Актёр или актриса — это человек, который изображает персонажа в постановке. [1] Актер играет «во плоти» в традиционной среде театра или в современных средствах массовой информации, таких как кино , радио и телевидение . Аналогичный греческий термин — ὑποκριτής ( hupokritḗs ), буквально «тот, кто отвечает». [2] Интерпретация роли актёром — искусство актёрской игры — относится к исполняемой роли, независимо от того, основана ли она на реальном человеке или вымышленном персонаже. Это также можно считать «актерской ролью», которая была названа так из-за свитков, используемых в театрах. Интерпретация происходит даже тогда, когда актёр «играет самого себя», как в некоторых формах экспериментального исполнительского искусства .
Раньше, в Древней Греции и средневековом мире , а также в Англии во времена Уильяма Шекспира , только мужчины могли стать актерами, а женские роли обычно играли мужчины или мальчики. [3] Хотя Древний Рим допускал женщин-актрис на сцену, лишь небольшому меньшинству из них давали говорящие роли. Однако итальянская комедия дель арте позволяла профессиональным женщинам выступать на ранних этапах; Лукреция Ди Сиена , чье имя указано в контракте актеров от 10 октября 1564 года, упоминается как первая итальянская актриса, известная по имени, наряду с Винченцой Армани и Барбарой Фламиния как первыми примадоннами и первыми хорошо документированными актрисами в Италии (и в Европе). [4] После Английской реставрации 1660 года женщины начали появляться на сцене в Англии. В наше время, особенно в пантомиме и некоторых операх, женщины иногда играют роли мальчиков или молодых людей. [5]
Первый зарегистрированный случай актера-исполнителя произошел в 534 г. до н. э. (хотя изменения в календаре за эти годы затрудняют точную дату), когда греческий исполнитель Феспис вышел на сцену Театра Диониса, чтобы стать первым известным человеком, произносящим слова как персонаж пьесы или истории. До поступка Фесписа греческие истории были выражены только в песне , танце и повествовании от третьего лица . В честь Фесписа актеров обычно называют феспийцами . Исключительно мужчины-актеры в театре Древней Греции выступали в трех типах драмы : трагедии , комедии и пьесе сатиров . [6] Это развилось и значительно расширилось при римлянах . Театр Древнего Рима был процветающей и разнообразной формой искусства, начиная от праздничных представлений уличного театра , обнаженных танцев и акробатики и заканчивая постановкой комедий положений и высококлассных , словесно сложных трагедий .
Поскольку Западная Римская империя пришла в упадок в IV и V веках, резиденция римской власти была перемещена на восток в Константинополь . Записи показывают, что пантомима , сценки или декламации из трагедий и комедий , танцы и другие развлечения были очень популярны. С V века Западная Европа погрузилась в период всеобщего беспорядка. Небольшие кочевые группы актеров путешествовали по Европе в течение всего периода, выступая везде, где могли найти публику; нет никаких доказательств того, что они создавали что-либо, кроме грубых сцен. [7] Традиционно актеры не имели высокого статуса; поэтому в Раннем Средневековье к бродячим актерским труппам часто относились с недоверием. Актеры Раннего Средневековья осуждались Церковью в Темные века , поскольку они считались опасными, безнравственными и языческими . Во многих частях Европы традиционные верования региона и времени означали, что актеры не могли быть похоронены по христианскому образцу.
В раннем Средневековье церкви в Европе начали ставить драматические версии библейских событий. К середине XI века литургическая драма распространилась от России до Скандинавии и Италии. Праздник дураков способствовал развитию комедии. В позднее Средневековье пьесы ставились в 127 городах. Эти народные мистериальные пьесы часто содержали комедию , в которых актеры играли дьяволов , злодеев и шутов . [8] Большинство актеров в этих пьесах были набраны из местного населения. Любительские исполнители в Англии были исключительно мужчинами, но в других странах были и женщины-исполнители.
В Средние века было поставлено несколько светских пьес, самая ранняя из которых — «Пьеса в Зеленом лесу» Адама де ла Галля, поставленная в 1276 году. Она содержит сатирические сцены и фольклорный материал, такой как феи и другие сверхъестественные явления. Фарсы также стали популярны после 13-го века. В конце позднего Средневековья в Англии и Европе начали появляться профессиональные актеры. Ричард III и Генрих VII оба содержали небольшие труппы профессиональных актеров. Начиная с середины 16-го века труппы комедии дель арте на протяжении столетий исполняли живые импровизационные пьесы по всей Европе. Комедия дель арте была театром, в центре которого был актер, для которого требовалось немного декораций и очень мало реквизита. Пьесы представляли собой свободные рамки, которые обеспечивали ситуации, осложнения и исход действия, вокруг которых импровизировали актеры. В пьесах использовались стандартные персонажи . Труппа обычно состояла из 13-14 участников. Большинству актеров выплачивалась доля от прибыли от спектакля, примерно соответствующая размеру их ролей.
Театр эпохи Возрождения произошел от нескольких средневековых театральных традиций, таких как мистерии , « моральные пьесы » и «университетская драма», которая пыталась воссоздать афинскую трагедию. Итальянская традиция комедии дель арте , а также сложные маски, часто ставившиеся при дворе, также внесли свой вклад в формирование публичного театра. Еще до правления Елизаветы I труппы актеров были прикреплены к домам ведущих аристократов и выступали сезонно в разных местах. Они стали основой для профессиональных актеров, выступавших на елизаветинской сцене .
Развитие театра и возможностей для актерского мастерства прекратилось, когда пуританская оппозиция сцене запретила постановку всех пьес в Лондоне. Пуритане считали театр безнравственным. Повторное открытие театров в 1660 году ознаменовало возрождение английской драмы. Английские комедии, написанные и поставленные в период Реставрации с 1660 по 1710 год, в совокупности называются «комедией Реставрации». Комедия Реставрации печально известна своей сексуальной откровенностью. В этот момент женщинам впервые разрешили появляться на английской сцене, исключительно в женских ролях. В этот период появились первые профессиональные актрисы и появились первые знаменитые актеры.
В 19 веке негативная репутация актеров в значительной степени изменилась, и актерство стало почетной, популярной профессией и искусством. [9] Рост актера как знаменитости обеспечил переход, поскольку зрители стекались к своим любимым «звездам». Появилась новая роль для актеров-менеджеров , которые создавали свои собственные компании и контролировали актеров, постановки и финансирование. [10] В случае успеха они создавали постоянную клиентуру, которая стекалась на их постановки. Они могли расширять свою аудиторию, отправляясь в турне по стране, исполняя репертуар известных пьес, таких как пьесы Шекспира. Газеты, частные клубы, пабы и кофейни гудели от оживленных дебатов, оценивающих относительные достоинства звезд и постановок. Генри Ирвинг (1838–1905) был самым успешным из британских актеров-менеджеров. [11] Ирвинг был известен своими шекспировскими ролями и такими нововведениями, как выключение света в зале, чтобы внимание могло больше сосредоточиться на сцене и меньше на зрителях. Его труппа гастролировала по всей Британии, а также по Европе и Соединенным Штатам, демонстрируя силу звездных актеров и прославленных ролей, привлекающих восторженную аудиторию. Его рыцарство в 1895 году означало полное принятие в высшие круги британского общества. [12]
К началу 20 века экономика крупномасштабных постановок вытеснила модель актер-менеджер. Было слишком сложно найти людей, которые сочетали бы в себе гениальность в актерстве и управлении, поэтому специализация разделила роли, и появились помощницы режиссеров , а позже и театральные режиссеры . С финансовой точки зрения, для работы за пределами крупного города требовался гораздо больший капитал. Решением стало корпоративное владение сетями театров, такими как Theatrical Syndicate , Edward Laurillard и особенно The Shubert Organization . Угождая туристам, театры в крупных городах все больше отдавали предпочтение длинным показам очень популярных пьес, особенно мюзиклов. Звезды с громкими именами стали еще более важными. [13]
Раньше в некоторых обществах актерами могли стать только мужчины. В Древней Греции и Древнем Риме [15] и средневековом мире считалось позорным для женщины выходить на сцену; тем не менее, женщины выступали в Древнем Риме и снова вышли на сцену в комедии дель арте в Италии в XVI веке; Лукреция ди Сиена стала, возможно, первой профессиональной актрисой со времен Древнего Рима. Во Франции и Испании в XVI веке также были женщины-актрисы. Однако в Англии Уильяма Шекспира женские роли обычно играли мужчины или мальчики. [3]
Когда восемнадцатилетний пуританский запрет на драму был снят после Английской Реставрации 1660 года, женщины начали появляться на сцене в Англии. Маргарет Хьюз часто приписывают как первую профессиональную актрису на английской сцене. [16] Ранее, Анджелика Мартинелли , член приезжей итальянской компании Commedia dell'arte, выступала в Англии еще в 1578 году, [17] но такие иностранные гостевые выступления были редкими исключениями, и в Англии не было профессиональных английских актрис. Этот запрет закончился во время правления Карла II отчасти потому, что ему нравилось смотреть на актрис на сцене. [18] В частности, Карл II выдал патентные грамоты Томасу Киллигрю и Уильяму Давенанту , предоставив им монопольное право на создание двух лондонских театральных компаний для исполнения «серьезной» драмы, и патентные грамоты были переизданы в 1662 году с изменениями, впервые разрешавшими актрисам выступать. [19]
Согласно OED , первое появление термина актриса было в 1608 году и приписывается Миддлтону . В 19 веке многие относились к женщинам в актерской игре негативно, поскольку актрисы часто были куртизанками и ассоциировались с распущенностью. Несмотря на эти предрассудки, в 19 веке также появились первые женщины-актрисы, наиболее известная из которых Сара Бернар . [20]
В Японии оннагата , или мужчины, исполняющие женские роли, использовались в театре кабуки , когда женщинам было запрещено выступать на сцене в период Эдо ; эта традиция продолжается. В некоторых формах китайской драмы, таких как пекинская опера , мужчины традиционно исполняли все роли, включая женские, в то время как в опере Шаосин женщины часто играют все роли, включая мужские. [21]
В наше время женщины иногда играли роли мальчиков или молодых мужчин. Например, сценическую роль Питера Пэна традиционно играет женщина, как и большинство главных мальчиков в британской пантомиме . В опере есть несколько « ролей в бриджах », которые традиционно исполняют женщины, обычно меццо-сопрано . Примерами являются Гензель в «Гензеле и Гретель» , Керубино в «Женитьбе Фигаро» и Октавиан в «Кавалере розы» .
Женщины, играющие мужские роли, редкость в кино, за исключением некоторых примечательных случаев. В 1982 году Стина Экблад сыграла загадочного Исмаэля Ретцински в фильме «Фанни и Александр» , а Линда Хант получила премию «Оскар» за лучшую женскую роль второго плана за роль Билли Квана в фильме «Год опасной жизни » . В 2007 году Кейт Бланшетт была номинирована на премию «Оскар» за лучшую женскую роль второго плана за роль Джуда Куинна, вымышленного образа Боба Дилана в 1960-х годах, в фильме « Меня там нет» .
В 2000-х годах женщины, играющие мужчин в живом театре, особенно часто появлялись в постановках старых пьес, таких как произведения Шекспира с большим количеством мужских персонажей в ролях, где пол не имеет значения. [5]
Переодевание актера в противоположный пол для комического эффекта также является давней традицией в комическом театре и кино. Большинство комедий Шекспира включают в себя примеры открытого переодевания , например, Фрэнсис Флейт в «Сне в летнюю ночь» . В фильме « Забавная вещь произошла по дороге на форум» главную роль играет Джек Гилфорд , переодетый молодой невестой. Тони Кертис и Джек Леммон, как известно, выдавали себя за женщин, чтобы скрыться от гангстеров в фильме Билли Уайлдера « В джазе только девушки» . Переодевание в одежду другого пола для комического эффекта часто использовалось в большинстве фильмов «Так держать » . Дастин Хоффман и Робин Уильямс каждый из них появлялись в хитовых комедийных фильмах ( «Тутси» и «Миссис Даутфайр» соответственно), в которых они сыграли большинство сцен, переодевшись в женщину.
Иногда проблема еще больше усложняется, например, когда женщина играет женщину, играющую роль мужчины, которая затем притворяется женщиной, как Джули Эндрюс в фильме «Виктор/Виктория» или Гвинет Пэлтроу в фильме «Влюбленный Шекспир» . В фильме «It's Pat: The Movie» зрители фильма так и не узнают пол главных героев-андрогинов Пэта и Криса (которых играют Джулия Суини и Дэйв Фоли ). Аналогично, в вышеупомянутом примере «Женитьба Фигаро» есть сцена, в которой Керубино (мужской персонаж, которого играет женщина) одевается и ведет себя как женщина; другие персонажи в сцене знают об одном уровне сокрытия гендерной роли, в то время как зрители знают о двух уровнях.
Несколько современных ролей исполняются представителем противоположного пола, чтобы подчеркнуть гендерную текучесть роли. Эдну Тернблад в «Лаке для волос» сыграла Дивайн в оригинальном фильме 1988 года , Харви Фирштейн в бродвейском мюзикле и Джон Траволта в мюзикле 2007 года . Эдди Редмэйн был номинирован на премию «Оскар» за роль Лили Эльбе ( трансгендерной женщины ) в фильме 2015 года «Девушка из Дании» . [22]
В отличие от древнегреческого театра, древнеримский театр допускал женщин-актрис. Хотя большинство из них редко использовались в речевых ролях, а скорее для танцев, в Риме было меньшинство актрис, занятых в речевых ролях, а также те, кто добился богатства, славы и признания своим искусством, такие как Эвхарис , Дионисия , Галерия Копиола и Фабия Арета , и они также основали свою собственную актерскую гильдию, Sociae Mimae , которая, очевидно, была довольно богатой. [23] Профессия, по-видимому, вымерла в поздней античности.
Хотя женщины не выступали на сцене в Англии до второй половины XVII века, они появлялись в Италии, Испании и Франции с конца XVI века. Лукреция Ди Сиена , чье имя указано в актерском контракте в Риме от 10 октября 1564 года, упоминается как первая итальянская актриса, известная по имени, наряду с Винченцой Армани и Барбарой Фламиния как первыми примадоннами и первыми хорошо документированными актрисами в Италии (и Европе). [4]
После 1660 года в Англии, когда женщины впервые начали появляться на сцене, термины актер или актриса изначально использовались взаимозаменяемо для женщин-исполнителей, но позже, под влиянием французского actrice , актриса стала общеупотребительным термином для женщин в театре и кино. Этимология представляет собой простое происхождение от актер с добавлением -ess . [24] При ссылке на группы исполнителей обоих полов предпочтение отдается актерам . [25]
В рамках профессии повторное принятие нейтрального термина относится к послевоенному периоду 1950-х и 1960-х годов, когда рассматривался вклад женщин в культурную жизнь в целом. [26] Когда The Observer и The Guardian опубликовали свое новое совместное руководство по стилю в 2010 году, в нем говорилось: «Используйте ['actor'] как для мужчин, так и для женщин-актеров; не используйте actress, за исключением случаев, когда это касается награды, например, Оскара за лучшую женскую роль». [25] Авторы руководства заявили, что «актриса относится к той же категории, что и писательница, комедиантка, менеджер, 'леди-врач', 'мужчина-медбрат' и подобные устаревшие термины, которые относятся к тому времени, когда профессии были в основном прерогативой одного пола (обычно мужчин)». (См. «мужчина» как норма .) «Как сказала Вупи Голдберг в интервью газете: «Актриса может играть только женщину. Я актриса — я могу играть что угодно » . [25] У британского профсоюза артистов Equity нет политики относительно использования «актера» или «актрисы » . Представитель Equity сказал, что профсоюз не верит в существование консенсуса по этому вопросу, и заявил, что «...тема разделяет профессию». [25] В 2009 году Los Angeles Times заявила, что «актриса» остается общим термином, используемым в главных актерских наградах, вручаемых женщинам-лауреатам [27] (например, премия «Оскар» за лучшую женскую роль ).
Что касается кинематографа Соединенных Штатов , то гендерно-нейтральный термин «player» был распространен в кино в эпоху немого кино и в первые дни Кодекса кинопроизводства , но в 2000-х годах в контексте кино он, как правило, считается архаичным . [ необходима ссылка ] Тем не менее, «player» по-прежнему используется в театре , часто включаясь в название театральной группы или компании, например, American Players , East West Players и т. д. Кроме того, актеры в импровизационном театре могут называться «players». [28]
В 2015 году Forbes сообщил, что «...только в 21 из 100 самых кассовых фильмов 2014 года главную или вторую главную роль исполняла женщина, в то время как только 28,1 процента персонажей в 100 самых кассовых фильмах были женщинами...». [29] «В США существует «общеотраслевой [разрыв] в зарплатах всех масштабов. В среднем белые женщины зарабатывают 78 центов на каждый доллар, заработанный белым мужчиной, в то время как испаноязычные женщины зарабатывают 56 центов на доллар белого мужчины, чернокожие женщины — 64 цента, а женщины коренных американцев — всего 59 центов на этот доллар». [29] Анализ Forbes зарплат актеров в США в 2013 году определил, что «...мужчины из списка самых высокооплачиваемых актеров Forbes за тот год заработали 2+1/2 раз больше денег, чем у самых высокооплачиваемых актрис. Это означает, что самые высокооплачиваемые актрисы Голливуда зарабатывали всего 40 центов на каждый доллар, который зарабатывали самые высокооплачиваемые мужчины». [30] [31] [32]
Актеры, работающие в театре , кино , на телевидении и радио, должны освоить определенные навыки. Методы, которые хорошо работают в одном типе актерской игры, могут не работать в другом типе актерской игры.
Чтобы играть на сцене, актерам необходимо выучить сценические указания, которые появляются в сценарии, такие как «Сцена слева» и «Сцена справа». Эти указания основаны на точке зрения актера, когда он стоит на сцене лицом к зрителям. Актеры также должны выучить значение сценических указаний «Upstage» (вдали от зрителей) и «Downstage» (по направлению к зрителям). [33] Театральным актерам необходимо выучить блокировку, которая заключается в том, «...где и как актер движется на сцене во время пьесы». Большинство сценариев указывают некоторые блокировки. Режиссер также дает инструкции по блокировке, такие как пересечение сцены или подбор и использование реквизита. [33]
Некоторым театральным актерам необходимо изучить сценический бой , который является имитацией боя на сцене. Актерам, возможно, придется имитировать рукопашный бой или бой на мечах. Актеров тренируют режиссеры поединков , которые помогают им выучить хореографическую последовательность боевых действий. [33]
С 1894 года до конца 1920-х годов фильмы были немыми . Актеры немого кино подчеркивали язык тела и выражение лица , чтобы зрители могли лучше понять, что актер чувствует и изображает на экране. Многие актеры немого кино, как правило, поражают современных зрителей своей простотой или манерностью . Мелодраматический стиль игры в некоторых случаях был привычкой, которую актеры переняли из своего прежнего сценического опыта. Театр водевиля был особенно популярным местом для многих американских актеров немого кино. [34] Всепроникающее присутствие театральных актеров в кино стало причиной этого взрыва у режиссера Маршалла Нейлана в 1917 году: «Чем раньше люди сцены, которые пришли в кино, уйдут, тем лучше для кино». В других случаях режиссеры, такие как Джон Гриффит Рэй, требовали от своих актеров демонстрировать более масштабные выражения для акцента. Еще в 1914 году американские зрители начали давать знать о своем предпочтении большей естественности на экране. [35]
Кинорежиссеры-пионеры в Европе и Соединенных Штатах осознали различные ограничения и свободы средств театрального и экранного искусства к началу 1910-х годов. Немые фильмы стали менее водевильными в середине 1910-х годов, поскольку различия между сценой и экраном стали очевидны. Благодаря работе таких режиссеров, как Д. У. Гриффит , кинематография стала менее театральной, а революционная в то время съемка крупным планом позволила тонкую и натуралистичную игру. В Америке компания Д. У. Гриффита Biograph Studios стала известна своей новаторской режиссурой и игрой, которая велась в соответствии с кинематографом, а не со сценой. Гриффит понял, что театральная игра не выглядит хорошо на пленке, и потребовал от своих актеров и актрис прохождения недель обучения актерскому мастерству в кино. [36]
Лилиан Гиш была названа «первой настоящей актрисой» кино за ее работу в этот период, поскольку она была пионером новых методов актерской игры в кино, признавая существенные различия между сценической и экранной игрой. Такие режиссеры, как Альберт Капеллани и Морис Турнер, начали настаивать на натурализме в своих фильмах. К середине 1920-х годов многие американские немые фильмы приняли более натуралистичный стиль актерской игры, хотя не все актеры и режиссеры сразу приняли натуралистичную, сдержанную игру; еще в 1927 году фильмы с экспрессионистским стилем актерской игры, такие как « Метрополис» , все еще выходили на экраны. [35]
По словам Антона Каеса, исследователя немого кино из Висконсинского университета, в американском немом кино начался сдвиг в актерских приемах между 1913 и 1921 годами, под влиянием приемов, найденных в немецком немом кино. Это в основном объясняется притоком эмигрантов из Веймарской республики , «включая режиссеров, продюсеров, операторов, осветителей и сценических техников, а также актеров и актрис». [37]
Киноактерам нужно научиться привыкать и чувствовать себя комфортно, когда камера находится перед ними. [38] Киноактерам нужно научиться находить и оставаться на своей «отметке». Это позиция на полу, отмеченная клейкой лентой. Это позиция, где оптимизируются освещение и фокус камеры. Киноактерам также нужно научиться хорошо готовиться и хорошо выступать на экранных тестах . Экранные тесты — это отснятое на пленку прослушивание части сценария.
В отличие от театральных актеров, которые разрабатывают персонажей для повторных выступлений, актерам кино не хватает последовательности, что заставляет их приходить ко всем сценам (иногда снятым в обратном порядке от того, в котором они в конечном итоге появляются) с уже полностью разработанным персонажем. [36]
«Поскольку кино фиксирует даже самый незначительный жест и преувеличивает его..., кино требует от актера менее яркого и стилизованного исполнения тела, чем театр». «Исполнение эмоций — самый сложный аспект актерской игры в кино: ... актер должен полагаться на едва заметные мимические движения, дрожь и крошечные подъемы бровей, чтобы создать правдоподобного персонажа». [36] Некоторые звезды театра «... совершили переход из театра в кино довольно успешно ( например, Лоуренс Оливье , Гленн Клоуз и Джули Эндрюс ), другие — нет...» [36]
«На телевизионном экране обычно есть несколько камер, направленных под углом к площадке. Актеры, которые являются новичками в актерской игре на экране, могут запутаться, в какую камеру смотреть». [33] Актерам телевидения необходимо научиться использовать петличные микрофоны ( петличные микрофоны ). [33] Актерам телевидения необходимо понимать концепцию «кадра». «Термин «кадр» относится к области, которую захватывает объектив камеры». [33] В актерской индустрии существует четыре типа телевизионных ролей, которые можно получить в шоу. Каждый тип отличается по известности, частоте появления и оплате. Первый известен как постоянный актер сериала — главные актеры шоу как часть постоянного состава. Актеры в повторяющихся ролях по контракту должны появляться в нескольких эпизодах сериала. Роль второго плана — это небольшая говорящая роль, которая обычно появляется только в одном эпизоде. Приглашенная звезда — это более крупная роль, чем роль второго плана , и персонаж часто является центральным элементом эпизода или неотъемлемой частью сюжета.
Радиодрама — это драматическое, чисто акустическое представление , транслируемое по радио или публикуемое на аудионосителях, таких как кассеты или компакт-диски. При отсутствии визуального компонента радиодрама зависит от диалога, музыки и звуковых эффектов, которые помогают слушателю представить персонажей и историю: «Она аудиальна в физическом измерении, но столь же сильна, как визуальная сила в психологическом измерении». [39]
Радиодрама достигла широкой популярности в течение десятилетия своего первоначального развития в 1920-х годах. К 1940-м годам она стала ведущим международным популярным развлечением. Однако с появлением телевидения в 1950-х годах радиодрама утратила часть своей популярности, а в некоторых странах так и не обрела большую аудиторию. Тем не менее, записи OTR ( старого радио ) сохранились и сегодня в аудиоархивах коллекционеров и музеев, а также на нескольких онлайн-сайтах, таких как Internet Archive .
По состоянию на 2011 год [обновлять]радиодрама имела минимальное присутствие на наземном радио в Соединенных Штатах. Большая часть американской радиодрамы ограничивается ретрансляциями или подкастами программ прошлых десятилетий. Однако в других странах все еще существуют процветающие традиции радиодрамы. Например, в Соединенном Королевстве BBC ежегодно выпускает и транслирует сотни новых радиопьес на Radio 3 , Radio 4 и Radio 4 Extra . Подкастинг также предложил средства создания новых радиодрам в дополнение к распространению старых программ.
Термины «аудиодрама» [40] или «аудиотеатр» иногда используются как синонимы «радиодрамы» с одним возможным отличием: аудиодрама или аудиотеатр не обязательно предназначены специально для трансляции по радио. Аудиодрамы, будь то недавно созданные или классические OTR, можно найти на компакт-дисках , кассетах , подкастах , веб-трансляциях и в обычных радиопередачах.
Благодаря достижениям в области цифровой записи и распространения через Интернет, радиодрама переживает возрождение. [41]
, до конца 1600-х годов зрители были против того, чтобы видеть женщин на сцене, из-за убеждения, что сценическое представление низводило их до статуса танцовщиц и проституток. Даже пьесы
Шекспира
исполнялись мальчиками, одетыми в женскую одежду.
«В то время как женские роли в пьесах до сих пор исполнялись мужчинами в женских привычках... мы разрешаем и даем разрешение на будущее, чтобы все женские роли исполнялись женщинами», — постановил Карл II в 1662 году. Согласно «Словарю фраз и басен Брюэра», первой актрисой, которая воспользовалась этой новой свободой, была Маргарет Хьюз в роли Дездемоны в «Отелло» 8 декабря 1660 года.
Кажется, нет никаких сомнений в том, что актрисы не выступали на сцене до Реставрации, в самые ранние годы которой, как говорит Пипс, он впервые увидел актрису на сцене. Карл II, должно быть, принес этот обычай с континента, где женщины долгое время использовались вместо мальчиков или юношей для представления женских персонажей.
Хотя
термин "актер"
относится к человеку, действующему независимо от пола, где этот термин "становится все более предпочтительным", термин "актриса" остается общеупотребительным; термин "актер" все чаще используется для обозначения исполнителей обоих полов как гендерно-нейтральный термин.
несколько десятилетий, прежде чем появилось слово «актриса» — 1700 г., согласно Оксфордскому словарю английского языка, более чем через столетие после того, как слово «актер» впервые было использовано для обозначения театрального исполнителя, вытеснив менее профессионально звучащее «игрок».
