробуждение религиозного рвения охватило людей по всей стране, особенно на юге. Протестантские гимны, написанные в основном проповедниками Новой Англии, стали характерной чертой лагерных собраний, проводимых среди набожных христиан по всему Югу. Когда чернокожие начали петь адаптированные версии этих гимнов, их стали называть негритянскими спиричуэлсами . Именно из этих корней духовных песен, рабочих песен и полевых криков развились блюз, джаз и госпел.
Спиричуалы были в первую очередь выражением религиозной веры, которую пели рабы на южных плантациях. [23] В середине-конце 19 века спиричуэлс распространился за пределы Юга США. В 1871 году университет Фиск стал домом для Fisk Jubilee Singers , новаторской группы, популяризировавшей спиричуэлс по всей стране. Подражая этой группе, возникли госпел-квартеты, за которыми последовала растущая диверсификация с появлением в начале 20-го века проповедников и пения проповедников, откуда и произошел популярный стиль госпел-музыки .
Блюз — это сочетание африканских рабочих песен, полевых криков и криков. [24] Он развился в сельских районах Юга в первом десятилетии 20-го века. Наиболее важными характеристиками блюза является использование синей гаммы с ровной или неопределенной терцией, а также типично скорбные тексты; хотя оба этих элемента существовали в афроамериканской народной музыке до 20 века, систематизированная форма современного блюза (например, структура AAB) не существовала до начала 20 века. [25]
Соединенные Штаты представляют собой плавильный котел , состоящий из множества этнических групп. Многие из этих народов сохранили народные традиции своей родины, часто создавая отчетливо американские стили иностранной музыки. Некоторые национальности создали местные сцены в регионах страны, где они сгруппировались, например, музыка Кабо-Верде в Новой Англии , [26] армянская музыка в Калифорнии , [27] а также итальянская и украинская музыка в Нью-Йорке. [28]
Креолы — это сообщество с разнообразным неанглоязычным происхождением, в основном потомки людей, которые жили в Луизиане до ее покупки США. Каджунцы — это группа франкоязычных людей, прибывших в Луизиану после отъезда из Акадии в Канаде. [29] Город Новый Орлеан, штат Луизиана , являясь крупным портом, стал плавильным котлом для людей со всего Карибского бассейна. Результатом является разнообразный и синкретический набор стилей каджунской и креольской музыки .
Испания, а затем Мексика контролировали большую часть того, что сейчас является западной частью Соединенных Штатов, до американо-мексиканской войны , включая весь штат Техас. После того, как Техас присоединился к Соединенным Штатам, коренные жители Техаса, живущие в штате, начали культурно развиваться отдельно от своих южных соседей и оставались культурно отличными от других техасцев. Центральное место в эволюции ранней музыки Техано занимала смесь традиционных мексиканских форм, таких как мариачи и корридо , и стилей континентальной Европы, представленных немецкими и чешскими поселенцами в конце 19 века. [30] В частности, аккордеон был принят народными музыкантами Техано примерно в начале 20-го века и стал популярным инструментом среди музыкантов-любителей в Техасе и Северной Мексике.
Классическая музыка была завезена в Соединенные Штаты одними из первых колонистов. Европейская классическая музыка уходит корнями в традиции европейского искусства, церковной и концертной музыки. Основные нормы этой традиции сложились между 1550 и 1825 годами, сосредоточившись на так называемом периоде общей практики . Многие американские композиторы-классики до конца XIX века пытались полностью работать в рамках европейских моделей. Когда Антонин Дворжак , выдающийся чешский композитор, посетил Соединенные Штаты с 1892 по 1895 год, он повторил идею о том, что американской классической музыке нужны свои собственные модели, а не подражание европейским композиторам; он помог вдохновить последующих композиторов на создание отчетливо американского стиля классической музыки. [31] К началу 20-го века многие американские композиторы включали в свои произведения разрозненные элементы, от джаза и блюза до индейской музыки.
В колониальную эпоху существовало два различных направления того, что сейчас считается классической музыкой. Один был связан с композиторами-любителями и педагогами, чей стиль изначально был заимствован из простых гимнов и со временем усложнился. Другой колониальной традицией была традиция центральноатлантических городов, таких как Филадельфия и Балтимор, где родился ряд выдающихся композиторов, почти полностью работавших в рамках европейской модели; эти композиторы были в основном англичанами по происхождению и работали именно в стиле выдающихся английских композиторов того времени. [32]
Классическая музыка была завезена в Соединенные Штаты в колониальную эпоху. Многие американские композиторы этого периода работали исключительно с европейскими моделями, в то время как другие, такие как Сьюпл Белчер и Джастин Морган , также известный как Первая школа Новой Англии , разработали стиль, почти полностью независимый от европейских моделей. [33] Среди первых композиторов страны был Уильям Биллингс , родившийся в Бостоне, сочинивший патриотические гимны в 1770-х годах; [34] он также оказал влияние «как основатель американского церковного хора, как первый музыкант, использовавший звуковую трубку , и как первый, кто ввел виолончель в церковную службу». [35] Многие из этих композиторов были певцами-любителями, которые разработали новые формы духовной музыки, подходящие для исполнения любителями, и часто использовали гармонические методы, которые по современным европейским стандартам считались бы странными. [36] Стили этих композиторов не были затронуты «влиянием их утонченных европейских современников», использующих модальные или пентатонические гаммы или мелодии и избегающих европейских правил гармонии. [37]
В начале 19 века в Америке появились разные композиторы, такие как Энтони Генрих , который сочинял в своеобразном, намеренно американском стиле и был первым американским композитором, писавшим для симфонического оркестра. Многие другие композиторы, наиболее известные из которых Уильям Генри Фрай и Джордж Фредерик Бристоу , поддерживали идею американского классического стиля, хотя их произведения были очень европейской ориентации. Однако именно Джон Ноулз Пейн стал первым американским композитором, принятым в Европе. Пример Пейна вдохновил композиторов Второй школы Новой Англии , в которую входили такие деятели, как Эми Бич , Эдвард Макдауэлл и Горацио Паркер . [38]
Луи Моро Готшалк , пожалуй, самый запоминающийся американский композитор XIX века, который, по словам историка музыки Ричарда Кроуфорда, известен тем, что «привносит местные или народные темы и ритмы в музыку для концертного зала». Музыка Готшалка отражала культурную смесь его родного города, Нового Орлеана, штат Луизиана, который был домом для разнообразной латиноамериканской, карибской, афроамериканской, каджунской и креольской музыки. При жизни он был широко известен как талантливый пианист, а также был известным композитором, которым до сих пор восхищаются, хотя он мало исполняется. [39]
На сцене классической музыки Нью-Йорка присутствовал Чарльз Гриффс , родом из Эльмиры, штат Нью-Йорк , который начал публиковать свой самый новаторский материал в 1914 году. Его раннее сотрудничество было попыткой использовать незападные музыкальные темы. Самым известным нью-йоркским композитором был Джордж Гершвин . Гершвин был автором песен для Tin Pan Alley и бродвейских театров , и на его произведения сильно повлиял джаз , или, скорее, предшественники джаза, существовавшие в его время. Работы Гершвина сделали американскую классическую музыку более целенаправленной и привлекли неслыханное международное внимание. Вслед за Гершвином первым крупным композитором стал Аарон Копленд из Бруклина, который использовал элементы американской народной музыки, хотя по технике и форме она оставалась европейской. Позже он обратился к балетной, а затем и к сериальной музыке . [40] Чарльз Айвз был одним из первых американских композиторов-классиков, имеющих непреходящее международное значение, создававших музыку в уникальном американском стиле, хотя его музыка была в основном неизвестна до его смерти в 1954 году.
Многие из композиторов более позднего 20-го века, такие как Джон Кейдж , Джон Корильяно , Терри Райли , Стив Райх , Джон Адамс и Мигель дель Агила , использовали модернистские и минималистские методы. Райх открыл технику, известную как фазирование , при которой два музыкальных действия начинаются одновременно и повторяются, постепенно рассинхронизируясь, создавая естественное ощущение развития. Райх также очень интересовался незападной музыкой, включая в свои композиции африканские ритмические приемы. [41] Современные композиторы и исполнители находятся под сильным влиянием минималистских произведений Филипа Гласса , уроженца Балтимора из Нью-Йорка, Мередит Монк и других. [42]
Соединенные Штаты дали жизнь многим популярным в современном мире музыкантам и композиторам. Начиная с появления записанной музыки, американские исполнители продолжали лидировать в области популярной музыки, которая, несмотря на «все вклады, внесенные американцами в мировую культуру... была принята близко к сердцу всем миром». [43] [44] Большинство историй популярной музыки начинаются с американского рэгтайма или Tin Pan Alley ; другие, однако, относят популярную музыку к эпохе Возрождения и через листовки , баллады и другие популярные традиции. [45] Другие авторы обычно рассматривают популярные ноты, прослеживая американскую популярную музыку до спиричуэлс , шоу менестрелей , водевиля и патриотических песен Гражданской войны.
Патриотические светские песни Американской революции составили первый вид массовой популярной музыки. В их число входило «Дерево Свободы» Томаса Пейна . Ранние патриотические песни, дешево напечатанные в виде листовок , распространились по колониям и исполнялись дома и на общественных собраниях. [46] Особого внимания заслуживали песни Fife , которые исполнялись на полях сражений во время американской революции. Самая продолжительная из этих песен - " Yankee Doodle ", хорошо известная и сегодня. Мелодия датируется 1755 годом и ее пели как американские, так и британские войска. [47] Патриотические песни были основаны в основном на английских мелодиях с добавлением новых текстов, осуждающих британский колониализм; другие, однако, использовали мелодии из Ирландии, Шотландии или других стран или не использовали знакомую мелодию. Песня « Слава Колумбии » стала крупным произведением [48] , остававшимся неофициальным национальным гимном до принятия « Звездно-полосатого знамени ». Большая часть этой ранней американской музыки до сих пор сохранилась в Sacred Harp . Хотя мелодия «Простые подарки» относительно неизвестна за пределами сообществ шейкеров, она была написана в 1848 году старейшиной Джозефом Брэкеттом , и с тех пор эта мелодия стала всемирно известной. [49]
Во время Гражданской войны, когда солдаты со всей страны объединились, разнообразные направления американской музыки начали взаимообогащать друг друга, этому процессу способствовали растущая железнодорожная промышленность и другие технологические разработки, которые облегчили путешествия и общение. В армейские подразделения входили люди со всей страны, и они быстро обменивались мелодиями, инструментами и техниками. Война стала толчком к созданию чисто американских песен, которые стали и остаются чрезвычайно популярными. [3] Среди самых популярных песен эпохи Гражданской войны была « Дикси », написанная Дэниелом Декейтером Эмметом . Песня, первоначально называвшаяся «Dixie's Land», была написана для закрытия шоу менестрелей ; Сначала он распространился в Новом Орлеане, где был опубликован и стал «одной из самых успешных песен периода до Гражданской войны». [50] Помимо популярных патриотических песен, эпоха Гражданской войны также породила множество произведений духовых оркестров . [51]
После Гражданской войны шоу менестрелей стали первой чисто американской формой музыкального самовыражения. Шоу менестрелей было местной формой американского развлечения, состоящей из комических сценок, эстрадных номеров, танцев и музыки, обычно исполняемых белыми людьми с черным лицом . В шоу менестрелей в музыкальных представлениях использовались афроамериканские элементы, но только в упрощенном виде; Сюжетные линии шоу изображали чернокожих как прирожденных рабов и дураков, прежде чем в конечном итоге они стали ассоциироваться с аболиционизмом . [52] Шоу менестрелей было изобретено Дэниелом Декейтером Эмметом и Менестрелями Вирджинии . [53] Шоу менестрелей породили первых хорошо запомнившихся популярных авторов песен в истории американской музыки: Томаса Д. Райса , Дэниела Декейтера Эммета и, наиболее известного, Стивена Фостера . После того, как популярность шоу менестрелей пошла на убыль , стали популярными похожие явления - енотовые песни .
Композитор Джон Филип Соуза тесно связан с самым популярным направлением американской популярной музыки незадолго до начала 20 века. Бывший капельмейстер оркестра морской пехоты США , Соуза писал военные марши, такие как « Звезды и полосы навсегда », которые отражали его «ностальгию по [его] дому и стране», придавая мелодии «волнующий мужественный характер». [54] [55]
В начале 20 века американский музыкальный театр был основным источником популярных песен, многие из которых повлияли на блюз, джаз, кантри и другие существующие стили популярной музыки. Центр развития этого стиля находился в Нью-Йорке, где бродвейские театры стали одними из самых известных площадок города. Театральные композиторы и авторы текстов, такие как братья Джордж и Айра Гершвины, создали уникальный американский театральный стиль, в котором использовались американские народные речь и музыка. В мюзиклах использовались популярные песни и динамичные сюжеты, часто вращающиеся вокруг любви и романтики. [56]
Блюз — жанр афроамериканской народной музыки, который лежит в основе большей части современной американской популярной музыки. Блюз можно рассматривать как часть континуума музыкальных стилей, таких как кантри, джаз, рэгтайм и госпел; хотя каждый жанр развился в отдельные формы, их происхождение часто было неясным. Ранние формы блюза развивались в дельте Миссисипи и вокруг нее в конце 19 - начале 20 веков. Самая ранняя блюзовая музыка представляла собой в основном вокальную музыку с вызовом и ответом , без гармонии или аккомпанемента и без какой-либо формальной музыкальной структуры. Рабы и их потомки создали блюз, адаптировав полевые крики и вопли, превратив их в страстные сольные песни. [57] В сочетании с христианскими духовными песнями афроамериканских церквей и собраний возрождения блюз стал основой госпел-музыки . Современное Евангелие зародилось в афроамериканских церквях в 1920-х годах, когда прихожане провозглашали свою веру в импровизированной, часто музыкальной манере (свидетельствуя). Такие композиторы, как Томас А. Дорси, сочиняли госпелы, в которых элементы блюза и джаза использовались в традиционных гимнах и духовных песнях. [58]
.jpg/1280px-BB_King_onstage_(Toronto,_2007).jpg)
Рэгтайм изначально был фортепианным стилем, отличающимся синкопированными ритмами и хроматизмом . [25] В первую очередь это форма танцевальной музыки, в которой используется шагающий бас , и обычно она сочиняется в сонатной форме . Рэгтайм — это утонченная и развитая форма афроамериканского танца на легкой прогулке , смешанная со стилями, варьирующимися от европейских маршей [59] и популярных песен до джиги и других танцев, исполняемых крупными афроамериканскими группами в северных городах в конце 19 века. Самым известным исполнителем и композитором рэгтайма был Скотт Джоплин , известный такими произведениями, как «Maple Leaf Rag». [60]
Блюз стал частью американской популярной музыки в 1920-х годах, когда стали популярны такие классические блюзовые певицы, как Бесси Смит . В то же время звукозаписывающие компании запустили сферу гоночной музыки , которая в основном была блюзовой, ориентированной на афроамериканскую аудиторию. Самые известные из этих исполнителей вдохновили большую часть последующего популярного развития блюза и блюзовых жанров, в том числе легендарного дельта-блюзового музыканта Роберта Джонсона и пьемонтского блюзового музыканта Слепого Уилли МакТелла . Однако к концу 1940-х годов чистый блюз составлял лишь незначительную часть популярной музыки, уступая место таким ответвлениям, как ритм-н-блюз и зарождающемуся стилю рок-н-ролла. Некоторые стили электрического блюза с фортепиано, такие как буги-вуги , сохранили большую аудиторию. Блюзовый стиль госпела также стал популярным в основной Америке в 1950-х годах под руководством певицы Махалии Джексон . [61] Жанр блюза пережил значительное возрождение в 1950-х годах с участием чикагских блюзовых музыкантов, таких как Мадди Уотерс и Литтл Уолтер , [62] а также в 1960-х годах во время британского вторжения и возрождения американской фолк-музыки, когда такие кантри-блюзовые музыканты, как Миссисипи Джон Хёрт и преподобный Гэри Дэвис были заново открыты. Выдающиеся блюзовые музыканты этих периодов оказали огромное влияние на рок-музыкантов, таких как Чак Берри в 1950-х годах, а также на британскую блюз- и блюз-роковую сцену 1960-х и 1970-х годов, включая Эрика Клэптона в Великобритании и Джонни Уинтера в Техасе.
Джаз — это вид музыки, для которого характерны свинговые и синие ноты , призывный и ответный вокал, полиритмия и импровизация . Хотя изначально джаз был разновидностью танцевальной музыки, он стал основной частью популярной музыки, а также основным элементом западной классической музыки. Джаз имеет корни в культурном и музыкальном самовыражении Западной Африки, а также в афроамериканских музыкальных традициях, включая блюз и рэгтайм, а также в музыке европейских военных оркестров. [63] Ранний джаз был тесно связан с рэгтаймом, от которого его можно было отличить по использованию более сложной ритмической импровизации. Самые ранние джаз-бэнды переняли большую часть блюзовой лексики, включая бентальные и синие ноты, а также инструментальные «рычания» и мазки, которые иначе не использовались на европейских инструментах. Корни джаза берут свое начало в городе Новый Орлеан, штат Луизиана , населенном каджунами и черными креолами, которые в 19 веке объединили франко-канадскую культуру каджунов со своими собственными музыкальными стилями. Большие креольские оркестры, выступавшие на похоронах и парадах, стали основной основой раннего джаза, который распространился от Нового Орлеана до Чикаго и других северных городских центров.
Хотя джаз уже давно достиг некоторой ограниченной популярности, именно Луи Армстронг стал одной из первых популярных звезд и главной силой в развитии джаза вместе со своим другом, пианистом Эрлом Хайнсом . Армстронг, Хайнс и их коллеги были импровизаторами, способными создать множество вариаций одной мелодии. Армстронг также популяризировал скат-пение — импровизационную вокальную технику, при которой поются бессмысленные слоги ( вокабулы ). Армстронг и Хайнс оказали влияние на возникновение разновидности поп-биг-бэнд-джаза, называемой свинг . Свинг характеризуется сильной ритм-секцией, обычно состоящей из контрабаса и барабанов, среднего и быстрого темпа и ритмических приемов, таких как свинг-нота, которая характерна для большинства джаза. Свинг – это прежде всего сплав джаза 1930-х годов с элементами блюза и Tin Pan Alley. [60] В свинге использовались более крупные группы, чем в других видах джаза, что приводило к тому, что руководители оркестров тщательно аранжировали материал, что препятствовало импровизации, которая ранее была неотъемлемой частью джаза. Свинг стал основной частью афроамериканского танца и стал сопровождаться популярным танцем под названием свинг .
Джаз оказал влияние на многих исполнителей всех основных стилей более поздней популярной музыки, хотя сам джаз больше никогда не стал такой важной частью американской популярной музыки, как в эпоху свинга. Тем не менее, на американской джазовой сцене конца 20-го века появилось несколько популярных звезд-кроссоверов, таких как Майлз Дэвис . В середине 20 века джаз развился в множество поджанров, начиная с бибопа . Бибоп — это форма джаза, характеризующаяся быстрым темпом, импровизацией, основанной на гармонической структуре, а не на мелодии, и использовании бемольной квинты . Бибоп был разработан в начале и середине 1940-х годов, позже превратившись в такие стили, как хард-боп и фри-джаз . Новаторами этого стиля были Чарли Паркер и Диззи Гиллеспи , вышедшие из небольших джаз-клубов Нью-Йорка. [64]
Музыка кантри — это, прежде всего, сплав афроамериканского блюза и спиричуэлса с народной музыкой Аппалачей , адаптированной для поп-аудитории и популяризированной начиная с 1920-х годов. Истоки кантри лежат в сельской южной народной музыке, которая была в основном ирландской и британской, а также в африканской и континентальной европейской музыке. [65] Англо-кельтские мелодии, танцевальная музыка и баллады были самыми ранними предшественниками современного кантри, тогда известного как деревенская музыка . Ранний деревенский стиль также заимствовал элементы блюза и опирался на другие аспекты поп-песен 19-го века, поскольку деревенская музыка превратилась в коммерческий жанр, в конечном итоге известный как кантри и вестерн , а затем просто кантри . [66] Самые ранние кантри-инструменты вращались вокруг скрипки европейского происхождения и банджо африканского происхождения , к которым позже добавилась гитара . [67] Струнные инструменты, такие как гавайская гитара и стальная гитара, стали обычным явлением из-за популярности гавайских музыкальных групп в начале 20 века. [68]
Корни коммерческой кантри-музыки обычно уходят в 1927 год, когда искатель музыкальных талантов Ральф Пир записал «Джимми Роджерса и семью Картеров» . [69] Популярный успех был очень ограниченным, хотя небольшой спрос стимулировал некоторые коммерческие записи. После Второй мировой войны возрос интерес к специальным стилям, таким как кантри-музыка, в результате чего появилось несколько крупных поп-звезд. [70] Самым влиятельным кантри-музыкантом той эпохи был Хэнк Уильямс , блюзовый кантри-певец из Алабамы. [61] [71] Он по-прежнему известен как один из величайших авторов и исполнителей кантри-музыки, которого считают «народным поэтом» с «чванливой чванливостью» и «симпатиями к рабочему классу». [72] На протяжении десятилетия грубость хонки-тонка постепенно ослабевала, поскольку звучание Нэшвилла становилось все более поп-ориентированным. Такие продюсеры, как Чет Аткинс, создали звук Нэшвилла, убрав деревенские элементы инструментовки и используя гладкие инструменты и передовые методы производства. [73] В конце концов, большинство пластинок из Нэшвилла были в этом стиле, который начал включать струнные и вокальные хоры. [74]
Однако к началу 1960-х годов звучание Нэшвилла стало восприниматься многими исполнителями и фанатами-традиционалистами как слишком разбавленное, что привело к появлению ряда местных сцен, подобных звуку Бейкерсфилда . Однако некоторые исполнители сохранили популярность, например, давняя культурная икона Джонни Кэш . [75] Звук Бейкерсфилда зародился в середине-конце 1950-х годов, когда такие исполнители, как Винн Стюарт и Бак Оуэнс , начали использовать в своей музыке элементы западного свинга и рока, такие как брейкбит . [76] В 1960-х годах такие исполнители, как Мерл Хаггард, популяризировали этот звук. В начале 1970-х Хаггард также был частью страны вне закона вместе с такими певцами и авторами песен, как Уилли Нельсон и Уэйлон Дженнингс . [64] Outlaw Country была ориентирована на рок и лирически ориентирована на криминальные выходки исполнителей, в отличие от чистых кантри-певцов Нэшвиллского звучания. [77] К середине 1980-х годов в чартах кантри доминировали поп-исполнители, наряду с зарождающимся возрождением кантри в стиле хонки-тонк с появлением таких исполнителей, как Дуайт Йоакам . В 1980-е годы также появились альтернативные кантри- исполнители, такие как Uncle Tupelo , которые были против более поп-ориентированного стиля мейнстрим-кантри. В начале 2000-х рок-ориентированные кантри-исполнители оставались в числе самых продаваемых исполнителей в США, особенно Гарт Брукс . [78]
R&B, аббревиатура от ритм-н-блюз , — стиль, возникший в 1930-х и 1940-х годах. Ранний R&B состоял из больших ритм-групп, «разрывавшихся позади кричащих блюзовых певцов (которым) приходилось кричать, чтобы их услышали сквозь лязг и бренчание различных электрифицированных инструментов и бурлящие ритм-секции». [80] R&B не получил широкого распространения и записи, поскольку звукозаписывающие компании считали, что он не подходит большинству публики, особенно белому среднему классу, из-за наводящих на размышления текстов и драйвовых ритмов. [81] Руководители оркестров, такие как Луи Джордан, внесли новшества в звучание раннего R&B, используя группу с небольшой духовой секцией и заметными ритм-инструментами. К концу 1940-х годов у него было несколько хитов, и он помог проложить путь таким современникам, как Винони Харрис и Джон Ли Хукер . Многие из самых популярных песен в стиле R&B не были исполнены в разгульном стиле Джордана и его современников; вместо этого их исполняли белые музыканты, такие как Пэт Бун, в более приемлемом мейнстримовом стиле, который превратился в поп-хиты. [82] Однако к концу 1950-х годов прошла волна популярных исполнителей черного блюз-рока и R&B с влиянием кантри, таких как Чак Берри, получивших беспрецедентную известность среди белых слушателей. [83] [84]
Компания Motown Records добилась большого успеха в начале и середине 1960-х годов благодаря производству музыки чернокожих американских корней, бросавшей вызов расовой сегрегации в музыкальной индустрии и на потребительском рынке. Музыкальный журналист Джерри Векслер (который придумал фразу «ритм-н-блюз») однажды сказал о Motown: «[Они] сделали то, о чем можно было бы сказать, что на бумаге невозможно. Они взяли черную музыку и передали ее прямо белому американскому подростку. ." Берри Горди основал компанию Motown в 1959 году в Детройте, штат Мичиган . Это был один из немногих звукозаписывающих лейблов в стиле R&B, которые стремились выйти за пределы рынка R&B (который в американском мышлении был определенно черным) и специализироваться на кроссоверной музыке . К началу 1960-х годов компания стала ведущим производителем (или «сборочным конвейером», что является отсылкой к ее происхождению в автогородах) черной популярной музыки и продавала свою продукцию как «The Motown Sound» или «The Sound of Young America» — который объединил в себе элементы соула, фанка, диско и R&B. [85] Известные группы Motown включают Four Tops , The Temptations , Supremes , Smokey Robinson , Stevie Wonder и Jackson 5 . Визуальное представление сыграло центральную роль в подъеме Motown; они уделяли больше внимания визуальным медиа, чем другие звукозаписывающие компании. Многие люди впервые познакомились с Motown благодаря телевидению и кино. Образ успешных чернокожих американцев, державшихся с изяществом и апломбом, представленный художниками Motown, транслировал зрителям отчетливую форму черноты среднего класса, что особенно нравилось белым. [86]
Соул-музыка — это сочетание ритм-н-блюза и госпела, зародившееся в конце 1950-х годов в США. Для него характерно использование музыкальных приемов в стиле госпел с большим упором на вокалистов и использованием светских тем. Записи Рэя Чарльза , Сэма Кука , [87] и Джеймса Брауна 1950-х годов обычно считаются зачатками соула. Пластинки Чарльза Modern Sounds (1962) представляли собой сплав соула и кантри-музыки, кантри-соула и преодоления расовых барьеров в музыке того времени. [88] Одна из самых известных песен Кука « A Change Is Gonna Come » (1964) стала классикой и гимном Американского движения за гражданские права в 1960-х годах. [89] По данным AllMusic , Джеймс Браун сыграл решающую роль благодаря «страстной евангельской ярости своего вокала и сложной полиритмии его битов» в «двух революциях в черной американской музыке». R&B превратился в соул, и большинство согласилось бы, что он был фигурой, наиболее ответственной за превращение соул-музыки в фанк конца 60-х и начала 70-х». [79]
Чистый соул был популяризирован Отисом Реддингом и другими артистами Stax Records в Мемфисе, штат Теннесси . К концу 1960-х годов певица Atlantic Арета Франклин стала самой популярной соул-звездой в стране. [91] [92] Известный пением в самых разных жанрах, Франклин считается одним из величайших американских певцов всех времен. [93] Также к этому времени соул раскололся на несколько жанров, [94] под влиянием психоделического рока и других стилей. Социальное и политическое брожение 1960-х годов вдохновило таких артистов, как Марвин Гэй и Кертис Мэйфилд, на выпуск альбомов с резкими социальными комментариями, в то время как другая разновидность стала более танцевально-ориентированной музыкой, превратившейся в фанк . Несмотря на свою предыдущую близость к политически и социально окрашенным лирическим темам, Гэй способствовал популяризации сексуальной и романтической музыки и фанка, [95] в то время как его записи 70-х годов, в том числе Let's Get It On (1973) и I Want You (1976), способствовали развитию звук и формат тихого шторма . [96] Один из самых влиятельных когда-либо записанных альбомов, альбом Sly & the Family Stone 's There's a Riot Goin' On (1971), считается одним из первых и лучших примеров зрелой версии фанк-музыки после прототипов звучат в более ранних работах группы. [97] Такие артисты, как Гил Скотт-Херон и «Последние поэты», практиковали эклектичную смесь поэзии, джаз-фанка и соула, демонстрируя критические политические и социальные комментарии с афроцентрическими настроениями. Прото-рэп- работы Скотта-Херона , в том числе « The Revolution Will Not Be Transed Televised » (1971) и « Winter in America» (1974), оказали значительное влияние на более поздних исполнителей хип-хопа, [98] в то время как его уникальное звучание с Брайаном Джексоном повлияло на нео-соул-артисты. [99]
В середине 1970-х годов такие успешные и коммерческие группы, как филадельфийская соул- группа The O'Jays и голубоглазая соул- группа Hall & Oates, добились массового успеха. К концу 1970-х годов большинство музыкальных жанров, включая соул, испытали влияние диско . С появлением в конце 1970-х и начале 1980-х годов влияния электро-музыки и фанка соул-музыка стала менее сырой и более качественной, в результате чего появился жанр музыки, который снова стал называться R&B и обычно отличался от более раннего ритм-н-блюза идентифицируя его как современный R&B .
Первые современные звезды R&B появились в 1980-х годах, когда появились звезда танцевальной поп-музыки Майкл Джексон , певец Принс , находящийся под влиянием фанка , и волна вокалисток, таких как Тина Тернер и Уитни Хьюстон . [78] Майкла Джексона и Принса называют самыми влиятельными фигурами в современном R&B и популярной музыке из-за их эклектичного использования элементов самых разных жанров. [101] Принс был в значительной степени ответственен за создание звука Миннеаполиса : «смесь валторн, гитар и электронных синтезаторов, поддерживаемая устойчивым, прыгающим ритмом». [102] Работа Джексона была сосредоточена на плавных балладах или танцевальной музыке с влиянием диско ; Как артист, он «вытащил танцевальную музыку из диско-депрессии своим сольным дебютом для взрослых в 1979 году Off the Wall , объединил R&B с роком в Thriller и на протяжении всей своей карьеры представил стилизованные шаги, такие как робот и лунная походка ». [103] Джексона часто называют «королем поп-музыки» за его достижения.
К 1983 году концепция кроссовера популярной музыки стала неразрывно связана с Майклом Джексоном. Триллер имел беспрецедентный успех: только в США было продано более 10 миллионов копий. К 1984 году альбом получил более 140 золотых и платиновых наград и был признан Книгой рекордов Гиннеса самой продаваемой записью всех времен , и этот титул он удерживает до сих пор. [90] Трансляция « Билли Джин » на MTV стала первой для чернокожих артистов, тем самым преодолев «цветовой барьер» поп-музыки на маленьком экране. [90] Триллер остаётся единственным музыкальным видео, признанным Национальным реестром фильмов .Джанет Джексон сотрудничала с бывшими коллегами Prince Джимми Джемом и Терри Льюисом над своим третьим студийным альбомом Control (1986); Второй сингл с альбома " Nasty " был описан как источник нового звучания джек-свинга , жанра, изобретенного Тедди Райли . [101] Работа Райли над « Make It Last Forever» Кита Свита (1987), «Guy 's Guy» (1988) и «Don't Be Cruel» Бобби Брауна ( 1998) сделала нью-джек-свинг основным продуктом современного R&B в мире. середина 1990-х годов. [101] Нью-джек-свинг — стиль и направление вокальной музыки, часто включающий рэп-стихи и драм-машины . [61] Перекрестная привлекательность ранних современных исполнителей R&B в популярной музыке, включая произведения Принса, Майкла и Джанет Джексон, Уитни Хьюстон, Тины Тернер, Аниты Бейкер и The Pointer Sisters , стала поворотным моментом для чернокожих исполнителей в индустрии. поскольку их успех «был, пожалуй, первым намеком на то, что больший космополитизм мирового рынка может привести к некоторым изменениям в облике популярной музыки». [104]
Использование мелизмы , традиции госпела, адаптированной вокалистками Уитни Хьюстон и Мэрайей Кэри , стало краеугольным камнем современных исполнителей R&B, начиная с конца 1980-х и на протяжении 1990-х годов. [101] R&B-хиты Уитни Хьюстон включали « All the Man That I Need » (1990) и « I Will Always Love You » (1992), которые позже стали самым продаваемым синглом женской группы всех времен с продажами тираж более 20 миллионов копий по всему миру. Ее саундтрек 1992 года «Телохранитель» продержался 20 недель на вершине Billboard Hot 200 , был продан тиражом более 45 миллионов копий по всему миру и остается самым продаваемым альбомом саундтреков всех времен.
Хип-хоп стал влиять на современный R&B позже, в 1980-х годах, сначала через новый джек-свинг, а затем в связанной серии поджанров, называемых хип-хоп соул и нео соул . Хип-хоп соул и нео соул развились позже, в 1990-х годах. Типичный для творчества Мэри Дж. Блайдж , Р. Келли и Бобби Брауна , первый представляет собой смесь современного R&B с битами хип-хопа, при этом могут присутствовать образы и темы гангста-рэпа . Последний представляет собой более экспериментальную, острую и, как правило, менее популярную комбинацию соул-вокала в стиле 1960-х и 1970-х годов с некоторым влиянием хип-хопа, и он заслужил некоторое широкое признание благодаря работам Д'Анджело , Эрики Баду , Алисии Киз и Лорин. Холм . [105] Признанный критиками альбом Д'Анджело Voodoo (2000) был признан музыкальными авторами шедевром и краеугольным камнем жанра нео-соул. [106] [107] [108]
Поп-музыка — жанр популярной музыки , зародившийся в своей современной форме в середине 1950-х годов в США и Великобритании . В 1950-е и 1960-е годы поп-музыка включала в себя рок-н-ролл и молодежные стили, на которые он повлиял. Рок и поп оставались примерно синонимами до конца 1960-х годов, после чего поп стал ассоциироваться с музыкой, которая была более коммерческой, эфемерной и доступной. Хотя большая часть музыки, которая появляется в чартах пластинок , считается поп-музыкой, этот жанр отличается от музыки чартов. Бинг Кросби был одним из первых артистов, получивших прозвище «Король песни» или «Король популярной музыки». Инди-поп , возникший в конце 1970-х годов, ознаменовал собой еще один отход от гламура современной поп-музыки: гитарные группы сформировались на тогдашней новой предпосылке, что можно записывать и выпускать свою собственную музыку без необходимости заключать контракт на запись с крупной компанией. этикетка. [110] К началу 1980-х годов на продвижение поп-музыки сильно повлияло появление музыкальных телеканалов, таких как MTV , которые «отдавали предпочтение таким артистам, как Майкл Джексон и Мадонна , которые имели сильную визуальную привлекательность». 1980-е годы обычно запомнились ростом использования цифровой записи , связанной с использованием синтезаторов , а также ростом популярности синти-попа и других электронных жанров с использованием нетрадиционных инструментов. [111] К 2014 году поп-музыка во всем мире была пронизана электронной танцевальной музыкой . В 2018 году исследователи из Калифорнийского университета в Ирвайне пришли к выводу, что поп-музыка стала «грустнее» с 1980-х годов. Элементы счастья и яркости в конечном итоге были заменены электронными битами, что сделало поп-музыку более «грустной, но танцевальной». [112] Келли Кларксон - единственная американская певица, двукратный лауреат премии Грэмми за лучший вокальный поп-альбом по состоянию на 2021 год, причем Кларксон стал первым, кто выиграл дважды. Кларксон и Джастин Тимберлейк были номинированы пять раз, больше, чем любой другой артист, хотя Кларксон - единственный артист, у которого было номинировано наибольшее количество сольных альбомов. Три из Тимберлейка сольные, двое из NSYNC .
Рок-н-ролл развился из кантри, блюза и R&B. Точное происхождение и ранние влияния рока горячо обсуждаются и являются предметом многочисленных исследований. Хотя рок напрямую принадлежит блюзовой традиции, он взял элементы афро-карибских и латинских музыкальных техник. [115] Рок был городским стилем, сформировавшимся в районах, где разнообразное население привело к смешению афроамериканских, латиноамериканских и европейских жанров, от блюза и кантри до польки и зидеко . [116] Рок-н-ролл впервые вошел в популярную музыку через стиль, называемый рокабилли , [117] который соединил зарождающееся звучание с элементами кантри-музыки. Рок-н-ролл в исполнении чернокожих раньше имел ограниченный массовый успех, но именно белый исполнитель Элвис Пресли первым обратился к массовой аудитории черным стилем музыки, став одним из самых продаваемых музыкантов в истории, и принес рок-н-ролл. аудитории по всему миру. [118]
В 1960-е годы произошло несколько важных изменений в популярной музыке, особенно в роке. Многие из этих изменений произошли во время британского вторжения , когда такие группы, как The Beatles , The Who и The Rolling Stones , [119] стали чрезвычайно популярными и оказали глубокое влияние на американскую культуру и музыку. Эти изменения включали переход от профессионально написанных песен к певцу и автору песен , а также понимание популярной музыки как искусства , а не формы коммерции или чистого развлечения. [120] Эти изменения привели к росту музыкальных движений, связанных с политическими целями, таких как американское движение за гражданские права и оппозиция войне во Вьетнаме . Рок был в авангарде этих перемен.
В начале 1960-х рок породил несколько поджанров, начиная с серфинга . Surf — жанр инструментальной гитары, характеризующийся искаженным звуком, связанный с молодежной культурой серфинга в Южной Калифорнии . [121] [122] Вдохновленные лирической направленностью серфинга, The Beach Boys начали запись в 1961 году с тщательно продуманным, дружелюбным к поп-музыке и гармоничным звучанием. [123] [124] По мере роста их славы автор песен The Beach Boys Брайан Уилсон экспериментировал с новыми студийными методами и стал ассоциироваться с контркультурой . Контркультура была движением, охватывающим политическую активность и тесно связанным с субкультурой хиппи . Хиппи ассоциировались с фолк-роком , кантри-роком и психоделическим роком . [125] Фолк и кантри-рок были связаны с ростом политизированной фолк-музыки, возглавляемой Питом Сигером и другими, особенно на музыкальной сцене Гринвич-Виллидж в Нью-Йорке. [126] Фолк-рок вошел в мейнстрим в середине 1960-х годов, когда певец и автор песен Боб Дилан начал свою карьеру. Редактор AllMusic Стивен Томас Эрлевин объясняет переход The Beatles к интроспективному написанию песен в середине 1960-х годов влиянием Боба Дилана в то время. [114] За ним последовал ряд кантри-рок-групп и мягких, фолк-певцов и авторов песен. Психоделический рок был жесткой разновидностью гитарного рока, тесно связанной с городом Сан-Франциско . Хотя Jefferson Airplane была единственной местной группой, которая имела крупный национальный хит, Grateful Dead , джем-бэнд со вкусом кантри и мятлика , стал знаковой частью психоделической контркультуры, связанной с хиппи, ЛСД и другими символами той эпохи. [125] Некоторые говорят, что Grateful Dead действительно были самой американской патриотической рок-группой из когда-либо существовавших; формируя и формируя культуру, которая определяет американцев сегодня. [127]
После бурных политических, социальных и музыкальных изменений 1960-х и начала 1970-х годов рок-музыка стала разнообразной. То, что раньше было отдельным жанром, известным как рок-н-ролл, превратилось в общую категорию, называемую просто рок-музыкой , которая стала включать в себя разнообразные стили, развитые в США, такие как панк-рок . В 1970-е годы большинство этих стилей развивались на андеграундной музыкальной сцене, в то время как основная аудитория начала десятилетие с волны певцов и авторов песен , которые опирались на глубоко эмоциональные и личные тексты фолк-рока 1960-х годов. В тот же период наблюдался подъем напыщенных рок- групп, блюзовых южных рок- групп и мягких звезд софт-рока . Начиная с конца 1970-х годов рок-певец и автор песен Брюс Спрингстин стал главной звездой с гимновыми песнями и насыщенными, загадочными текстами, прославлявшими бедняков и рабочий класс. [78]
Панк — это форма бунтарского рока, зародившаяся в 1970-х годах, она была громкой, агрессивной и часто очень простой. Панк зародился как реакция на популярную музыку того периода, особенно диско и рок-музыку . Среди американских групп, наиболее известных, были The Ramones и Talking Heads , последние играли в более авангардном стиле, который был тесно связан с панком, прежде чем превратиться в мейнстрим новой волны . [78] Другие крупные группы включают Blondie , Patti Smith и Television . В 1980-х годах некоторые поклонники панка и группы разочаровались в растущей популярности этого стиля, что привело к появлению еще более агрессивного стиля, названного хардкор-панк . Хардкор был формой редкого панка, состоящей из коротких, быстрых, интенсивных песен, обращенных к недовольной молодежи, с такими влиятельными группами, как Bad Religion , Bad Brains , Black Flag , Dead Kennedys и Minor Threat . Хардкор зародился в таких мегаполисах, как Вашингтон, округ Колумбия , хотя в 1980-е годы в большинстве крупных американских городов были свои местные сцены. [128]
Хардкор, панк и гаражный рок были корнями альтернативного рока , разнообразной группы поджанров рока, которые были явно противоположны основной музыке и возникли из стилей панк и пост-панк. В Соединенных Штатах во многих городах появились местные альтернативные рок-сцены, включая Миннеаполис и Сиэтл. [130] Местная сцена Сиэтла породила музыку гранж , мрачный и задумчивый стиль, вдохновленный хардкором, психоделией и альтернативным роком. [131] С добавлением более мелодичного элемента в звучание таких групп, как Nirvana , Pearl Jam , Soundgarden и Alice in Chains , гранж стал бешено популярен в Соединённых Штатах [132] в 1991 году. Три года спустя такие группы, как Green Day , The Offspring , Rancid , Bad Religion и NOFX стали мейнстримом (со своими новыми на тот момент альбомами Dookie , Smash , Let's Go , Strangerthan Fiction и Punk in Drublic ) и принесли калифорнийской панк- сцене известность по всему миру.
Хэви-метал характеризуется агрессивными, драйвовыми ритмами, усиленными и искаженными гитарами, грандиозными текстами и виртуозными инструментами. Истоки хэви-метала лежат в хард-рок-группах, которые взяли блюз и рок и создали тяжелый звук, построенный на гитаре и барабанах. Первые крупные американские группы появились в начале 1970-х, такие как Blue Öyster Cult , KISS и Aerosmith . Однако хэви-метал оставался в значительной степени андерграундным явлением. В 1980-х годах возник первый крупный стиль поп-метал, который доминировал в чартах в течение нескольких лет, начиная с металлической группы Quiet Riot и доминируя такими группами, как Mötley Crüe и Ratt ; это был глэм-метал , сплав хард-рока и поп-музыки с хриплым духом и визуальной эстетикой с влиянием глэма . Некоторые из этих групп, например Bon Jovi , стали международными звездами. Группа Guns N' Roses прославилась ближе к концу десятилетия благодаря имиджу, который был реакцией на эстетику глэм-метала.
К середине 1980-х годов хэви-метал разветвился во многих направлениях, что фанаты, звукозаписывающие компании и журналы для фанатов создали множество поджанров. Соединенные Штаты были особенно известны одним из этих поджанров, трэш-металом , который был изобретен такими группами, как Metallica , Megadeth , Slayer и Anthrax , причем Metallica была наиболее коммерчески успешной. [135] В середине-конце 1980-х годов США были известны как одна из родин дэт-метала . Сцена Флориды была самой известной, на ней выступали такие группы, как Death , Cannibal Corpse , Morbid Angel , Deicide и многие другие. Сейчас по всей стране существует бесчисленное множество дэт-метал и дэт-грайнд-групп.
Хип-хоп — это культурное движение, частью которого является музыка. Музыка хип-хопа по большей части состоит из двух частей: рэпа , исполнения быстрого, очень ритмичного и лирического вокала; и диджейство и/или продюсирование , производство инструментов посредством сэмплирования , инструментовки , тернтаблизма или битбоксинга , создание музыкальных звуков посредством вокализованных тонов. [136] Хип-хоп зародился в начале 1970-х годов в Бронксе , Нью-Йорк. Ямайский иммигрант DJ Kool Herc широко известен как прародитель хип-хопа; он привез с собой с Ямайки практику поджаривания под ритмы популярных песен. Первоначально ведущие возникли для того, чтобы представлять песни в стиле соул, фанк и R&B, которые играли диджеи, а также поддерживать толпу в восторге и танце; со временем ди-джеи начали выделять в песнях ударные паузы (когда ритм достигает кульминации), создавая повторяющийся бит, под который ведущие читали рэп.
.jpg/1280px-Eminem_(cropped).jpg)
В отличие от Motown, который основывал свой массовый успех на классовой привлекательности своих действий, которые делали расовую идентичность несущественной, хип-хоп 1980-х годов, особенно хип-хоп, перешедший в рок-н-ролл, основывался на своей (неявной, но решительной) первичной идентификации с черная личность. [137] К началу 1980-х годов хип-хоп песни были популярны, а знаменитости сцены, такие как LL Cool J , приобрели широкую известность. Другие исполнители экспериментировали с политизированной лирикой и социальной осведомленностью или смешивали хип-хоп с джазом, хэви-металом, техно , фанком и соулом. Во второй половине 1980-х годов появились новые стили, такие как альтернативный хип-хоп и тесно связанный с ним джаз-рэп- фьюжн, впервые разработанный такими рэперами, как De La Soul .
Гангста-рэп — это разновидность хип-хопа, который, прежде всего, характеризуется лирическим акцентом на мачо-сексуальности, телесности и опасном криминальном имидже. [138] Хотя истоки гангста-рэпа можно проследить до стиля Филадельфии Schoolly D середины 1980-х и Ice-T Западного побережья , стиль расширился и стал применяться ко многим различным регионам страны, к рэперам из Нью-Йорка. Йорка, таких как Notorious BIG и влиятельная хип-хоп группа Wu-Tang Clan , а также рэперы Западного побережья, такие как Too Short и NWA . Характерная рэп-сцена Западного побережья породила звучание G-funk начала 1990-х , в котором тексты гангста-рэпа сочетались с густым и туманным звуком, часто из фанк- сэмплов 1970-х ; самыми известными сторонниками были рэперы 2Pac , Dr. Dre , Ice Cube и Snoop Dogg . Гангста-рэп продолжал занимать важное место в американской популярной музыке до конца 1990-х и начала 21 века.
Доминирование гангста-рэпа в мейнстриме хип-хопа было вытеснено в конце 2000-х, во многом благодаря массовому успеху хип-хоп исполнителей, таких как Канье Уэст . [139] Результат широко разрекламированной конкуренции по продажам между одновременным выпуском его третьих студийных альбомов и третьих студийных альбомов гангста-рэпера 50 Cent , Graduation и Curtis соответственно, с тех пор был признан причиной упадка. [140] Конкурс привел к рекордным показателям продаж обоих альбомов, и Уэст превзошел 50 Cent, продав почти миллион копий Graduation только за первую неделю. [141] Отраслевые обозреватели отмечают, что победа Уэста над 50 Cent доказала, что рэп-музыка не обязательно должна соответствовать традициям гангста-рэпа, чтобы быть коммерчески успешной. [142] Уэст фактически проложил путь новой волне хип-хоп исполнителей, включая Дрейка , Кендрика Ламара и Дж. Коула , которые не следовали хардкорно - гангстерскому образцу и стали артистами, продававшими платину. [143] [144]
Jay-Z стал всемирно известной иконой хип-хопа после смерти The Notorious BIG и Тупака Шакура в середине 1990-х годов. [145] Канье Уэст был наставником Джей-Зи и продюсировал для него, [146] прежде чем достичь такого же уровня успеха. [147]
.jpg/1280px-Cardi_B_at_Vogue_Taiwan_(2).jpg)
В мейнстрим также вошли женщины-рэперы Ники Минаж , Карди Би , Савити , Доджа Кэт , Игги Азалия , City Girls и Меган Ти Жеребец . [148] Есть много женщин, которые заметно повлияли на культуру хип-хопа. Однако нельзя не упомянуть несколько имен: MC Sha-rock, MC Lyte , Queen Latifah , Lauryn Hill , Missy Elliot , Lil Kim , Erykah Badu , Foxy Brown и многие другие. В этом списке MC Sha-rock считается историком/пионером женской хип-хоп культуры. Она начала свою карьеру в качестве танцовщицы брейк-данса в Бронксе, штат Нью-Йорк, а позже стала «первой женщиной-ведущей/рэпером в культуре хип-хопа». [149] Ее карьера длилась долго. От бывшей участницы Funky 4+1 more до рифмованных битв MC с такими группами, как Grandmaster Flash и Furious 5. Еще одним известным пионером женского хип-хопа является знаменитая Куин Латифа, урожденная Дана Элейн Оуэнс из Ньюарка, штат Нью-Джерси. . Куин Латифа начала свою карьеру с юных лет, еще в 17 лет. Но вскоре после ее начала она быстро пошла в гору. Свой первый полноформатный альбом All Hail the Queen она выпустила в 1989 году. [150] Продолжая выпускать музыку, она становилась все более и более популярной, и ее известность росла среди хип-хоп-культуры. Однако Куин Латифа не была обычным рэпером. Она читала рэп о проблемах, связанных с тем, чтобы быть чернокожей женщиной, и о проблемах социальной несправедливости в целом, которые возникают в музыкальной индустрии. Эти пионеры возглавили женскую рэп-культуру и оказали влияние на сегодняшних популярных хип-хоп-исполнителей женского пола. Например, такими популярными артистами могут быть Cardi B, Megan Thee Stallion, Miss Mulatto , Flo Milli , Cupcakke и многие другие. У каждого артиста есть своя индивидуальность в рэп-игре, однако по мере развития хип-хопа меняется и стиль музыки. Первый студийный альбом Cardi B, Invasion of Privacy (2018), дебютировал под номером один в Billboard 200 и был назван Billboard женским рэп-альбомом номер один 2010-х годов . Получив признание критиков, Карди Би стала единственной женщиной, получившей премию Грэмми за лучший рэп-альбом в качестве сольного исполнителя, и стал первым женским рэп-альбомом за пятнадцать лет, номинированным на премию « Альбом года» .
В американской музыкальной индустрии доминируют крупные компании, которые производят, продают и распространяют определенные виды музыки. Как правило, эти компании не производят или производят в очень ограниченных количествах записи в стилях, которые не привлекают очень широкую аудиторию. Небольшие компании часто заполняют пустоту, предлагая широкий выбор записей в стилях от польки до сальсы . Многие небольшие музыкальные индустрии построены вокруг основной базы поклонников, которая может базироваться в основном в одном регионе, как, например, Техано или гавайская музыка , или же они могут быть широко рассредоточены, как, например, аудитория еврейских клезмеров .
Среди латиноамериканских музыкантов, которые были пионерами на ранних стадиях рок-н-ролла, были Ричи Валенс , написавший несколько хитов, в первую очередь « La Bamba », и Герман Сантьяго , написавший текст к культовой рок-н-ролльной песне « Why Do Fools Fall in». Любовь ". Песни, которые стали популярными в Соединенных Штатах и звучат в период праздников и Рождества: «¿Dónde Está Santa Claus?» Это новая рождественская песня с участием 12-летнего Оги Риоса, ставшая рекордным хитом в 1959 году в исполнении оркестра Марка Джеффри. « Feliz Navidad » (1970) Хосе Феличиано — еще одна известная латинская песня.
Самая крупная нишевая индустрия основана на латиноамериканской музыке. Латинская музыка долгое время оказывала влияние на американскую популярную музыку и сыграла особенно важную роль в развитии джаза. Современные поп-латиноамериканские стили включают в себя широкий спектр жанров, импортированных со всей Латинской Америки, включая колумбийскую кумбию , пуэрториканское реггетон и мексиканское корридо . Латинская популярная музыка в Соединенных Штатах началась с волны танцевальных коллективов в 1930-х и 1950-х годах. Наиболее популярные стили включали конга , румбу и мамбо . В 1950-е годы Перес Прадо прославил ча-ча-ча , а рост афро-кубинского джаза открыл многим ушам гармонические, мелодические и ритмические возможности латиноамериканской музыки. Однако самой известной американской формой латиноамериканской музыки является сальса . Сальса включает в себя множество стилей и вариаций; этот термин можно использовать для описания большинства форм популярных жанров кубинского происхождения. В частности, однако, сальса относится к определенному стилю, который был разработан в середине 1970-х годов группами кубинских и пуэрториканских иммигрантов из Нью-Йорка, а также стилистических потомков, таких как романтическая сальса 1980-х годов . [151] Ритмы сальсы сложны, одновременно исполняются несколько паттернов. Клаве -ритм составляет основу песен сальсы и используется исполнителями как общая ритмическая основа для собственных фраз . [152]
Латиноамериканская музыка долгое время оказывала влияние на американскую популярную музыку, джаз , ритм-н-блюз и даже музыку кантри . Сюда входит музыка из испанских, португальских и (иногда) франкоязычных стран и территорий Латинской Америки. [153]
Сегодня американская звукозаписывающая индустрия определяет латиноамериканскую музыку как любой тип релиза с текстами преимущественно на испанском языке. [154] [155] Популярные исполнители и продюсеры, как правило, чаще включаются в песни латинских исполнителей, а также становится более вероятным, что песни на английском языке переходят на испанское радио и наоборот.
США сыграли значительную роль в развитии электронной танцевальной музыки , в частности хауса и техно , зародившихся в Чикаго и Детройте соответственно.
Сегодня латиноамериканская музыка стала термином для обозначения музыки, исполняемой латиноамериканцами, независимо от того, есть ли в ней латинский элемент или нет. Такие артисты, как Шакира , Дженнифер Лопес , Энрике Иглесиас , Питбуль , Селена Гомес, Кристина Агилера , Глория Эстефан , Деми Ловато , Мэрайя Кэри , Бекки Джи , Паулина Рубио и Камила Кабельо , занимают видное место в поп-чартах. Иглесиас, который является рекордсменом по количеству первых мест в чарте Billboard Hot Latin Tracks, выпустил двуязычный альбом, вдохновленный городскими выступлениями. Он выпускает одновременно две совершенно разные песни в латиноамериканском и поп-формате.
Правительство Соединенных Штатов регулирует музыкальную индустрию, обеспечивает соблюдение законов об интеллектуальной собственности , а также продвигает и коллекционирует определенные виды музыки. Согласно американскому законодательству об авторском праве , музыкальные произведения, включая записи и композиции, охраняются как интеллектуальная собственность, как только они зафиксированы в материальной форме. Владельцы авторских прав часто регистрируют свои работы в Библиотеке Конгресса , где хранится коллекция материалов. Кроме того, с начала 20 века Библиотека Конгресса активно искала значимые в культурном и музыковом отношении материалы, например, отправляя исследователей для записи народной музыки. В число этих исследователей входит новаторский американский коллекционер народных песен Алан Ломакс , чьи работы помогли вдохновить возрождение корней середины 20-го века. Федеральное правительство также финансирует Национальные фонды искусств и гуманитарных наук , которые выделяют гранты музыкантам и другим деятелям искусства, Смитсоновский институт , который проводит исследования и образовательные программы, и Корпорацию общественного вещания , которая финансирует некоммерческие и телевещательные компании. [156]
Музыка уже давно влияет на политику Соединенных Штатов . Политические партии и движения часто используют музыку и песни для передачи своих идеалов и ценностей, а также для развлечения на политических мероприятиях. Президентская кампания Уильяма Генри Харрисона была первой, в которой музыка получила большую выгоду, после чего для основных кандидатов стало стандартной практикой использовать песни для создания общественного энтузиазма. В последние десятилетия политики часто выбирали тематические песни , некоторые из которых стали культовыми; например, песня «Happy Days Are Here Again» ассоциировалась с Демократической партией со времен кампании Франклина Д. Рузвельта в 1932 году . Однако с 1950-х годов значение музыки в политике уменьшилось, и ее заменила телевизионная кампания с небольшим количеством музыки или вообще без нее. Определенные формы музыки стали более тесно ассоциироваться с политическим протестом, особенно в 1960-е годы. Звезды Евангелия, такие как Махалия Джексон , стали важными фигурами в Движении за гражданские права , а возрождение американского фолка способствовало распространению контркультуры 1960-х годов и оппозиции войне во Вьетнаме . [157]
Соединенные Штаты имеют крупнейший в мире музыкальный рынок с общей розничной стоимостью 4,9 миллиарда долларов в 2014 году. [158] Американская музыкальная индустрия включает в себя ряд сфер, от звукозаписывающих компаний до радиостанций и общественных оркестров. Общий доход отрасли составляет около 40 миллиардов долларов во всем мире и около 12 миллиардов долларов в США. [159] Большинство крупнейших звукозаписывающих компаний мира базируются в Соединенных Штатах; они представлены Американской ассоциацией звукозаписывающей индустрии (RIAA). Крупнейшие звукозаписывающие компании производят материалы артистов, подписавших контракт с одним из своих звукозаписывающих лейблов , торговая марка которого часто ассоциируется с определенным жанром или продюсером . Звукозаписывающие компании также могут продвигать и продавать своих артистов посредством рекламы, публичных выступлений и концертов, а также выступлений на телевидении. Звукозаписывающие компании могут быть связаны с другими музыкальными медиа-компаниями, которые производят продукцию, связанную с популярной записанной музыкой. К ним относятся телевизионные каналы, такие как MTV , журналы, такие как Rolling Stone , и радиостанции. В последние годы музыкальная индустрия погрузилась в хаос из-за роста количества скачиваний через Интернет музыки , защищенной авторским правом ; многие музыканты и RIAA стремятся наказать фанатов, которые незаконно скачивают музыку, защищенную авторским правом. [160]
Радиостанции в США часто транслируют популярную музыку. У каждой музыкальной станции есть формат или категория песен, которые нужно воспроизводить; в целом они похожи на обычную родовую классификацию, но не совпадают с ней. Многие радиостанции в Соединенных Штатах принадлежат и управляются местными жителями и могут предлагать эклектичный ассортимент записей; многие другие станции принадлежат крупным компаниям, таким как Clear Channel , и обычно состоят из небольших и повторяющихся плейлистов . Коммерческие продажи записей отслеживаются журналом Billboard , который составляет ряд музыкальных чартов для различных областей продаж записанной музыки. Billboard Hot 100 — лучший поп-музыкальный чарт синглов , пластинка , состоящая из нескольких песен; более длинные поп-записи представляют собой альбомы и отслеживаются в Billboard 200 . [161] Хотя записанная музыка является обычным явлением в американских домах, большая часть доходов музыкальной индустрии поступает от небольшого числа преданных; например, 62% продаж альбомов приходится на долю менее 25% аудитории, покупающей музыку. [162] Общий объем продаж компакт-дисков в США превысил 705 миллионов единиц, проданных в 2005 году, а продажи синглов чуть менее трех миллионов. [163]
Хотя в американской музыкальной индустрии доминируют крупные звукозаписывающие компании, независимая музыкальная индустрия ( инди-музыка ) существует. Большинство независимых звукозаписывающих компаний имеют ограниченное розничное распространение за пределами небольшого региона. Артисты иногда записываются для инди-лейбла и получают достаточно признания, чтобы подписать контракт с крупным лейблом; другие предпочитают оставаться на инди-лейбле на протяжении всей своей карьеры. Инди-музыка может быть в стилях, в целом похожих на мейнстримовую музыку, но часто она недоступна, необычна или иным образом непривлекательна для многих людей. Инди-музыканты часто публикуют некоторые или все свои песни в Интернете, чтобы фанаты и другие люди могли их скачать и послушать. [160] Помимо записывающихся артистов многих видов, в Соединенных Штатах существует множество областей профессиональной музыкальной деятельности, многие из которых редко записывают, включая общественные оркестры, свадебных певцов и группы, лаунж-певцов и ди-джеев в ночных клубах. Американская федерация музыкантов — крупнейший американский профсоюз профессиональных музыкантов. Однако лишь 15% членов Федерации имеют постоянную музыкальную занятость. [164]
Музыка является важной частью образования в Соединенных Штатах и частью большинства или всех школьных систем страны. Музыкальное образование, как правило, является обязательным в государственных начальных школах, а в последующие годы становится факультативным. [165]
Научное изучение музыки в Соединенных Штатах включает работу, связывающую музыку с социальным классом, расовой, этнической и религиозной идентичностью, полом и сексуальностью, а также исследования истории музыки, музыковедения и других тем. Академическое изучение американской музыки можно проследить до конца 19 века, когда такие исследователи, как Элис Флетчер и Фрэнсис Ла Флеше , изучали музыку народов Омахи , работая в Бюро американской этнологии и Музее археологии и этнологии Пибоди . В 1890-х и начале 20-го века музыковедческие записи делались среди коренных, латиноамериканских, афроамериканских и англо-американских народов Соединенных Штатов. Многие работали в Библиотеке Конгресса , сначала под руководством Оскара Зоннека , руководителя музыкального отдела библиотеки. [166] В число этих исследователей входили Роберт В. Гордон, основатель Архива американской народной песни , а также Джон и Алан Ломакс ; Алан Ломакс был самым выдающимся из нескольких коллекционеров народных песен, которые помогли вдохновить возрождение американской народной культуры 20-го века. [167]
Научный анализ американской музыки начала 20-го века имел тенденцию интерпретировать классические традиции европейского происхождения как наиболее достойные изучения, а народную, религиозную и традиционную музыку простых людей принижали как низкоклассную и не имеющую особой художественной или социальной ценности. Историю американской музыки сравнивали с гораздо более длительным историческим наследием европейских стран, и было обнаружено, что ей не хватает таких ведущих писателей, как композитор Артур Фарвелл , чтобы задуматься о том, какие виды музыкальных традиций могут возникнуть из американской культуры, в его «Музыке в Америке» 1915 года . В 1930 году книга Джона Таскера Ховарда « Наша американская музыка» стала стандартным анализом, в котором основное внимание уделялось концертной музыке, написанной в Соединенных Штатах. [168] После анализа музыковеда Чарльза Сигера в середине 20-го века история американской музыки часто описывалась как тесно связанная с восприятием расы и происхождения. Согласно этой точке зрения, разнообразное расовое и этническое происхождение Соединенных Штатов одновременно способствовало ощущению музыкального разделения между расами, в то же время способствуя постоянной аккультурации, поскольку элементы европейской, африканской и местной музыки перемещались между областями. [166] Книга Гилберта Чейза « Американская музыка от паломников до наших дней» была первой крупной работой, в которой исследовалась музыка всех Соединенных Штатов и признавалась, что народные традиции более значимы в культурном отношении, чем музыка для концертного зала. Анализ Чейза разнообразной американской музыкальной идентичности остается доминирующим взглядом среди академического истеблишмента. [168] Однако до 1960-х и 1970-х годов большинство ученых-музыковедов в Соединенных Штатах продолжали изучать европейскую музыку, ограничиваясь только определенными областями американской музыки, особенно классическими и оперными стилями европейского происхождения, а иногда и афроамериканским джазом. Более современные музыковеды и этномузыкологи изучают самые разные предметы: от национальной музыкальной идентичности до индивидуальных стилей и техник конкретных сообществ в определенный период американской истории. [166] Среди выдающихся недавних исследований американской музыки — « Музыка в Новом Свете» Чарльза Хэмма 1983 года и « Музыкальная жизнь Америки » Ричарда Кроуфорда 2001 года. [169]
Музыка является важной частью некоторых американских праздников, особенно в зимнее празднование Рождества . Музыка праздника включает в себя как религиозные песни, такие как « О, Святая ночь », так и светские песни, такие как « Jingle Bells ». Патриотические песни, такие как государственный гимн « Звездное знамя », составляют важную часть празднования Дня независимости . Музыка также играет роль во многих региональных праздниках, которые не отмечаются по всей стране, наиболее известным из которых является Марди Гра , музыкальный и танцевальный парад и фестиваль в Новом Орлеане, штат Луизиана .
В Соединенных Штатах проводятся многочисленные музыкальные фестивали , на которых демонстрируются стили от блюза и джаза до инди-рока и хэви-метала. Некоторые музыкальные фестивали носят строго местный характер, включают в себя небольшое количество исполнителей с национальной репутацией или вообще их отсутствие, и обычно проводятся местными промоутерами. Крупные звукозаписывающие компании проводят свои собственные музыкальные фестивали, такие как Lollapalooza и Ozzfest , которые собирают огромные толпы людей.
По регионам :
{{cite web}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link) CS1 maint: numeric names: authors list (link)Звукозаписывающая индустрия США определяет латиноамериканскую музыку как любой релиз с текстами, написанными преимущественно на испанском языке.
{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
