Эллинистическое искусство — это искусство эллинистического периода, который обычно начинается со смерти Александра Македонского в 323 г. до н. э. и заканчивается завоеванием греческого мира римлянами , процессом, который был в самом разгаре к 146 г. до н. э., когда была захвачена материковая Греция, и по сути завершился в 30 г. до н. э. завоеванием Птолемеевского Египта после битвы при Акциуме . Ряд самых известных произведений греческой скульптуры относятся к этому периоду, включая Лаокоона и его сыновей , Венеру Милосскую и Крылатую Викторию Самофракийскую . Он следует за периодом классического греческого искусства , в то время как последующее греко-римское искусство было в значительной степени продолжением эллинистических тенденций.
Термин «эллинистический» относится к расширению греческого влияния и распространению его идей после смерти Александра – «эллинизации» мира [1] с греческим койне в качестве общего языка. [2] Термин является современным изобретением; эллинистический мир включал не только огромную территорию, охватывающую все Эгейское море , а не классическую Грецию, сосредоточенную на полисах Афин и Спарты , но и огромный временной диапазон . В художественном плане это означает, что существует огромное разнообразие, которое часто для удобства помещают под заголовком «эллинистическое искусство».
Одной из определяющих характеристик эллинистического периода было разделение империи Александра на более мелкие династические империи, основанные диадохами ( генералами Александра, которые стали регентами различных регионов): Птолемеи в Египте , Селевкиды в Месопотамии , Персии и Сирии , Атталиды в Пергаме и т. д. Каждая из этих династий практиковала царское покровительство, которое отличалось от покровительства городов-государств. В окружении Александра были три художника: скульптор Лисипп , живописец Апеллес и огранщик и гравер Пирготель . [3] Период после его смерти был периодом большого процветания и значительной расточительности для большей части греческого мира, по крайней мере, для богатых. Королевские особы стали важными покровителями искусства. Скульптура, живопись и архитектура процветали, но вазовая живопись перестала иметь большое значение. Металлообработка и широкий спектр предметов роскоши создали много изящных произведений искусства. Некоторые виды народного искусства становились все более изощренными.
В истории существовала тенденция изображать эллинистическое искусство как декадентский стиль, следующий за Золотым веком классической Греции . Термины XVIII века «барокко» и «рококо» иногда применялись к искусству этого сложного и индивидуального периода. Возобновившийся интерес к историографии , а также некоторые недавние открытия, такие как гробницы Вергины , могут позволить лучше оценить этот период.
В области архитектуры династии, следующие за Гектором, привели к обширным городским планам и большим комплексам, которые в основном исчезли из городов-государств к V веку до н. э. [5] Дорический храм был фактически заброшен. [6] Такое городское планирование было довольно новаторским для греческого мира; вместо того, чтобы манипулировать пространством, исправляя его недостатки, планы строительства соответствовали естественной обстановке. Можно отметить появление многих мест развлечений и отдыха, в частности, увеличение числа театров и парков. Эллинистические монархии имели преимущество в этом отношении, поскольку у них часто были обширные пространства, где они могли строить большие города: такие как Антиохия , Пергам и Селевкия на Тигре .
Это было время гигантизма: так было со вторым храмом Аполлона в Дидиме , расположенным в двадцати километрах от Милета в Ионии . Он был спроектирован Дафнисом Милетским и Паионием Эфесским в конце четвертого века до нашей эры, но строительство, так и не завершенное, продолжалось вплоть до II века нашей эры. Святилище является одним из крупнейших, когда-либо построенных в Средиземноморском регионе: внутри огромного двора (21,7 метра на 53,6 метра) целла окружена двойной колоннадой из 108 ионических колонн высотой около 20 метров, с богато украшенными основаниями и капителями . [7]
Эллинистическая Александрия создала особый архитектурный язык форм, который часто называют барочным из-за его либерального использования орнамента и его перепрофилирования структурных элементов в декоративные элементы. Возможно, частично вдохновленные традиционной египетской архитектурой , александрийские архитекторы разработали новые формы, такие как сегментные, сломанные, полые и спиральные фронтоны и изогнутые арочные, вогнутые и сломанные антаблементы. [8] Эти барочные формы, по-видимому, существовали в Александрии по крайней мере ко 2 веку до н. э. [9] Многие из них были позже приняты по всей Римской империи и также значительно повлияли на высеченные в скалах гробницы Петры .
Александрийская архитектура также широко использовала коринфские капители , как на внешних, так и на внутренних элементах. (Самым ранним известным примером коринфского экстерьера в Александрии является храм Птолемея III Сараписа в Сарапеоне , который был построен где-то между 246-221 гг. до н. э., хотя пропилон святилища Великих богов на Самофракии , который был спонсирован Птолемеем II где-то между 285-246 гг. до н. э., также уже имел коринфские колонны на одном из своих фасадов.) Коринфские капители иногда сочетались с дорическими антаблементами, сочетание, которое редко встречалось где-либо еще в эллинистическом мире. Александрийские коринфские капители демонстрировали большое разнообразие форм и композиций, которые историки разделили на четыре различных типа.
Другими типичными чертами эллинистической александрийской архитектуры были основания колонн в виде листьев аканта , которые иногда вставлялись между стандартным основанием аттической колонны и стволом коринфской колонны, а также карнизы с характерными александрийскими плоскими желобчатыми и/или полыми квадратными модульонами.
Считается, что фрески второго римского стиля были вдохновлены александрийской архитектурой. [8]
Древний город Олинф был одним из архитектурных и художественных краеугольных камней в установлении связи между классическим и эллинистическим мирами.
На месте раскопок города Олинф было найдено более 100 домов. Интересно, что дома и другая архитектура сохранились невероятно хорошо. Это позволяет нам лучше понять, чем занимались в домах и как организовывалось и использовалось пространство внутри домов.
Дома в Олинфе обычно имели квадратную форму. Желаемый дом не обязательно был большим или экстравагантным, но скорее удобным и практичным. Это был признак цивилизации, который был чрезвычайно заметен в греческой культуре в эллинистический период и позже. Цивилизованная жизнь подразумевала поддержание прочного жилого пространства, поэтому при строительстве домов использовалось много материалов, похожих на кирпич. Для строительства этих жилищ обычно использовались камень, дерево, глиняный кирпич и другие материалы.
Другим элементом, который становился все более популярным в эллинистический период, было присоединение двора к дому. Дворы служили источником света для дома, поскольку греческие дома были закрыты снаружи, чтобы сохранить уровень приватности. На некоторых участках домов были найдены окна, но они, как правило, были высоко от земли и небольшого размера. Из-за проблемы приватности многие люди были вынуждены идти на компромисс со светом в доме. Хорошо освещенные помещения использовались для развлечений или более общественной деятельности, в то время как частные сектора дома были темными и закрытыми, что усложняло работу по дому.
Внутренние дворы обычно были центром дома, поскольку они предоставляли пространство для развлечений и источник света из самого интерьера дома. Чаще всего они были вымощены булыжником или галькой, но были обнаружены и мозаичные дворы. Мозаика была прекрасным способом для семьи выразить свои интересы и убеждения, а также способом добавить декор в дом и сделать его более визуально привлекательным. Этот художественный штрих к домам в Олинфе привносит еще один элемент цивилизованной жизни в это эллинистическое общество. [10]
Пергам, в частности, является характерным примером эллинистической архитектуры. Начиная с простой крепости, расположенной на Акрополе , различные цари Атталидов создали колоссальный архитектурный комплекс. Здания разбросаны вокруг Акрополя, чтобы учесть характер местности. Агора , расположенная на юге на самой низкой террасе, ограничена галереями с колоннадами (колоннами) или стои . Это начало улицы, которая пересекает весь Акрополь: она отделяет административные, политические и военные здания на востоке и вершине скалы от святилищ на западе, на средней высоте, среди которых наиболее выдающимся является то, которое укрывает монументальный Пергамский алтарь , известный как «двенадцати богов» или «богов и гигантов», один из шедевров греческой скульптуры. Колоссальный театр, способный вместить около 10 000 зрителей, имеет скамьи, встроенные в склоны холма. [11]
Плиний Старший , описав скульптуру классического периода, отмечает: Cessavit deinde ars («тогда искусство исчезло»). [12] По оценке Плиния, скульптура значительно пришла в упадок после 121-й Олимпиады (296–293 до н. э.). Последовал период застоя с кратким возрождением после 156-й (156–153 до н. э.), но без чего-либо, что соответствовало бы стандартам времени, предшествовавшего этому. [13]
В этот период скульптура становится более натуралистичной, а также экспрессивной; появляется интерес к изображению крайностей эмоций. Помимо анатомического реализма, эллинистический художник стремится представить характер своего объекта, включая такие темы, как страдание, сон или старость. Жанровые сюжеты простых людей, женщин, детей, животных и бытовые сцены стали приемлемыми темами для скульптуры, которую заказывали богатые семьи для украшения своих домов и садов; примером является « Мальчик с тернием» .
Создавались реалистичные портреты мужчин и женщин всех возрастов, и скульпторы больше не чувствовали себя обязанными изображать людей как идеалы красоты или физического совершенства. [14] Мир Диониса , пасторальная идиллия, населенная сатирами , менадами , нимфами и силенами , часто изображался в более ранней вазовой живописи и статуэтках, но редко в скульптуре в натуральную величину. « Старый пьяница в Мюнхене» безоговорочно изображает старую женщину, худую, изможденную, прижимающую к себе кувшин с вином. [15]
Поэтому этот период примечателен своими портретами : одним из таких является « Фавн Барберини» из Мюнхена , который представляет спящего сатира с расслабленной позой и встревоженным лицом, возможно, жертву кошмаров. « Бельведерский торс» , « Отдыхающий сатир» , « Кентавры Фуриетти» и «Спящий гермафродит» отражают схожие идеи. [16]
Другой известный эллинистический портрет — портрет Демосфена работы Полиевкта, на котором изображено хорошо прорисованное лицо и сложенные руки. [13]
Другое явление эллинистической эпохи проявляется в скульптуре: приватизация, [17] [18] наблюдаемая в повторном захвате старых общественных образцов в декоративной скульптуре. [19] Портретная живопись окрашена натурализмом под влиянием римского искусства . [20] Новые эллинистические города возникали по всему Египту , Сирии и Анатолии , которым требовались статуи, изображающие богов и героев Греции для их храмов и общественных мест. Это сделало скульптуру, как и гончарное дело, отраслью промышленности с последующей стандартизацией и некоторым снижением качества. По этим причинам сохранилось гораздо больше эллинистических статуй, чем в случае с классическим периодом.
Эллинистическая скульптура повторяет новшества так называемого «второго классицизма»: круглая скульптура обнаженной натуры , позволяющая любоваться статуей со всех сторон; изучение драпировки и эффектов прозрачности одежды, а также пластичности поз. [21] Так, Венера Милосская , даже повторяя классическую модель, отличается изгибом бедер.
Многофигурная группа статуй была эллинистическим нововведением, вероятно, 3-го века, снимающим эпические битвы более ранних рельефов фронтонов храмов со стен и помещающим их как группы статуй в натуральную величину. Их стиль часто называют « барокко », с экстравагантно искаженными позами тел и интенсивными выражениями лиц. Группа Лаокоона , подробно описанная ниже, считается одним из прототипических примеров стиля эллинистического барокко. [22]
_-_Arte_Ellenistica_Greca_-_Copia_Romana_-_Photo_Paolo_Villa_FO232046_ombre_gimp_bis.jpg/1280px-thumbnail.jpg)
Пергам отличался не только архитектурой: он также был местом блестящей школы скульптуры, известной как пергамское барокко. [23] Скульпторы, подражая предыдущим векам, изображают болезненные моменты, выраженные трехмерными композициями, часто V-образными, и анатомическим гиперреализмом. Фавн Барберини — один из примеров.
Аттал I (269–197 до н. э.) в ознаменование своей победы при Каикусе над галлами , которых греки называли галатами , приказал изваять две серии вотивных групп: первая, освященная на Акрополе Пергама, включает в себя знаменитого галла, убивающего себя и свою жену , оригинал которой утерян; вторая группа, подаренная Афинам, состоит из небольших бронзовых фигур греков, амазонок, богов и гигантов, персов и галлов. [24] Артемида Роспильози в Лувре, вероятно, является копией одной из них; что касается копий Умирающего галла , то в римский период их было очень много. Выражение чувств, сила деталей — здесь густые волосы и усы — и жестокость движений характерны для пергамского стиля. [25]
Эти характеристики достигают своего пика во фризах Большого алтаря Пергама , украшенного по приказу Эвмена II (197–159 гг. до н. э.) гигантомахией, простирающейся на 110 метров в длину, иллюстрирующей в камне поэму, написанную специально для двора. Олимпийцы торжествуют в нем, каждый со своей стороны, над гигантами, большинство из которых превращаются в диких зверей: змей, хищных птиц, львов или быков. Их мать Гея приходит им на помощь, но ничего не может сделать и должна смотреть, как они корчатся от боли под ударами богов. [26]
Одним из немногих городов-государств, которым удалось сохранить полную независимость от контроля любого эллинистического царства, был Родос . Продержавшись в течение года под осадой Деметрия Полиоркета (305–304 гг. до н. э.), родосцы построили Колосса Родосского в ознаменование своей победы. [27] Имея высоту 32 метра, он был одним из Семи чудес Древнего мира . Прогресс в литье бронзы позволил грекам создавать большие произведения. Многие из больших бронзовых статуй были утеряны — большинство было переплавлено для восстановления материала.
Обнаруженная в Риме в 1506 году и сразу увиденная Микеланджело [28] , она оказала огромное влияние на искусство эпохи Возрождения и барокко. Лаокоон , задушенный змеями, отчаянно пытается освободиться от их хватки, не удостоив при этом взглядом своих умирающих сыновей. Эта группа является одной из немногих неархитектурных древних скульптур, которые можно идентифицировать с теми, которые упоминаются древними писателями. Плиний Старший приписывает ее родосским скульпторам Агесандеру , Афинодору и Полидору. [28]
.jpg/1280px-The_Blinding_of_Polyphemus,_cast_reconstruction_of_the_group,_Sperlonga_(14969535228).jpg)
Иоганн Иоахим Винкельман , который первым сформулировал разницу между греческим, греко-римским и римским искусством, черпал вдохновение в « Лаокооне» . Готтхольд Эфраим Лессинг основывал многие идеи в своем «Лаокооне» (1766) на взглядах Винкельмана на гармонию и выражение в изобразительном искусстве. [29]
Фрагментированные скульптуры Сперлонги представляют собой еще одну серию «барочных» скульптур в эллинистическом стиле, возможно, созданных для императора Тиберия , который, несомненно, присутствовал при обрушении приморского грота на юге Италии, который они украшали. [28] Надписи указывают на то, что их изготовили те же скульпторы, что и группу Лаокоона, [30] или, возможно, их родственники.
Черты «барокко» в эллинистическом искусстве, преимущественно скульптуре, были противопоставлены современной тенденции, которая была описана как «рококо». Концепция эллинистического «рококо» была придумана Вильгельмом Кляйном в начале 20-го века. [31] В отличие от драматических скульптур «барокко», тенденция «рококо» подчеркивала игривые мотивы, такие как сатиры и нимфы . Вильгельм Кляйн считал скульптурную группу «Приглашение к танцу» ярким примером этой тенденции. [32] [33] Также легкомысленные изображения Афродиты , богини любви, и Эроса , считались типичными (как видно, например, в так называемой группе «Туфелька-шлепашка», изображенной ниже). Позже утверждалось, что предпочтение мотивов «рококо» в эллинистической скульптуре может быть связано с изменившимся использованием скульптуры в целом. Частное коллекционирование скульптур стало более распространенным в поздний эллинистический период, и в таких коллекциях, по-видимому, предпочтение отдавалось мотивам, характеризуемым как «рококо». [34]
Начиная со II века, неоаттический или неоклассический стиль рассматривается разными учеными либо как реакция на барочные излишества, возвращающая к версии классического стиля, либо как продолжение традиционного стиля культовых статуй. [35] Мастерские этого стиля стали в основном производителями копий для римского рынка, который предпочитал копии классических, а не эллинистических произведений. [36]
,_part_2.JPG/1280px-Statue_of_Poseidon_NAMA_235_(DerHexer),_part_2.JPG)
Картины и мозаики были важными средствами в искусстве, но ни один пример картин на панелях не пережил падения под натиском римлян. Можно получить некоторое представление о том, каковы они были, из связанных средств и того, что кажется копиями или свободными производными от картин в более широком диапазоне материалов.
Возможно, наиболее ярким элементом эллинистических картин и мозаик является возросшее использование пейзажа. [37] Пейзажи в этих произведениях искусства представляют знакомые натуралистические фигуры, а также демонстрируют мифологические и сакрально-идиллические элементы. [38] Пейзажные фризы и мозаики обычно использовались для отображения сцен из эллинистической поэзии, такой как поэзия Геронда и Феокрита. Эти пейзажи, которые выражали истории эллинистических писателей, использовались в доме, чтобы подчеркнуть образование и знания семьи о литературном мире. [39]
Сакроидиллический означает, что наиболее заметными элементами произведения искусства являются те, которые связаны с священными и пасторальными темами. [40] Этот стиль, который наиболее распространен в эллинистическом искусстве, сочетает священные и мирские элементы, создавая сказочную обстановку. [41] Сакроидиллические влияния переданы в римской мозаике « Нильская мозаика Палестрины », которая демонстрирует фантастические повествования с цветовой гаммой и обыденными компонентами, которые иллюстрируют Нил в его прохождении из Эфиопии в Средиземноморье. Включение эллинистических фонов можно также увидеть в работах по всей территории Помпеи, Кирены, Александрии. Более того, особенно в Южной России, цветочные элементы и ветви можно найти на стенах и потолках, разбросанных в беспорядочной, но традиционной манере, отражающей позднегреческий стиль. [42] Кроме того, картины «Cubiculum», найденные в вилле Боскореале, включают растительность и скалистую обстановку на заднем плане подробных картин грандиозной архитектуры.
_from_the_Villa_of_P._Fannius_Synistor_at_Boscoreale_MET_DP170950.jpg/1280px-Cubiculum_(bedroom)_from_the_Villa_of_P._Fannius_Synistor_at_Boscoreale_MET_DP170950.jpg)
Настенные росписи стали появляться более заметно в помпейский период. Эти настенные росписи не только демонстрировались в местах поклонения или в гробницах. [43] Часто настенные росписи использовались для украшения дома. Настенные росписи были распространены в частных домах в Делосе, Приене, Фере, Пантикапее, Ольвии и Александрии. [43]
Немногие примеры греческой настенной живописи сохранились на протяжении веков. Наиболее впечатляющими, с точки зрения демонстрации того, какой была высококачественная греческая живопись, являются те, что находятся в македонских королевских гробницах в Вергине . Хотя греческие художники отдают должное за то, что они привнесли фундаментальные способы представления в западный мир через свое искусство. Три основных качества, присущих только стилю эллинистического рисунка, — это трехмерная перспектива, использование света и тени для передачи формы и trompe-l'œil реализм. [44] Очень немногие формы эллинистической греческой живописи сохранились, за исключением деревянных панелей пинаке и тех, что были написаны на камне. Самые известные каменные росписи находятся на македонской гробнице в Агиос Афанасиос. [44]
Исследователи были ограничены изучением эллинистических влияний в римских фресках , например, в Помпеях или Геркулануме . Кроме того, некоторые из картин в Вилле Боскореале явно отражают утраченные эллинистические, македонские королевские картины. [45]
Недавние раскопки в Средиземноморье выявили технологию, используемую в эллинистической живописи. [46] Настенное искусство этого периода использовало две техники: технику секко и технику фрески . [46] Техника фрески требовала слоев богатой известью штукатурки для последующего украшения стен и каменных опор. [46] С другой стороны, для техники секко не требовалось никакой основы, в которой использовались гуммиарабик и яичная темпера для рисования завершающих деталей на мраморе или другом камне. [46] Эта техника проиллюстрирована на фризах каменной кладки, найденных в Делосе. [46] Обе техники использовали среды, которые были доступны на местном уровне, такие как терракотовые агрегаты в базовых слоях и натуральные неорганические пигменты, синтетические неорганические пигменты и органические вещества в качестве красителей. [46 ]
Недавние открытия включают в себя камерные гробницы в Вергине (1987) в бывшем царстве Македония , где было обнаружено множество фризов. [37] Например, в Гробнице II археологи нашли фриз в эллинистическом стиле, изображающий охоту на львов. [47] Этот фриз, найденный в гробнице, предположительно принадлежавшей Филиппу II , примечателен своей композицией, расположением фигур в пространстве и реалистичным изображением природы. [48] Другие фризы поддерживают реалистичное повествование, например, симпосий и пир или военный эскорт, и, возможно, пересказывают исторические события. [47]
Также недавно отреставрированы набатейские потолочные фрески I века в Расписном доме в Малой Петре в Иордании. [49] Поскольку набатеи торговали с римлянами, египтянами и греками, насекомые и другие животные, изображенные на картинах, отражают эллинизм, в то время как различные виды виноградных лоз ассоциируются с греческим богом Дионисом . [49]
Недавние археологические открытия на кладбище Пагасе (рядом с современным Волосом ), на краю залива Пагасетик, выявили некоторые оригинальные работы. Раскопки этого места под руководством доктора Арванитопулоса могут быть связаны с различными греческими художниками 3-го и 4-го веков и изображают сцены, которые намекают на правление Александра Македонского . [50] [51]
В 1960-х годах на Делосе была найдена группа настенных росписей . [52] Очевидно, что найденные фрагменты фризов были созданы сообществом художников, живших в поздний эллинистический период. [53] Фрески подчеркивали внутреннее убранство, передавая веру этих людей в то, что делосское учреждение останется достаточно стабильным и безопасным, чтобы это произведение искусства могло радовать домовладельцев в течение многих лет. [53]
Однако некоторые мозаики дают довольно хорошее представление о «великой живописи» того периода: это копии фресок. Эта форма искусства использовалась для украшения в первую очередь стен, полов и колонн. [54]
Развитие мозаичного искусства в эллинистический период началось с мозаики из гальки, лучше всего представленной на месте Олинфа с V века до н. э. Техника мозаики из гальки состояла в размещении небольших белых и черных камешков без определенной формы на круглой или прямоугольной панели для иллюстрации сцен мифологии. Белые камешки - немного отличающихся оттенков - размещались на черном или синем фоне для создания изображения. Черные камешки служили для обводки изображения. [54]
В мозаиках с места Пеллы , датируемых 4 веком до н. э., можно увидеть более развитую форму искусства. Мозаики с этого места демонстрируют использование гальки, которая была затенена в более широком диапазоне цветов и тонов. Они также показывают раннее использование терракоты и свинцовой проволоки для создания большей четкости контуров и деталей изображений в мозаиках. [54]
Следуя этому примеру, постепенно добавлялось больше материалов. Примерами такого расширенного использования материалов в мозаиках 3-го века до н. э. являются мелко нарезанные камни, колотая галька, стекло и обожженная глина, известные как тессеры . Это улучшило технику мозаики, помогая художникам создавать больше четкости, больше деталей, лучшее соответствие и еще более широкий диапазон цветов и тонов. [54]
.jpg/1280px-6_large_tesserae_(FindID_246594).jpg)
Несмотря на хронологический порядок появления этих техник, нет никаких фактических доказательств того, что мозаичная мозаика обязательно произошла от галечной мозаики. [55]
Opus vermiculatum и opus tessellatum были двумя различными техниками, которые использовались в этот период создания мозаики. Opus tessellatum относится к отредактированному размеру tessera ( небольшой блок камня, плитки, стекла или другого материала, используемого для создания мозаики), за которым следует увеличенное разнообразие форм, цветов и материалов, а также andamento – или узор, в котором была уложена tessera. Opus vermiculatum часто сочетается с этой техникой, но отличается по сложности и, как известно, имеет самое высокое визуальное воздействие. [54]
Большинство мозаик были изготовлены и уложены на месте. Однако ряд напольных мозаик демонстрирует использование техники эмблемата , в которой панели изображения создаются вне места на подносах из терракоты или камня. Эти подносы позже были помещены в основание на месте. [54]
На Делосе цветные затирки использовались в мозаиках opus vermiculatum, но в других регионах это не распространено. Есть один пример цветной затирки, использованной в Александрии в мозаике Dog и Askos. На Самосе и затирки, и тессеры окрашены.
Изучать цвет здесь сложно, так как затирки чрезвычайно хрупкие и уязвимые.
Научные исследования стали источником интересной информации относительно затирок и тессеров, используемых в эллинистической мозаике. Свинцовые полосы были обнаружены на мозаиках как определяющая характеристика техники поверхности. Свинцовые полосы отсутствуют в мозаиках здесь. На Делосе свинцовые полосы были распространены на мозаиках в стиле opus tessellatum. Эти полосы использовались для очерчивания декоративных границ и геометрических декоративных мотивов. Полоски были чрезвычайно распространены на мозаиках opus vermiculatum из Александрии. Поскольку свинцовые полосы присутствовали в обоих стилях типов поверхности, они не могут быть единственной характеристикой одного или другого типа. [56]
Редкий пример виртуозной мозаики в эллинистическом стиле, найденной на побережье Леванта. Благодаря техническому анализу мозаики исследователи предполагают, что эта мозаика была создана странствующим мастером, работавшим на месте . С 2000 года в верхней части Тель-Дора было обнаружено более 200 фрагментов мозаики, однако разрушение оригинальной мозаики неизвестно. [57] Археологи предполагают, что причиной является землетрясение или городское обновление. Первоначальный архитектурный контекст неизвестен, но стилистические и технические сравнения предполагают дату позднего эллинистического периода, оцениваемую примерно во второй половине второго века до н. э. Анализируя фрагменты, найденные на оригинальном месте, исследователи обнаружили, что оригинальная мозаика содержала централизованный прямоугольник с неизвестной иконографией, окруженный серией декоративных рамок, состоящих из перспективного меандра, за которым следует рамка из маски и гирлянды. [57] Эта мозаика состоит из двух разных техник изготовления мозаики, opus vermiculatum и opus tessellatum . [57]
Примером может служить мозаика Александра , изображающая противостояние молодого завоевателя и великого царя Дария III в битве при Иссе , мозаика с пола в Доме Фавна в Помпеях (ныне в Неаполе ). Считается, что это копия картины, описанной Плинием, которая была написана Филоксеном из Эретрии для царя Кассандра Македонского в конце IV века до н. э. [58] или даже картины Апеллеса, современника самого Александра. [59] Мозаика позволяет нам восхищаться выбором цветов вместе с композицией ансамбля с использованием поворотного движения и выражения лица.
Мозаика «Охота на оленя» работы Гнозиса — мозаика из богатого дома конца IV в. до н. э., так называемого «Дома похищения Елены » (или «Дома похищения Елены») в Пелле . Подпись («Gnosis epoesen», т. е. созданный Гнозисом) — первая известная подпись мозаичиста . [ 60]
Эмблема окаймлена замысловатым цветочным узором, который сам по себе окаймлен стилизованными изображениями волн . [62] Мозаика представляет собой мозаику из гальки с камнями, собранными на пляжах и берегах рек, которые были зацементированы. [62] Как это, возможно, часто бывало, [63] мозаика во многом отражает стили живописи. [64] Светлые фигуры на более темном фоне могут намекать на краснофигурную живопись. [64] Мозаика также использует штриховку , известную грекам как скиаграфия , в своих изображениях мускулатуры и плащей фигур. [64] Это, наряду с использованием перекрывающихся фигур для создания глубины , делает изображение трехмерным .
Эллинистический период в равной степени является временем развития мозаики как таковой, особенно в работах Сососа из Пергама , работавшего во II веке до н. э. и единственного художника-мозаичиста, упомянутого Плинием. [65] Его пристрастие к trompe-l'œil (оптической иллюзии) и эффекты этой среды обнаруживаются в нескольких работах, приписываемых ему, таких как «Неподметенный пол» в музее Ватикана, [66] представляющий остатки трапезы (рыбьи кости, кости, пустые ракушки и т. д.) и «Голубяная чаша» (сделанная из небольших камней opus vermiculatum tesserae ) [67] в Капитолийском музее , известная по репродукции, обнаруженной на вилле Адриана . [68] На ней можно увидеть четырех голубей, сидящих на краю позолоченной бронзовой чаши, наполненной водой. Одна из них поливает себя, в то время как другие, кажется, отдыхают, что создает эффекты отражений и тени, прекрасно изученные художником. Мозаичное панно «Dove Basin» — это эмблема, разработанная как центральная точка в остальном простого мозаичного пола. Эмблема изначально была импортирована из эллинистического восточного Средиземноморья, где в таких городах, как Пергам , Эфес и Александрия , были художники, специализирующиеся на мозаике. [67] Одним из них был Сосос из Пергама, самый знаменитый мозаичист античности, работавший во втором веке до нашей эры. [67]
По словам французского археолога Франсуа Шаму , мозаики Делоса на Кикладах представляют собой зенит мозаичного искусства эллинистического периода, использующего тессеры для создания сложных красочных сцен. [69] Этот стиль мозаики сохранялся до конца Античности и, возможно, оказал влияние на широкое использование мозаики в западном мире в Средние века . [69]
Эллинистический век наступает сразу после великого века расписной древнегреческой керамики , возможно, потому, что возросшее благосостояние привело к большему использованию тонкой металлической посуды (сейчас сохранилось очень мало) и упадку тонкой расписной «вазы» (термин, используемый для всех форм сосудов в гончарном деле). Большинство ваз этого периода черные и однородные, с блестящим внешним видом, приближающимся к лаковому, украшены простыми мотивами цветов или гирлянд . Формы сосудов часто основаны на формах металлических изделий: так, например, lagynos , винный кувшин, типичный для этого периода. Типы расписных ваз, которые продолжали производиться в эллинистический период, включают вазы Хадра и панафинейские амфоры .
Это также период так называемой мегарской керамики: [72] появились литые вазы с рельефным декором, несомненно, в подражание вазам из драгоценных металлов. На корпус вазы наносились рельефные венки. Встречаются также более сложные рельефы, основанные на животных или легендарных существах .
Краснофигурная живопись вымерла в Афинах к концу IV века до н. э. и была заменена тем, что известно как керамика Западного склона , названная так в честь находок на западном склоне Афинского Акрополя . Она состояла из росписи по коричневому шликеру и белой краске на обожженном черном шликерном фоне с некоторыми выгравированными деталями. [73]
Изображения людей уменьшились, их заменили более простые мотивы, такие как венки, дельфины, розетки и т. д. Разновидности этого стиля распространились по всему греческому миру, а наиболее заметными центрами стали Крит и Апулия , где фигуративные сцены продолжали пользоваться спросом.
,_III_sec_ac..JPG/1280px-Canosa_di_puglia,_askos_con_applique_(nike,_testa_di_medusa),_III_sec_ac..JPG)
Однако вазы Гнатия по-прежнему изготавливались не только в апулийском , но и в кампанском , пестанском и сицилийском стиле вазописи.
В Каноза ди Пулья на юге Италии в захоронениях 3 в. до н. э. можно было найти вазы с полностью трехмерными вставками. [74] Отличительной чертой ваз из Канозы являются водорастворимые краски. Синие, красные, желтые, светло-фиолетовые и коричневые краски наносились на белый фон.
Изделия Centuripe из Сицилии, которые называют «последним вздохом греческой вазописи», [1] имели полностью цветную темперную роспись, включая группы фигур, нанесенные после обжига, вопреки традиционной практике. Хрупкость пигментов препятствовала частому использованию этих ваз; они были зарезервированы для использования на похоронах, и многие были исключительно для показа, например, с крышками, которые не снимались. Эта практика, возможно, продолжалась до II века до н. э., что делает ее, возможно, последней вазописью со значимыми фигурами. [75] Мастерская работала по крайней мере до III века до н. э. Эти вазы характеризуются основанием, окрашенным в розовый цвет. Фигуры, часто женские, представлены в цветной одежде: сине-фиолетовый хитон , желтый гиматий , белая вуаль. Стиль напоминает Помпеи и черпает больше из великих современных картин, чем из наследия краснофигурной керамики.
Кирпичи и плитка использовались для архитектурных и других целей. Производство греческих терракотовых фигурок становилось все более важным. Терракотовые фигурки представляли божеств, а также предметы из современной жизни. Ранее предназначенная для религиозного использования, в эллинистической Греции терракота чаще использовалась для погребальных и чисто декоративных целей. Усовершенствование методов формовки позволило создавать настоящие миниатюрные статуи с высоким уровнем детализации, обычно окрашенные.
Несколько греческих стилей продолжили свое существование в римский период, и греческое влияние, частично переданное через древних этрусков , было значительным на древнеримскую керамику , особенно в фигурках.
Статуэтки Танагры из Танагры в Беотии и других центров, полные ярких красок, чаще всего представляют элегантных женщин в сценах, полных очарования. [76] В Смирне , в Малой Азии, бок о бок сосуществовали два основных стиля: прежде всего, копии шедевров великой скульптуры, таких как Геркулес Фарнезский из позолоченной терракоты.
В совершенно ином жанре существуют «гротески», которые резко контрастируют с канонами «греческой красоты»: короплатос (изготовитель статуэток) моделирует деформированные тела в извилистых позах — горбунов , эпилептиков , гидроцефалов , тучных женщин и т. д. Поэтому можно задаться вопросом, были ли это медицинские модели, поскольку город Смирна славился своей медицинской школой . Или это могли быть просто карикатуры, призванные вызывать смех. «Гротески» одинаково распространены как в Тарсе , так и в Александрии .
Одной из возникших тем был «негр», особенно в Птолемеевском Египте: эти статуэтки чернокожих подростков пользовались успехом вплоть до римского периода. [77] Иногда они сводились к повторению формы великих скульптур: так, можно найти многочисленные копии в миниатюре Тихе ( Судьбы или Случайности) из Антиохии , оригинал которой датируется началом III в. до н. э.
Образцы эллинистических гончарных изделий можно найти в городе Таксила на территории современного Пакистана , который был колонизирован греческими ремесленниками и гончарами после завоевания его Александром.
Из-за большого количества переплавленных бронзовых статуй сохранились только более мелкие предметы. В эллинистической Греции сырье было в изобилии после восточных завоеваний.
Работа над металлическими вазами приобрела новую полноту: художники соревновались между собой с большой виртуозностью. Фракийское сокровище Панагюриште (из современной Болгарии ) включает греческие предметы, такие как золотая амфора с двумя вздыбленными кентаврами , образующими ручки.
Кратер Дервени , из окрестностей Салоников , представляет собой большой бронзовый кратер с завитками , датируемый примерно 320 годом до нашей эры, весом 40 килограммов и изящно украшенный фризом высотой 32 сантиметра с рельефными фигурами, представляющими Диониса в окружении Ариадны и ее процессии сатиров и менад . [78] Горловина украшена орнаментальными мотивами, а четыре сатира в высоком рельефе небрежно сидят на плечах вазы.
Аналогичная эволюция наблюдается и в ювелирном искусстве. Ювелиры того времени преуспели в обработке деталей и филигранной работы: так, на похоронных венках очень реалистично изображены листья деревьев или колосья пшеницы. В этот период процветала инкрустация драгоценными камнями.
Именно в эллинистический период греки, которые до этого знали только формованное стекло, открыли технику выдувания стекла , что позволило создавать новые формы . Начиная с Сирии , [79] искусство стекла развивалось особенно в Италии. Формованное стекло продолжало развиваться, особенно в создании ювелирных изделий с инталией .
Искусство гравировки камней почти не развивалось, ограничиваясь предметами массового производства, которым не хватало оригинальности. В качестве компенсации появилась камея . Она заключается в рельефной резьбе на камне, состоящем из нескольких цветных слоев, что позволяет представить объект рельефно более чем одним цветом. Эллинистический период создал некоторые шедевры, такие как камея Гонзага , которая сейчас находится в Эрмитаже , и впечатляющие резные изделия из твердого камня, такие как Кубок Птолемеев в Париже. [80]
В эллинистический период на монетах все чаще использовались портреты. [81]
Подстегиваемые римским приобретением, элитным потреблением и спросом на греческое искусство, как греческие, так и римские художники, особенно после установления Римской Греции , стремились воспроизвести мраморные и бронзовые произведения искусства классического и эллинистического периодов. Они делали это, создавая формы оригинальных скульптур, производя гипсовые слепки , которые можно было отправить в любую мастерскую скульптора Средиземноморья, где эти произведения искусства могли быть продублированы. Часто это были точные репродукции оригиналов, но в других случаях они объединяли несколько элементов различных произведений искусства в одну группу или просто добавляли римские портретные головы к уже существующим атлетическим греческим телам. [82]
_(12853680765).jpg/1280px-Fragment_of_a_marble_relief_depicting_a_Kore,_3rd_century_BC,_from_Panticapaeum,_Taurica_(Crimea)_(12853680765).jpg)
.jpg/1280px-Group_of_Aphrodite,_Pan_and_Eros_(National_Archaeological_Museum_of_Athens,_1-31-2023).jpg)
.jpg/1280px-The_Hellenistic_Sculpture_(3471629378).jpg)
,_Ancient_Pella_(6913935544).jpg/1280px-thumbnail.jpg)
.jpg/1280px-Hellenistic_mosaic_floor_panel_of_an_Alexandrine_parakeet_from_Pergamon,_2nd_century_BC,_Pergamon_Museum_(8408107096).jpg)
![Гобелен Сампул, шерстяное настенное украшение из уезда Лоп, префектура Хотан, Синьцзян, Китай, изображающий, возможно, греческого солдата из Греко-Бактрийского царства (250–125 гг. до н. э.), с голубыми глазами, держащего копье и носящего на голове нечто, похожее на диадему; над ним изображен кентавр из греческой мифологии, распространенный мотив в эллинистическом искусстве;[70] Музей региона Синьцзян.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0b/UrumqiWarrior.jpg/1280px-UrumqiWarrior.jpg)
![Мозаика из Тмуиса (Мендес), Египет, созданная эллинистическим художником Софилосом (подпись) около 200 г. до н. э., в настоящее время находится в Греко-римском музее в Александрии, Египет; изображенная женщина — царица Птолемеев Береника II (правившая совместно со своим мужем Птолемеем III) как олицетворение Александрии.[71]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg/1280px-Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg)
.jpg/1280px-British_Museum_-_GR_1859-2-16-4_(Terracotta_D194).jpg)
![Статуя Марса с Форума Нервы, II в. н. э., основана на оригинале эпохи Августа, который, в свою очередь, использовал эллинистическую греческую модель IV в. до н. э., Капитолийские музеи[83]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/42/Pirro_-_Marte.jpg/1280px-Pirro_-_Marte.jpg)
.jpg/1280px-Roman_bronze_copy_of_Myron%E2%80%99s_Discobolos,_2nd_century_CE_(Glyptothek_Munich).jpg)
_-_Lateral_View.jpg/1280px-Boxer_of_Quirinal_(Mys_from_Taranto)_-_Lateral_View.jpg)
.jpg/1280px-%22Boy_with_Thorn%22_or_%22Spinario%22_(British_Museum).jpg)