Готическое искусство — это стиль средневекового искусства , который развился в Северной Франции из романского искусства в 12 веке нашей эры под руководством одновременного развития готической архитектуры . Он распространился на всю Западную Европу , а также на большую часть Северной , Южной и Центральной Европы , никогда полностью не стирая классические стили в Италии. В конце 14 века развился изысканный придворный стиль интернациональной готики , который продолжал развиваться до конца 15 века. Во многих регионах, особенно в Германии, искусство поздней готики продолжалось вплоть до 16 века, прежде чем было включено в искусство эпохи Возрождения . Основные средства массовой информации в готический период включали скульптуру , панно , витражи , фрески и иллюминированные рукописи . Легко узнаваемые сдвиги в архитектуре от романского стиля к готике и от готики к ренессансному стилю обычно используются для определения периодов в искусстве во всех средах, хотя во многих отношениях фигуративное искусство развивалось разными темпами.
Самым ранним готическим искусством была монументальная скульптура на стенах соборов и аббатств. Христианское искусство часто носило типологический характер (см. Средневековую аллегорию ), показывая истории Нового Завета и Ветхого Завета рядом. Часто изображались жития святых. Образы Девы Марии изменились с византийской иконической формы на более человечную и ласковую мать, прижимающую к себе младенца, покачивающуюся на бедре и показывающую изысканные манеры родовитой аристократической куртуазной дамы.
Светское искусство вступило в свои права в этот период с появлением городов, основанием университетов , ростом торговли, созданием денежной экономики и созданием класса буржуазии , который мог позволить себе покровительствовать искусству и комиссионным работам, в результате чего в распространении картин и иллюминированных рукописей. Рост грамотности и рост светской народной литературы способствовали представлению светских тем в искусстве. С ростом городов образовывались торговые гильдии , и художникам часто требовалось быть членами гильдии художников . В результате, благодаря лучшему ведению учета, в этот период нам известно по именам больше художников, чем в любой предыдущий; некоторые художники даже осмелились поставить свою подпись.
Готическое искусство возникло в Иль-де-Франс , Франция, в начале 12 века, в церкви аббатства Сен-Дени, построенной аббатом Сугером . [1] Стиль быстро распространился за пределы своей архитектуры в скульптуре, как монументальной , так и индивидуальной по размеру, текстильном искусстве и живописи, которые принимали различные формы, включая фрески , витражи , иллюминированные рукописи и панно . [2] Монашеские ордена , особенно цистерцианцы и картезианцы , были важными строителями, которые распространили этот стиль и разработали его отличительные варианты по всей Европе. Региональные вариации архитектуры оставались важными, даже когда к концу 14 века развился единый универсальный стиль, известный как международная готика , который сохранялся до конца 15 века и далее во многих областях.
Хотя светского готического искусства было гораздо больше, чем часто думают сегодня, поскольку в целом уровень выживаемости религиозного искусства был выше, чем у светских эквивалентов, большая часть произведений искусства, созданных в тот период, была религиозной, независимо от того, была ли она заказана церковью или миряне. Готическое искусство часто носило типологический характер, отражая веру в то, что события Ветхого Завета предвосхищали события Нового Завета, и что это действительно было их главным значением. Сцены Ветхого и Нового Завета были показаны рядом в таких работах, как Speculum Humanae Salvationis и в украшениях церквей. Готический период совпал с большим возрождением преданности Марии , в котором важную роль играло изобразительное искусство. Изображения Девы Марии развились от византийских иератических типов, через Коронацию Богородицы , к более человеческим и интимным типам, и циклы Жития Богородицы были очень популярны. Такие художники, как Джотто , Фра Анджелико и Пьетро Лоренцетти в Италии, а также ранняя нидерландская живопись , привнесли реализм и более естественную человечность в искусство. Западные художники и их покровители стали гораздо более уверенными в новаторской иконографии , и стало заметно больше оригинальности, хотя большинство художников по-прежнему использовали скопированные формулы.
На иконографию повлияли изменения в богословии: изображения Успения Марии получили распространение после более старой Смерти Богородицы , а также в религиозных практиках, таких как Devotio Moderna , которые породили новые трактовки Христа в таких предметах, как Человек Скорбей , Задумчивый Христос и Пьета , подчеркивающие его человеческие страдания и уязвимость, в движении, параллельном изображению Богородицы. Даже на Страшном суде Христос теперь обычно изображался обнажающим грудь, чтобы показать раны Своих Страстей . Святых показывали чаще, а на алтарных образах были изображены святые, относящиеся к конкретной церкви или донору, присутствующие на Распятии или на престоле Богородицы с Младенцем , или занимающие сами центральное пространство (обычно это касается произведений, предназначенных для приделов). В течение этого периода многие древние иконографические особенности, возникшие в апокрифах Нового Завета , были постепенно устранены под давлением духовенства, например, акушерки на Рождество , хотя другие были слишком устоявшимися и считались безвредными. [3]
_Mon_seul_d%C3%A9sir_(La_Dame_%C3%A0_la_licorne)_-_Mus%C3%A9e_de_Cluny_Paris.jpg/1280px-(Toulouse)_Mon_seul_d%C3%A9sir_(La_Dame_%C3%A0_la_licorne)_-_Mus%C3%A9e_de_Cluny_Paris.jpg)
Слово « готика » для искусства первоначально использовалось как синоним слова « варварство », и поэтому использовалось уничижительно. [4] Его критики считали этот тип средневекового искусства нерафинированным и слишком далеким от эстетических пропорций и форм классического искусства . [5] Авторы эпохи Возрождения считали, что разграбление Рима готскими племенами в 410 году спровоцировало упадок классического мира и всех ценностей, которые им были дороги. В 15 веке различные итальянские архитекторы и писатели жаловались, что новые «варварские» стили, проникающие с севера от Альп, представляют аналогичную угрозу классическому возрождению, пропагандируемому ранним Возрождением. [6] Определение «готика» для этого искусства впервые было использовано в письме Рафаэля Папе Льву X ок. 1518 г. и впоследствии был популяризирован итальянским художником и писателем Джорджио Вазари , [7] который использовал его еще в 1530 г., назвав готическое искусство «чудовищным и варварским» «беспорядком». [8] Рафаэль утверждал, что остроконечные арки северной архитектуры были отголоском примитивных хижин германских лесных жителей, построенных путем сгибания деревьев - миф, который всплывет гораздо позже в более позитивном смысле в трудах немецкого романтического движения. «Готическое искусство» подверглось резкой критике со стороны французских авторов, таких как Буало , Лабрюйер , Руссо , прежде чем стать признанной формой искусства, и формулировка стала фиксированной. [5] Мольер дал знаменитый комментарий о готике:
Одурманенный вкус готических памятников,
Этих гнусных чудовищ невежественных столетий,
Которых извергли потоки варварства. [5]
В своем начале готическое искусство изначально называлось «французским произведением» ( Opus Francigenum ), что свидетельствует о приоритете Франции в создании этого стиля. [5]
Живописи в готическом стиле не существовало примерно до 1200 года, более чем через 50 лет после зарождения готической архитектуры и скульптуры. Переход от романского стиля к готике очень неточный и вовсе не является явным разрывом, и готические орнаментальные детали часто вводятся до того, как в стиле самих фигур или композиций заметны большие изменения. Тогда фигуры становятся более оживленными по позе и выражению лица, имеют тенденцию уменьшаться по отношению к фону сцен и более свободно располагаются в живописном пространстве, где есть место. Этот переход происходит сначала в Англии и Франции около 1200 года, в Германии около 1220 года и Италии около 1300 года. Живопись в готический период практиковалась в четырех основных средах: фресках , панно , освещении рукописей и витражах .
Фрески продолжали использоваться в качестве основного изобразительного повествовательного средства на церковных стенах в южной Европе как продолжение раннехристианских и романских традиций. Случайное выживание дало Дании и Швеции самые большие группы сохранившихся церковных настенных росписей в стиле Biblia pauperum , обычно доходящих до недавно построенных крестовых сводов . И в Дании, и в Швеции после Реформации почти все они были покрыты известью, благодаря которой они сохранились, но некоторые из них остались нетронутыми с момента их создания. Среди лучших примеров из Дании – работы мастера Эльмелунде с датского острова Мён , который украсил церкви Фанефьорда , Келдби и Эльмелунде . [9] Альбертус Пиктор , пожалуй, самый известный художник-фрескист того периода, работавший в Швеции. Примеры шведских церквей с хорошо сохранившимися фресками включают церкви Тенста , Гёкхем и Анга .
В Северной Европе витраж был важным и престижным видом живописи до 15 века, когда его вытеснила панно . Готическая архитектура значительно увеличила количество стекла в больших зданиях, отчасти для того, чтобы обеспечить большие стеклянные пространства, как в окнах-розетках . В начале этого периода в основном использовалась черная краска и прозрачное или ярко окрашенное стекло, но в начале 14 века использование соединений серебра, нанесенных на стекло, которое затем обжигали, позволило получить ряд вариаций цвета, в основном желтые, для использования с прозрачным стеклом в одном экземпляре. К концу периода в дизайне все чаще использовались большие куски стекла, окрашенные в желтый цвет в качестве доминирующего цвета, и относительно небольшое количество меньших кусков стекла других цветов. [10]
Иллюминированные рукописи представляют собой наиболее полную запись готической живописи, обеспечивая запись стилей в местах, где не сохранилось ни одного монументального произведения. Самые ранние полные рукописи с иллюстрациями французской готики датируются серединой 13 века. [11] Многие такие иллюминированные рукописи были царскими библиями, хотя псалтыри также включали иллюстрации; Парижская Псалтирь Святого Людовика , датируемая 1253–1270 годами, включает 78 полностраничных иллюстраций, выполненных темперой и сусальным золотом. [12]
В конце 13 века писцы начали создавать молитвенники для мирян, часто называемые часовословами из-за их использования в установленное время суток. [12] Одним из самых ранних является пример Уильяма де Брейля , который, по-видимому, был написан для неизвестной мирянки, жившей в небольшой деревне недалеко от Оксфорда примерно в 1240 году. Дворянство часто приобретало такие тексты, щедро платя за декоративные иллюстрации; Среди наиболее известных их создателей - Жан Пюсель , чьи «Часы Жанны д'Эвре» были заказаны королем Карлом IV в качестве подарка своей королеве Жанне д'Эвре . [13] Элементы французской готики, присутствующие в таких работах, включают использование декоративного обрамления страниц, напоминающего архитектуру того времени, с удлиненными и подробными фигурами. [12] Использование пространственных показателей, таких как элементы зданий и природные особенности, такие как деревья и облака, также обозначают французский готический стиль освещения. [12]
С середины XIV века блокноты с текстом и изображениями, вырезанными на дереве, по-видимому, были доступны приходским священникам в Нидерландах , где они были наиболее популярны. К концу века печатные книги с иллюстрациями, по-прежнему в основном на религиозные темы, быстро становились доступными для зажиточного среднего класса, как и гравюры довольно высокого качества таких мастеров , как Исраэль ван Меккенем и Мастер Э.С. введение дешевых гравюр , преимущественно гравюр на дереве , позволило даже крестьянам иметь дома религиозные изображения. Эти изображения, крошечные в нижней части рынка, часто грубо раскрашенные, продавались тысячами, но сейчас встречаются крайне редко, большинство из них были наклеены на стены.
Живопись маслом на холсте не стала популярной до 15 и 16 веков и была визитной карточкой искусства эпохи Возрождения . В Северной Европе важная и новаторская школа ранней нидерландской живописи находится в основном в готическом стиле, но ее также можно рассматривать как часть Северного Возрождения , поскольку произошла долгая задержка, прежде чем итальянское возрождение интереса к классицизму оказало большое влияние на север. Такие художники, как Роберт Кампен и Ян ван Эйк, использовали технику масляной живописи для создания мельчайших деталей, правильных в перспективе, где кажущийся реализм сочетался с чрезвычайно сложной символикой, возникающей именно из реалистичных деталей, которые они теперь могли включать даже в небольшие работы. . В ранней нидерландской живописи богатейших городов Северной Европы новый минутный реализм в масляной живописи сочетался с тонкими и сложными богословскими аллюзиями, выраженными именно через весьма детализированную обстановку религиозных сцен. Примерами могут служить Алтарь Мерода (1420-е годы) Роберта Кампена и Благовещение Вашингтона Ван Эйка или Мадонна канцлера Ролена (оба 1430-е годы, работа Яна ван Эйка ). [14] Среди богатых небольшие панно , даже полиптихи масляной живописи становились все более популярными, часто рядом с ними были изображены портреты доноров , хотя зачастую они были намного меньше, чем изображенные Богородица или святые. Обычно их выставляли дома.
Готический период по существу определяется готической архитектурой и не полностью соответствует развитию стиля скульптуры ни в его начале, ни в конце. Фасады больших церквей, особенно вокруг дверей, по-прежнему имели большие тимпаны, а также ряды скульптурных фигур, раскинувшихся вокруг них.
Статуи на западном (королевском) портале Шартрского собора ( ок. 1145 г. ) демонстрируют элегантное, но преувеличенное удлинение колонн, но статуи на южном портале трансепта , датированные 1215–1220 гг., демонстрируют более натуралистический стиль и возрастающее отделение от стены позади. и некоторое понимание классической традиции. Эти тенденции были продолжены в западном портале Реймского собора несколько лет спустя, где фигуры почти круглые, что стало обычным явлением по мере распространения готики по Европе. [15] Бамбергский собор имеет, пожалуй, самый большой комплекс скульптур 13-го века, кульминацией которого стал Бамбергский всадник в 1240 году , первая конная статуя в натуральную величину в западном искусстве с 6-го века.
«В Италии готическое Евангелие проповедовалось с кафедр, а не с тимпанов, и единицей мышления скульптора было автономное, самостоятельное произведение искусства» ( Джон Поуп-Хеннесси ). [16] Никола Пизано (1258–78) и его сын Джованни разработали стиль, который часто называют проторенессансом , с безошибочным влиянием римских саркофагов и сложных и многолюдных композиций, включая сочувственное обращение с наготой, в рельефных панелях на кафедре . Сиенского собора (1265–1268 гг.) , Кафедры в Пизанском баптистерии , Фонтана Маджоре в Перудже и кафедры Джованни в Пистойе 1301 года .
Еще одно возрождение классического стиля наблюдается в международной готической работе Клауса Слютера и его последователей в Бургундии и Фландрии около 1400 года. [18] Поздняя готическая скульптура продолжалась и на Севере, с модой на очень большие деревянные скульптурные алтари со все более виртуозным исполнением. резьба и крупные цифры волновали выразительные фигуры; большинство сохранившихся примеров находятся в Германии, после большого иконоборчества в других местах. Тильман Рименшнейдер , Фейт Стосс и другие продолжали этот стиль вплоть до 16 века, постепенно впитывая влияние итальянского Возрождения. [19]
Изображения гробниц в натуральную величину из камня или алебастра стали популярными среди богатых, и появились грандиозные многоуровневые гробницы, причем гробницы Скалигеров в Вероне были настолько большими, что их пришлось перенести за пределы церкви. К 15 веку существовала промышленность, экспортирующая Ноттингемские алебастровые алтарные рельефы группами панелей по большей части Европы для экономичных приходов, которые не могли позволить себе каменные ретабли. [20]
Мелкая резьба, предназначенная в основном для мирского и часто женского рынка, стала важной отраслью промышленности в Париже и некоторых других центрах. Типы изделий из слоновой кости включали небольшие религиозные полиптихи , отдельные фигурки, особенно Богородицы , футляры для зеркал, гребни и сложные шкатулки со сценами из романов , которые использовались в качестве подарков на помолвку. [21] Очень богатые люди собирали экстравагантно сложные, украшенные драгоценностями и эмалью металлические изделия, как светские, так и религиозные, такие как Реликварий Святого Шипа герцога Беррийского , пока у них не закончились деньги, когда их снова переплавили за наличные. [22]
Готические скульптуры, независимые от архитектурного орнамента, в первую очередь создавались как религиозные предметы для дома или предназначались в качестве пожертвований местным церквям, [23] хотя небольшие рельефы из слоновой кости , кости и дерева охватывают как религиозные, так и светские предметы и предназначались для церковного и домашнего использования. Эти скульптуры были созданы городскими мастерами, и наиболее распространенной темой для трехмерных небольших статуй является Дева Мария в одиночку или с ребенком. [24] Париж был главным центром мастерских по производству слоновой кости, и она экспортировалась в большую часть Северной Европы, хотя Италия также имела значительное производство. Образец этих независимых скульптур находится в коллекции аббатской церкви Сен-Дени; позолоченная серебряная картина «Мадонна с младенцем» датируется 1339 годом и изображает Марию, обернутую в струящийся плащ, с фигуркой младенца Христа. [24] И простота плаща, и юность ребенка предвещают другие скульптуры, найденные в Северной Европе, датируемые 14 веком и началом 15 века. [24] Такая скульптура демонстрирует эволюцию от более раннего жесткого и удлиненного стиля, все еще частично романского, к пространственному и натуралистическому ощущению конца 12-го и начала 13-го века. [24] Другие французские готические скульптурные предметы включали фигуры и сцены из популярной литературы того времени. [24] Образы из поэзии трубадуров были особенно популярны среди мастеров зеркальных футляров и небольших шкатулок, предположительно для использования женщинами. [24] « Шкатулка с романтическими сценами» (Walters 71264) 1330–1350 годов представляет собой необычайно большой пример, в котором есть место для ряда сцен из разных литературных источников.
Также были популярны и дешевы сувениры из паломничества к святыням, такие как глиняные или свинцовые значки , медали и ампулы с нанесенными изображениями. Их светский эквивалент, значок ливреи , демонстрировал признаки феодальной и политической лояльности или союза, которые стали рассматриваться как социальная угроза в Англии при ублюдочном феодализме . Более дешевые формы иногда раздавались бесплатно, как, например, 13 000 значков, заказанных в 1483 году английским королем Ричардом III в фастовой ткани с его эмблемой в виде белого кабана для посвящения его сына Эдуарда в титул принца Уэльского [25] . число, учитывая численность населения в то время. Драгоценный камень Dunstable Swan Jewel , полностью круглый, из эмалированного золота, представляет собой гораздо более эксклюзивную версию, которую можно было бы подарить кому-то очень близкому или важному для дарителя.
