Древнегреческое искусство выделяется среди искусств других древних культур развитием натуралистических, но идеализированных изображений человеческого тела, в которых в основном обнаженные мужские фигуры обычно были в центре новаторства. Скорость стилистического развития между 750 и 300 гг. до н.э. была примечательной по древним меркам, и в сохранившихся произведениях лучше всего это видно в скульптуре . В живописи произошли важные нововведения, которые пришлось существенно реконструировать из-за отсутствия оригинальных качественных пережитков, кроме отдельной области расписной керамики.
Греческая архитектура , технически очень простая, создала гармоничный стиль с многочисленными детальными условностями, которые в значительной степени были приняты римской архитектурой и до сих пор соблюдаются в некоторых современных зданиях. Он использовал словарь орнаментов , который был общим с керамикой, металлообработкой и другими средствами массовой информации, и оказал огромное влияние на евразийское искусство, особенно после того, как буддизм вынес его за пределы расширенного греческого мира, созданного Александром Великим . Социальный контекст греческого искусства включал радикальные политические события и значительный рост благосостояния; не менее впечатляющие достижения Греции в философии , литературе и других областях хорошо известны.
Самое раннее искусство греков обычно исключается из «древнегреческого искусства» и вместо этого известно как греческое неолитическое искусство, за которым следует эгейское искусство ; последний включает кикладское искусство и искусство минойской и микенской культур греческого бронзового века . [1] Искусство Древней Греции обычно разделяют стилистически на четыре периода: геометрический , архаический , классический и эллинистический . Геометрический век обычно датируется примерно 1000 годом до нашей эры, хотя на самом деле мало что известно об искусстве Греции в течение предшествующих 200 лет, традиционно известных как греческие темные века . В VII веке до н. э. происходит медленное развитие архаического стиля, примером которого является чернофигурный стиль вазописи. Около 500 г. до н. э., незадолго до начала Персидских войн (480–448 гг. до н. э.), обычно считается разделительной линией между архаическим и классическим периодами, а период правления Александра Великого (336–323 гг. до н. э.) принято считать отделяющим классический период от эллинистического. С какого-то момента в I веке до нашей эры используется слово «греко-римский», или более местные термины, обозначающие восточно-греческий мир. [2]
В действительности резкого перехода от одного периода к другому не было. Формы искусства развивались с разной скоростью в разных частях греческого мира, и, как и в любую эпоху, некоторые художники работали в более новаторских стилях, чем другие. Сильные местные традиции и требования местных культов позволяют историкам определять происхождение даже произведений искусства, найденных далеко от места их происхождения. Греческое искусство различных видов широко экспортировалось. В течение всего периода наблюдался в целом устойчивый рост благосостояния и торговых связей внутри греческого мира и с соседними культурами.
Уровень выживаемости греческого искусства резко различается в разных средствах массовой информации. У нас есть огромное количество керамики и монет, много каменных скульптур, хотя еще больше римских копий, и несколько больших бронзовых скульптур. Почти полностью отсутствуют картины, тонкие металлические сосуды и все, что изготовлено из скоропортящихся материалов, включая дерево. Каменные корпуса ряда храмов и театров сохранились, но от их обширного убранства мало что осталось. [3]
По традиции, тонко расписанные сосуды всех форм называются «вазами», и существует более 100 000 сохранившихся в значительной степени полных предметов, [5] дающих (вместе с надписями, которые есть на многих из них) беспрецедентное понимание многих аспектов греческой жизни. Скульптурная или архитектурная керамика, также очень часто раскрашенная, называется терракотой и также сохранилась в больших количествах. В большей части литературы «керамика» означает только расписные сосуды или «вазы». Керамика была основным видом погребального инвентаря , хранившегося в гробницах, часто в виде «погребальных урн», содержащих кремированный прах, и широко экспортировалась.
Знаменитый и самобытный стиль греческой росписи ваз с фигурами, изображенными четкими контурами и тонкими линиями внутри контуров, достиг своего пика примерно между 600 и 350 годами до нашей эры и делится на два основных стиля, почти противоположных друг другу, черного цвета . -фигурная и краснофигурная живопись, причем второй цвет в каждом случае образует фон. Другие цвета были очень ограничены, обычно это были небольшие участки белого цвета и более крупные участки другого пурпурно-красного цвета. В рамках ограничений этих техник и других строгих условностей художники по вазам достигли замечательных результатов, сочетая утонченность и мощную выразительность. Техника белого грунта давала больше свободы в изображении, но плохо носилась и в основном предназначалась для захоронений. [6]
Условно считается, что древние греки изготавливали большую часть керамических сосудов для повседневного использования, а не для демонстрации. Исключениями являются большие архаические монументальные вазы, сделанные в качестве надгробий, трофеи, выигранные в играх, такие как Панафинейские амфоры , наполненные оливковым маслом, и предметы, сделанные специально для того, чтобы их оставляли в могилах; Некоторые флаконы для духов имеют дно, позволяющее экономить деньги, прямо под горлышком, поэтому при небольшом количестве они кажутся полными. [7] В последние десятилетия многие ученые поставили это под сомнение, видя, что как в Греции, так и в Этрурии гораздо больше продукции, чем считалось ранее, предназначено для захоронения в качестве более дешевой замены металлических изделий. [8]
Большая часть сохранившейся керамики состоит из сосудов для хранения, подачи или питья жидкостей, таких как амфоры , кратеры (чаши для смешивания вина и воды), гидрии (кувшины для воды), чаши для возлияний, флаконы для масла и духов для туалета, кувшины и чашки. Расписные сосуды для подачи и приема пищи встречаются гораздо реже. Расписная керамика была доступна даже простым людям, а изделие, «прилично украшенное пяти-шестизначными цифрами, стоило около двух-трех дневной заработной платы». [9] Миниатюры также производились в больших количествах, в основном для использования в качестве подношений в храмах. [10] В эллинистический период производился более широкий спектр керамики, но большая часть ее не имеет большого художественного значения.
В более ранние периоды даже совсем небольшие греческие города производили керамику для своего региона. Они сильно различались по стилю и стандартам. Отличительная керамика, которая считается искусством, производилась на некоторых островах Эгейского моря , на Крите и в богатых греческих колониях на юге Италии и Сицилии . [12] Однако к позднему архаическому и раннему классическому периоду две великие торговые державы, Коринф и Афины , стали доминировать. Их керамика экспортировалась по всему греческому миру, вытесняя местные сорта. Горшки из Коринфа и Афин встречаются даже в Испании и на Украине , и настолько распространены в Италии , что впервые были собраны в 18 веке как «этрусские вазы». [13] Многие из этих горшков представляют собой продукцию массового производства низкого качества. Фактически, к V веку до нашей эры гончарное дело превратилось в отрасль промышленности, а роспись по керамике перестала быть важным видом искусства.
Диапазон цветов, которые можно было использовать на горшках, был ограничен технологией обжига: наиболее распространенными были черный, белый, красный и желтый. В три более ранних периода горшкам оставляли естественный светлый цвет и украшали шликером, который в печи почернел. [6]
Греческая керамика часто подписывается, иногда гончаром или мастером гончарного дела, но лишь иногда художником. Однако сотни художников можно узнать по их творческим личностям: там, где их подписи не сохранились, они названы в честь выбора сюжета, как « Художник Ахиллеса », по гончару, на которого они работали, например, позднеархаический « Художник Клеофрад ». или даже по их современным местам, таким как позднеархаичный « Берлинский художник ». [14]
История древнегреческого гончарного дела стилистически делится на пять периодов:
В протогеометрический и геометрический периоды греческая керамика украшалась абстрактными узорами, в первый период обычно элегантными и большими, с большим количеством неокрашенного пространства, а в геометрический период часто плотно покрывающими большую часть поверхности, как в больших горшках мастера Дипилона. , который работал около 750 г. Он и другие гончары того времени начали вводить очень стилизованные силуэты фигур людей и животных, особенно лошадей. Они часто представляют собой похоронные процессии или сражения, предположительно изображающие сражения умерших. [15]
За геометрической фазой последовал период ориентализации в конце 8-го века, когда несколько животных, многие из которых были либо мифическими, либо не уроженцами Греции (например, сфинкс и лев соответственно), были адаптированы с Ближнего Востока, сопровождаемые декоративными мотивами, такими как лотос и пальметта. Они были показаны намного больше, чем предыдущие цифры. Стиль дикой козы — это региональный вариант, очень часто изображающий коз . Человеческие фигуры не испытали такого влияния Востока, но также стали крупнее и детальнее. [16]
Полностью развитая чернофигурная техника с добавленными красными и белыми деталями и надрезами для контуров и деталей зародилась в Коринфе в начале 7 века до нашей эры и была представлена в Аттике примерно поколением позже; он процветал до конца VI века до нашей эры. [17] Техника красных фигур , изобретенная примерно в 530 году до нашей эры, изменила эту традицию: горшки были окрашены в черный цвет, а фигуры - в красный. Краснофигурные вазы постепенно вытеснили чернофигурный стиль. Иногда более крупные сосуды не только красились, но и гравировались. Эротические темы, как гетеросексуальные , так и мужские -гомосексуальные , стали обычным явлением. [18]
Примерно к 320 г. до н.э. прекрасная фигуративная роспись ваз прекратилась в Афинах и других греческих центрах, и последний расцвет полихроматического керченского стиля ; вероятно, большинство его функций было заменено металлическими конструкциями. Продукция West Slope Ware с декоративными мотивами на черном глазурованном корпусе существовала еще более века спустя. [19] Итальянская краснофигурная живопись закончилась примерно к 300 году, и в следующем столетии относительно примитивные вазы Хадры , вероятно, с Крита , изделия Центурипе из Сицилии и Панафинейские амфоры , ныне замороженная традиция, были единственными большими расписными вазами, которые все еще изготавливались. . [20]
.jpg/1280px-The_Derveni_krater,_late_4th_century_B.C.,_side_A,_Dionysus_and_Ariadne,_Archaeological_Museum,_Thessaloniki,_Greece_(7457851940).jpg)
Тонкая обработка металлов была важным искусством в Древней Греции, но более позднее производство очень плохо представлено сохранившимися предметами, большая часть которых происходит из окраин греческого мира или за его пределами, например, из Франции или России. Сосуды и ювелирные изделия производились по высоким стандартам и экспортировались далеко за границу. На предметах из серебра, которые в то время стоили дороже золота, чем в наше время, мастер часто записывал их вес, поскольку они рассматривались в основном как средства сбережения и, вероятно, были проданы или переплавлены до того, как они будут проданы или переплавлены. длинный. [22]
На геометрической и архаической фазах производство больших металлических сосудов было важным выражением греческого творчества и важным этапом в развитии техник обработки бронзы, таких как литье и чеканка . В ранних святилищах, особенно в Олимпии , были найдены многие сотни чаш-треножников или жертвенных сосудов-треножников, в основном из бронзы , хранившихся в качестве вотивов . У них была неглубокая чаша с двумя высоко поднятыми ручками на трех ножках; в более поздних версиях подставка и чаша представляли собой разные части. В период ориентализации такие треножники часто украшались фигурными протомами в виде грифонов , сфинксов и других фантастических существ. [23]
Мечи, греческий шлем и часто бронежилеты, такие как мышечная кираса, были сделаны из бронзы, иногда украшенной драгоценным металлом, как в кирасе Ксура Эссефа III века . [24] Доспехи и «щитовые полосы» являются двумя контекстами для полос архаических барельефных сцен, которые также были прикреплены к различным деревянным предметам; группа на Викс Кратере является ярким примером. [25] Еще одним распространенным предметом были полированные бронзовые зеркала, первоначально с украшенными задними сторонами и ручками из коры; более поздний тип «складного зеркала» имел навесные крышки, часто украшенные рельефной сценой, обычно эротической. [26] Монеты описаны ниже.
Начиная с поздней архаики, лучшая обработка металлов шла в ногу со стилистическим развитием скульптуры и других искусств, и Фидий входит в число скульпторов, которые, как известно, практиковали ее. [27] Эллинистический вкус поощрял весьма сложные проявления технической виртуозности, склонные к «умности, прихоти или чрезмерной элегантности». [28] Многие или большинство форм греческой керамики были взяты из форм, впервые использованных в металле, и в последние десятилетия растет мнение, что большая часть лучших вазовых росписей повторно использовалась серебряными мастерами для сосудов с гравировкой и секциями, покрытыми другим покрытием. металл, работа по чертежам. [29]
Исключительные остатки того, что, возможно, было относительно распространенным классом больших бронзовых сосудов, представляют собой два спиральных кратера для смешивания вина и воды. [30] Это Кратер Викс , ок. 530 г. до н.э. , высота 1,63 м (5 футов 4 дюйма), вес более 200 кг (450 фунтов), вместимость около 1100 литров, найден в захоронении кельтской женщины в современной Франции [31] и в Дервени IV века. Кратер , высота 90,5 см (35 дюймов) [32] Элиты других соседей греков, таких как фракийцы и скифы , были страстными потребителями греческих изделий из металла и, вероятно, обслуживались греческими ювелирами, поселившимися на их территориях, которые адаптировались их продукты соответствуют местному вкусу и функциям.Такие гибридные предметы составляют большую часть сохранившихся предметов, в том числе Панагюриште , Борово и другие фракийские сокровища , а также несколько скифских захоронений, которые, вероятно, содержали работы греческих художников, базирующихся в греческих поселениях на Черное море . [33] Как и другие предметы роскоши, македонское царское кладбище в Вергине представляет собой предметы высочайшего качества, относящиеся к эпохе классического и эллинистического периодов. [34]
Ювелирные изделия для греческого рынка зачастую превосходного качества, [35] с одной необычной формой — замысловатыми и очень изящными золотыми венками, имитирующими растительные формы, которые носят на голове. Их, вероятно, редко, если вообще когда-либо, носили при жизни, но давали по обету и носили после смерти. [36] Многие из портретов Фаюмских мумий носят их. Некоторые изделия, особенно эллинистического периода, достаточно велики, чтобы дать простор для фигур, как и скифы предпочитали относительно крупные изделия из золота. [37]
,_medaglioni_ellenistici_in_argento,_II-I_sec_ac._02.JPG/1280px-Miletopoli_(oggi_mysia_in_turchia),_medaglioni_ellenistici_in_argento,_II-I_sec_ac._02.JPG)
Греки очень рано решили, что человеческая форма является наиболее важным объектом художественного творчества. [39] Поскольку их боги имели человеческую форму, в искусстве не было большого различия между священным и светским — человеческое тело было одновременно светским и священным. Обращение к обнаженному мужчине Аполлона или Геракла лишь незначительно отличалось от обращения с одним из олимпийских чемпионов по боксу того года. В архаический период наиболее важной скульптурной формой был курос (множественное число курой ), стоящий обнаженный мужчина (см., например, Битон и Клеобис ). Коре (множественное число корай ), или стоящая одетая женская фигура, также была распространена, но поскольку греческое общество не разрешало публичную демонстрацию женской наготы до 4 века до нашей эры, коре считается менее важным в развитии скульптуры . . [40] К концу периода архитектурная скульптура на храмах стала важной.
Как и в случае с керамикой, греки создавали монументальную скульптуру не просто для художественной демонстрации. Статуи изготавливались по заказу аристократов или государства и использовались для общественных памятников, в качестве подношений храмам, оракулам и святилищам (как часто показывают надписи на статуях) или в качестве указателей для могил. Не все статуи архаического периода предназначались для изображения конкретных людей. Это были изображения идеала — красоты, благочестия, чести или жертвенности. Это всегда были изображения молодых людей в возрасте от подросткового до раннего зрелого возраста, даже если их помещали на могилы (предположительно) пожилых граждан. Все Курои были стилистически похожи. Степень социального статуса человека, заказавшего статую, определялась размером, а не художественными новшествами. [41]
В отличие от авторов, те, кто занимался изобразительным искусством, включая скульптуру, изначально имели низкий социальный статус в Древней Греции, хотя ведущие скульпторы все чаще становились известными и довольно богатыми и часто подписывали свои работы (часто на постаменте, который обычно отделялся от сама статуя). [42] Плутарх (« Жизнь Перикла» , II) сказал: «Мы восхищаемся произведением искусства, но презираем его создателя»; это была распространенная точка зрения в древнем мире. Древнегреческая скульптура подразделяется на обычные стилистические периоды: «архаический», «классический» и «эллинистический», дополненные некоторыми дополнительными, в основном применимыми к скульптуре, такими как ориентализирующий даэдалический стиль и суровый стиль ранней классической скульптуры. [43]
Сохранившиеся древнегреческие скульптуры в основном были выполнены из двух типов материалов. Камень, особенно мрамор или другие высококачественные известняки, использовался чаще всего и обрабатывался вручную с помощью металлических инструментов. Каменные скульптуры могли быть отдельно стоящими, полностью вырезанными по кругу (статуи) или только частично вырезанными рельефами, все еще прикрепленными к фоновой доске, например, на архитектурных фризах или могильных стелах . [44]
Бронзовые статуи имели более высокий статус, но сохранились в гораздо меньшем количестве из-за возможности повторного использования металлов. Обычно они выполнялись в технике выплавки воска . Хризелефантиновые статуи , или статуи из золота и слоновой кости, были культовыми изображениями в храмах и считались высшей формой скульптуры, но сохранились лишь некоторые фрагментарные фрагменты. Обычно они были увеличены в натуральную величину, построены вокруг деревянного каркаса с тонкими резными плитами из слоновой кости , изображающими плоть, и листами сусального золота , вероятно, поверх дерева, изображающими одежду, доспехи, волосы и другие детали. [45]
В некоторых случаях для таких деталей, как глаза, украшения и оружие, использовалась стеклянная паста, стекло, драгоценные и полудрагоценные камни . В других крупных акролитических статуях для частей тела использовался камень, а для остальных — дерево, а мраморные статуи иногда имели лепные прически. Большая часть скульптур была раскрашена (см. ниже), многие из них были украшены настоящими украшениями, а также имели инкрустацию глаз и других элементов из разных материалов. [46]
Терракота иногда использовалась для изготовления больших скульптур. Лишь немногие примеры этого сохранились, по крайней мере частично из-за хрупкости таких статуй. Самым известным исключением из этого правила является статуя Зевса, несущего Ганимеда, найденная в Олимпии , выполненная около 470 г. до н.э. В данном случае терракота окрашивается. Несомненно, существовали чисто деревянные скульптуры, которые, возможно, были очень важны в ранние периоды, но фактически ни одна из них не сохранилась. [47]
Кикладское искусство бронзового века , примерно до 1100 г. до н. э., уже демонстрировало необычное внимание к человеческой фигуре, обычно изображаемой в прямом положении стоя фронтально со скрещенными на животе руками. Среди мелких деталей вырезались только носы, иногда глаза и женская грудь, хотя фигурки, по-видимому, обычно раскрашивались и первоначально могли выглядеть совсем по-другому.
Вдохновленные монументальной каменной скульптурой Египта и Месопотамии , в архаический период греки снова начали резать камень: греческие наемники и купцы действовали за границей, как в Египте на службе фараона Псамтика I (664–610 до н.э.) и познакомились с монументальным искусством этих стран. [48] [49] Общепризнано, что «египетская скульптура 2-го тысячелетия до нашей эры дала решающий импульс для инноваций греческой скульптуры в натуральную величину и в гиперформатах в архаический период в конце 7-го века». [48] Отдельно стоящие фигуры разделяют твердость и фронтальную позицию, характерную для восточных моделей, но их формы более динамичны, чем формы египетской скульптуры, как, например, Дама Осера и Торс Геры (период ранней архаики, ок. 660 - 580 г. до н.э., оба в Лувре, Париж). Примерно после 575 г. до н.э. подобные фигуры, как мужские, так и женские, носили так называемую архаичную улыбку . Это выражение, не имеющее конкретного отношения к изображенному человеку или ситуации, могло быть способом придать фигурам отличительные человеческие характеристики. [50]
Использовались три типа фигур — стоящий обнаженный юноша (курос), стоящая девушка в драпировке (коре) и, реже, сидящая женщина. [51] Все подчеркивают и обобщают основные черты человеческой фигуры и демонстрируют все более точное понимание анатомии человека. Юноши представляли собой либо могильные, либо вотивные статуи. Примеры: ранняя работа «Аполлон» (Метрополитен-музей, Нью-Йорк); Стрэнгфордский Аполлон из Анафи (Британский музей, Лондон), гораздо более поздняя работа; и Анависсос Курос ( Национальный археологический музей Афин ). В этой статуе видно больше мускулатуры и скелетной структуры, чем в более ранних работах. Стоящие девушки в драпировках имеют широкий диапазон выражения, как в скульптурах в Афинском музее Акрополя . Их драпировка вырезана и расписана с той деликатностью и тщательностью, которые свойственны деталям скульптуры этого периода. [52]
Архаические рельефы сохранились из многих гробниц и из более крупных зданий в Фоче-дель-Селе (ныне в Национальном археологическом музее Пестума ) в Италии, с двумя группами метопных панелей, примерно 550 и 510 годов, и из Сифнийской сокровищницы в Дельфах, с фризы и небольшой фронтон . Части, все сейчас находящиеся в местных музеях, сохранились от больших треугольных фронтонных групп храма Артемиды на Корфу ( ок. 580 г. ), где доминирует огромная Горгона , и Старого храма Афины в Афинах ( ок. 530–500 гг.). [53]
В классический период произошла революция в греческой скульптуре, обычно связанная с введением демократии и концом аристократической культуры, связанной с куроями . В классический период произошли изменения в стиле и функциях скульптуры. Позы стали более натуралистичными ( пример перехода к более натуралистической скульптуре см. в « Дельфийском возничем» ), а техническое мастерство греческих скульпторов в изображении человеческих форм в различных позах значительно возросло. Примерно с 500 г. до н.э. статуи стали изображать реальных людей. Статуи Гармодия и Аристогитона , установленные в Афинах в честь свержения тирании, считались первыми публичными памятниками реальным людям. [54]
В то же время скульптура и статуи получили более широкое применение. Великие храмы классической эпохи, такие как Парфенон в Афинах и Храм Зевса в Олимпии, требовали рельефной скульптуры для декоративных фризов и круглой скульптуры для заполнения треугольных полей фронтонов . Сложная эстетическая и техническая задача стимулировала множество скульптурных инноваций. Эти работы сохранились лишь во фрагментах, наиболее известными из которых являются мраморы Парфенона , половина из которых находится в Британском музее. [57]
Погребальная скульптура в этот период превратилась из жестких и безличных курос архаического периода в очень личные семейные группы классического периода. Эти памятники обычно встречаются в пригородах Афин, где в древности располагались кладбища на окраине города. Хотя некоторые из них изображают «идеальные» типы — скорбящую мать, послушного сына, — они все чаще изображают реальных людей, обычно изображая усопшего, достойно прощающегося с семьей. Они являются одними из самых сокровенных и впечатляющих останков древних греков. [58]
В классический период мы впервые узнаем имена отдельных скульпторов. Фидий руководил проектированием и строительством Парфенона . Пракситель впервые сделал женскую обнаженную фигуру респектабельной в позднеклассический период (середина IV века): его Афродита Книдская , сохранившаяся в копиях, была названа Плинием величайшей статуей в мире. [59]
Самыми известными произведениями классического периода для современников были колоссальная статуя Зевса в Олимпии и статуя Афины Парфенос в Парфеноне. Оба были хризоэлефантиновыми , выполнены Фидием или под его руководством и сейчас утеряны, хотя уменьшенные копии (в других материалах) и хорошие описания обоих все еще существуют. Их размер и великолепие побудили императоров захватить их в византийский период, и оба были перевезены в Константинополь , где позже были уничтожены пожарами. [60]
Переход от классического периода к эллинистическому произошел в IV веке до нашей эры. После завоеваний Александра Македонского (336–323 гг. до н. э.) греческая культура распространилась до Индии , как показали раскопки Ай-Ханума в восточном Афганистане , а также цивилизация греко -бактрийцев и индо-греков . Греко-буддийское искусство представляло собой синкретизм между греческим искусством и визуальным выражением буддизма. Таким образом, греческое искусство стало более разнообразным и подверглось большему влиянию культур народов, вовлеченных в греческую орбиту. [61]
По мнению некоторых искусствоведов, оно также ухудшилось по качеству и оригинальности. Однако это мнение не разделяли художники и любители искусства того времени. Действительно, многие скульптуры, ранее считавшиеся классическими шедеврами, теперь признаны эллинистическими. Технические способности эллинистических скульпторов ясно проявляются в таких крупных произведениях, как « Крылатая победа Самофракии» и «Пергамский алтарь» . Новые центры греческой культуры, особенно скульптуры, возникли в Александрии , Антиохии , Пергаме и других городах, где новые монархии были щедрыми покровителями. [62] Ко 2-му веку растущая мощь Рима также поглотила большую часть греческих традиций, а также увеличивающуюся долю ее продуктов. [63]
В этот период скульптура стала более натуралистической, а также выразительной; интерес к изображению крайних эмоций иногда доходит до крайностей. Жанровые сюжеты простых людей, женщин, детей, животных и бытовых сцен стали приемлемыми сюжетами для скульптуры, которую заказывали богатые семьи для украшения своих домов и садов; Мальчик с шипами тому пример. Были созданы реалистичные портреты мужчин и женщин всех возрастов, и скульпторы больше не чувствовали себя обязанными изображать людей как идеалы красоты или физического совершенства. [64]
Мир Диониса , пасторальная идиллия, населенная сатирами , менадами , нимфами и силенами , часто изображался в более ранней вазописи и статуэтках, но редко в полноразмерной скульптуре. Теперь были созданы такие произведения, сохранившиеся в копиях, включая « Фавна Барберини» , « Торс Бельведера» и « Отдыхающего сатира» ; Кентавры Фурьетти и Спящий Гермафродит отражают связанные темы. [65] В то же время новые эллинистические города, возникающие по всему Египту , Сирии и Анатолии, требовали статуй, изображающих богов и героев Греции, для своих храмов и общественных мест. Это превратило скульптуру, как и гончарное дело, в индустрию с последующей стандартизацией и некоторым снижением качества. По этим причинам сохранилось гораздо больше эллинистических статуй, чем в классический период.
Некоторые из самых известных эллинистических скульптур — « Крылатая Победа Самофракии» (2-й или 1-й век до н. э.), [66] статуя Афродиты с острова Мелос, известная как Венера Милосская (середина 2-го века до н. э.), « Умирающая Галлия» . (около 230 г. до н. э.) и монументальная группа «Лаокоон и его сыновья» (конец I в. до н. э.). Все эти статуи изображают классические темы, но их обработка гораздо более чувственная и эмоциональная, чем мог бы позволить строгий вкус классического периода или его технические навыки.
Многофигурная группа статуй была эллинистическим нововведением, вероятно, III века: эпические битвы более ранних рельефов фронтона храма были сняты со стен и помещены в группы статуй в натуральную величину. Их стиль часто называют « барокко », с экстравагантно искривленными позами тела и напряженным выражением лиц. Рельефы на Пергамском алтаре являются ближайшими сохранившимися оригинальными произведениями, но считается, что несколько хорошо известных произведений являются римскими копиями эллинистических оригиналов. К ним относятся Умирающая Галлия и Галлия Людовизи , а также менее известная Коленопреклоненная Галлия и другие, которые, как полагают, копировали Пергаменские поручения Аттала I в ознаменование его победы около 241 года над галлами Галатии , вероятно , состоящими из двух групп. [67]
Другими примерами являются группа Лаокоона , бык Фарнезе , Менелай, поддерживающий тело Патрокла («группа Паскино»), Арротино и скульптуры Сперлонги . [68] Со 2-го века неоаттический или неоклассический стиль рассматривается различными учеными либо как реакция на излишества в стиле барокко, возвращающаяся к версии классического стиля, либо как продолжение традиционного стиля для культовых статуй. [69] Мастерские в этом стиле стали в основном производителями копий для римского рынка, который предпочитал копии классических, а не эллинистических произведений. [70]
Открытия, сделанные с конца 19-го века вокруг (ныне затопленного) древнего египетского города Гераклеум , включают в себя необычайно чувственное, детальное и феминистическое (в отличие от обожествленного) изображение Исиды , датированное 4-м веком до нашей эры , что представляет собой сочетание египетского и эллинистического формы, начиная примерно со времени завоевания Египта Александром Македонским . Однако это было нетипично для придворной скульптуры Птолемеев , которая, как правило, избегала смешивания египетских стилей с довольно традиционным эллинистическим стилем, [71] в то время как храмы в остальной части страны продолжали использовать поздние версии традиционных египетских формул. [72] Ученые предложили «александрийский стиль» в эллинистической скульптуре, но на самом деле мало что связывает его с Александрией. [73]
Эллинистическая скульптура также была отмечена увеличением масштабов, кульминацией которого стал Колосс Родосский (конец III века), который был такого же размера, как Статуя Свободы . Совместный эффект землетрясений и грабежей разрушил это, а также другие очень крупные произведения того периода.
Глина — это материал, который часто использовался для изготовления вотивных статуэток или идолов еще до минойской цивилизации и вплоть до римского периода. В 8 веке до нашей эры гробницы в Беотии часто содержат «идолов-колокольчиков», женские статуэтки с подвижными ногами: голова, небольшая по сравнению с остальной частью тела, расположена на конце длинной шеи, а тело очень полное. в форме колокола. [74] Архаичные гробницы местных героев могли содержать большое количество фигурок грубой формы с элементарной фигурой, обычно изображающих персонажей с поднятыми руками.
К эллинистическому периоду большинство терракотовых фигурок утратили свой религиозный характер и представляли собой персонажей повседневной жизни. Фигурки Танагры из одного из нескольких центров производства массово изготавливаются с использованием форм, а затем окрашиваются после обжига. Куклы, фигурки модно одетых дам и актеров, некоторые из них, вероятно, портреты, были среди новых предметов, изображенных в изысканном стиле. Они были дешевыми и первоначально выставлялись дома так же, как современные декоративные фигурки, но довольно часто хоронились вместе со своими владельцами. В то же время в таких городах, как Александрия , Смирна или Тарс, производилось множество гротескных фигурок, изображавших людей с деформированными членами, выпученными и искажающимися глазами. Подобные фигурки также изготавливались из бронзы. [75]
О расписной архитектурной терракоте см. в разделе «Архитектура» ниже.
Фигурки из металла, прежде всего из бронзы, — чрезвычайно распространенная находка в ранних греческих святилищах, таких как Олимпия , где были найдены тысячи таких предметов, в основном изображающих животных. Обычно они изготавливаются в технике выплавки воска и могут считаться начальным этапом развития греческой бронзовой скульптуры. Наиболее распространенными мотивами в геометрический период были лошади и олени, но также изображались собаки, крупный рогатый скот и другие животные. Человеческие фигуры встречаются время от времени. Производство небольших металлических вотивов продолжалось на протяжении всей греческой античности. В классический и эллинистический периоды стали распространены и более сложные бронзовые статуэтки, тесно связанные с монументальной скульптурой . Высококачественные экземпляры тщательно собирались богатыми греками, а затем и римлянами, но сохранились относительно немногие. [76]
Архитектура (то есть здания, выполненные по эстетически продуманному дизайну) прекратилась в Греции с конца микенского периода (около 1200 г. до н. э.) до VII века, когда городская жизнь и процветание восстановились до такой степени, что стало возможным строительство общественных зданий. Поскольку большинство греческих зданий в архаический и раннеклассический периоды были построены из дерева или сырцового кирпича , от них ничего не осталось, кроме нескольких планов местности, а письменных источников по ранней архитектуре или описаний зданий почти нет. Большая часть наших знаний о греческой архитектуре исходит из сохранившихся зданий позднеархаического, классического, эллинистического и римского периодов (поскольку в древнеримской архитектуре широко использовались греческие стили), а также из поздних письменных источников, таких как Витрувий (I век до н. э.). Это означает, что существует сильная предвзятость к храмам , наиболее часто сохранившимся крупным зданиям. Здесь квадратные каменные блоки, использованные для стен, пригодились для более поздних построек, и зачастую все, что сохранилось, — это части колонн и метопов , которые было труднее переработать. [77]
Большую часть периода использовалась строгая система каменных столбов и перемычек , удерживавшаяся на месте только под действием силы тяжести. Корбеллинг был известен в Микенской Греции, а арка была известна не позднее V века, но до римского периода эти методы практически не использовались. [78] Дерево использовалось только для потолков и крыш в престижных каменных зданиях. Использование большой терракотовой черепицы, удерживаемой на месте только с помощью канавок, означало, что крыши должны были иметь небольшой наклон. [79]
До эллинистических времен в формальном каменном стиле строились только общественные здания; в их число входили, прежде всего, храмы и небольшие казначейские здания, которые часто сопровождали их и строились в Дельфах многими городами. Другими типами зданий, часто не крытыми, были центральная агора , часто с одной или несколькими колоннадами вокруг нее, театры , гимназия и палестра или школа борьбы, экклесиастерион или булевтерион для собраний, а также пропилеи или монументальные ворота. [80] Круглые здания для различных функций назывались толосами , [81] и самые большие каменные сооружения часто были оборонительными городскими стенами.
Большую часть того периода гробницы представляли собой сложные мавзолеи на окраинах греческого мира, особенно в Анатолии. [82] Частные дома строились вокруг двора, где позволяли средства, и выходили на улицу глухими стенами. Иногда у них был второй этаж, но очень редко – подвалы. Обычно они были построены в лучшем случае из щебня, и о них известно относительно мало; по крайней мере, мужчины большую часть жизни провели вне их. [83] Были раскопаны несколько дворцов эллинистического периода. [84]
.jpg/1280px-Treasury_house_of_Athens_in_Delphi_(July_2018).jpg)
Храмы и некоторые другие здания, такие как сокровищницы в Дельфах, планировались либо в виде куба, либо, чаще, прямоугольника, сделанного из известняка , которого в Греции в изобилии, и который был разрезан на большие блоки и обработан. Это дополнялось колоннами, по крайней мере, у входа, а часто и со всех сторон. [85] Другие здания были более гибкими в плане, и даже самые богатые дома, похоже, не имели большого внешнего украшения. Мрамор был дорогим строительным материалом в Греции: мрамор высокого качества добывался только с горы Пентел в Аттике и с нескольких островов, таких как Парос , и его транспортировка большими блоками была затруднена. Он использовался в основном для скульптурного оформления , а не для структурного оформления, за исключением самых величественных зданий классического периода, таких как Парфенон в Афинах. [86]
Существовали два основных классических ордера греческой архитектуры: дорический и ионический , причем коринфский ордер появился только в классический период и не стал доминирующим до римского периода. Наиболее очевидными особенностями трех ордеров являются капители колонн, но между ордерами существуют существенные различия в других аспектах дизайна и декора. [87] Эти имена использовались самими греками и отражали их веру в то, что эти стили произошли от дорийских и ионических греков средневековья, но это вряд ли соответствует действительности. Дорический стиль был самым ранним, вероятно, впервые появившимся в камне в начале VII века, развившись (хотя, возможно, не очень напрямую) от предшественников из дерева. [88] Он использовался в материковой Греции и греческих колониях в Италии. Ионический стиль впервые использовался в городах Ионии (ныне западное побережье Турции) и на некоторых островах Эгейского моря, вероятно, начиная с VI века. [89] Дорический стиль был более формальным и строгим, ионический более расслабленным и декоративным. Более богато украшенный коринфский ордер был более поздним развитием ионического ордера, первоначально, очевидно, использовавшегося только внутри зданий и использовавшего ионические формы для всего, кроме капителей. Знаменитый и хорошо сохранившийся хорагический памятник Лисикрату возле Афинского Акрополя (335/334 гг.) — первое известное использование коринфского ордера на внешней стороне здания. [90]
Большинство наиболее известных сохранившихся греческих зданий, таких как Парфенон и храм Гефеста в Афинах, являются дорическими. Однако Эрехтеон , расположенный рядом с Парфеноном, является ионическим. Ионический ордер стал доминирующим в эллинистический период, поскольку его более декоративный стиль лучше соответствовал эстетике того периода, чем более сдержанный дорический. Некоторые из лучших сохранившихся эллинистических зданий, таких как Библиотека Цельса , можно увидеть в Турции, в таких городах, как Эфес и Пергам . [91] Но в величайшем из эллинистических городов, Александрии в Египте , почти ничего не сохранилось.
Монеты были (вероятно) изобретены в Лидии в VII веке до нашей эры, но впервые они широко использовались греками, [93] и греки установили канон дизайна монет, которому следуют до сих пор. Сегодня дизайн монет по-прежнему узнаваемо повторяет образцы, пришедшие из Древней Греции. Греки не считали дизайн монет основным видом искусства, хотя некоторые из них создавались за большие деньги ведущими ювелирами, особенно за пределами самой Греции, в центральноазиатских королевствах и в сицилийских городах, стремившихся прорекламировать себя. Тем не менее долговечность и обилие монет сделали их одним из важнейших источников знаний о греческой эстетике. [94] Греческие монеты — единственная форма искусства древнегреческого мира, которую до сих пор могут покупать и владеть частные коллекционеры со скромным достатком.
Самыми распространенными монетами, использовавшимися далеко за пределами своих родных территорий и скопированными и подделанными другими, были афинская тетрадрахма , выпущенная с ок. 510 к с. 38 г. до н. э. , а в эллинистическую эпоху — македонская тетрадрахма, обе серебряные. [95] Оба они сохраняли один и тот же знакомый дизайн в течение длительного времени. [96] Греческие дизайнеры начали практиковать размещение профильного портрета на аверсе монет. Первоначально это был символический портрет бога-покровителя или богини города, выпускающего монету: Афина в Афинах , Аполлон в Коринфе, Деметра в Фивах и так далее. Позже использовались головы героев греческой мифологии, например Геракла на монетах Александра Македонского .
Первыми человеческими портретами на монетах были портреты сатрапов империи Ахеменидов в Малой Азии , начиная с изгнанного афинского полководца Фемистокла , который стал сатрапом Магнезии ок. 450 г. до н.э. , и особенно продолжалось при династиях Ликии к концу V века. [97] Греческие города в Италии, такие как Сиракузы, начали помещать головы реальных людей на монеты в 4 веке до нашей эры, как это сделали эллинистические преемники Александра Великого в Египте , Сирии и других местах. [98] На реверсе своих монет греческие города часто помещали символ города: сову для Афин, дельфина для Сиракуз и так далее. Размещение надписей на монетах также началось во времена Греции. Все эти обычаи впоследствии были продолжены римлянами. [94]
Самые художественно амбициозные монеты, созданные ювелирами или граверами по драгоценным камням, часто поступали с окраин греческого мира, из новых колоний в ранний период и из новых королевств позже, что было формой маркетинга их «брендов» в современных терминах. [99] Из крупных городов Коринф и Сиракузы также выпускали последовательно привлекательные монеты. Некоторые из греко-бактрийских монет считаются лучшими образцами греческих монет с большими портретами с «прекрасным сочетанием реализма и идеализации», включая самые крупные монеты, отчеканенные в эллинистическом мире: самая большая золотая монета была отчеканена Евкратидом ( правил 171–145 до н. э.), крупнейшая серебряная монета индо-греческого царя Аминтаса Никатора (годы правления ок. 95–90 до н. э.). Портреты «демонстрируют степень индивидуальности, которую никогда не могли сравниться с часто безвкусными изображениями их королевских современников на западе». [100]
Греки, похоже, ценили живопись выше даже скульптуры, и к эллинистическому периоду осознанное понимание и даже практика живописи были компонентами джентльменского образования. Экфрасис был литературной формой , состоящей из описания произведения искусства, и мы располагаем значительным объемом литературы по греческой живописи и художникам с дальнейшими дополнениями на латыни, хотя ни один из трактатов упомянутых художников не сохранился. [101] У нас едва ли есть какой-либо из самых престижных видов картин, на деревянных панелях или фресках , о которых говорилось в этой литературе, и очень мало из несомненно существовавших копий, эквивалентных тем, которые дают нам большую часть наших знаний о Греческая скульптура.
Контраст с вазовой росписью полный. В литературе об этом вообще нет упоминаний, но сохранилось более 100 000 примеров, что дает многим отдельным художникам достойное сохранившееся творчество. [102] Наше представление о том, какой была лучшая греческая живопись, должно быть основано на тщательном рассмотрении параллелей в росписи ваз, поздних греко-римских копиях в мозаике и фресках, некоторых очень поздних образцах реальной живописи в греческой традиции и древняя литература. [103]
В Древней Греции существовало несколько взаимосвязанных традиций живописи. Из-за технических различий они претерпели несколько дифференцированное развитие. Ранняя живопись, похоже, развивалась по тому же принципу, что и роспись ваз, в значительной степени полагаясь на контуры и плоские участки цвета, но затем расцвела и развилась в то время, когда роспись ваз пришла в упадок. К концу эллинистического периода технические разработки включали моделирование для обозначения контуров форм, теней, ракурса, некоторых, вероятно, неточных форм перспективы, внутреннего и ландшафтного фона, а также использование меняющихся цветов для обозначения расстояния в пейзажах, так что «греческий у художников были все технические средства, необходимые для полностью иллюзионистской живописи». [104]
Самым распространенным и уважаемым видом искусства, по мнению таких авторов, как Плиний или Павсаний , были панно , индивидуальные переносные картины на деревянных досках. В качестве техники были использованы энкаустика (восковая живопись) и темпера . На таких картинах обычно изображались фигуральные сцены, включая портреты и натюрморты ; у нас есть описания многих композиций. Их собирали и часто выставляли в общественных местах. Павсаний описывает такие выставки в Афинах и Дельфах . Из литературы нам известны имена многих известных художников, преимущественно классического и эллинистического периодов (см. расширяемый список справа). Самым известным из всех древнегреческих художников был Апеллес Косский , которого Плиний Старший хвалил как «превзошедшего всех других художников, которые либо предшествовали ему, либо следовали за ним». [105] [106]
Из-за скоропортящегося характера используемых материалов и крупных потрясений конца античности ни одно из знаменитых произведений греческой панно не сохранилось. У нас имеются несколько более значительные пережитки фресковых композиций. Наиболее важными сохранившимися греческими образцами доримского периода являются панели Питсы довольно низкого качества ок . 530 г. до н. э. , [107] Гробница водолаза из Пестума и различные картины из царских гробниц в Вергине . Более многочисленные росписи в этрусских и кампанских гробницах созданы в греческом стиле. В римский период в Помпеях и окрестностях, а также в самом Риме существует ряд настенных росписей , некоторые из которых считаются копиями конкретных более ранних шедевров. [108]
В частности, копии конкретных настенных росписей были уверенно идентифицированы в Александровской мозаике и на вилле Боскореале . [109] Существует большая группа гораздо более поздних греко-римских археологических находок из засушливых условий Египта, портреты мумий Фаюма вместе с аналогичным Севераном Тондо и небольшая группа раскрашенных портретных миниатюр в золотом стекле . [110] Византийские иконы также произошли от традиции энкаустической живописи на панно, а византийские иллюминированные рукописи иногда продолжали греческий иллюзионистский стиль на протяжении веков.
Традиция настенной росписи в Греции восходит, по крайней мере, к минойскому и микенскому бронзовому веку , с роскошным фресковым декорированием таких мест, как Кносс , Тиринф и Микены . Неясно, существует ли какая-либо преемственность между этими предшественниками и более поздними греческими настенными росписями.
Настенные росписи часто описываются у Павсания, и многие из них, по-видимому, были созданы в классический и эллинистический периоды. Из-за отсутствия сохранившейся архитектуры, сохранилось не так много. Наиболее яркими примерами являются монументальная архаичная сцена боя гоплитов VII века до н. э. внутри храма в Калаподи (недалеко от Фив ), а также сложные фрески из «Могилы Филиппа» IV века и «Гробницы Персефоны» в Вергине. в Македонии или гробницу Святого Афанасия в Салониках , которые иногда предполагают тесно связанными с упомянутыми выше высококачественными панно. Необычная сохранившаяся Гробница Пальмет (III век до н.э., раскопки в 1971 году) с живописью в хорошем состоянии включает портреты пары, похороненной внутри на тимпане .
Традиция греческой настенной живописи также отражена в современных украшениях могил в греческих колониях в Италии , например, в знаменитой гробнице ныряльщика в Пестуме . Ученые полагают, что знаменитые римские фрески в таких местах, как Помпеи, являются потомками греческой традиции, а некоторые копируют определенные известные панно. Однако все эти римские копии представляют собой свободную адаптацию с добавлением дополнительных фигур, измененными позами и измененной окраской.
Большая часть фигуративной или архитектурной скульптуры Древней Греции была красочно окрашена. Этот аспект греческой каменной кладки описывается как полихромия (от греческого πολυχρωμία , πολύ = много и χρώμα = цвет). Из-за интенсивного выветривания полихромия в скульптуре и архитектуре в большинстве случаев существенно или полностью выцвела.
Хотя слово «полихромия» образовано от сочетания двух греческих слов, в Древней Греции оно не использовалось. Этот термин был придуман в начале девятнадцатого века Антуаном Хризостомом Катремером де Квинси. [113]
Живопись также использовалась для улучшения визуальных аспектов архитектуры. Некоторые части надстройки греческих храмов обычно расписывались еще с архаического периода. Такая архитектурная полихромия могла принимать форму ярких цветов, непосредственно нанесенных на камень (например, Парфенон) , или сложных узоров, часто архитектурных элементов, сделанных из терракоты (архаические примеры в Олимпии и Дельфах ). Иногда на терракотах также изображались фигуральные сцены. , как и терракотовые метопы VII века до нашей эры из Термона .
Большинство греческих скульптур были окрашены в яркие и насыщенные цвета; это называется « полихромия ». Краска часто ограничивалась частями изображения одежды, волос и т. д., оставляя кожу естественного цвета камня или бронзы, но могла покрывать и скульптуры целиком; женская кожа в мраморе, как правило, была бесцветной, а мужская кожа могла быть светло-коричневой. Живопись греческой скульптуры следует рассматривать не просто как улучшение ее скульптурной формы, но и имеет характеристики особого стиля искусства. [115]
Например, недавно было продемонстрировано, что фронтонные скульптуры храма Афайи на Эгине были расписаны смелыми и сложными узорами, изображающими, среди других деталей, узорчатую одежду. Полихромия каменных статуй сопровождалась использованием разных материалов для различения кожи, одежды и других деталей в хризоэлефантиновых скульптурах , а также использованием разных металлов для изображения губ, ногтей и т. д. на высококачественных бронзах, таких как бронзы Риаче . [115]
Наиболее многочисленные свидетельства древнегреческой живописи сохранились в виде росписей на вазах. Они описаны в разделе « Гончарное дело » выше. Они дают хоть какое-то представление об эстетике греческой живописи. Однако использованные техники сильно отличались от тех, которые используются в широкоформатной живописи. То же самое, вероятно, относится и к изображенному предмету. Художники по вазам, по-видимому, обычно были специалистами в гончарной мастерской, а не художниками в других средах или гончарами. Следует также иметь в виду, что роспись ваз, хотя и является наиболее заметным сохранившимся источником древнегреческой живописи, в древности не пользовалась большим уважением и никогда не упоминалась в классической литературе. [116]
Первоначально мозаика изготавливалась из округлой гальки, а затем из стекла с мозаикой , которая придавала больше цвета и плоскую поверхность. Они были популярны в эллинистический период, сначала как украшение полов дворцов, а затем и частных домов. [118] Часто центральное изображение эмблемы на центральной панели было выполнено гораздо лучше, чем окружающий его декор. [119] Мотивы Ксении , где в доме были показаны примеры разнообразных блюд, которые гости могут ожидать от еды, представляют собой большинство сохранившихся образцов греческого натюрморта . В целом мозаику следует рассматривать как вторичное средство копирования живописи, часто очень непосредственное, как в Александровской мозаике . [120]
« Неподметенный пол» Соса из Пергама ( ок. 200 г. до н.э. ) был оригинальной и знаменитой пьесой в стиле тромплей , известной по многим греко-римским копиям. По словам Джона Бордмана , Сосус — единственный художник-мозаика, имя которого сохранилось; его Голуби также упоминаются в литературе и копируются. [121] Однако Кэтрин, доктор медицинских наук Данбабин, утверждает, что два разных художника-мозаика оставили свои подписи на мозаиках Делоса . [122] Художник 4-го века до н.э. Мозаики «Охота на оленя» , возможно, также оставил свою подпись как «Гнозис» , хотя это слово может быть ссылкой на абстрактную концепцию знания. [123]
Мозаика является важным элементом сохранившегося македонского искусства, большое количество образцов сохранилось в руинах Пеллы , древней македонской столицы , в сегодняшней Центральной Македонии . [124] Мозаики, такие как мозаика «Охота на оленя и охота на льва», демонстрируют иллюзионистские и трехмерные качества, обычно встречающиеся в эллинистических картинах, хотя деревенское македонское стремление к охоте заметно более выражено, чем другие темы. [125] Мозаика Делоса (Греция) 2-го века до нашей эры была оценена Франсуа Шаму как вершина эллинистического мозаичного искусства, с аналогичными стилями, которые продолжались на протяжении всего римского периода и, возможно, заложили основы для широкого использования мозаики в Западный мир до средневековья . [118]
Гравированный драгоценный камень был произведением искусства класса люкс и имел высокий престиж; Помпей и Юлий Цезарь были среди более поздних коллекционеров. [128] Эта техника имеет древнюю традицию на Ближнем Востоке , а цилиндрические печати , дизайн которых появляется только при катании по влажной глине, из которой развился тип плоского кольца, распространились в Минойский мир, включая части Греции и Кипра . Греческая традиция возникла под минойским влиянием на культуру материковой Эллады и достигла апогея утонченности и утонченности в эллинистический период. [129]
Круглые или овальные греческие драгоценные камни (наряду с аналогичными предметами из кости и слоновой кости) встречаются с 8-го и 7-го веков до нашей эры, обычно с животными в энергичных геометрических позах, часто с границей, отмеченной точками или ободком. [130] Ранние примеры в основном выполнены из более мягких камней. Геммы VI века чаще овальные, [131] со спиной скарабея (в прошлом этот тип назывался «скарабеем»), с фигурками людей или божеств, а также животных; форма скарабея, по-видимому, была заимствована из Финикии . [132]
Формы для того периода сложны, несмотря на обычно небольшой размер драгоценных камней. [96] В V веке драгоценные камни стали несколько крупнее, но все еще имели высоту всего 2–3 сантиметра. Несмотря на это, показаны очень мелкие детали, в том числе ресницы на одной мужской голове, возможно, на портрете. Четыре драгоценных камня, подписанные Дексаменом Хиосским , являются лучшими того периода, на двух из них изображены цапли . [133]
Рельефная резьба стала распространенной в Греции в V веке до нашей эры, и постепенно большинство впечатляющих резных драгоценных камней стали рельефными. Обычно рельефное изображение производит большее впечатление, чем глубокое; в более ранней форме получатель документа видел это в отпечатанном сургуче, тогда как в более поздних рельефах владелец печати сохранял ее себе, что, вероятно, знаменовало появление драгоценных камней, предназначенных для коллекционирования или ношения в качестве ювелирных подвесок. в ожерельях и тому подобном, а не в качестве печатей - более поздние иногда бывают довольно большими, чтобы использовать их для запечатывания писем. Однако надписи обычно все еще перевернуты («зеркальное письмо»), поэтому правильно читаются только по отпечаткам (или при просмотре сзади с помощью прозрачных камней). Этот аспект также частично объясняет коллекционирование оттисков из гипса или воска с драгоценных камней, которые, возможно, легче оценить, чем оригинал.
Более крупные резные изделия из твердого камня и камеи , которые редко встречаются в форме глубокой печати, по-видимому, достигли Греции примерно в III веке; Фарнезе Тацца - единственный крупный сохранившийся эллинистический образец (в зависимости от дат, присвоенных камее Гонзаги и Чаше Птолемеев ), но другие имитации стеклянной пасты с портретами предполагают, что камеи типа драгоценных камней были изготовлены в этот период. [134] Завоевания Александра открыли новые торговые пути в греческий мир и увеличили ассортимент доступных драгоценных камней. [135]
Синтез в архаический период местного репертуара простых геометрических мотивов с импортированными, в основном растительными мотивами с дальнего востока, создал значительный словарь орнаментов, который художники и мастера использовали уверенно и бегло. [136] Сегодня этот словарь можно увидеть, прежде всего, в большом корпусе расписной керамики, а также в архитектурных памятниках, но первоначально он использовался в широком диапазоне средств массовой информации, поскольку более поздняя его версия используется в европейском неоклассицизме. .
Элементы этого словаря включают геометрический меандр или «греческий ключ», яйцо и дротик , бусину и катушку , витрувианский свиток , гильошировку , а из растительного мира — стилизованные листья аканта , волюту , пальметту и полупальметту, растительные свитки из различные виды , розетка , цветок лотоса и цветок папируса . Первоначально они широко использовались на архаических вазах, но по мере развития фигуративной живописи их обычно использовали в качестве границ, разграничивающих края вазы или различные зоны декора. [137] Греческая архитектура отличалась разработкой сложных соглашений по использованию лепнины и других архитектурных декоративных элементов, в которых эти мотивы использовались в гармонично интегрированном целом.
Еще до классического периода этот словарь оказал влияние на кельтское искусство, а расширение греческого мира после Александра и экспорт греческих предметов еще дальше открыли для него большую часть Евразии , включая регионы на севере Индийского субконтинента. где буддизм распространялся и создавал греко-буддийское искусство . По мере того как буддизм распространялся по Центральной Азии в Китай и остальную часть Восточной Азии , в форме, которая широко использовала религиозное искусство, версии этого словаря были взяты вместе с ним и использовались для окружения изображений будд и других религиозных изображений, часто размером и акцент, который древним грекам показался бы чрезмерным. Лексика впиталась в орнамент Индии, Китая, Персии и других азиатских стран, а также получила дальнейшее развитие в византийском искусстве . [138] Римляне переняли словарный запас более или менее полностью, и, хотя он сильно изменился, его можно проследить во всем европейском средневековом искусстве , особенно в растительном орнаменте.
Исламское искусство , где орнамент в значительной степени заменяет фигуру, развило византийский растительный свиток в полную, бесконечную арабеску и особенно в результате монгольских завоеваний 14 века получило новое влияние из Китая, включая потомков греческой лексики. [139] Начиная с эпохи Возрождения, некоторые из этих азиатских стилей были представлены на текстиле, фарфоре и других товарах, импортированных в Европу, и повлияли на орнамент там, и этот процесс продолжается до сих пор.
Хотя стекло производилось на Кипре в 9 веке до нашей эры и к концу этого периода было значительно развито, сохранилось лишь несколько сохранившихся изделий из стекла до греко-римского периода, которые демонстрируют художественное качество лучших работ. [140] Большинство сохранившихся предметов представляют собой небольшие флаконы для духов, выполненные в причудливом цветном стиле с «перьями», похожие на другое средиземноморское стекло . [141] Эллинистическое стекло стало дешевле и доступным для более широких слоев населения.
Никакой греческой мебели не сохранилось, но ее изображений много на вазах и мемориальных рельефах, например, Хегесо . Очевидно, он часто был очень элегантным, как и стили, возникшие на его основе, начиная с 18 века. Сохранились некоторые кусочки резной слоновой кости, которые использовались в качестве инкрустаций, как, например, в Вергине, а также несколько резных фигурок из слоновой кости; это было роскошное искусство, которое могло быть очень высокого качества. [142]
Судя по росписям на вазах, греки часто носили одежду с искусным узором, а умение ткать было признаком респектабельной женщины. Сохранились два роскошных куска ткани из гробницы Филиппа Македонского . [143] Есть многочисленные упоминания о декоративных драпировках для домов и храмов, но ни одно из них не сохранилось.
Древнегреческое искусство оказало значительное влияние на культуру многих стран мира, прежде всего на трактовку человеческой фигуры. На Западе греческая архитектура также имела огромное влияние, и как на Востоке, так и на Западе влияние греческого декора можно проследить до наших дней. Этрусское и римское искусство в значительной степени и непосредственно было заимствовано из греческих моделей, [144] а греческие объекты и влияние распространились на кельтское искусство к северу от Альп, [145], а также по всему Средиземноморью и в Персию. [146]
На Востоке завоевания Александра Великого положили начало многовековому обмену между греческой, среднеазиатской и индийской культурами, чему во многом способствовало распространение буддизма , который на раннем этапе ухватил многие греческие черты и мотивы в греко-буддийском искусстве . которые затем были переданы как часть культурного пакета в Восточную Азию , даже в Японию , среди художников, которые, несомненно, совершенно не знали о происхождении мотивов и стилей, которые они использовали. [147]
После эпохи Возрождения в Европе гуманистическая эстетика и высокие технические стандарты греческого искусства вдохновили поколения европейских художников, при этом значительное возрождение движения неоклассицизма началось в середине 18 века, что совпало с облегчением доступа из Западной Европы в Грецию. сам по себе, а также возобновление импорта греческих оригиналов, в первую очередь Элгинских мраморов из Парфенона. В XIX веке классическая традиция , заимствованная из Греции, доминировала в искусстве западного мира. [148]
Эллинизированные римские высшие классы Поздней республики и Ранней Империи в целом без особых придирок признавали превосходство Греции в искусстве, хотя похвала Плиния за скульптуру и живопись доэллинистических художников может быть основана на более ранних греческих сочинениях, а не на личных знаниях. . Плиний и другие классические авторы были известны в эпоху Возрождения, и это предположение о превосходстве Греции снова стало общепринятым. Однако критики эпохи Возрождения и намного позже неясно, какие произведения на самом деле были греческими. [149]
До середины 18 века в Грецию, входившую в состав Османской империи , могли попасть лишь очень немногие западноевропейцы. Не только греческие вазы, найденные на этрусских кладбищах, но также (что более противоречиво) греческие храмы Пестума считались этрусскими или, иначе говоря, италийскими, до конца 18 века и позже, заблуждение, поддерживаемое итальянскими националистическими настроениями. [149]
Сочинения Иоганна Иоахима Винкельмана , особенно его книги «Мысли о подражании греческим произведениям в живописи и скульптуре» (1750) и « Geschichte der Kunst des Alterthums » («История древнего искусства», 1764) первыми резко разграничили древнегреческое, Этрусское и римское искусство, а также определяют периоды в греческом искусстве, прослеживая траекторию от роста к зрелости, а затем к имитации или декадансу, которая продолжает оказывать влияние и по сей день. [150]
Полное отделение греческих статуй от их более поздних римских копий и лучшее понимание баланса между греческим и римским характером в греко-римском искусстве заняло гораздо больше времени и, возможно, продолжается до сих пор. [151] Греческое искусство, особенно скульптура, продолжало пользоваться огромной репутацией, а его изучение и копирование составляло значительную часть подготовки художников вплоть до падения академического искусства в конце 19 века. За этот период фактически известный корпус греческого искусства и, в меньшей степени, архитектуры значительно расширился. В конце 19-го и 20-го веков по изучению ваз была создана огромная литература, во многом основанная на идентификации рук отдельных художников, ведущей фигурой которых был сэр Джон Бизли . В этой литературе обычно предполагалось, что роспись ваз представляет собой развитие независимой среды, лишь в общих чертах опираясь на стилистическое развитие других художественных средств. В последние десятилетия это предположение все чаще подвергается сомнению, и некоторые ученые теперь рассматривают его как вторичный носитель, в основном представляющий собой дешевые копии ныне утраченных металлических изделий, большая часть которых была сделана не для обычного использования, а для хранения в захоронениях. [152]
.jpg/1280px-Olympiamuseum030_(cropped).jpg)
.jpg/1280px-Chatillon-sur-Seine_-_Mus%C3%A9e_du_Pays_chatillonnais_-_Crat%C3%A8re_de_Vix_-_012_(cropped).jpg)
.jpg/1280px-The_great_theater_of_Epidaurus,_designed_by_Polykleitos_the_Younger_in_the_4th_century_BC,_Sanctuary_of_Asklepeios_at_Epidaurus,_Greece_(14015010416).jpg)
![Гобелен Сампул, шерстяная стена, висящая в округе Лоп, префектура Хотан, Синьцзян, Китай, изображающая, возможно, греческого солдата из Греко-Бактрийского царства (250–125 гг. до н.э.), с голубыми глазами, с копьем и одетого в то, что кажется быть диадемой на голову; над ним изображен кентавр из греческой мифологии, распространенный мотив в эллинистическом искусстве;[112] Музей Синьцзянского региона.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0b/UrumqiWarrior.jpg/1280px-UrumqiWarrior.jpg)
.jpg/1280px-Hellenistic_mosaic_floor_panel_of_an_Alexandrine_parakeet_from_Pergamon,_2nd_century_BC,_Pergamon_Museum_(8408107096).jpg)
![Эллинистическая мозаика из Тмуиса (Мендеса), Египет, подписанная Софилом ок. 200 г. до н. э.; Птолемеевская царица Береника II (совместная правительница со своим мужем Птолемеем III) как олицетворение Александрии.[127]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg/1280px-Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg)
