Готическое искусство было стилем средневекового искусства , которое развилось в Северной Франции из романского искусства в 12 веке нашей эры, во главе с одновременным развитием готической архитектуры . Оно распространилось на всю Западную Европу и большую часть Северной , Южной и Центральной Европы , так и не вытеснив более классические стили в Италии. В конце 14 века развился изысканный придворный стиль интернациональной готики , который продолжал развиваться до конца 15 века. Во многих областях, особенно в Германии, поздняя готика продолжалась вплоть до 16 века, прежде чем была включена в искусство эпохи Возрождения . Основными средствами массовой информации в готический период были скульптура , панельная живопись , витражи , фрески и иллюминированные рукописи . Легко узнаваемые сдвиги в архитектуре от романского к готическому и от готического к ренессансному стилю, как правило, используются для определения периодов в искусстве во всех средствах массовой информации, хотя во многих отношениях фигуративное искусство развивалось в разном темпе.
Самым ранним готическим искусством была монументальная скульптура на стенах соборов и аббатств. Христианское искусство часто было типологическим по своей природе (см. Средневековая аллегория ), показывая истории Нового Завета и Ветхого Завета бок о бок. Часто изображались жития святых. Изображения Девы Марии изменились с византийской иконической формы на более человечную и ласковую мать, прижимающую к себе младенца, покачивающуюся на бедре и демонстрирующую изысканные манеры аристократической придворной дамы.
Светское искусство вступило в свои права в этот период с ростом городов, основанием университетов , ростом торговли, установлением экономики, основанной на деньгах, и созданием класса буржуазии , который мог позволить себе покровительствовать искусству и заказывать работы, что привело к распространению картин и иллюминированных рукописей. Рост грамотности и растущий объем светской народной литературы способствовали представлению светских тем в искусстве. С ростом городов формировались торговые гильдии , и художникам часто требовалось быть членами гильдии художников . В результате, из-за лучшего ведения учета, в этот период нам известно больше художников по имени, чем в любой другой; некоторые художники даже были настолько смелы, что подписывали свои имена.
Готическое искусство возникло в Иль-де-Франс , Франция, в начале XII века в церкви аббатства Сен-Дени , построенной аббатом Сугерием . [1] Стиль быстро распространился за пределы своих истоков в архитектуре в скульптуру, как монументальную , так и персональную по размеру, текстильное искусство и живопись, которая принимала различные формы, включая фрески , витражи , иллюминированные рукописи и панельную живопись . [2] Монашеские ордена , особенно цистерцианцы и картезианцы , были важными строителями, которые распространяли стиль и разрабатывали его отличительные варианты по всей Европе. Региональные вариации архитектуры оставались важными, даже когда к концу XIV века сформировался единый универсальный стиль, известный как международная готика , который продолжался до конца XV века и позже во многих областях.
Хотя светского готического искусства было гораздо больше, чем принято считать сегодня, поскольку, как правило, уровень выживаемости религиозного искусства был лучше, чем у светских эквивалентов, большая часть искусства, созданного в этот период, была религиозной, независимо от того, была ли она заказана церковью или мирянами. Готическое искусство часто было типологическим по своей природе, отражая веру в то, что события Ветхого Завета предвосхищали события Нового, и что это действительно было их главным значением. Сцены Ветхого и Нового Завета были показаны бок о бок в таких работах, как Speculum Humanae Salvationis , и в украшении церквей. Готический период совпал с большим возрождением почитания Девы Марии , в котором изобразительное искусство играло главную роль. Изображения Девы Марии развивались от византийских иератических типов, через Коронацию Девы Марии , к более человечным и интимным типам, и циклы Жития Девы Марии были очень популярны. Такие художники, как Джотто , Фра Анджелико и Пьетро Лоренцетти в Италии, а также ранняя нидерландская живопись привнесли в искусство реализм и более естественную человечность. Западные художники и их покровители стали гораздо более уверенными в новаторской иконографии , и стало заметно гораздо больше оригинальности, хотя большинство художников по-прежнему использовали скопированные формулы.
Иконография была затронута изменениями в теологии, с изображениями Успения Марии , набирающими силу по сравнению со старой Смертью Девы Марии , и в религиозных практиках, таких как Devotio Moderna , которые создали новые трактовки Христа в таких сюжетах, как Муж скорбей , Задумчивый Христос и Пьета , которые подчеркивали его человеческие страдания и уязвимость, в параллельном движении с тем, что было в изображениях Девы Марии. Даже в Страшном суде Христос теперь обычно изображался обнажающим свою грудь, чтобы показать раны его Страстей . Святые изображались чаще, и алтарные образы показывали святых, имеющих отношение к конкретной церкви или донору, присутствовавших на Распятии или на троне Девы Марии с Младенцем , или занимающих центральное место (обычно это было для работ, предназначенных для боковых часовен). За этот период многие древние иконографические черты, которые возникли в апокрифах Нового Завета, были постепенно устранены под давлением духовенства, как, например, повивальные бабки на Рождестве , хотя другие были слишком устоявшимися и считались безвредными. [3]
_Mon_seul_d%C3%A9sir_(La_Dame_%C3%A0_la_licorne)_-_Mus%C3%A9e_de_Cluny_Paris.jpg/1280px-(Toulouse)_Mon_seul_d%C3%A9sir_(La_Dame_%C3%A0_la_licorne)_-_Mus%C3%A9e_de_Cluny_Paris.jpg)
Слово « готика » для искусства изначально использовалось как синоним слова « варварский », и поэтому использовалось уничижительно. [4] Его критики считали этот тип средневекового искусства грубым и слишком далеким от эстетических пропорций и форм классического искусства . [5] Авторы эпохи Возрождения считали, что разграбление Рима готскими племенами в 410 году положило начало упадку классического мира и всех ценностей, которыми они дорожили. В 15 веке различные итальянские архитекторы и писатели жаловались, что новые «варварские» стили, просачивающиеся с севера Альп, представляют собой аналогичную угрозу классическому возрождению, продвигаемому ранним Возрождением. [6] Определение «готический» для этого искусства впервые было использовано в письме Рафаэля папе Льву X в. 1518 и впоследствии популяризирован итальянским художником и писателем Джорджо Вазари , [7] который использовал его еще в 1530 году, называя готическое искусство «чудовищным и варварским» «беспорядком». [8] Рафаэль утверждал, что стрельчатые арки северной архитектуры были отголоском примитивных хижин, которые германские лесные жители строили, сгибая деревья вместе — миф, который позже снова всплывет в более позитивном смысле в трудах немецкого романтического движения. «Готическое искусство» подвергалось резкой критике со стороны французских авторов, таких как Буало , Лабрюйер , Руссо , прежде чем оно стало признанной формой искусства, а формулировка закрепилась. [5] Мольер прокомментировал готику следующим образом:
Одурманенный вкус готических памятников,
Эти отвратительные чудовища невежественных веков,
Которые извергли потоки варварства. [5]
Первоначально готическое искусство именовалось «французским произведением» ( Opus Francigenum ), что свидетельствовало о приоритете Франции в создании этого стиля. [5]
Живопись в готическом стиле не существовала до около 1200 года, более чем через 50 лет после начала готической архитектуры и скульптуры. Переход от романского стиля к готике очень неточен и вовсе не является четким разрывом, и готическая орнаментальная детализация часто вводится до того, как будут видны большие изменения в стиле фигур или самих композиций. Затем фигуры становятся более оживленными в позе и выражении лица, имеют тенденцию быть меньше по отношению к фону сцен и располагаются более свободно в изобразительном пространстве, где есть место. Этот переход впервые происходит в Англии и Франции около 1200 года, в Германии около 1220 года и в Италии около 1300 года. Живопись в готический период практиковалась в четырех основных средствах: фрески , панельные картины , рукописная иллюминация и витражи .
Фрески продолжали использоваться в качестве основного изобразительного повествовательного искусства на стенах церквей в Южной Европе как продолжение ранних христианских и романских традиций. Случайность выживания дала Дании и Швеции самые большие группы сохранившихся церковных настенных росписей в стиле Biblia pauperum , обычно простирающихся до недавно построенных крестовых сводов . И в Дании, и в Швеции они были почти все покрыты известковой побелкой после Реформации , которая сохранила их, но некоторые также остались нетронутыми с момента их создания. Среди лучших образцов из Дании - работы мастера Элмелунде с датского острова Мён , который украсил церкви Фанефьорд , Келдбю и Элмелунде . [9] Альбертус Пиктор, возможно, является самым известным художником по фрескам того периода, работавшим в Швеции. Примерами шведских церквей с хорошо сохранившимися фресками являются церкви Тенста , Гёкхем и Анга .
В северной Европе витражи были важной и престижной формой живописи до 15 века, когда их вытеснила панельная живопись . Готическая архитектура значительно увеличила количество стекла в больших зданиях, отчасти для того, чтобы обеспечить широкие площади стекла, как в окнах-розетках . В начале периода в основном использовались черная краска и прозрачное или ярко окрашенное стекло, но в начале 14 века использование соединений серебра, наносимых на стекло, которое затем обжигалось, позволило использовать ряд вариаций цвета, сосредоточенных на желтых тонах, с прозрачным стеклом в одном куске. К концу периода в дизайне все чаще использовались большие куски стекла, которые были окрашены, причем желтый цвет был доминирующим цветом, и относительно небольшое количество кусков стекла меньшего размера в других цветах. [10]
Иллюстрированные рукописи представляют собой наиболее полную запись готической живописи, предоставляя запись стилей в местах, где не сохранилось никаких монументальных работ. Самые ранние полные рукописи с французскими готическими иллюстрациями датируются серединой XIII века. [11] Многие из таких иллюстрированных рукописей были королевскими библиями, хотя псалтыри также включали иллюстрации; парижская Псалтырь Святого Людовика , датируемая 1253-1270 годами, содержит 78 полностраничных иллюминаций, выполненных темперной краской и золотым листом. [12]
В конце XIII века писцы начали создавать молитвенники для мирян, часто известные как часословы из- за их использования в предписанное время дня. [12] Среди самых ранних — пример Уильяма де Брейля , который, по-видимому, был написан для неизвестной мирянки, жившей в небольшой деревне недалеко от Оксфорда примерно в 1240 году. Знать часто покупала такие тексты, щедро платя за декоративные иллюстрации; среди самых известных их создателей — Жан Пюсель , чей «Часослов Жанны д'Эврё» был заказан королем Карлом IV в качестве подарка его королеве Жанне д'Эврё . [13] Элементы французской готики, присутствующие в таких работах, включают использование декоративного обрамления страниц, напоминающего архитектуру того времени с удлиненными и подробными фигурами. [12] Использование пространственных индикаторов, таких как элементы зданий и природные объекты, такие как деревья и облака, также указывает на французский готический стиль освещения. [12]
С середины XIV века ксилографии с текстом и изображениями, вырезанными в виде ксилографии, по-видимому, были доступны приходским священникам в Нидерландах , где они были наиболее популярны. К концу века печатные книги с иллюстрациями, все еще в основном на религиозные темы, быстро становились доступными для зажиточного среднего класса, как и гравюры довольно высокого качества таких граверов , как Израэль ван Мекенем и Мастер ES. В XV веке появление дешевых гравюр , в основном в виде ксилографии , позволило даже крестьянам иметь дома религиозные изображения. Эти изображения, крошечные на дне рынка, часто грубо раскрашенные, продавались тысячами, но сейчас встречаются крайне редко, большинство из них наклеено на стены.
Живопись маслом на холсте не была популярной до 15-го и 16-го веков и была отличительной чертой искусства эпохи Возрождения . В Северной Европе важная и новаторская школа ранней нидерландской живописи находится в по сути готическом стиле, но ее также можно рассматривать как часть Северного Возрождения , поскольку прошла длительная задержка, прежде чем итальянское возрождение интереса к классицизму оказало большое влияние на севере. Такие художники, как Роберт Кампен и Ян ван Эйк, использовали технику масляной живописи для создания мельчайших подробных работ, правильных в перспективе, где кажущийся реализм сочетался с богато сложной символикой, возникающей именно из реалистичных деталей, которые они теперь могли включать, даже в небольших работах. В ранней нидерландской живописи, из самых богатых городов Северной Европы, новый мелкий реализм в масляной живописи сочетался с тонкими и сложными теологическими намеками, выраженными именно через очень подробные обстановки религиозных сцен. Примерами являются «Алтарь Мероде» (1420-е годы) Робера Кампена и «Благовещение или Мадонна» Вашингтона ван Эйка канцлера Ролена (обе 1430-е годы, Ян ван Эйк). [ 14 ] Для богатых все большей популярностью пользовались небольшие картины на панелях, даже полиптихи в масляной живописи, часто показывающие рядом портреты доноров , хотя часто гораздо меньше, чем изображенные Дева Мария или святые. Обычно они выставлялись дома.
Готический период по сути определяется готической архитектурой и не совсем соответствует развитию стиля в скульптуре ни в начале, ни в конце. Фасады больших церквей, особенно вокруг дверей, продолжали иметь большие тимпаны, но также и ряды скульптурных фигур, расположенных вокруг них.
Статуи на западном (королевском) портале Шартрского собора ( ок. 1145 г. ) демонстрируют элегантное, но преувеличенное удлинение колонн, но статуи на портале южного трансепта , датируемые 1215–1220 гг., демонстрируют более натуралистичный стиль и растущую оторванность от стены позади, а также некоторую осведомленность о классической традиции. Эти тенденции были продолжены в западном портале Реймсского собора несколькими годами позже, где фигуры почти круглые, как это стало обычным по мере распространения готики по Европе. [15] В Бамбергском соборе, возможно, находится крупнейшее собрание скульптуры XIII века, кульминацией которого в 1240 году стал Бамбергский всадник , первая конная статуя в натуральную величину в западном искусстве с VI века.
«В Италии готическое Евангелие проповедовалось с кафедр, а не с тимпанов, и единицей мышления скульптора было автономное, самостоятельная работа искусства» ( Джон Поуп-Хеннесси ). [16] Никола Пизано (1258–78) и его сын Джованни разработали стиль, который часто называют Проторенессансом , с несомненным влиянием римских саркофагов и сложными и переполненными композициями, включая сочувственную трактовку наготы, в рельефных панелях на кафедре Сиенского собора (1265–68) , кафедре в Пизанском баптистерии , Фонтана Маджоре в Перудже и кафедре Джованни в Пистойе 1301 года. [17]
Другое возрождение классического стиля наблюдается в интернациональной готической работе Клауса Слютера и его последователей в Бургундии и Фландрии около 1400 года. [18] Поздняя готическая скульптура продолжилась на Севере, с модой на очень большие деревянные скульптурные алтари с все более виртуозной резьбой и большим количеством взволнованных выразительных фигур; большинство сохранившихся примеров находятся в Германии, после большого иконоборчества в других местах. Тильман Рименшнайдер , Вайт Штосс и другие продолжали стиль вплоть до XVI века, постепенно впитывая влияния итальянского Возрождения. [19]
Статуи в натуральную величину из камня или алебастра стали популярными среди богатых, и появились грандиозные многоуровневые гробницы, такие как гробницы Скалигеров в Вероне, настолько большие, что их приходилось выносить за пределы церкви. К XV веку существовала индустрия, экспортирующая алебастровые алтарные рельефы из Ноттингема группами панелей по большей части Европы для экономных приходов, которые не могли позволить себе каменные ретабло. [20]
Небольшие резные изделия, в основном для мирян и часто для женщин, стали значительной отраслью промышленности в Париже и некоторых других центрах. Типы изделий из слоновой кости включали небольшие религиозные полиптихи , отдельные фигуры, особенно Девы Марии , зеркальные футляры, гребни и сложные шкатулки со сценами из романов , которые использовались в качестве подарков на помолвку. [21] Очень богатые люди собирали экстравагантно сложные, украшенные драгоценными камнями и эмалированные металлические изделия, как светские, так и религиозные, такие как Святой Терновый Реликварий герцога Беррийского , пока у них не закончились деньги, и тогда их снова переплавляли за наличные. [22]
Готические скульптуры, независимые от архитектурного орнамента, в первую очередь создавались как предметы религиозного культа для дома или предназначались в качестве пожертвований для местных церквей, [23] хотя небольшие рельефы из слоновой кости , кости и дерева охватывают как религиозные, так и светские сюжеты и предназначались для церковного и домашнего использования. Эти скульптуры создавались городскими ремесленниками, и наиболее распространенной темой для трехмерных небольших статуй является Дева Мария одна или с ребенком. [24] Париж был главным центром мастерских по обработке слоновой кости и экспортировался в большую часть Северной Европы, хотя в Италии также было значительное производство. Образец этих независимых скульптур находится среди коллекций церкви аббатства Сен-Дени; позолоченная серебряная Мадонна с младенцем датируется 1339 годом и изображает Марию, окутанную развевающимся плащом, держащую инфантильную фигуру Христа. [24] И простота плаща, и юность ребенка предвещают другие скульптуры, найденные в Северной Европе, датируемые 14-м веком и началом 15-го века. [24] Такая скульптура демонстрирует эволюцию от более раннего жесткого и удлиненного стиля, все еще частично романского, к пространственному и натуралистическому стилю в конце XII и начале XIII века. [24] Другие французские готические скульптурные сюжеты включали фигуры и сцены из популярной литературы того времени. [24] Образы из поэзии трубадуров были особенно популярны среди мастеров, изготавливавших зеркальные футляры и небольшие шкатулки, предположительно для женщин. [24] Ларец со сценами романсов (Walters 71264) 1330–1350 годов является необычно большим образцом с местом для ряда сцен из различных литературных источников.
Сувениры паломничеств к святыням, такие как глиняные или свинцовые значки , медали и ампулы с отпечатанными изображениями, также были популярны и дешевы. Их светский эквивалент, значок ливреи , демонстрировал знаки феодальной и политической лояльности или союза, которые стали рассматриваться как социальная угроза в Англии при незаконнорожденном феодализме . Более дешевые формы иногда раздавались бесплатно, как в случае с 13 000 значков, заказанных в 1483 году королем Англии Ричардом III из бумазеи с его эмблемой белого кабана для инвеституры его сына Эдуарда как принца Уэльского, [25] огромное количество, учитывая население в то время. Драгоценность Данстейбл Лебедь , полностью выполненная в круглой оправе из эмалированного золота, является гораздо более эксклюзивной версией, которая могла быть подарена кому-то очень близкому или важному для дарителя.
