Готическое искусство было стилем средневекового искусства , которое развилось в Северной Франции из романского искусства в 12 веке нашей эры, во главе с одновременным развитием готической архитектуры . Оно распространилось на всю Западную Европу и большую часть Северной , Южной и Центральной Европы , так и не вытеснив более классические стили в Италии. В конце 14 века развился изысканный придворный стиль международной готики , который продолжал развиваться до конца 15 века. Во многих областях, особенно в Германии, поздняя готика продолжалась вплоть до 16 века, прежде чем была включена в искусство эпохи Возрождения . Основными средствами массовой информации в готический период были скульптура , панельная живопись , витражи , фрески и иллюминированные рукописи . Легко узнаваемые сдвиги в архитектуре от романского к готическому и от готического к ренессансному стилю, как правило, используются для определения периодов в искусстве во всех средствах массовой информации, хотя во многих отношениях фигуративное искусство развивалось в разном темпе.
Самым ранним готическим искусством была монументальная скульптура на стенах соборов и аббатств. Христианское искусство часто было типологическим по своей природе (см. Средневековая аллегория ), показывая истории Нового Завета и Ветхого Завета бок о бок. Часто изображались жития святых. Изображения Девы Марии изменились с византийской иконической формы на более человечную и ласковую мать, прижимающую к себе младенца, покачивающуюся на бедре и демонстрирующую изысканные манеры аристократической придворной дамы.
Светское искусство вступило в свои права в этот период с ростом городов, основанием университетов , ростом торговли, установлением экономики, основанной на деньгах, и созданием класса буржуазии , который мог позволить себе покровительствовать искусству и заказывать работы, что привело к распространению картин и иллюминированных рукописей. Рост грамотности и растущий объем светской народной литературы способствовали представлению светских тем в искусстве. С ростом городов формировались торговые гильдии , и художникам часто требовалось быть членами гильдии художников . В результате, из-за лучшего ведения учета, в этот период нам известно больше художников по имени, чем в любой другой; некоторые художники даже были настолько смелы, что подписывали свои имена.
Готическое искусство возникло в Иль-де-Франс , Франция, в начале XII века в церкви аббатства Сен-Дени , построенной аббатом Сугерием . [1] Стиль быстро распространился за пределы своих истоков в архитектуре в скульптуру, как монументальную , так и персональную по размеру, текстильное искусство и живопись, которая принимала различные формы, включая фрески , витражи , иллюминированные рукописи и панельную живопись . [2] Монашеские ордена , особенно цистерцианцы и картезианцы , были важными строителями, которые распространяли стиль и разрабатывали его отличительные варианты по всей Европе. Региональные вариации архитектуры оставались важными, даже когда к концу XIV века сформировался единый универсальный стиль, известный как международная готика , который продолжался до конца XV века и позже во многих областях.
Хотя светского готического искусства было гораздо больше, чем принято считать сегодня, поскольку, как правило, уровень выживаемости религиозного искусства был лучше, чем у светских эквивалентов, большая часть искусства, созданного в этот период, была религиозной, независимо от того, была ли она заказана церковью или мирянами. Готическое искусство часто было типологическим по своей природе, отражая веру в то, что события Ветхого Завета предвосхищали события Нового, и что это действительно было их главным значением. Сцены Ветхого и Нового Завета были показаны бок о бок в таких работах, как Speculum Humanae Salvationis , и в украшении церквей. Готический период совпал с большим возрождением почитания Девы Марии , в котором изобразительное искусство играло главную роль. Изображения Девы Марии развивались от византийских иератических типов, через Коронацию Девы Марии , к более человечным и интимным типам, и циклы Жития Девы Марии были очень популярны. Такие художники, как Джотто , Фра Анджелико и Пьетро Лоренцетти в Италии, а также ранняя нидерландская живопись привнесли в искусство реализм и более естественную человечность. Западные художники и их покровители стали гораздо более уверенными в новаторской иконографии , и стало заметно гораздо больше оригинальности, хотя большинство художников по-прежнему использовали скопированные формулы.
Иконография была затронута изменениями в теологии, с изображениями Успения Марии , набирающими силу по сравнению со старой Смертью Девы Марии , и в религиозных практиках, таких как Devotio Moderna , которые создали новые трактовки Христа в таких сюжетах, как Муж скорбей , Задумчивый Христос и Пьета , которые подчеркивали его человеческие страдания и уязвимость, в параллельном движении с тем, что было в изображениях Девы Марии. Даже в Страшном суде Христос теперь обычно изображался обнажающим свою грудь, чтобы показать раны его Страстей . Святые изображались чаще, и алтарные образы показывали святых, имеющих отношение к конкретной церкви или донору, присутствовавших на Распятии или на троне Девы Марии с Младенцем , или занимающих центральное место (обычно это было для работ, предназначенных для боковых часовен). За этот период многие древние иконографические черты, которые возникли в апокрифах Нового Завета, были постепенно устранены под давлением духовенства, как, например, повивальные бабки на Рождестве , хотя другие были слишком устоявшимися и считались безвредными. [3]
_Mon_seul_d%C3%A9sir_(La_Dame_%C3%A0_la_licorne)_-_Mus%C3%A9e_de_Cluny_Paris.jpg/1280px-(Toulouse)_Mon_seul_d%C3%A9sir_(La_Dame_%C3%A0_la_licorne)_-_Mus%C3%A9e_de_Cluny_Paris.jpg)
Слово « готика » для искусства изначально использовалось как синоним слова « варварский », и поэтому использовалось уничижительно. [4] Его критики считали этот тип средневекового искусства грубым и слишком далеким от эстетических пропорций и форм классического искусства . [5] Авторы эпохи Возрождения считали, что разграбление Рима готскими племенами в 410 году положило начало упадку классического мира и всех ценностей, которыми они дорожили. В 15 веке различные итальянские архитекторы и писатели жаловались, что новые «варварские» стили, просачивающиеся с севера Альп, представляют собой аналогичную угрозу классическому возрождению, продвигаемому ранним Возрождением. [6] Определение «готический» для этого искусства впервые было использовано в письме Рафаэля папе Льву X в. 1518 и впоследствии популяризирован итальянским художником и писателем Джорджо Вазари , [7] который использовал его еще в 1530 году, называя готическое искусство «чудовищным и варварским» «беспорядком». [8] Рафаэль утверждал, что стрельчатые арки северной архитектуры были отголоском примитивных хижин, которые германские лесные жители строили, сгибая деревья вместе — миф, который позже снова всплывет в более позитивном смысле в трудах немецкого романтического движения. «Готическое искусство» подвергалось резкой критике со стороны французских авторов, таких как Буало , Лабрюйер , Руссо , прежде чем оно стало признанной формой искусства, а формулировка закрепилась. [5] Мольер прокомментировал готику следующим образом:
Одурманенный вкус готических памятников,
Эти отвратительные чудовища невежественных столетий,
Которые извергли потоки варварства. [5]
Первоначально готическое искусство именовалось «французским произведением» ( Opus Francigenum ), что свидетельствовало о приоритете Франции в создании этого стиля. [5]
Живопись в готическом стиле не существовала до около 1200 года, более чем через 50 лет после начала готической архитектуры и скульптуры. Переход от романского стиля к готике очень неточен и вовсе не является четким разрывом, и готическая орнаментальная детализация часто вводится до того, как будут видны большие изменения в стиле фигур или самих композиций. Затем фигуры становятся более оживленными в позе и выражении лица, имеют тенденцию быть меньше по отношению к фону сцен и располагаются более свободно в изобразительном пространстве, где есть место. Этот переход впервые происходит в Англии и Франции около 1200 года, в Германии около 1220 года и в Италии около 1300 года. Живопись в готический период практиковалась в четырех основных средствах: фрески , панельные картины , рукописная иллюминация и витражи .
Фрески продолжали использоваться в качестве основного изобразительного повествовательного искусства на стенах церквей в Южной Европе как продолжение ранних христианских и романских традиций. Случайность выживания дала Дании и Швеции самые большие группы сохранившихся церковных настенных росписей в стиле Biblia pauperum , обычно простирающихся до недавно построенных крестовых сводов . И в Дании, и в Швеции они были почти все покрыты известковым раствором после Реформации , которая сохранила их, но некоторые также остались нетронутыми с момента их создания. Среди лучших образцов из Дании - работы мастера Элмелунде с датского острова Мён , который украсил церкви Фанефьорд , Келдбю и Элмелунде . [9] Альбертус Пиктор, возможно, является самым известным художником по фрескам того периода, работавшим в Швеции. Примерами шведских церквей с хорошо сохранившимися фресками являются церкви Тенста , Гёкхем и Анга .
В северной Европе витражи были важной и престижной формой живописи до 15 века, когда их вытеснила панельная живопись . Готическая архитектура значительно увеличила количество стекла в больших зданиях, отчасти для того, чтобы обеспечить широкие площади стекла, как в окнах-розетках . В начале периода в основном использовались черная краска и прозрачное или ярко окрашенное стекло, но в начале 14 века использование соединений серебра, наносимых на стекло, которое затем обжигалось, позволило использовать ряд вариаций цвета, сосредоточенных на желтых тонах, с прозрачным стеклом в одном куске. К концу периода в дизайне все чаще использовались большие куски стекла, которые были окрашены, причем желтый цвет был доминирующим цветом, и относительно небольшое количество кусков стекла меньшего размера в других цветах. [10]
Иллюстрированные рукописи представляют собой наиболее полную запись готической живописи, предоставляя запись стилей в местах, где не сохранилось никаких монументальных работ. Самые ранние полные рукописи с французскими готическими иллюстрациями датируются серединой XIII века. [11] Многие из таких иллюстрированных рукописей были королевскими библиями, хотя псалтыри также включали иллюстрации; парижская Псалтырь Святого Людовика , датируемая 1253-1270 годами, содержит 78 полностраничных иллюминаций темперной краской и золотым листом. [12]
В конце XIII века писцы начали создавать молитвенники для мирян, часто известные как часословы из- за их использования в предписанное время дня. [12] Среди самых ранних — пример Уильяма де Брейля , который, по-видимому, был написан для неизвестной мирянки, жившей в небольшой деревне недалеко от Оксфорда примерно в 1240 году. Знать часто покупала такие тексты, щедро платя за декоративные иллюстрации; среди самых известных их создателей — Жан Пюсель , чей «Часослов Жанны д'Эврё» был заказан королем Карлом IV в качестве подарка его королеве Жанне д'Эврё . [13] Элементы французской готики, присутствующие в таких работах, включают использование декоративного обрамления страниц, напоминающего архитектуру того времени с удлиненными и подробными фигурами. [12] Использование пространственных индикаторов, таких как элементы зданий и природные объекты, такие как деревья и облака, также указывает на французский готический стиль освещения. [12]
С середины XIV века ксилографии с текстом и изображениями, вырезанными в виде ксилографии, по-видимому, были доступны приходским священникам в Нидерландах , где они были наиболее популярны. К концу века печатные книги с иллюстрациями, все еще в основном на религиозные темы, быстро становились доступными для зажиточного среднего класса, как и гравюры довольно высокого качества таких граверов , как Израэль ван Мекенем и Мастер ES. В XV веке появление дешевых гравюр , в основном в виде ксилографии , позволило даже крестьянам иметь дома религиозные изображения. Эти изображения, крошечные в нижней части рынка, часто грубо раскрашенные, продавались тысячами, но сейчас встречаются крайне редко, большинство из них наклеено на стены.
Живопись маслом на холсте не была популярной до 15-го и 16-го веков и была отличительной чертой искусства эпохи Возрождения . В Северной Европе важная и новаторская школа ранней нидерландской живописи находится в по сути готическом стиле, но ее также можно рассматривать как часть Северного Возрождения , поскольку прошла длительная задержка, прежде чем итальянское возрождение интереса к классицизму оказало большое влияние на севере. Такие художники, как Роберт Кампен и Ян ван Эйк, использовали технику масляной живописи для создания мельчайших подробных работ, правильных в перспективе, где кажущийся реализм сочетался с богато сложной символикой, возникающей именно из реалистичных деталей, которые они теперь могли включать даже в небольшие работы. В ранней нидерландской живописи, из самых богатых городов Северной Европы, новый мелкий реализм в масляной живописи сочетался с тонкими и сложными теологическими намеками, выраженными именно через очень подробные обстановки религиозных сцен. Примерами являются «Алтарь Мероде» (1420-е годы) Робера Кампена и «Благовещение или Мадонна» Вашингтона ван Эйка канцлера Ролена (обе 1430-е годы, Ян ван Эйк). [ 14 ] Для богатых все большей популярностью пользовались небольшие картины на панелях, даже полиптихи в масляной живописи, часто показывающие рядом портреты доноров , хотя часто гораздо меньше, чем изображенные Дева Мария или святые. Обычно они выставлялись дома.
Готический период по сути определяется готической архитектурой и не совсем соответствует развитию стиля в скульптуре ни в начале, ни в конце. Фасады больших церквей, особенно вокруг дверей, продолжали иметь большие тимпаны, но также и ряды скульптурных фигур, расположенных вокруг них.
Статуи на западном (королевском) портале Шартрского собора ( ок. 1145 г. ) демонстрируют элегантное, но преувеличенное удлинение колонн, но статуи на портале южного трансепта , датируемые 1215–1220 гг., демонстрируют более натуралистичный стиль и растущую оторванность от стены позади, а также некоторую осведомленность о классической традиции. Эти тенденции были продолжены в западном портале Реймсского собора несколькими годами позже, где фигуры почти круглые, как это стало обычным по мере распространения готики по Европе. [15] В Бамбергском соборе, возможно, находится крупнейшее собрание скульптуры XIII века, кульминацией которого в 1240 году стал Бамбергский всадник , первая конная статуя в натуральную величину в западном искусстве с VI века.
«В Италии готическое Евангелие проповедовалось с кафедр, а не с тимпанов, и единицей мышления скульптора было автономное, самостоятельная работа искусства» ( Джон Поуп-Хеннесси ). [16] Никола Пизано (1258–78) и его сын Джованни разработали стиль, который часто называют Проторенессансом , с несомненным влиянием римских саркофагов и сложными и переполненными композициями, включая сочувственную трактовку наготы, в рельефных панелях на кафедре Сиенского собора (1265–68) , кафедре в Пизанском баптистерии , Фонтана Маджоре в Перудже и кафедре Джованни в Пистойе 1301 года. [17]
Другое возрождение классического стиля наблюдается в интернациональной готической работе Клауса Слютера и его последователей в Бургундии и Фландрии около 1400 года. [18] Поздняя готическая скульптура продолжилась на Севере, с модой на очень большие деревянные скульптурные алтари с все более виртуозной резьбой и большим количеством взволнованных выразительных фигур; большинство сохранившихся примеров находятся в Германии, после большого иконоборчества в других местах. Тильман Рименшнайдер , Вайт Штосс и другие продолжали стиль вплоть до XVI века, постепенно впитывая влияния итальянского Возрождения. [19]
Статуи гробниц в натуральную величину из камня или алебастра стали популярными среди богатых, и появились грандиозные многоуровневые гробницы, такие как гробницы Скалигеров в Вероне, настолько большие, что их приходилось выносить за пределы церкви. К XV веку существовала индустрия, экспортирующая алебастровые алтарные рельефы из Ноттингема группами панелей по большей части Европы для экономных приходов, которые не могли позволить себе каменные ретабло. [20]
Небольшие резные изделия, в основном для мирян и часто для женщин, стали значительной отраслью промышленности в Париже и некоторых других центрах. Типы изделий из слоновой кости включали небольшие религиозные полиптихи , отдельные фигуры, особенно Девы Марии , зеркальные футляры, гребни и сложные шкатулки со сценами из романов , которые использовались в качестве подарков на помолвку. [21] Очень богатые люди собирали экстравагантно сложные, украшенные драгоценными камнями и эмалированные металлические изделия, как светские, так и религиозные, такие как Святой Терновый Реликварий герцога Беррийского , пока у них не закончились деньги, и тогда их снова переплавляли за наличные. [22]
Готические скульптуры, независимые от архитектурного орнамента, в первую очередь создавались как предметы религиозного культа для дома или предназначались в качестве пожертвований для местных церквей, [23] хотя небольшие рельефы из слоновой кости , кости и дерева охватывают как религиозные, так и светские сюжеты и предназначались для церковного и домашнего использования. Эти скульптуры создавались городскими ремесленниками, и наиболее распространенной темой для трехмерных небольших статуй является Дева Мария одна или с ребенком. [24] Париж был главным центром мастерских по обработке слоновой кости и экспортировался в большую часть Северной Европы, хотя в Италии также было значительное производство. Образец этих независимых скульптур находится среди коллекций церкви аббатства Сен-Дени; позолоченная серебряная Мадонна с младенцем датируется 1339 годом и изображает Марию, окутанную развевающимся плащом, держащую инфантильную фигуру Христа. [24] И простота плаща, и юность ребенка предвещают другие скульптуры, найденные в Северной Европе, датируемые 14-м веком и началом 15-го века. [24] Такая скульптура демонстрирует эволюцию от более раннего жесткого и удлиненного стиля, все еще частично романского, к пространственному и натуралистическому стилю в конце XII и начале XIII века. [24] Другие французские готические скульптурные сюжеты включали фигуры и сцены из популярной литературы того времени. [24] Образы из поэзии трубадуров были особенно популярны среди мастеров, изготавливавших зеркальные футляры и небольшие шкатулки, предположительно для женщин. [24] Ларец со сценами романсов (Walters 71264) 1330–50 годов является необычно большим образцом с местом для ряда сцен из различных литературных источников.
Сувениры паломничеств к святыням, такие как глиняные или свинцовые значки , медали и ампулы с отпечатанными изображениями, также были популярны и дешевы. Их светский эквивалент, ливрейный значок , демонстрировал знаки феодальной и политической лояльности или союза, которые стали рассматриваться как социальная угроза в Англии при незаконнорожденном феодализме . Более дешевые формы иногда раздавались бесплатно, как в случае с 13 000 значков, заказанных в 1483 году королем Англии Ричардом III из бумазеи с его эмблемой белого кабана для инвеституры его сына Эдуарда как принца Уэльского, [25] огромное количество, учитывая население в то время. Драгоценность Данстейбл Лебедь , полностью выполненная в круглой оправе из эмалированного золота, является гораздо более эксклюзивной версией, которая могла быть подарена кому-то очень близкому или важному для дарителя.
