Поп-арт — художественное движение , возникшее в Великобритании и США в середине-конце 1950-х годов . [1] [2] Движение бросило вызов традициям изобразительного искусства , включив в него образы популярной и массовой культуры , такие как реклама , комиксы и обыденные предметы массового производства. Одна из его целей — использовать в искусстве образы популярной культуры, подчеркивая банальные или китчевые элементы любой культуры, чаще всего посредством использования иронии . [3] Это также связано с использованием художниками механических средств воспроизведения или методов рендеринга. В поп-арте материал иногда визуально вырван из известного контекста, изолирован или объединен с несвязанным материалом. [2] [3]
Среди первых художников, которые сформировали движение поп-арта, были Эдуардо Паолоцци и Ричард Гамильтон в Великобритании , а также Ларри Риверс , Рэй Джонсон , Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс среди других в Соединенных Штатах . Поп-арт широко интерпретируется как реакция на господствовавшие тогда идеи абстрактного экспрессионизма , а также как расширение этих идей. [4] Благодаря использованию найденных объектов и изображений он похож на дадаизм . Поп-арт и минимализм считаются художественными движениями, которые предшествуют постмодернистскому искусству или сами являются одними из самых ранних примеров постмодернистского искусства. [5]
Поп-арт часто использует образы, которые в настоящее время используются в рекламе. Маркировка продуктов и логотипы занимают видное место в образах, выбранных поп-артистами, которые можно увидеть на этикетках банок с супом Campbell's Энди Уорхола . Даже маркировка на внешней стороне транспортировочной коробки с продуктами питания для розничной торговли использовалась в качестве предмета в поп-арте, о чем свидетельствует « Коробка томатного сока Кэмпбелла» Уорхола , 1964 год (на фото).
Истоки поп-арта в Северной Америке развивались иначе, чем в Великобритании. [3] В Соединенных Штатах поп-арт был ответом художников; это ознаменовало возвращение к жесткой композиции и изобразительному искусству . Они использовали безличную, обыденную реальность, иронию и пародию , чтобы «обезвредить» личный символизм и « живописную раскованность» абстрактного экспрессионизма . [4] [6] В США некоторые произведения Ларри Риверса , Алекса Каца и Мана Рэя предвосхитили поп-арт. [7]
Напротив, истоки поп-арта в послевоенной Британии, хотя и использовали иронию и пародию, были более академичными. Британия сосредоточила внимание на динамичных и парадоксальных образах американской поп-культуры как мощных манипулятивных символических средств, влияющих на целые модели жизни и одновременно улучшающих процветание общества. [6] Ранний поп-арт в Британии был результатом идей, подпитываемых американской популярной культурой , если смотреть издалека . [4] Точно так же поп-арт был одновременно продолжением и отказом от дадаизма . [4] В то время как поп-арт и дадаизм исследовали одни и те же темы, поп-арт заменил разрушительные, сатирические и анархические импульсы движения дадаизм отстраненным утверждением артефактов массовой культуры. [4] Среди европейских художников, которые считаются создателями работ, ведущих к поп-арту, можно назвать: Пабло Пикассо , Марсель Дюшан и Курт Швиттерс .
Хотя и британский, и американский поп-арт зародился в 1950-х годах, Марсель Дюшан и другие в Европе, такие как Фрэнсис Пикабиа и Ман Рэй, появились еще до этого движения; кроме того, существовали некоторые более ранние американские прото-поп- музыки, которые использовали культурные объекты «в том виде, в каком они были найдены». [4] В 1920-е годы американские художники Патрик Генри Брюс , Джеральд Мерфи , Чарльз Демут и Стюарт Дэвис создавали картины, содержащие образы поп-культуры (обыденные предметы, взятые из американской коммерческой продукции и рекламного дизайна), почти «прообразуя» движение поп-арта. [8] [9]
Independent Group (IG), основанная в Лондоне в 1952 году, считается предшественником движения поп-арта. [2] [10] Они представляли собой собрание молодых художников, скульпторов, архитекторов, писателей и критиков, которые бросали вызов преобладающим модернистским подходам к культуре, а также традиционным взглядам на изобразительное искусство. Их групповые дискуссии были сосредоточены на влиянии поп-культуры на такие элементы, как массовая реклама, фильмы, дизайн продуктов, комиксы, научная фантастика и технологии. На первом собрании Независимой группы в 1952 году один из основателей, художник и скульптор Эдуардо Паолоцци прочитал лекцию, используя серию коллажей под названием «Bunk!» которые он собрал во время своего пребывания в Париже между 1947 и 1949 годами. [2] [10] Этот материал из «найденных объектов», таких как реклама, персонажи комиксов, обложки журналов и различная графика массового производства, в основном представляли американскую популярную культуру. Одним из коллажей в этой презентации был « Я был игрушкой богача» Паолоцци (1947), в котором впервые используется слово «поп», появляющееся в облаке дыма, выходящем из револьвера. [2] [11] После плодотворной презентации Паолоцци в 1952 году IG сосредоточился в первую очередь на образах американской популярной культуры, особенно на массовой рекламе. [6]
По словам сына Джона Макхейла , термин «поп-арт» впервые был придуман его отцом в 1954 году в разговоре с Фрэнком Корделлом , [12] хотя другие источники приписывают его происхождение британскому критику Лоуренсу Аллоуэю . [13] [14] (Обе версии согласны с тем, что этот термин использовался в дискуссиях Независимой группы к середине 1955 года.)
«Поп-арт» как прозвище затем использовался в обсуждениях членами IG на второй сессии IG в 1955 году, а конкретный термин «поп-арт» впервые появился в опубликованной печати в статье IG «Но сегодня мы собираем рекламу». члены Элисон и Питер Смитсоны в журнале Ark в 1956 году. [15] Однако этот термин часто приписывают британскому искусствоведу и куратору Лоуренсу Аллоуэю за его эссе 1958 года под названием « Искусство и средства массовой информации» , хотя точный язык, который он использует, таков: « популярная массовая культура». [16] «Более того, то, что я имел в виду тогда, — это не то, что оно означает сейчас. Я использовал этот термин, а также «поп-культуру» для обозначения продуктов средств массовой информации, а не произведений искусства, основанных на популярной культуре. В любом случае, где-то между зимой 1954–55 и 1957 года эта фраза стала широко использоваться в разговорах...» [17] Тем не менее, Аллоуэй был одним из ведущих критиков, защищавших включение образов массовой культуры в изобразительное искусство. искусство. Аллоуэй разъяснил эти термины в 1966 году, когда поп-арт уже превратился из художественных школ и небольших галерей в главную силу в мире искусства. Но его успех не был достигнут в Англии. Практически одновременно и независимо Нью-Йорк стал рассадником поп-арта. [17]
В Лондоне ежегодная выставка молодых талантов Королевского общества британских художников (RBA) в 1960 году впервые продемонстрировала влияние американской поп-музыки. В январе 1961 года самые известные RBA- Young Contemporaries поместили на карту Дэвида Хокни , американца Р.Б. Китаджа , новозеландца Билли Эппл , Аллена Джонса , Дерека Бошира , Джо Тилсона , Патрика Колфилда , Питера Филлипса , Полину Боти и Питера Блейка . ; Apple разработала плакаты и приглашения для выставок «Молодые современники» 1961 и 1962 годов. [18] Хокни, Китай и Блейк в том же году выиграли призы на выставке Джона Мурса в Ливерпуле. Эппл и Хокни вместе поехали в Нью-Йорк во время летних каникул в Королевском колледже в 1961 году, когда Эппл впервые вступила в контакт с Энди Уорхолом – оба позже переехали в Соединенные Штаты, и Эппл стала участвовать в поп-арт-сцене Нью-Йорка. [18]
Хотя поп-арт зародился в начале 1950-х годов, в Америке наибольший импульс он получил в 1960-е годы. Термин «поп-арт» был официально введен в декабре 1962 года; Поводом стал «Симпозиум по поп-арту», организованный Музеем современного искусства . [19] К этому времени американская реклама переняла многие элементы современного искусства и функционировала на очень сложном уровне. Следовательно, американским художникам пришлось глубже искать драматические стили, которые бы дистанцировали искусство от хорошо продуманных и умных коммерческих материалов. [6] Поскольку британцы рассматривали образы американской популярной культуры с несколько отстраненной точки зрения, их взгляды часто были наполнены романтическим, сентиментальным и юмористическим подтекстом. Напротив, американские художники, каждый день бомбардируемые разнообразием образов массового производства, создавали работы, как правило, более смелые и агрессивные. [10]
По словам историка, куратора и критика Генри Гельдзалера , « коллажи Рэя Джонсона «Элвис Пресли № 1» и Джеймс Дин являются Плимутской скалой поп-движения». [20] Автор Люси Липпард писала, что «Элвис… и Мэрилин Монро [коллажи]… провозгласили поп-музыку Уорхола». [21] Джонсон работал графическим дизайнером, познакомился с Энди Уорхолом в 1956 году и оба разработали несколько обложек книг для New Directions и других издателей. Джонсон начал рассылать причудливые листовки с рекламой своих дизайнерских услуг, напечатанных с помощью офсетной литографии. Позже он стал известен как отец мейл-арта как основатель своей «Нью-йоркской заочной школы», работая понемногу, набивая вырезки и рисунки в конверты, а не работая более масштабно, как его современники. [22] В заметке об изображении на обложке журнала Art News за январь 1958 года отмечалось, что «первая персональная выставка [Джаспера] Джонса... ставит его рядом с такими более известными коллегами, как Раушенберг, Твомбли, Капроу и Рэй Джонсон». [23]
Действительно, двумя другими важными художниками, повлиявшими на формирование словаря американского поп-арта, были художники Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг . [10] Раушенберг, который, как и Рэй Джонсон, посещал колледж Блэк-Маунтин в Северной Каролине после Второй мировой войны , находился под влиянием более ранних работ Курта Швиттерса и других художников -дадаистов , и его вера в то, что «живопись связана как с искусством, так и с жизнью», бросила вызов доминирующая модернистская точка зрения своего времени. [24] Его использование выброшенных готовых объектов (в его «Комбинатах ») и образов поп-культуры (в его шелкографиях) связало его работы с актуальными событиями в повседневной Америке. [10] [ 25] [26] Шелкография 1962–64 годов сочетала в себе выразительную манеру письма с вырезками из журналов Life , Newsweek и National Geographic . Картины Джона с флагами, мишенями, числами и картами США, а также трехмерные изображения банок из-под пива привлекли внимание к вопросам репрезентации в искусстве. [27] Работы Джонса и Раушенберга 1950-х годов часто называют нео-дадаизмом , и они визуально отличаются от прототипов американского поп-арта, который процветал в начале 1960-х годов. [28] [29]
Рой Лихтенштейн имеет не меньшее значение для американского поп-арта. Его работы и использование пародий , вероятно, лучше, чем какие-либо другие, определяют основную предпосылку поп-арта. [10] Выбрав в качестве сюжета старомодный комикс, Лихтенштейн создает резкую, точную композицию, которая документирует и в то же время мягко пародирует. Лихтенштейн использовал масло и краску Magna в своих самых известных работах, таких как «Тонущая девушка» (1963), которая была заимствована из главной истории комикса DC Comics « Secret Hearts #83». ( Тонущая девушка является частью коллекции Музея современного искусства .) [30] Его работы отличаются толстыми контурами, яркими цветами и точками Бен-Дея , обозначающими определенные цвета, как будто созданные путем фотографической репродукции. Лихтенштейн сказал: «[абстрактные экспрессионисты] помещали вещи на холст и реагировали на то, что они сделали, на цветовое положение и размеры. Мой стиль выглядит совершенно по-другому, но природа нанесения линий практически такая же; мой просто не выходите с каллиграфическим видом, как у Поллока или Клайна». [31] Поп-арт объединяет популярную и массовую культуру с изобразительным искусством, привнося в эту смесь юмор, иронию и узнаваемые образы/содержание.
Картины Лихтенштейна, как и картины Энди Уорхола, Тома Вессельмана и других, разделяют прямую привязанность к банальному образу американской массовой культуры, но также рассматривают предмет в безличной манере, ясно иллюстрируя идеализацию массового производства. [10]
Энди Уорхол, пожалуй, самая известная фигура в поп-арте. Фактически, искусствовед Артур Данто однажды назвал Уорхола «ближайшим к философскому гению, которого создала история искусства». [19] Уорхол пытался вывести поп-музыку из художественного стиля в образ жизни, и его работы часто демонстрируют отсутствие человеческой аффектации, что обходится без иронии и пародии многих его сверстников. [32] [33]
Клаас Ольденбург , Джим Дайн и Том Вессельманн провели свои первые выставки в галерее Джадсон в 1959 и 1960 годах, а затем с 1960 по 1964 год вместе с Джеймсом Розенквистом , Джорджем Сигалом и другими в Зеленой галерее на 57-й улице в Манхэттене. В 1960 году Марта Джексон показывала инсталляции и ассамбляжи , в New Media – New Forms участвовали Ханс Арп , Курт Швиттерс , Джаспер Джонс , Клаас Ольденбург, Роберт Раушенберг , Джим Дайн и Мэй Уилсон . 1961 год стал годом весеннего шоу Марты Джексон « Среда, ситуации, пространства» . [34] [35] Энди Уорхол провел свою первую персональную выставку в Лос-Анджелесе в июле 1962 года в галерее Ferus Ирвинга Блюма , где он показал 32 картины с изображением банок супа Кэмпелла, по одной на любой вкус. Уорхол продал комплект картин Блюму за 1000 долларов; в 1996 году, когда его приобрел Музей современного искусства, комплект был оценен в 15 миллионов долларов. [19]
Дональд Фактор, сын Макса Фактора-младшего , коллекционер произведений искусства и соредактор авангардного литературного журнала Nomad , написал эссе в последнем номере журнала Nomad/New York . Это эссе было одним из первых, посвященных тому, что впоследствии стало известно как поп-арт, хотя Фактор не использовал этот термин. Эссе «Четыре художника» посвящено Рою Лихтенштейну, Джеймсу Розенквисту , Джиму Дайну и Клаасу Ольденбургу. [36]
В 1960-х годах Ольденбург, который стал ассоциироваться с движением поп-арта, создал множество хэппенингов , которые представляли собой постановки того времени, связанные с перформансом . Своим постановкам он дал название «Театр Ray Gun». В состав коллег по его спектаклям вошли: артисты Лукас Самарас , Том Вессельманн , Кэроли Шнееманн , Ойвинд Фальстрем и Рихард Аршвагер ; дилер Аннина Носей; искусствовед Барбара Роуз ; и сценарист Руди Вурлитцер . [37] Его первая жена, Пэтти Муха, которая сшила многие из его ранних мягких скульптур, была постоянным участником его мероприятий. Этот дерзкий, часто юмористический подход к искусству сильно противоречил преобладающему мнению, что по своей природе искусство имеет дело с «глубокими» выражениями или идеями. В декабре 1961 года он арендовал магазин в Нижнем Ист-Сайде Манхэттена, чтобы разместить там «Магазин» — месячную инсталляцию, которую он впервые представил в галерее Марты Джексон в Нью-Йорке, наполненную скульптурами, примерно в форме потребительских товаров. [37]
Открывшаяся в 1962 году нью-йоркская галерея Виллема де Кунинга , арт-дилер Сидни Дженис , организовала революционную Международную выставку «новых реалистов» , обзор новых на сцене американского, французского, швейцарского, итальянского нового реализма и Британский поп-арт. Среди пятидесяти четырех представленных художников были Ричард Линднер , Уэйн Тибо , Рой Лихтенштейн (и его картина «Блам» ), Энди Уорхол, Клаас Ольденбург, Джеймс Розенквист , Джим Дайн, Роберт Индиана , Том Вессельманн , Джордж Сигал , Питер Филлипс, Питер Блейк ( « «Стена любви» 1961 года), Ойвинд Фальстрем , Ив Кляйн , Арман , Даниэль Сперри , Кристо и Миммо Ротелла . Выставку посмотрели европейцы Марсьяль Райсс , Ники де Сен-Фалль и Жан Тэнгли в Нью-Йорке, которые были ошеломлены размером и видом американских произведений искусства. Также были показаны Марисоль , Марио Скифано , Энрико Бай и Ойвинд Фальстрем . Дженис потерял некоторых из своих художников-абстракционистов-экспрессионистов, когда Марк Ротко , Роберт Мазервелл , Адольф Готлиб и Филип Гастон покинули галерею, но приобрел Дайна, Ольденбурга, Сигала и Вессельмана. [38] На вечере премьеры, организованном коллекционером Бертоном Тремейном, появился Виллем де Кунинг, но Тремейн, который по иронии судьбы владел рядом работ де Кунинга, отверг его. Розенквист вспоминал: «В тот момент я подумал, что что-то в мире искусства определенно изменилось». [19] Отказ уважаемому художнику-абстракционисту доказал, что уже в 1962 году движение поп-арта начало доминировать в художественной культуре Нью-Йорка.
Чуть раньше, на Западном побережье , Рой Лихтенштейн, Джим Дайн и Энди Уорхол из Нью-Йорка; Филип Хеффертон и Роберт Дауд из Детройта; Эдвард Руша и Джо Гуд из Оклахома-Сити; и Уэйн Тибо из Калифорнии были включены в выставку «Новая живопись обычных предметов» . Эту первую выставку музея поп-арта в Америке курировал Уолтер Хоппс в Художественном музее Пасадены . [39] Поп-арт был готов изменить мир искусства. Нью-Йорк последовал за Пасаденой в 1963 году, когда в Музее Гуггенхайма выставлялась выставка «Шесть художников и объект» , куратором которой был Лоуренс Аллоуэй . Художниками были Джим Дайн, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг, Джеймс Розенквист и Энди Уорхол. [40] Еще одной важной ранней выставкой был «Американский супермаркет» , организованный галереей Бьянкини в 1964 году. Выставка была представлена как типичная среда небольшого супермаркета, за исключением того, что в ней было все — продукты, консервы, мясо, плакаты на стенах и т. д. .—был создан выдающимися поп-артистами того времени, включая Эппл, Уорхола, Лихтенштейна, Вессельмана, Ольденбурга и Джонса. Этот проект был воссоздан в 2002 году в рамках выставки «Шоппинг галереи Тейт : век искусства и потребительской культуры» . [41]
К 1962 году поп-артисты начали выставляться в коммерческих галереях Нью-Йорка и Лос-Анджелеса; для некоторых это была их первая коммерческая персональная выставка. Галерея Ferus представила Энди Уорхола в Лос-Анджелесе (и Эда Рушу в 1963 году). В Нью-Йорке Зеленая галерея выставляла Розенквиста, Сигала, Ольденбурга и Вессельмана. В галерее «Стейбл» были представлены Р. Индиана и Уорхол (на его первой выставке в Нью-Йорке). Галерея Лео Кастелли представила Раушенберга, Джонса и Лихтенштейна. Марта Джексон показала Джима Дайна, а Аллен Стоун показал Уэйна Тибо. К 1966 году, после закрытия Зеленой галереи и галереи Ферус, галерея Лео Кастелли представляла Розенквиста, Уорхола, Раушенберга, Джонса, Лихтенштейна и Рушу. Галерея Сидни Джениса представляла Ольденбург, Сигала, Дайна, Вессельмана и Марисоль, Аллен Стоун продолжал представлять Тибо, а Марта Джексон продолжала представлять Роберта Индиану. [42]
В 1968 году на 9-й выставке в Сан-Паулу «Окружающая среда США: 1957–1967» была представлена тема поп-арта «Кто есть кто». Выставку , которая считается итогом классической фазы периода американского поп-арта, курировал Уильям Зейтц. Художниками были Эдвард Хоппер , Джеймс Гилл , Роберт Индиана , Джаспер Джонс , Рой Лихтенштейн , Клаас Ольденбург , Роберт Раушенберг , Энди Уорхол и Том Вессельманн . [43]
«Новый реализм» относится к художественному движению, основанному в 1960 году искусствоведом Пьером Рестани [44] и художником Ивом Кляйном во время первой коллективной выставки в галерее Аполлинера в Милане. Пьер Рестани написал первоначальный манифест группы под названием «Учредительная декларация нового реализма» в апреле 1960 года, провозглашая «Новый реализм — новые способы восприятия реальности». [45] Эта совместная декларация была подписана 27 октября 1960 года в мастерской Ива Кляйна девятью людьми: Ивом Кляйном, Арманом , Марсьялем Райссом , Пьером Рестани, Даниэлем Сперри , Жаном Тэнгли и ультра-леттристами , Франсуа Дюфреном , Раймоном Хейнсом , Жак де ла Вильгле ; в 1961 году к ним присоединились Сезар , Миммо Ротелла , затем Ники де Сен-Фалль и Жерар Дешам . Вместе с группой выступалхудожник Христо . Он был распущен в 1970 году. [45]
Современный американский поп-арт, часто воспринимаемый как его транспозиция во Франции, новый реализм был наряду с Fluxus и другими группами одной из многочисленных тенденций авангарда 1960-х годов. Первоначально группа выбрала Ниццу на Французской Ривьере в качестве своей базы, поскольку Кляйн и Арман родом из нее; Таким образом, историки часто ретроспективно рассматривают новый реализм как одного из первых представителей движения Школы Ниццы . [46] Несмотря на разнообразие пластического языка, они усматривали общую основу своего творчества; это метод прямого присвоения реальности, эквивалентный в терминах, используемых Рестани; к «поэтической переработке городской, индустриальной и рекламной реальности». [47]
В Испании изучение поп-арта связано с «новой фигуративностью», возникшей из истоков кризиса неформальности . Можно сказать, что Эдуардо Арройо вписывается в тенденцию поп-арта из-за его интереса к окружающей среде, его критики нашей медиакультуры, которая включает в себя символы как средств массовой информации , так и истории живописи, а также его презрения почти ко всем устоявшимся художественным направлениям. стили. Однако испанским художником, которого наиболее достоверно можно считать частью «поп-арта», является Альфредо Алькаин, поскольку он использует популярные образы и пустые пространства в своих композициях.
Также в категорию испанского поп-арта входит «Команда хроник» ( El Equipo Crónica ), существовавшая в Валенсии с 1964 по 1981 год и созданная художниками Маноло Вальдесом и Рафаэлем Сольбесом. Их движение можно охарактеризовать как «поп» из-за использования в нем комиксов и рекламных изображений, а также упрощения изображений и фотографических композиций. Режиссер Педро Альмодовар вышел из мадридской субкультуры «La Movida» 1970-х годов, сняв малобюджетные супер-8 поп-арт фильмов, и впоследствии средства массовой информации того времени называли его испанским Энди Уорхолом. В книге «Альмодовар об Альмодоваре» он сказал, что фильм 1950-х годов «Забавная мордашка» стал главным источником вдохновения для его творчества. Одной из визитных карточек фильмов Альмодовара является то, что он всегда создает фальшивую рекламу, которую нужно вставить в сцену.
.jpg/1280px-Pisupo_lua_afe_(Corned_beef_2000).jpg)
В Новой Зеландии поп-арт преимущественно процветал с 1990-х годов и часто связан с Кивианой . Кивиана — это поп-центрированное идеализированное представление классических икон киви , таких как мясные пироги , киви , тракторы , джандалы , супермаркеты Four Square ; присущая этому манерность часто подрывается, чтобы обозначить культурные послания. [48] Дик Фриззелл — известный новозеландский поп-артист, известный тем, что использовал старые символы Кивианы таким образом, чтобы пародировать современную культуру. Например, Фриззеллу нравится имитировать работы иностранных художников, придавая их работам уникальный новозеландский вид или влияние. Это сделано, чтобы показать исторически сдержанное влияние Новой Зеландии на мир; Таким образом , наивное искусство связано с поп-артом Аотеаро. [49]
Это также можно сделать резким и невозмутимым способом, как в знаменитой работе Мишеля Таффри «Pisupo Lua Afe» («Солонина, 2000») . Имея самоанское происхождение, Таффери построил произведение искусства, изображающее быка, из консервных банок из-под обработанных пищевых продуктов, известных как писупо . Это уникальное произведение западного поп-арта, поскольку Таффри включает в себя темы неоколониализма и расизма в отношении незападных культур (обозначаемых консервными банками с едой, из которых сделано произведение, которые символизируют экономическую зависимость, принесенную самоанцам Западом ). Неоспоримая точка зрения коренных народов выделяет его среди более распространенных произведений поп-арта, принадлежащих неместным народам. [50] [51]
Одним из первых и известных поп-артистов Новой Зеландии является Билли Эппл , один из немногих небританских членов Королевского общества британских художников . Представленный среди таких людей, как Дэвид Хокни , американец Р.Б. Китадж и Питер Блейк на выставке RBA « Молодые современники» в январе 1961 года , Эппл быстро стал знаковым международным художником 1960-х годов. Это было до того, как он придумал себе прозвище «Билли Эппл», и его работы выставлялись под его именем при рождении Барри Бейтс. Он стремился отличиться не только по имени, но и по внешнему виду, поэтому обесцветил свои волосы и брови с помощью Lady Clairol Instant Creme Whip. Позже Apple стала ассоциироваться с движением концептуального искусства 1970-х годов . [52]
В Японии поп-арт развился из известной авангардной сцены страны . Использование образов современного мира, скопированных из журналов, в картинах в стиле фотомонтажа, созданных Харуэ Когой в конце 1920-х — начале 1930-х годов, предвещало элементы поп-арта. [53] Японское движение Гутай привело к выставке Гутай в 1958 году в нью-йоркской галерее Марты Джексон, которой за два года предшествовала ее знаменитая выставка «Новые формы и новые медиа», которая сделала поп-арт популярным. [54] Работы Яёи Кусамы способствовали развитию поп-арта и оказали влияние на многих других художников, в том числе на Энди Уорхола. [55] [56] В середине 1960-х годов графический дизайнер Таданори Ёко стал одним из самых успешных поп-художников и международным символом японского поп-арта. Он хорошо известен своей рекламой и созданием произведений искусства для икон поп-культуры, таких как The Beatles , Мэрилин Монро и Элизабет Тейлор , среди других. [57] Еще одним ведущим поп-артистом того времени был Кейичи Танаами . Знаковые персонажи японской манги и аниме также стали символами поп-арта, например, Speed Racer и Astro Boy . Японская манга и аниме также повлияли на более поздних поп-исполнителей, таких как Такаши Мураками и его суперплоское движение.
В Италии к 1964 году поп-арт был известен и принимал различные формы, такие как «Скуола ди Пьяцца дель Пополо» в Риме с такими поп-артистами, как Марио Скифано , Франко Анджели , Джозетта Фиорони, Тано Феста, Клаудио Чинтоли и некоторыми произведениями искусства. Пьеро Манцони , Лучио Дель Пеццо , Миммо Ротелла и Валерио Адами .
Итальянский поп-арт зародился в культуре 1950-х годов – произведения художников Энрико Бая и Миммо Ротелла, если быть точным, по праву считаются предшественниками этой сцены. Фактически, примерно в 1958–1959 годах Бадж и Ротелла отказались от своей предыдущей карьеры (которая в общих чертах может быть определена как принадлежащая к нерепрезентативному жанру , несмотря на то, что она была полностью постдадаистской), чтобы катапультироваться в новый мир образов. и размышления о них, возникавшие повсюду вокруг них. Рваные плакаты Ротеллы демонстрировали все более образный вкус, часто явно и намеренно отсылая к великим иконам того времени. Композиции Баджа были пропитаны современным китчем , который оказался «золотой жилой» образов и стимулом для целого поколения художников.
Новизна заключалась в новой визуальной панораме как внутри «домашних стен», так и снаружи. Автомобили, дорожные знаки, телевидение, весь «новый мир», все может принадлежать миру искусства, которое само по себе ново. В этом отношении итальянский поп-арт идет по тому же идеологическому пути, что и международная сцена. Единственное, что меняется, — это иконография и в некоторых случаях наличие более критического отношения к ней. Даже в этом случае прототипы можно отнести к произведениям Ротеллы и Баджа, далеко не нейтральных в своих отношениях с обществом. Однако это не исключительный элемент; существует длинный ряд художников, в том числе Джанни Руффи, Роберто Барни , Сильвио Пасотти, Умберто Биньярди и Клаудио Чинтоли, которые воспринимают реальность как игрушку, как огромный резервуар образов, из которого можно черпать материал с разочарованием и легкомыслием, ставя под сомнение традиционные лингвистические образцы для подражания с обновленным духом «дайте мне повеселиться» а-ля Альдо Палаццески . [58]
В Бельгии поп-арт был в некоторой степени представлен Полом Ван Хойдонком, чья скульптура « Падший астронавт» была оставлена на Луне во время одной из миссий «Аполлона» , а также другими известными поп-артистами. Всемирно признанные художники, такие как Марсель Бротарс ( «vous êtes кукла?» ), Эвелин Акселл и Панамаренко, обязаны движению поп-арта; большое влияние на Бротарса оказал Джордж Сигал . Другой известный художник, Роджер Равил , смонтировал птичью клетку с настоящей живой голубь на одной из его картин. К концу 1960-х и началу 1970-х годов отсылки к поп-арту исчезли из работ некоторых из этих художников, когда они начали более критично относиться к Америке из-за все более ужасной войны во Вьетнаме. Однако Панамаренко сохранила иронию, присущую движению поп-арт, до наших дней. Эвелин Аксель из Намюра была плодовитой поп-художницей в период 1964–1972 годов. Аксель была одной из первых женщин-поп-художников, ее наставником был Магритт , а ее самая известная картина — «Мороженое » .
Хотя в Нидерландах не было официального движения поп-арта , существовала группа художников, которые проводили время в Нью-Йорке в первые годы поп-арта и черпали вдохновение в международном движении поп-арта. Среди представителей голландского поп-арта — Даан ван Голден , Гюстав Ассельбергс, Жак Френкен, Ян Кремер , Вим Т. Шипперс и Вуди ван Амен . Они выступили против голландского мелкобуржуазного менталитета, создавая юмористические произведения с серьезным подтекстом. Примеры такого рода — «Sex O’Clock» Вуди ван Амена и «Распятие/Цель » Жака Френкена. [60]
Россия немного опоздала, чтобы стать частью движения поп-арта, и некоторые произведения искусства, напоминающие поп-арт, появились только в начале 1970-х годов, когда Россия была коммунистической страной и за смелыми художественными высказываниями внимательно следили. Собственная российская версия поп-арта была на советскую тематику и называлась соц-артом . После 1991 года Коммунистическая партия потеряла свою власть, а вместе с ней пришла и свобода выражения мнений. Поп-арт в России принял другую форму, воплощенную Дмитрием Врубелем в его картине « Боже мой, помоги мне пережить эту смертельную любовь» в 1990 году. Можно утверждать, что советские плакаты, созданные в 1950-е годы для пропаганды богатства нации, были сам по себе является формой поп-арта. [61]
37-летний Роберт Раушенберг вспоминает учителя рисования, который «научил меня думать: «Почему бы и нет?»». Поскольку Раушенберг считается пионером в поп-арте, вероятно, именно здесь движение пошло по своей конкретной линии.
Почему бы не сделать искусство из старых газет, кусочков одежды, бутылок из-под кока-колы, книг, коньков, часов?
