Исполнительские искусства — это такие виды искусства , как музыка , танец и драма , которые исполняются для публики. [1] Они отличаются от визуальных искусств , которые подразумевают использование краски, холста или различных материалов для создания физических или статичных объектов искусства . Исполнительские искусства включают в себя ряд дисциплин, которые исполняются перед живой аудиторией, включая театр, музыку и танец.
Театр , музыка, танец, манипуляция предметами и другие виды представлений присутствуют во всех человеческих культурах. История музыки и танца восходит к доисторическим временам, тогда как цирковое искусство восходит, по крайней мере, к Древнему Египту . Многие исполнительские искусства исполняются профессионально. Представления могут проходить в специально построенных зданиях, таких как театры и оперные театры, на открытых сценах на фестивалях, на сценах в палатках, таких как цирки, или на улице.
Живые выступления перед аудиторией являются формой развлечения. Развитие аудио- и видеозаписи позволило частному потреблению исполнительского искусства. Исполнительское искусство часто направлено на выражение эмоций и чувств. [2]
Артисты, которые участвуют в исполнительском искусстве перед аудиторией, называются исполнителями. Примерами этого являются актеры , комики , танцоры , фокусники , артисты цирка , музыканты и певцы . Исполнительское искусство также поддерживается работниками смежных областей, таких как написание песен , хореография и сценическое мастерство . Исполнители часто адаптируют свой внешний вид , например, с помощью костюмов и сценического грима , сценического освещения и звука.
Исполнительские искусства могут включать танец, музыку, оперу, театр и музыкальный театр, магию , иллюзию , пантомиму , устное слово , кукольный театр , цирковое искусство , стендап-комедию , импровизацию , профессиональную борьбу и исполнительское искусство .
Существует также специализированная форма изобразительного искусства, в которой художники исполняют свои работы вживую перед аудиторией. Это называется перформанс . Большая часть перформанса также включает в себя некоторую форму пластического искусства , возможно, в создании реквизита . Танец часто называли пластическим искусством в эпоху современного танца . [3]
Театр — это отрасль исполнительского искусства, связанная с представлением историй перед аудиторией, используя сочетание речи, жестов, музыки, танца, звука и зрелища. Любой один или несколько из этих элементов считаются исполнительским искусством. В дополнение к стандартному стилю повествовательного диалога в пьесах, театр принимает такие формы, как пьесы, мюзиклы, опера, балет, иллюзия , пантомима , классический индийский танец , кабуки , пьесы пантомимы , импровизационный театр , комедия, пантомима и нетрадиционные или современные формы, такие как постмодернистский театр , постдраматический театр или перформанс.
В контексте исполнительских искусств танец обычно относится к человеческому движению , как правило, ритмичному, и к музыке, используемой как форма развлечения аудитории в условиях представления. Определения того, что составляет танец, зависят от социальных , культурных , эстетических , художественных и моральных ограничений и варьируются от функционального движения (например, народный танец ) до кодифицированных, виртуозных техник, таких как балет . [4]
Существует еще одна современная форма танца, которая появилась в 19-20 веках под названием стиль свободного танца . Эта форма танца была структурирована для создания гармоничной личности, которая включала такие черты, как физическая и духовная свобода. Айседора Дункан была первой танцовщицей, которая рассуждала о «женщине будущего» и разработала новый вектор хореографии, используя идею Ницше о «высшем разуме в свободном разуме». [5]
Танец — это мощный импульс, но искусство танца — это импульс, который искусные исполнители направляют в нечто, что становится чрезвычайно выразительным и может порадовать зрителей, которые сами не испытывают желания танцевать. Эти две концепции танцевального искусства — танец как мощный импульс и танец как искусно поставленное искусство, практикуемое в основном немногими профессионалами — являются двумя наиболее важными связующими идеями, проходящими через любое рассмотрение предмета. В танце связь между двумя концепциями сильнее, чем в некоторых других видах искусства, и ни одна из них не может существовать без другой. [4]
Хореография — это искусство создания танцев, а человек, занимающийся этим искусством, называется хореографом.
Музыка — это форма искусства, которая объединяет высоту тона , ритм и динамику для создания звука. Она может исполняться с использованием различных инструментов и стилей и делится на жанры, такие как фолк , джаз , хип-хоп , поп и рок и т. д. Как форма искусства, музыка может звучать в живом или записанном формате, и может быть спланированной или импровизированной.
Поскольку музыка — это многогранное искусство, она легко координируется со словами песен, как это делают физические движения в танце. Более того, она способна формировать человеческое поведение, поскольку она влияет на наши эмоции. [6]
Начиная с VI века до н. э. в Греции начался классический период исполнительского искусства , начатый трагическими поэтами, такими как Софокл . Эти поэты писали пьесы, которые в некоторых случаях включали танец (см. Еврипид ). Эллинистический период положил начало широкому использованию комедии.
Однако к 6 веку нашей эры западное исполнительское искусство в значительной степени прекратило свое существование, поскольку начались Темные века . В период с 9 по 14 век исполнительское искусство на Западе ограничивалось религиозными историческими постановками и моралите , организованными Церковью в честь святых дней и других важных событий.
В XV веке исполнительское искусство, как и искусство в целом, пережило возрождение, поскольку в Италии началась эпоха Возрождения и распространилась по всей Европе. В пьесах, некоторые из которых включали танец, которые исполнялись, и Доменико да Пьяченца приписывают первое использование термина ballo (в De Arte Saltandi et Choreas Ducendi ) вместо danza (танец) для его baletti или balli . Термин в конечном итоге стал Ballet . Первым Ballet как таковым считается Ballet Comique de la Reine Бальтазара де Божуайеля (1581).
К середине XVI века Commedia Dell'arte стала популярной в Европе, представив использование импровизации . В этот период также появились елизаветинские маски, включавшие музыку, танцы и сложные костюмы, а также профессиональные театральные компании в Англии. Пьесы Уильяма Шекспира в конце XVI века развились из этого нового класса профессионального исполнения.
В 1597 году была поставлена первая опера « Дафна» , и на протяжении XVII века опера быстро стала излюбленным развлечением аристократии большей части Европы, а затем и большого числа людей, живущих в городах и поселках по всей Европе.
Введение арки просцениума в Италии в XVII веке создало традиционную форму театра, которая сохраняется и по сей день. Тем временем в Англии пуритане запретили актерское мастерство, положив конец исполнительскому искусству, которое продолжалось до 1660 года. После этого женщины начали появляться как во французских, так и в английских пьесах. Французы ввели формальное обучение танцам в конце XVII века.
Именно в это время в американских колониях были поставлены первые пьесы .
В XVIII веке появление популярной оперы-буффа сделало оперу доступной для масс как форму представления. «Женитьба Фигаро» и « Дон Жуан» Моцарта являются знаковыми операми конца XVIII века.
На рубеже XIX века Бетховен и романтическое движение открыли новую эпоху, которая привела сначала к зрелищам большой оперы , а затем к музыкальным драмам Джузеппе Верди и Gesamtkunstwerk (целостному произведению искусства) опер Рихарда Вагнера, что напрямую привело к музыке XX века.
19 век был периодом роста исполнительских искусств для всех социальных классов, технических достижений, таких как введение газового освещения в театрах, бурлеска , танцев менестрелей и варьете. В балете женщины добиваются больших успехов в ранее мужском искусстве.
Современный танец возник в конце 19-го и начале 20-го века в ответ на ограничения традиционного балета. Появление Ballets Russes Сергея Дягилева (1909–1929) произвело революцию в балете и исполнительском искусстве в целом по всему западному миру, в первую очередь благодаря акценту Дягилева на сотрудничестве, которое объединило хореографов, танцоров, сценографов/художников, композиторов и музыкантов, чтобы оживить и революционизировать балет. Это чрезвычайно сложно.
«Система» Константина Станиславского произвела революцию в актерском мастерстве в начале 20 века и продолжает оказывать большое влияние на актеров театра и кино по сей день. В этот период на сцене появились как импрессионизм , так и современный реализм.
С изобретением кинематографа Томасом Эдисоном в конце XIX века и развитием киноиндустрии в Голливуде в начале XX века кино стало доминирующим средством выражения на протяжении XX и XXI веков.
Ритм-н-блюз , культурный феномен черной Америки, приобрел известность в начале XX века, оказав влияние на ряд более поздних популярных музыкальных стилей по всему миру.
В 1930-х годах Жан Розенталь представил то, что впоследствии стало современным сценическим освещением , изменив характер сцены, поскольку бродвейские мюзиклы стали феноменом в Соединенных Штатах.
После Второй мировой войны исполнительское искусство ознаменовалось возрождением балета и оперы в западном мире.
Постмодернизм доминировал в исполнительском искусстве в 1970-х и 1980-х годах. [7]
Традиции исполнения коренных народов Африки уходят корнями в ритуал , повествование, движение и музыку . [8] Представления были общими, рассказчики и зрители взаимодействовали и участвовали в призыве и ответе , который характеризуется тем, что вокалист поет фразу, которая затем повторяется или отвечает новой фразой другими исполнителями и/или зрителями. Эта древняя традиция уходит корнями во многие африканские культуры. [9]
Самое раннее записанное театральное событие датируется 2000 г. до н. э. и относится к церемониальным пьесам Древнего Египта . История бога Осириса ежегодно исполнялась на фестивалях по всей цивилизации, что ознаменовало известное начало длительных отношений между театром и религией. Драматический папирус Рамессеума , старейший сохранившийся иллюстрированный папирус, подробно описывает представление во время фестиваля Сед и использовался в качестве доказательства зарождения театральной традиции, которую западные ученые часто приписывают Древней Греции. [10]
Гриот — устный историк Западной Африки , который использует повествование, поэзию и музыку для выражения генеалогии и исторических повествований племен, которые он представляет, часто играя на таких инструментах, как кора . [11] Эта древняя профессия поддерживается положением лидера сообщества.
Самыми популярными формами театра в средневековом исламском мире были кукольный театр (который включал кукол-марионеток, теневые пьесы и постановки марионеток ) и живые страстные пьесы, известные как тазийя , где актеры воссоздавали эпизоды из мусульманской истории . В частности, шиитские исламские пьесы вращались вокруг шахида (мученичества) сыновей Али Хасана ибн Али и Хусейна ибн Али . Обычно это относится к страстным пьесам о битве при Кербеле и ее предшествующих и последующих событиях. Сэр Льюис Пелли начинает предисловие к своей книге о Тазие, утверждая, что «Если успех драмы измерять по воздействию, которое она производит на людей, для которых она написана, или на зрителей, перед которыми она представлена, то ни одна пьеса никогда не превзошла трагедию, известную в мусульманском мире как трагедия Хасана и Хусейна ». [12] Спустя годы Питер Шелковски, профессор иранских и исламских исследований в Нью-Йоркском университете , выбирает те же слова для начала своей книги «Тазие, ритуал и драма в Иране». [13] Живые светские пьесы были известны как ахраджа , записанные в средневековой литературе адаб , хотя они были менее распространены, чем кукольный театр и театр тазие . [14]
В Иране существуют и другие формы театральных представлений, такие как Naghali или Naqqāli (рассказывание историй), Ta'zieh , ٰRu-Howzi , Siah-Bazi , Parde-Khani и Mareke giri . До двадцатого века рассказывание историй было наиболее признанной формой развлечения, хотя и сегодня некоторые формы все еще сохраняются. Одна из форм, Naghali, традиционно исполнялась в кофейнях, где рассказчики, или Naghals (Naqqāls), только декламировали части истории за раз, таким образом сохраняя постоянную клиентуру. Эти истории были основаны на событиях исторического или религиозного значения и во многих из них ссылались на стихи из Шахнаме . Эти истории часто изменялись, чтобы связать их с атмосферой или настроением аудитории. [15]
Народный театр и драматическое искусство можно проследить до религиозной обрядности ведических народов во 2-м тысячелетии до н. э . Этот народный театр туманного прошлого был смешан с танцами, едой, обрядностью, а также изображением событий из повседневной жизни. Последний элемент сделал его источником классического театра более поздних времен. Многие историки, в частности Д. Д. Косамби, Дебипрасад Чаттопадхьяя, Адья Рангачарая и т. д., ссылались на распространенность обрядности среди индоарийских племен, в которой некоторые члены племени действовали так, как будто они были дикими животными, а некоторые другие были охотниками. Те, кто действовали как млекопитающие, такие как козы, буйволы, олени, обезьяны и т. д., преследовались теми, кто играл роль охотников. [ необходима цитата ]
Бхарата Муни (ок. 5–2 вв. до н. э.) был древнеиндийским писателем, наиболее известным по написанию Натья Шастры Бхараты , теоретического трактата об индийском исполнительском искусстве, включая театр, танец, актерское мастерство и музыку, который сравнивают с Поэтикой Аристотеля . Бхарату часто называют отцом индийского театрального искусства. Его Натья Шастра , по-видимому, является первой попыткой разработать технику или, скорее, искусство драмы в систематической манере. Натья Шастра говорит нам не только о том, что должно быть изображено в драме, но и о том, как должно быть сделано изображение. Драма, как говорит Бхарата Муни, — это подражание людям и их поступкам ( лока-вритти ). Поскольку люди и их поступки должны уважаться на сцене, драма на санскрите также известна под термином рупака , что означает изображение.{{ [16] }}
Рамаяна и Махабхарата могут считаться первыми признанными пьесами, которые возникли в Индии. Эти эпосы вдохновили самых ранних индийских драматургов, и они делают это даже сегодня. Индийские драматурги, такие как Бхаса во 2 веке до н. э., писали пьесы, которые были в значительной степени вдохновлены Рамаяной и Махабхаратой . [ требуется цитата ]
Калидаса в I веке до н. э., возможно, считается величайшим драматургом Древней Индии . Три известные романтические пьесы, написанные Калидасой, это Mālavikāgnimitram ( Mālavikā и Agnimitra ), Vikramōrvaśīyam ( Относящийся к Викраме и Урваши ) и Abhijñānaśākuntala ( Признание Шакунталы ). Последняя была вдохновлена историей из Махабхараты и является самой известной. Она была первой, переведенной на английский и немецкий языки. По сравнению с Бхасой, который во многом опирался на эпосы, Калидаса можно считать оригинальным драматургом. [ необходима цитата ]
Следующим великим индийским драматургом был Бхавабхути (ок. 7 в.). Говорят, что он написал следующие три пьесы: «Малати-Мадхава» , «Махавирачарита» и «Уттар Рамачарита» . Из этих трех последние две охватывают весь эпос «Рамаяна» . Могущественному индийскому императору Харше (606–648) приписывают написание трех пьес: комедии «Ратнавали» , «Приядаршика» и буддийской драмы «Нагананда» . В Средние века за ним последовали многие другие драматурги . [ требуется ссылка ]
В южной части Индии существовало множество форм исполнительского искусства. Керала — это штат с различными видами искусства, такими как Кудияттам , Нангьяркутху, Катхакали , Чакьяркутху , Тираяттам , и там было много выдающихся артистов, таких как Паинкулам Раман Чакьяр и другие. [ необходима ссылка ]
Существуют упоминания о театральных развлечениях в Китае еще в 1500 году до нашей эры во времена династии Шан ; они часто включали музыку, клоунаду и акробатические выступления. [17]
Династию Тан иногда называют «Эпохой 1000 развлечений». В эту эпоху император Сюаньцзун основал актерскую школу, известную как «Дети грушевого сада» , чтобы создать форму драмы, которая была в первую очередь музыкальной. [17]
Во времена династии Хань теневой театр впервые появился как признанная форма театра в Китае. Существовало две различные формы теневого театра: южный кантонский и северный пекинесский. Два стиля различались по способу изготовления кукол и расположению стержней на куклах, в отличие от типа игры, которую исполняли марионетки. Оба стиля обычно представляли пьесы, изображающие большие приключения и фантазию, редко эта очень стилизованная форма театра использовалась для политической пропаганды. Кантонские теневые куклы были более крупными из двух. Они были сделаны из толстой кожи, которая создавала более существенные тени. Символический цвет также был очень распространен; черное лицо представляло честность, красное - храбрость. Стержни, используемые для управления кантонскими куклами, были прикреплены перпендикулярно головам кукол. Таким образом, они не были видны зрителям, когда создавалась тень. Пекинские куклы были более изящными и маленькими. Они были сделаны из тонкой полупрозрачной кожи, обычно взятой с живота осла. Они были окрашены яркими красками, поэтому они отбрасывали очень красочную тень. Тонкие стержни, которые управляли их движениями, были прикреплены к кожаному ошейнику на шее куклы. Стержни шли параллельно телу куклы, а затем поворачивались под углом девяносто градусов, чтобы соединиться с шеей. Хотя эти стержни были видны, когда отбрасывалась тень, они лежали вне тени куклы; таким образом, они не мешали внешнему виду фигуры. Стержни крепились на шеях, чтобы облегчить использование нескольких голов с одним телом. Когда головы не использовались, их хранили в муслиновой книге или коробке, выстланной тканью. Головы всегда снимали на ночь. Это соответствовало старому суеверию, что если оставить их нетронутыми, то ночью куклы оживут. Некоторые кукловоды заходили так далеко, что хранили головы в одной книге, а тела в другой, чтобы еще больше уменьшить вероятность оживления кукол. Говорят, что театр теней достиг наивысшей точки художественного развития в XI веке, прежде чем стать инструментом правительства. [ необходима цитата ]
В династии Сун было много популярных пьес, включающих акробатику и музыку. Они развились в династии Юань в более сложную форму с четырех- или пятиактной структурой. Юаньская драма распространилась по всему Китаю и разделилась на многочисленные региональные формы, самой известной из которых является Пекинская опера, которая популярна и сегодня. [ необходима цитата ]
В Таиланде со времен Средневековья существовала традиция ставить пьесы, основанные на сюжетах из индийских эпосов. В частности, театральная версия национального эпоса Таиланда Рамакиен , версия индийской Рамаяны , остается популярной в Таиланде и сегодня.
В Камбодже надписи, датируемые VI веком н. э. , свидетельствуют о танцорах в местном храме и использовании кукольного театра для религиозных представлений. В древней столице Ангкор-Ват сюжеты из индийских эпосов Рамаяна и Махабхарата были вырезаны на стенах храмов и дворцов. Похожие рельефы найдены в Боробудуре в Индонезии.
На Филиппинах появилась знаменитая эпическая поэма «Ибонг Адарна» , первоначально озаглавленная «Коридо в Бухай на Пинагдаанан нг Татлонг Принсипенг Магкакапатид на анак нина Харинг Фернандо в Рейне Валериане са Кахарианг Бербания» (англ. « Корридо и жизнь, прожитая тремя принцами, детьми Король Фернандо и королева Валериана в королевстве Бербания») XVI века была написана Хосе де ла Крусом в испанскую эпоху . Помимо театральных представлений, разные киностудии/телевизионные производства снимали разные фильмы. Первый фильм «Анг Ибонг Адарна» был снят LVN Pictures , крупнейшей киностудией в истории Филиппин.
Флоранте в Лауре — это « авит » или стихотворение, состоящее из 12-сложных четверостиший с полным названием «Pinagdaanang Buhay ni Florante at ni Laura sa Kahariang Albanya» (англ. «История Флоранте и Лауры в Королевстве Албания »). было написано Франсиско Балагтасом в 1838 году во время его заключения, посвященное его возлюбленной Марии Асункуйон Ривере (по прозвищу «МАР», именуемой «Селя»). В стихотворении есть особая часть под названием « Кей Селя » (англ. «Для Селии»), специально посвященная Ривере.
Филиппинский национальный герой Хосе Рисаль , который также является романистом, создал две знаменитые поэмы на Филиппинах, Noli Me Tángere ( лат. «Не трогай меня», с острым ударением, добавленным на последнем слове в соответствии с испанской орфографией ) (1887), в которой описывается воспринимаемое неравенство испанских католических монахов и правящего правительства, и El Filibusterismo (переводы: флибустьерство; Подрывной или Подрывной, как в переводе на английский язык Locsín, также являются возможными переводами, также известный под своим альтернативным английским названием «Царство жадности») (1891). Темная тема романа резко отходит от обнадеживающей и романтической атмосферы предыдущего романа, обозначая обращение Ибарры к решению проблем своей страны насильственными средствами после того, как его предыдущая попытка реформировать систему страны не имела никакого эффекта и казалась невозможной из-за коррумпированного отношения испанцев к филиппинцам. Эти романы были написаны во время колонизации Филиппин Испанской империей .
Все эти литературные произведения входили в учебную программу программы K-12 для младших средних школ , Ibong Adarna входит в учебную программу 7-го класса; Florante at Laura (8-й класс); Noli Me Tángere (9-й класс); и El Filibusterismo (10-й класс).
.jpg/1280px-Performance_1_(in_Kagoshima).jpg){kind=spacer}
В XIV веке в Японии существовали небольшие труппы актёров , которые исполняли короткие, иногда вульгарные комедии. У директора одной из таких трупп, Канами (1333–1384), был сын, Дзэами Мотокиё (1363–1443), который считался одним из лучших детей-актёров в Японии. Когда труппа Канами выступала для Асикаги Ёсимицу (1358–1408), сёгуна Японии, он умолял Дзэами получить придворное образование для своего искусства. [18] После того, как Дзэами стал преемником своего отца, он продолжал выступать и адаптировать свой стиль к тому, что сегодня называется Но . Смесь пантомимы и вокальной акробатики, стиль театра Но стал одной из самых изысканных форм театрального представления в Японии. [19]
Япония, после длительного периода гражданских войн и политических беспорядков, была объединена и достигла мира, в первую очередь благодаря сёгуну Токугава Иэясу (1600–1668). Однако, встревоженный ростом числа христиан в стране из-за прозелитических усилий христианских миссионеров, он прекратил контакты Японии с Европой и Китаем и объявил христианство вне закона. Когда наступил мир, расцвет культурного влияния и растущий торговый класс потребовал собственных развлечений. Первой расцвеченной формой театра был нингё дзёрури (обычно называемый бунраку ). Основатель и главный участник нингё дзёрури, Тикамацу Мондзаэмон ( 1653–1725 ), превратил свою форму театра в настоящую форму искусства. нингё дзёрури — это сильно стилизованная форма театра с использованием кукол, сегодня примерно в 1⁄3 размера человека. Мужчины, которые управляют куклами, тренируются, чтобы стать мастерами-кукловодами, когда они могут управлять головой и правой рукой куклы и выбирать, показывать ли им свои лица во время представления. Другие кукловоды, управляющие менее важными конечностями куклы, закрывают себя и свои лица черным костюмом, чтобы подчеркнуть свою невидимость. Диалог ведет один человек, который использует различные тона голоса и манеры речи, чтобы имитировать разных персонажей. Тикамацу написал тысячи пьес за свою жизнь, большинство из которых используются и сегодня. [ необходима цитата ]
Кабуки зародился вскоре после Бунраку, легенда гласит, что это сделала актриса по имени Окуни, которая жила примерно в конце XVI века. Большая часть материала кабуки пришла из Но и Бунраку, и его беспорядочные танцевальные движения также являются следствием Бунраку. Однако кабуки менее формален и более далек, чем Но, но очень популярен среди японской публики. Актеры обучаются многим различным вещам, включая танцы, пение, пантомиму и даже акробатику. Кабуки сначала исполняли молодые девушки, затем молодые парни, и к концу XVI века труппы кабуки состояли только из мужчин. Мужчины, которые изображали женщин на сцене, были специально обучены выявлять сущность женщины в своих тонких движениях и жестах. [ необходима цитата ]
Меланезийский танец часто демонстрирует культурную тему мужественности, где лидерство и уникальный набор навыков важны для обмена с сообществом. [20] Эти танцы демонстрируют воинственность мужчины; однако они также могут представлять прибыльность, такую как поощрение разрешения конфликтов или исцеления. [21] Костюмы танцоров-имитаторов включают большие маски и нечеловеческие характеристики, которые имитируют мифические фигуры. Музыка также может выступать в качестве голоса для этих магических персонажей. [20]
