Исполнительское искусство — это такие виды искусства , как музыка , танец и драма , которые исполняются для публики. [1] Они отличаются от изобразительного искусства , которое предполагает использование краски, холста или различных материалов для создания физических или статичных художественных объектов . Исполнительское искусство включает в себя ряд дисциплин, которые исполняются перед живой аудиторией, включая театр, музыку и танцы.
Театр , музыка, танец, манипулирование предметами и другие виды представлений присутствуют во всех человеческих культурах. История музыки и танца восходит к доисторическим временам , тогда как цирковое искусство восходит, по крайней мере, к Древнему Египту . Многие исполнительские виды искусства выполняются профессионально. Выступления могут проводиться в специально построенных зданиях, таких как театры и оперные театры, на открытых сценах фестивалей, на сценах в палатках, таких как цирки, или на улице.
Живые выступления перед публикой — это форма развлечения. Развитие аудио- и видеозаписи позволило использовать произведения исполнительского искусства в частном порядке. Исполнительское искусство часто направлено на выражение эмоций и чувств. [2]
Артистов, которые участвуют в исполнительских искусствах перед публикой, называют исполнителями. Примеры таких актеров , комиков , танцоров , фокусников , цирковых артистов, музыкантов и певцов . Исполнительское искусство также поддерживается работниками смежных областей, таких как написание песен , хореография и сценическое искусство . Исполнители часто адаптируют свой внешний вид , например, с помощью костюмов и сценического грима , сценического освещения и звука.
Исполнительские виды искусства могут включать танец, музыку, оперу, театр и музыкальный театр, магию , иллюзию , пантомиму , устную речь , кукольный театр , цирковое искусство , стендап-комедию , импровизацию , профессиональную борьбу и исполнительское искусство .
Существует также специализированный вид изобразительного искусства, в котором художники вживую исполняют свои работы перед публикой. Это называется перформанс-арт . Большинство перформансов также включает в себя ту или иную форму пластического искусства , например, создание реквизита . В эпоху современного танца танец часто называли пластическим искусством . [3]
Театр — это отрасль исполнительского искусства, которая занимается разыгрыванием историй перед публикой с использованием сочетания речи, жестов, музыки, танца, звука и зрелища. Любой один или несколько из этих элементов считаются исполнительским искусством. В дополнение к стандартному повествовательно-диалогическому стилю пьес, театр принимает такие формы, как пьесы, мюзиклы, опера, балет, иллюзия , мим , классический индийский танец , кабуки , ряженые пьесы , импровизационный театр , комедия, пантомима , а также нетрадиционные или современные формы, такие как постмодернистский театр , постдраматический театр или перформанс.
В контексте исполнительского искусства под танцем обычно понимаются человеческие движения , обычно ритмичные, и музыка, используемые как форма развлечения публики во время выступления. Определения того, что представляет собой танец, зависят от социальных , культурных , эстетических , художественных и моральных ограничений и варьируются от функциональных движений (таких как народный танец ) до систематизированных виртуозных техник, таких как балет . [4]
Есть еще одна современная форма танца, возникшая в 19-20 веках под названием свободный танец . Эта форма танца была создана для создания гармоничной личности, включающей в себя такие черты, как физическая и духовная свобода. Айседора Дункан была первой танцовщицей, которая рассуждала о «женщине будущего» и разработала новый вектор хореографии, используя идею Ницше о «высшем разуме в свободном разуме». [5]
Танец – это мощный импульс, но искусство танца – это тот импульс, который искусные исполнители направляют во что-то, что становится чрезвычайно выразительным и может привести в восторг зрителей, которые сами не испытывают желания танцевать. Эти две концепции танцевального искусства — танец как мощный импульс и танец как искусно поставленное искусство, которым занимаются в основном немногие профессионалы, — являются двумя наиболее важными связующими идеями, пронизывающими любое рассмотрение этой темы. В танце связь двух понятий сильнее, чем в некоторых других искусствах, и ни одно не может существовать без другого. [4]
Хореография – это искусство постановки танцев, и человека, занимающегося этим искусством, называют хореографом.
Музыка — это вид искусства, который сочетает в себе высоту звука , ритм и динамику для создания звука. Ее можно исполнять с использованием различных инструментов и стилей, и она делится на такие жанры, как фолк , джаз , хип-хоп , поп, рок и т. д. Как вид искусства, музыка может возникать в живом или записанном формате, а также может планироваться . или импровизированный.
Поскольку музыка — многообразное искусство, она легко сочетается со словами песен, как физические движения в танце. Более того, он способен формировать поведение человека, воздействуя на наши эмоции. [6]
Начиная с VI века до нашей эры, в Греции начался классический период исполнительского искусства , начатый такими трагическими поэтами, как Софокл . Эти поэты писали пьесы, в которых в некоторых случаях присутствовал танец (см. Еврипид ). Эллинистический период положил начало широкому использованию комедии.
Однако к VI веку нашей эры западное исполнительское искусство в значительной степени прекратило свое существование с началом Темных веков . Между 9 и 14 веками исполнительское искусство на Западе ограничивалось религиозно- историческими постановлениями и моральными пьесами , организованными Церковью в честь святых дней и других важных событий.
В 15 веке исполнительское искусство, как и искусство в целом, пережило возрождение, поскольку эпоха Возрождения началась в Италии и распространилась по всей Европе. пьесы, некоторые из которых включали танец, которые исполнялись, и Доменико да Пьяченца приписывают первое использование этого термина. ballo (в De Arte Saltandi et Choreas Ducendi ) вместо danza (танца) для его baletti или balli . В конечном итоге этот термин стал «Балет» . Считается, что первым балетом как таковым является « Комический балет королевы » Бальтазара де Божуайоля (1581).
К середине 16 века комедия дель арте стала популярной в Европе, представив использование импровизации . В этот период также появилась елизаветинская маска с музыкой, танцами и тщательно продуманными костюмами, а также профессиональные театральные труппы в Англии. Пьесы Уильяма Шекспира конца XVI века развились из этого нового класса профессионального исполнения.
В 1597 году была исполнена первая опера «Дафна» , и на протяжении 17 века опера быстро стала излюбленным развлечением для аристократии в большей части Европы и, в конечном итоге, для большого числа людей, живущих в городах и поселках по всей Европе.
Появление арки авансцены в Италии в 17 веке установило традиционную театральную форму, которая сохраняется и по сей день. Тем временем в Англии пуритане запретили актерское мастерство, что положило конец исполнительскому искусству, продолжавшемуся до 1660 года. После этого женщины стали появляться как во французских, так и в английских пьесах. Французы ввели формальное обучение танцам в конце 17 века.
Именно в это время в американских колониях были поставлены первые пьесы .
В 18 веке появление популярной оперы-буффа сделало оперу массой доступной формой исполнения. «Женитьба Фигаро» и « Дон Жуан» Моцарта являются вехами оперного искусства конца XVIII века.
На рубеже XIX века Бетховен и романтическое движение открыли новую эру, которая привела сначала к спектаклям большой оперы , а затем к музыкальным драмам Джузеппе Верди и Gesamtkunstwerk (полному произведению искусства) из опер Рихарда . Вагнера , ведущего непосредственно к музыке ХХ века.
XIX век был периодом роста исполнительского искусства для всех социальных классов, технических достижений, таких как введение газового освещения в театры, бурлеск , танцы менестрелей и театр эстрады. В балете женщины добиваются больших успехов в искусстве, где раньше доминировали мужчины.
Современный танец зародился в конце 19-го и начале 20-го веков в ответ на ограничения традиционного балета. Появление « Русского балета» Сергея Дягилева (1909–1929) произвело революцию в балете и исполнительском искусстве в целом во всем западном мире, что наиболее важно благодаря акценту Дягилева на сотрудничестве, которое объединило хореографов, танцоров, сценографов/художников, композиторов и музыкантов для совместной работы. оживить и революционизировать балет. Это чрезвычайно сложно.
«Система» Константина Станиславского произвела революцию в актерском мастерстве начала 20 века и продолжает оказывать большое влияние на актеров сцены и экрана по сей день. В этот период на сцену вышли как импрессионизм , так и современный реализм.
С изобретением Томасом Эдисоном в конце 19 века кино и ростом киноиндустрии в Голливуде в начале 20 века фильм стал доминирующим средством представления на протяжении 20 и 21 веков.
Ритм-н-блюз , культурный феномен черной Америки, приобрел известность в начале 20-го века, оказав влияние на ряд более поздних популярных музыкальных стилей во всем мире.
В 1930-х годах Жан Розенталь представил то, что впоследствии стало современным сценическим освещением , изменив характер сцены, поскольку бродвейский мюзикл стал явлением в Соединенных Штатах.
Исполнительское искусство после Второй мировой войны ознаменовалось возрождением балета и оперы в западном мире.
Постмодернизм доминировал в исполнительском искусстве в 1970-х и 1980-х годах. [7]
Традиции исполнения коренных народов Африки уходят корнями в ритуалы , рассказывание историй, движения и музыку . [8] Выступления были совместными, когда рассказчики и аудитория взаимодействовали и участвовали в «зове и ответе» , который характеризуется тем, что вокалист подписывает фразу, которая затем повторяется или на нее отвечают новой фразой другие исполнители и / или аудитория. Эта древняя традиция уходит корнями во многие африканские культуры. [9]
Самое раннее зарегистрированное театральное событие датируется 2000 годом до нашей эры и связано с церемониальными пьесами Древнего Египта . История бога Осириса ежегодно разыгрывалась на фестивалях по всей цивилизации, отмечая известное начало долгой связи между театром и религией. Драматический папирус Рамессеума , самый старый из сохранившихся иллюстрированных папирусов, подробно описывает представление во время фестиваля Сед и использовался как свидетельство зарождения театральной традиции, которую западные ученые часто приписывают Древней Греции. [10]
Гриот — устный историк Западной Африки, который использует повествование, поэзию и музыку для выражения генеалогии и исторических повествований племен, которые они представляют, часто играя на таких инструментах, как кора . [11] Эта древняя профессия поддерживается на позиции лидера сообщества.
Самыми популярными формами театра в средневековом исламском мире были кукольный театр (который включал ручные куклы, пьесы теней и постановки марионеток ) и живые страстные пьесы, известные как тазия , где актеры воспроизводят эпизоды из мусульманской истории . В частности, шиитские исламские пьесы вращались вокруг шахида (мученичества) сыновей Али Хасана ибн Али и Хусейна ибн Али . Обычно это относится к страстным пьесам о битве при Кербеле и ее предшествующих и последующих событиях. Сэр Льюис Пелли начинает предисловие своей книги о Тазие со слов: «Если успех драмы измеряется эффектом, который она производит на людей, для которых она написана, или на аудиторию, перед которой она представлена Ни одна пьеса никогда не превзошла трагедию, известную в мусульманском мире как трагедия Хасана и Хусейна ». [12] Спустя годы Питер Челковски, профессор иранских и исламских исследований в Нью-Йоркском университете , выбирает те же слова для начала своей книги «Тазие, ритуалы и драма в Иране». [13] Живые светские пьесы были известны как ахраджа , записанные в средневековой адабской литературе, хотя они были менее распространены, чем кукольный театр и театр тазия . [14]
В Иране есть и другие формы театральных мероприятий, такие как Нагали или Наккали (рассказывание историй), Тазие , Ру-Ховзи , Сиах-Бази , Парде-Хани и Мареке гири . До двадцатого века рассказывание историй было наиболее признанной формой развлечения, хотя и сегодня некоторые формы все еще сохраняются. Одна форма, Нагхали, традиционно исполнялась в кофейнях, где рассказчики, или Нагалы (Наккалы), декламировали только отдельные части истории за раз, таким образом сохраняя постоянную клиентскую базу. Эти истории были основаны на событиях исторического или религиозного значения и во многих ссылались на стихи из «Шахнаме» . Часто эти истории изменяли, чтобы они соответствовали атмосфере или настроению аудитории. [15]
Народный театр и драматургия восходят к религиозной обрядности ведических народов II тысячелетия до нашей эры . Этот народный театр туманного прошлого был перемешан с танцем, едой, обрядностью и изображением событий из повседневной жизни. Последний элемент положил начало классическому театру более позднего времени. Многие историки, в частности Д. Д. Косамби, Дебипрасад Чаттопадхьяя, Адья Рангачарая и др., отмечают распространенность ритуализма среди индоарийских племен, в котором некоторые члены племени действовали как дикие животные, а некоторые другие были охотниками. Тех, кто действовал как млекопитающие, таких как козы, буйволы, северные олени, обезьяны и т. д., преследовали те, кто играл роль охотников. [ нужна цитата ]
Бхарата Муни (5-2 века до н.э.) был древнеиндийским писателем, наиболее известным как автор « Натья-шастры Бхараты» , теоретического трактата об индийском исполнительском искусстве, включая театр, танец, актерское мастерство и музыку, которого сравнивали с Аристотелем . Поэтика . _ Бхарату часто называют отцом индийского театрального искусства. Его Натья Шастра, по-видимому, является первой попыткой систематического развития техники или, скорее, искусства драмы. Натья Шастра говорит нам не только о том, что должно быть изображено в драме, но и о том, как это изображение должно быть сделано. Драма, как говорит Бхарата Муни, — это подражание людям и их действиям ( лока-вритти ). Как на сцене нужно уважать людей и их поступки, так и драма на санскрите также известна под термином рупака , что означает изображение. [ нужна цитата ]
« Рамаяну» и «Махабхарату» можно считать первыми признанными пьесами, возникшими в Индии. Эти эпосы вдохновляли первых индийских драматургов, и они делают это даже сегодня. Индийские драматурги, такие как Бхаса, во 2 веке до нашей эры писали пьесы, вдохновленные Рамаяной и Махабхаратой . [ нужна цитата ]
Калидаса, живший в I веке до нашей эры, возможно, считается величайшим драматургом древней Индии . Три знаменитые романтические пьесы, написанные Калидасом, — это « Малавикагнимитрам » ( «Малавика и Агнимитра »), «Викраморвашиям» (« Относящийся к Викраме и Урваши ») и «Абхиджнянашакунтала» ( «Признание Шакунталы »). Последний был вдохновлен историей из Махабхараты и является самым известным. Это был первый перевод на английский и немецкий языки. По сравнению с Бхасой, который в значительной степени опирался на эпосы, Калидаса можно считать оригинальным драматургом. [ нужна цитата ]
Следующим великим индийским драматургом был Бхавабхути (ок. VII в.). Говорят, что он написал следующие три пьесы: «Малати-Мадхава» , «Махавирачарита» и «Уттар Рамачарита» . Среди этих трех последние два охватывают весь эпос Рамаяны . Могущественному индийскому императору Харше (606–648) приписывают написание трёх пьес: комедии «Ратнавали» , «Приядаршика » и буддийской драмы «Нагананда» . Многие другие драматурги последовали его примеру в средние века . [ нужна цитата ]
В южной части Индии существовало множество форм исполнительского искусства, Керала - это такой штат с такими видами искусства, как Кудияттам , Нангьяркуту, Катхакали , Чакьяр Куту , Тираяттам , и было много выдающихся художников, таких как Пейнкулам Раман Чакьяр и другие. [ нужна цитата ]
Есть упоминания о театральных развлечениях в Китае уже в 1500 г. до н.э. во времена династии Шан ; они часто включали музыку, клоунаду и акробатические представления. [16]
Династию Тан иногда называют «Эпохой 1000 развлечений». В это время император Сюаньцзун сформировал актерскую школу, известную как «Дети грушевого сада», чтобы создавать драматические формы, которые были в первую очередь музыкальными. [16]
Во времена династии Хань театр теней впервые стал признанной формой театра в Китае. Существовали две различные формы теневого кукольного театра: южный кантонский и северный пекинесский. Эти два стиля различались методом изготовления марионеток и расположением стержней на марионетках, а не типом игры, которую играли марионетки. Оба стиля обычно ставили пьесы, изображающие великие приключения и фэнтези, и эта очень стилизованная форма театра редко использовалась для политической пропаганды. Кантонские теневые куклы были более крупными из двух. Они были сделаны из толстой кожи, которая создавала более существенные тени. Символический цвет также был очень распространен; черное лицо олицетворяло честность, красное — храбрость. Стержни, используемые для управления кантонскими марионетками, были прикреплены перпендикулярно их головам. Таким образом, зрители не видели их, когда создавалась тень. Пекинесы были более тонкими и маленькими. Их делали из тонкой полупрозрачной кожи, обычно снимаемой с брюха осла. Они были нарисованы яркими красками, поэтому отбрасывали очень красочную тень. Тонкие стержни, управлявшие их движениями, были прикреплены к кожаному ошейнику на шее куклы. Стержни шли параллельно телу марионетки, а затем поворачивались под углом девяносто градусов и соединялись с шеей. Хотя эти стержни были видны, когда отбрасывалась тень, они лежали вне тени марионетки; таким образом, они не мешали внешнему виду фигуры. Стержни прикреплены к шеям для облегчения использования нескольких головок с одним телом. Когда головы не использовались, их хранили в муслиновой книге или коробке на тканевой подкладке. Головы всегда снимали ночью. Это соответствовало старому суеверию, согласно которому, если оставить марионеток нетронутыми, они оживут ночью. Некоторые кукловоды заходили так далеко, что хранили головы в одной книге, а тела — в другой, чтобы еще больше снизить вероятность реанимации марионеток. Говорят, что теневой кукольный театр достиг высшей точки художественного развития в 11 веке, прежде чем стал инструментом правительства. [ нужна цитата ]
Во времена династии Сун было много популярных пьес с акробатикой и музыкой. Во времена династии Юань они приобрели более сложную форму с четырех- или пятиактной структурой. Юаньская драма распространилась по Китаю и разделилась на многочисленные региональные формы, самой известной из которых является Пекинская опера, популярная и сегодня. [ нужна цитата ]
В Таиланде со времен Средневековья существует традиция ставить спектакли по сюжетам индийского эпоса. В частности, в Таиланде и сегодня остается популярной театральная версия национального эпоса Таиланда « Рамакиен» , версия индийской «Рамаяны» .
В Камбодже надписи, датируемые VI веком нашей эры , указывают на наличие танцоров в местном храме и использование кукол в религиозных пьесах. В древней столице Ангкор-Вате на стенах храмов и дворцов вырезаны сюжеты из индийского эпоса Рамаяна и Махабхарата . Подобные рельефы найдены в Боробудуре в Индонезии.
На Филиппинах появилась знаменитая эпическая поэма «Ибонг Адарна» , первоначально озаглавленная «Коридо в Бухай на Пинагдаанан нг Татлонг Принсипенг Магкакапатид на анак нина Харинг Фернандо в Рейне Валериане са Кахарианг Бербания» (англ. « Корридо и жизнь, прожитая тремя принцами, детьми Король Фернандо и королева Валериана в королевстве Бербания») XVI века была написана Хосе де ла Крусом в испанскую эпоху . Помимо театральных постановок, разные киностудии/телепроизводства снимали разные фильмы. Первый фильм «Анг Ибонг Адарна» был снят LVN Pictures , крупнейшей киностудией в истории Филиппин.
Флоранте в Лауре — это « авит » или стихотворение, состоящее из 12-сложных четверостиший с полным названием «Pinagdaanang Buhay ni Florante at ni Laura sa Kahariang Albanya» (англ. «История Флоранте и Лауры в Королевстве Албания »). было написано Франсиско Балагтасом в 1838 году во время его заключения и посвящено его возлюбленной Марии Асункуйон Ривера (по прозвищу «МАР», именуемой «Селя»). В стихотворении есть особая часть под названием « Кей Селя » (англ. «Для Селии»), специально посвященная Ривере.
Национальный герой Филиппин Хосе Ризал , который также является писателем, создал два знаменитых стихотворения на Филиппинах: Noli Me Tángere ( на латыни «Не прикасайся ко мне», с добавлением острого ударения в последнем слове в соответствии с испанской орфографией). ) (1887), в котором описывается предполагаемое неравенство испанских католических монахов и правящего правительства, а также El Filibusterismo (переводы: The Filibusterism; The Subversive или The Subversion, как в английском переводе Locsín, также являются возможными переводами, также известными под альтернативным английским языком). название «Царство жадности») (1891). Темная тема романа резко отличается от обнадеживающей и романтической атмосферы предыдущего романа, показывая, что Ибарра прибегнул к решению проблем своей страны насильственными методами после того, как его предыдущая попытка реформировать систему страны не принесла никакого эффекта и казалась невозможной из-за коррумпированного отношения испанцев к Филиппинцы. Эти романы были написаны во время колонизации Филиппин Испанской империей .
Все эти литературные произведения входили в учебную программу программы K-12 для неполных средних школ, Ибонг Адарна входит в учебную программу для 7-го класса; Флоранте в Лауре (8 класс); Ноли Ме Тангере (9 класс); и Эль-Флибустеризм (10 класс).
.jpg/1280px-Performance_1_(in_Kagoshima).jpg){kind=spacer}
В XIV веке в Японии были небольшие труппы актеров , которые исполняли короткие, иногда вульгарные комедии. У директора одной из этих трупп Канами (1333–1384) был сын Дзеами Мотокиё (1363–1443), который считался одним из лучших детей-актеров Японии. Когда труппа Канами выступала перед Асикага Ёсимицу (1358–1408), сёгуном Японии, он умолял Дзэами получить придворное образование в области искусств. [17] После того, как Зеами стал преемником своего отца, он продолжил выступать и адаптировать свой стиль к тому, что сегодня называется Но . Смесь пантомимы и вокальной акробатики, стиль театра Но стал одной из самых изысканных форм театрального представления в Японии. [18]
Япония после длительного периода гражданских войн и политического беспорядка обрела единство и мир, прежде всего благодаря сёгуну Токугава Иэясу (1600–1668). Однако, встревоженный ростом числа христиан внутри страны из-за усилий христианских миссионеров по прозелитизму, он прервал контакты Японии с Европой и Китаем и объявил христианство вне закона. Когда мир действительно наступил, расцвет культурного влияния и рост торгового класса потребовали собственных развлечений. Первой процветающей формой театра был Нингёдзёрури (обычно называемый Бунраку ). Основатель и главный участник Нингёдзёрури Чикамацу Мондзаэмон (1653–1725) превратил свой театр в настоящую форму искусства. Нингё дзёрури — это сильно стилизованная форма театра с использованием кукол, которые сегодня примерно в 1/3 размера человека . Мужчины, которые управляют марионетками, тренируются, чтобы стать мастерами-кукловодами, после чего они смогут управлять головой и правой рукой марионетки и решать показывать свои лица во время представления. Остальные кукловоды, контролирующие менее важные конечности марионетки, закрывают себя и лица черным костюмом, чтобы подчеркнуть свою невидимость. Диалог ведет один человек, который использует разные тона голоса и манеры речи, чтобы имитировать разных персонажей. Чикамацу за свою жизнь написал тысячи пьес, большинство из которых используются до сих пор. [ нужна цитата ]
Кабуки зародился вскоре после Бунраку, легенда гласит, что его положила актриса по имени Окуни, жившая примерно в конце 16 века. Большая часть материала кабуки взята из Но и Бунраку, и его беспорядочные танцевальные движения также являются результатом Бунраку. Однако кабуки менее формален и более отстранен, чем Но, но при этом очень популярен среди японской публики. Актеров обучают множеству разнообразных вещей, включая танцы, пение, пантомиму и даже акробатику. Кабуки сначала исполняли молодые девушки, затем юноши, а к концу XVI века труппы кабуки состояли только из мужчин. Мужчины, изображавшие женщин на сцене, были специально обучены выявлять женскую сущность в своих тонких движениях и жестах. [ нужна цитата ]
Часто меланезийский танец демонстрирует культурную тему мужественности, где лидерство и уникальный набор навыков важны для обмена с сообществом. [19] Эти танцы демонстрируют воинскую силу мужчины; однако они также могут представлять собой прибыльность, например, содействие разрешению конфликтов или исцелению. [20] Костюмы танцоров включают большие маски и нечеловеческие характеристики, которые имитируют мифические фигуры. Музыка также может служить голосом этих волшебных личностей. [19]
