Маньеризм — стиль в европейском искусстве , возникший в последние годы итальянского Высокого Возрождения около 1520 года, распространившийся примерно к 1530 году и просуществовавший до конца XVI века в Италии, когда его в значительной степени заменил стиль барокко . Северный маньеризм продолжал существовать до начала XVII века. [1]
Маньеризм охватывает множество подходов, на которые повлияли и которые реагируют на гармоничные идеалы, связанные с такими художниками, как Леонардо да Винчи , Рафаэль , Вазари [2] и ранний Микеланджело . В то время как искусство Высокого Возрождения подчеркивает пропорцию, равновесие и идеальную красоту, маньеризм преувеличивает такие качества, что часто приводит к композициям, которые являются асимметричными или неестественно элегантными. [3] Известный своими искусственными (в отличие от натуралистических) качествами, [4] этот художественный стиль отдает предпочтение композиционной напряженности и нестабильности, а не равновесию и ясности ранней живописи Возрождения. Маньеризм в литературе и музыке примечателен своим весьма витиеватым стилем и интеллектуальной утонченностью. [5]
Определение маньеризма и его фаз продолжает оставаться предметом споров среди историков искусства. Например, некоторые ученые применяли этот термин к некоторым ранним современным формам литературы (особенно поэзии) и музыки XVI и XVII веков. Этот термин также используется для обозначения некоторых художников поздней готики [6], работавших в Северной Европе примерно с 1500 по 1530 год, особенно антверпенских маньеристов [7] — группы, не связанной с итальянским движением. Маньеризм также применялся по аналогии к Серебряному веку латинской литературы . [8]
Слово «маньеризм» происходит от итальянского maniera , что означает «стиль» или «манера». Как и английское слово «style», maniera может либо указывать на определенный тип стиля (красивый стиль, абразивный стиль), либо указывать на абсолют, который не нуждается в квалификации (кто-то «имеет стиль»). [9] Во втором издании своих « Жизнеописаний прекраснейших живописцев, скульпторов и архитекторов» (1568) Джорджо Вазари [10] использовал maniera в трех различных контекстах: для обсуждения манеры или метода работы художника; для описания личного или группового стиля, например, термин maniera greca для обозначения средневекового итало-византийского стиля или просто maniera Микеланджело ; и для подтверждения положительного суждения о художественном качестве. [11] Вазари также был художником-маньеристом, и он описал период, в котором он работал, как «la maniera moderna» или «современный стиль». [12] Джеймс В. Мироло описывает, как поэты "Bella maniera" пытались превзойти виртуозностью сонеты Петрарки . [13] Это понятие "Bella maniera" предполагает, что художники, которые были таким образом вдохновлены, стремились копировать и улучшать своих предшественников, а не напрямую противостоять природе. По сути, "Bella maniera" использовала лучшее из нескольких исходных материалов, синтезируя это в нечто новое. [13]
Как стилистический ярлык, «маньеризм» нелегко определить. Он был использован швейцарским историком Якобом Буркхардтом и популяризирован немецкими историками искусства в начале 20-го века для классификации, казалось бы, не поддающегося категоризации искусства итальянского 16-го века — искусства, которое больше не демонстрировало гармоничных и рациональных подходов, связанных с Высоким Возрождением. «Высокое Возрождение» означало период, отличающийся гармонией, величием и возрождением классической античности. Термин «маньеризм» был переопределен в 1967 году Джоном Ширманом [14] после выставки картин маньеристов, организованной Фрицем Гроссманном в Художественной галерее Манчестер-Сити в 1965 году. [15]
Однако историки расходятся во мнениях относительно того, является ли маньеризм стилем, движением или периодом. Некоторые авторы называют его «Поздним Возрождением». [16] Хотя этот термин остается спорным, он по-прежнему широко используется для обозначения европейского искусства и культуры XVI века. [17]
К концу Высокого Возрождения молодые художники пережили кризис: [3] Казалось, что все, чего можно было достичь, уже достигнуто. Больше не оставалось никаких трудностей, технических или иных, которые нужно было решить. Детальное знание анатомии, света, физиогномики и того, как люди регистрируют эмоции в выражении и жесте, новаторское использование человеческой формы в образной композиции и использование тонкой градации тона — все это достигло почти совершенства. Молодым художникам нужно было найти новую цель, и они искали новые подходы. [18] В этот момент начал зарождаться маньеризм. [3] Новый стиль развивался между 1510 и 1520 годами либо во Флоренции, либо в Риме, либо в обоих городах одновременно. [19]
Этот период описывается как «естественное продолжение» [5] искусства Андреа дель Сарто , Микеланджело и Рафаэля. Микеланджело разработал свой стиль в раннем возрасте, глубоко оригинальный, который сначала вызывал огромное восхищение, а затем часто копировался и имитировался другими художниками той эпохи. [5] Одним из качеств, которым больше всего восхищались его современники, была его terribilità , чувство внушающего благоговение величия, и последующие художники пытались подражать ему. [5] Другие художники изучали страстный и очень личный стиль Микеланджело, копируя работы мастера, стандартный способ, которым студенты учились рисовать и лепить. Его потолок Сикстинской капеллы давал им примеры для подражания, в частности, его изображение собранных фигур, часто называемых ignudi , и Ливийской сивиллы , его вестибюль в Библиотеке Лаврентия , фигуры на его гробницах Медичи и, прежде всего, его Страшный суд . Поздний Микеланджело был одним из величайших образцов маньеризма. [5] Молодые художники ворвались в его дом и украли у него рисунки. [20] В своей книге «Жизнеописания наиболее выдающихся живописцев, скульпторов и архитекторов » Джорджо Вазари отметил, что Микеланджело однажды сказал: «Те, кто являются последователями, никогда не смогут пройти мимо тех, за кем они следуют». [20]
Дух соперничества культивировался покровителями, которые поощряли спонсируемых художников подчеркивать виртуозную технику и соревноваться друг с другом за заказы. Это побуждало художников искать новые подходы и драматически освещенные сцены, сложные одежды и композиции, удлиненные пропорции, сильно стилизованные позы и отсутствие четкой перспективы. Леонардо да Винчи и Микеланджело получили заказ от гонфалоньера Пьеро Содерини на украшение стены в Зале пятисот во Флоренции. Эти два художника должны были рисовать бок о бок и соревноваться друг с другом, [ нужна цитата ] подпитывая стимул быть максимально инновационными. [ нужна цитата ]
Ранние маньеристы во Флоренции, особенно ученики Андреа дель Сарто , такие как Якопо да Понтормо и Россо Фьорентино , отличаются удлиненными формами, неустойчиво сбалансированными позами, сжатой перспективой, иррациональными обстановками и театральным освещением. Пармиджанино (ученик Корреджо ) и Джулио Романо (главный помощник Рафаэля) двигались в схожих стилизованных эстетических направлениях в Риме. Эти художники созрели под влиянием Высокого Возрождения, и их стиль был охарактеризован как реакция на него или преувеличенное его расширение. Вместо того чтобы изучать природу напрямую, молодые художники начали изучать эллинистическую скульптуру и картины мастеров прошлого. Поэтому этот стиль часто определяют как «антиклассический», [21] хотя в то время он считался естественным продолжением Высокого Возрождения. Самая ранняя экспериментальная фаза маньеризма, известная своими «антиклассическими» формами, продолжалась примерно до 1540 или 1550 года. [19] Марсия Б. Холл , профессор истории искусств в Университете Темпл, отмечает в своей книге « После Рафаэля » , что преждевременная смерть Рафаэля ознаменовала начало маньеризма в Риме. [ необходима ссылка ]
В прошлых анализах было отмечено, что маньеризм возник в начале XVI века одновременно с рядом других социальных, научных, религиозных и политических движений, таких как гелиоцентризм Коперника , разграбление Рима в 1527 году и растущий вызов протестантской Реформации власти католической церкви. Из-за этого удлиненные формы стиля и искаженные формы когда-то интерпретировались как реакция на идеализированные композиции, распространенные в искусстве Высокого Возрождения. [22] Это объяснение радикального стилистического сдвига около 1520 года вышло из-под научного внимания, хотя раннее искусство маньеризма по-прежнему резко контрастирует с условностями Высокого Возрождения; доступность и равновесие, достигнутые Афинской школой Рафаэля , похоже, больше не интересовали молодых художников. [ требуется ссылка ]
Второй период маньеризма обычно отделяют [ требуется цитата ] от более ранней, так называемой «антиклассической» фазы. Последующие маньеристы подчеркивали интеллектуальное тщеславие и художественную виртуозность, черты, которые заставили поздних критиков обвинить их в работе в неестественной и напускной «манере» ( maniera ). Художники маньеры смотрели на своего старшего современника Микеланджело как на свою главную модель; их искусство было подражанием искусству, а не искусству, подражающему природе. Историк искусства Сидней Джозеф Фридберг утверждает, что интеллектуализирующий аспект искусства маньеры заключается в ожидании того, что его аудитория заметит и оценит эту визуальную ссылку — знакомую фигуру в незнакомой обстановке, заключенную в «невидимые, но ощущаемые кавычки». [23] Вершиной искусственности является склонность художника маньеры к преднамеренному присвоению цитаты. Аньоло Бронзино и Джорджо Вазари являются примерами этого направления Maniera, которое длилось примерно с 1530 по 1580 год. Основанное в основном при дворах и в интеллектуальных кругах по всей Европе, искусство Maniera сочетает преувеличенную элегантность с изысканным вниманием к поверхности и деталям: фарфоровые фигуры откидываются в ровном, сдержанном свете, признавая зрителя холодным взглядом, если они вообще устанавливают зрительный контакт. Сюжет Maniera редко проявляет много эмоций, и по этой причине работы, иллюстрирующие эту тенденцию, часто называют «холодными» или «отчужденными». Это типично для так называемого «стильного стиля» или Maniera в его зрелости. [24]
Города Рим, Флоренция и Мантуя были центрами маньеризма в Италии. Венецианская живопись следовала другому курсу, представленному Тицианом в его долгой карьере. Ряд самых ранних художников-маньеристов, работавших в Риме в 1520-х годах, покинули город после разграбления Рима в 1527 году. По мере того, как они расселялись по континенту в поисках работы, их стиль распространялся по всей Италии и Северной Европе. [25] Результатом стал первый международный художественный стиль со времен готики . [26] Другие части Северной Европы не имели преимущества такого прямого контакта с итальянскими художниками, но стиль маньеризма давал о себе знать через гравюры и иллюстрированные книги. Европейские правители, среди прочих, покупали итальянские работы, в то время как североевропейские художники продолжали путешествовать в Италию, помогая распространять стиль маньеризма. Отдельные итальянские художники, работавшие на Севере, дали начало движению, известному как северный маньеризм . Франциску I Французскому , например, была подарена картина Бронзино « Венера, Купидон, Безумие и Время» . Стиль пошел на убыль в Италии после 1580 года, когда новое поколение художников, включая братьев Карраччи , Караваджо и Чиголи , возродило натурализм. Вальтер Фридлендер определил этот период как «антиманьеризм», так же как ранние маньеристы были «антиклассиками» в своей реакции, отходя от эстетических ценностей Высокого Возрождения [21] : 14 и сегодня братья Карраччи и Караваджо единодушно считают, что начали переход к живописи в стиле барокко, который стал доминирующим к 1600 году.
За пределами Италии, однако, маньеризм продолжал существовать и в XVII веке. Во Франции, куда Россо отправился работать при дворе в Фонтенбло , он известен как « стиль Генриха II » и оказал особое влияние на архитектуру. Другие важные континентальные центры северного маньеризма включают двор Рудольфа II в Праге , а также Харлем и Антверпен . Маньеризм как стилистическая категория реже применяется к английским визуальным и декоративным искусствам, где чаще применяются такие местные ярлыки, как « елизаветинский » и « якобинский ». Ремесленный маньеризм XVII века является одним из исключений, применяемым к архитектуре, которая опирается на книги образцов, а не на существующие прецеденты в континентальной Европе. [27]
Особо следует отметить фламандское влияние в Фонтенбло, которое сочетало эротизм французского стиля с ранней версией традиции vanitas , которая будет доминировать в голландской и фламандской живописи XVII века. В это время преобладал pittore vago , описание художников с севера, которые вошли в мастерские во Франции и Италии, чтобы создать по-настоящему интернациональный стиль.
Как и в живописи, ранняя итальянская скульптура маньеризма была в значительной степени попыткой найти оригинальный стиль, который превзошел бы достижения Высокого Возрождения , что в скульптуре по сути означало Микеланджело, и большая часть борьбы за достижение этого была разыграна в заказах на заполнение других мест на площади Синьории во Флоренции, рядом с Давидом Микеланджело . Баччо Бандинелли перенял проект Геркулеса и Какуса у самого мастера, но тогда он был ненамного популярнее, чем сейчас, и злонамеренно сравнивался Бенвенуто Челлини с «мешком дынь», хотя он имел долгосрочный эффект, по-видимому, вводя рельефные панели на пьедестал статуй. Как и другие его работы и работы других маньеристов, он удаляет гораздо больше исходного блока, чем это сделал бы Микеланджело. [28] Бронзовый «Персей с головой Медузы» Челлини , безусловно, является шедевром, разработанным с восемью углами зрения, еще одной характерной чертой маньеризма, и искусственно стилизованным по сравнению с « Давидами » Микеланджело и Донателло. [29] Первоначально он был ювелиром, его знаменитая золотая и эмалевая «Солонка» (1543) была его первой скульптурой и демонстрирует его талант в лучшем виде. [30]
Небольшие бронзовые фигурки для коллекционных шкафов , часто мифологические сюжеты с обнаженными фигурами, были популярной формой эпохи Возрождения, в которой Джамболонья , изначально фламандец , но живший во Флоренции, преуспел во второй половине века. Он также создал скульптуры в натуральную величину, две из которых вошли в коллекцию на площади Синьории. Он и его последователи разработали элегантные удлиненные примеры figura serpentinata , часто из двух переплетенных фигур, которые были интересны со всех сторон. [31]
Мнения Джорджо Вазари об искусстве живописи проявляются в похвалах, которые он воздает коллегам-художникам в своих многотомных « Жизнеописаниях художников» : он считал, что совершенство в живописи требует утонченности, богатства изобретательности ( invenzione ), выраженной через виртуозную технику ( maniera ), а также остроумия и изучения, которые проявляются в готовой работе, все критерии, которые подчеркивают интеллект художника и восприимчивость покровителя. Художник теперь был не просто обученным членом местной гильдии Святого Луки. Теперь он занял свое место при дворе рядом с учеными, поэтами и гуманистами, в атмосфере, которая способствовала признанию элегантности и сложности. Герб покровителей Вазари из рода Медичи изображен в верхней части его портрета, как если бы он был собственным гербом художника. Обрамление гравюры на дереве «Жизнеописаний» Вазари в англоязычной среде назвали бы « якобинским ». В нем гробницы Медичи Микеланджело вдохновляют антиархитектурные "архитектурные" черты наверху, бумажную проколотую раму, обнаженных сатиров у основания. Как простая рама она экстравагантна: маньеризм, короче говоря..
Другой литературной фигурой того периода является Джан Паоло Ломаццо , который создал две работы — одну практическую и одну метафизическую — которые помогли определить сознательное отношение художника-маньериста к своему искусству. Его Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architettura (Милан, 1584) отчасти является руководством по современным концепциям декорума , которые Ренессанс унаследовал отчасти от Античности, но маньеризм развил. Систематическая кодификация эстетики Ломаццо, которая олицетворяет более формализованные и академические подходы, типичные для конца XVI века, подчеркивала созвучие между функциями интерьеров и видами живописных и скульптурных декоров, которые были бы подходящими. Иконография, часто запутанная и абстрактная, является более заметным элементом в стилях маньеризма. Его менее практичная и более метафизическая работа « Идеальный храм живописи » ( Милан, 1590) предлагает описание человеческой природы и личности в русле теории « четырех темпераментов », определяя роль индивидуальности в суждениях и художественном изобретении.
Маньеризм был антиклассическим движением, которое сильно отличалось от эстетических идеологий эпохи Возрождения . [32] Хотя маньеризм изначально был принят с позитивом, основанным на трудах Вазари , [32] позже он стал рассматриваться в негативном свете, поскольку он рассматривал его исключительно как «изменение естественной истины и банальное повторение естественных формул». [32] Как художественный момент, маньеризм включает в себя множество характеристик, которые являются уникальными и специфичными для экспериментирования с тем, как воспринимается искусство. Ниже приведен список многих конкретных характеристик, которые художники-маньеристы использовали в своих произведениях.
Творчество Якопо да Понтормо является одним из важнейших вкладов в маньеризм. [34] Он часто черпал сюжеты из религиозных повествований; находясь под сильным влиянием работ Микеланджело, [34] он часто ссылается на скульптурные формы или использует их в качестве моделей для своих композиций. [32] Известным элементом его творчества является передача взглядов различных фигур, которые часто направлены на зрителя в разных направлениях. [32] Преданный своей работе, Понтормо часто выражал беспокойство по поводу ее качества и был известен тем, что работал медленно и методично. [32] Его наследие высоко ценится, поскольку он оказал влияние на таких художников, как Аньоло Бронзино , и эстетические идеалы позднего маньеризма. [34]
«Иосиф в Египте » Понтормо , написанная в 1517 году, [32] изображает текущее повествование из четырех библейских сцен, в которых Иосиф воссоединяется со своей семьей. В левой части композиции Понтоморо изображает сцену, в которой Иосиф представляет свою семью фараону Египта . Справа Иосиф едет на катящейся скамье, а херувимы заполняют композицию вокруг него в дополнение к другим фигурам и большим камням на тропе вдалеке. Над этими сценами находится винтовая лестница, по которой Иосиф ведет одного из своих сыновей к их матери наверху. Последняя сцена справа — это финальная стадия смерти Иакова, за которой наблюдают его сыновья. [32]
В картине Понтормо «Иосиф в Египте» много элементов маньеризма. Одним из элементов является использование несочетаемых цветов, таких как различные оттенки розового и синего, которые составляют большую часть холста . Дополнительным элементом маньеризма является непоследовательное управление временем в истории Иосифа через различные сцены и использование пространства. Благодаря включению четырех различных повествований Понотормо создает загроможденную композицию и общее ощущение занятости.
Россо Фьорентино , который был соучеником Понтормо в студии Андреа дель Сарто , в 1530 году привёз флорентийский маньеризм в Фонтенбло , где он стал одним из основателей французского маньеризма XVI века, широко известного как Школа Фонтенбло .
Примеры богатого и беспокойного декоративного стиля в Фонтенбло далее распространили итальянский стиль через гравюры в Антверпене , а оттуда по всей Северной Европе, от Лондона до Польши. Маньеристский дизайн распространился на предметы роскоши, такие как серебро и резная мебель. Чувство напряженных, контролируемых эмоций, выраженное в сложной символике и аллегории , и идеал женской красоты, характеризующийся удлиненными пропорциями, являются чертами этого стиля.
Аньоло Бронзино был учеником Понтормо, [35] чей стиль был очень влиятельным и часто сбивающим с толку с точки зрения выяснения атрибуции многих произведений искусства. [35] В течение своей карьеры Бронзино также сотрудничал с Вазари в качестве художника-декоратора для постановки «Комедия фокусников», где он написал много портретов . [35] Работы Бронзино были востребованы, и он пользовался большим успехом, когда стал придворным художником семьи Медичи в 1539 году. [35] Уникальной маньеристской характеристикой работ Бронзино было изображение молочных тонов лица . [35]
На картине « Венера, Купидон, Глупость и Время » Бронзино изображает эротическую сцену, которая оставляет зрителя с большим количеством вопросов, чем ответов. На переднем плане Купидон и Венера почти целуются, но останавливаются, как будто их поймали на месте преступления. Над парой находятся мифологические фигуры, Отец Время справа, который откидывает занавеску, чтобы показать пару, и изображение богини ночи слева. Композиция также включает в себя группу масок, гибридное существо, состоящее из черт девушки и змеи, и человека, изображенного в мучительной боли. Существует множество теорий относительно картины, например, что она передает опасности сифилиса или что картина функционировала как придворная игра. [36]
Маньеристские портреты Бронзино отличаются спокойной элегантностью и тщательным вниманием к деталям. В результате, как говорят, натурщики Бронзино излучают отчужденность и выраженную эмоциональную дистанцию от зрителя. Также присутствует виртуозная концентрация на захвате точного рисунка и блеска богатых тканей. В частности, в Венере , Купидоне, Безумии и Времени Бронзино использует тактику маньеристского движения, внимание к деталям, цвету и скульптурным формам. Свидетельство маньеристского движения очевидно в неловких движениях Купидона и Венеры, когда они искажают свои тела, чтобы частично обняться. В частности, Бронзино рисует цвет лица с многочисленными формами как идеальный фарфоровый белый с плавным стиранием их мускулов, что дает ссылку на гладкость скульптуры.
Картина Алессандро Аллори (1535–1607) «Сусанна и старцы» ( внизу ) отличается скрытым эротизмом и сознательно блестящей детализацией натюрморта в насыщенной, искаженной композиции.
Якопо Тинторетто был известен своим совершенно иным вкладом в венецианскую живопись после наследия Тициана . Его работы, которые сильно отличались от работ его предшественников, критиковались Вазари за их «фантастический, экстравагантный, причудливый стиль». [37] В своей работе Тинторетто перенял элементы маньеризма, которые отдалили его от классического представления о венецианской живописи, поскольку он часто создавал произведения искусства, которые содержали элементы фантазии и сохраняли натурализм . [37] Другие уникальные элементы работы Тинторетто включают его внимание к цвету посредством регулярного использования грубых мазков кисти [37] и эксперименты с пигментом для создания иллюзии. [37]
Произведение искусства, связанное с характеристиками маньеризма, — это « Тайная вечеря »; она была заказана Микеле Алабарди для Сан-Джорджо Маджоре в 1591 году. [37] В «Тайной вечере » Тинторетто сцена изображена с точки зрения группы людей вдоль правой стороны композиции. С левой стороны картины Христос и апостолы занимают одну сторону стола и выделяют Иуду . В темном пространстве есть несколько источников света; один источник испускается нимбом Христа и висящим над столом факелом.
В своей особой композиции « Тайная вечеря» отображает черты маньеризма. Одной из черт, которую использует Тинторетто, является черный фон. Хотя картина дает некоторое представление о внутреннем пространстве с помощью перспективы , края композиции в основном окутаны тенью, что придает драматизм центральной сцене « Тайной вечери» . Кроме того, Тинторетто использует эффекты прожектора со светом, особенно с нимбом Христа и висящим над столом факелом. Третьей чертой маньеризма, которую использует Тинторетто, являются атмосферные эффекты фигур, сформированных в дыму и парящих по композиции.
Эль Греко пытался выразить религиозные эмоции преувеличенными чертами. После реалистичного изображения человеческой формы и мастерства перспективы, достигнутого в Высоком Возрождении, некоторые художники начали намеренно искажать пропорции в разрозненном, иррациональном пространстве для эмоционального и художественного эффекта. Эль Греко по-прежнему остается глубоко оригинальным художником. Современные ученые характеризуют его как художника настолько индивидуального, что он не принадлежит ни к одной традиционной школе. [5] Ключевые аспекты маньеризма у Эль Греко включают в себя резкую «кислотную» палитру, удлиненную и изуродованную анатомию, иррациональную перспективу и свет, а также неясную и тревожную иконографию. [38] [39] Стиль Эль Греко был кульминацией уникальных разработок, основанных на его греческом наследии и путешествиях в Испанию и Италию. [40]
Творчество Эль Греко отражает множество стилей, включая византийские элементы, а также влияние Караваджо и Пармиджанино в дополнение к венецианскому колориту . [40] Важным элементом является его внимание к цвету, поскольку он считал его одним из важнейших аспектов своей живописи. [41] На протяжении всей своей карьеры работы Эль Греко оставались востребованными, поскольку он выполнял важные заказы в таких местах, как Колледж Воплощения в Мадриде . [40]
_-_Laoco%C3%B6n_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-El_Greco_(Domenikos_Theotokopoulos)_-_Laoco%C3%B6n_-_Google_Art_Project.jpg)
Уникальный стиль живописи Эль Греко и связь с чертами маньеризма особенно ярко проявляются в работе «Лаокоон» . Написанная в 1610 году, [42] она изображает мифологическую историю о Лаокооне , который предупредил троянцев об опасности деревянного коня , который был представлен греками в качестве мирного приношения богине Минерве . В результате Минерва отомстила, призвав змей, чтобы убить Лаокоона и его двух сыновей. Вместо того, чтобы поместить сцену на фоне Трои , Эль Греко расположил ее недалеко от Толедо, Испания , чтобы «универсализировать историю, вытянув ее актуальность для современного мира». [42]
Уникальный стиль Эль Греко в «Лаокооне» иллюстрирует многие черты маньеризма. Преобладает удлинение многих человеческих форм по всей композиции в сочетании с их змеевидным движением, что создает ощущение элегантности. Дополнительным элементом стиля маньеризма являются атмосферные эффекты, в которых Эль Греко создает дымчатое небо и размытие ландшафта на заднем плане.
Бенвенуто Челлини создал Солонку Челлини из золота и эмали в 1540 году, изображающую Посейдона и Амфитриту (воду и землю), размещенных в неудобных позах и с удлиненными пропорциями. Она считается шедевром скульптуры маньеризма.
.jpg/1280px-Minerva_dressing_by_Lavinia_Fontana_(1613).jpg)
Лавиния Фонтана (1552–1614) была портретистом-маньеристом, которую часто считали первой женщиной-художницей в Западной Европе. [43] Она была назначена ординарным портретистом в Ватикане . [44] Ее стиль характеризуется влиянием семьи художников Карраччи и цветовой гаммой венецианской школы. Она известна своими портретами дворянок и изображением обнаженных фигур, что было необычно для женщины ее времени. [45]
Таддео Цуккаро родился в Сант-Анджело-ин-Вадо , недалеко от Урбино, в семье Оттавиано Цуккаро, почти неизвестного художника. Его брат Федерико , родившийся около 1540 года, также был художником и архитектором.
Документированная карьера Федерико Цуккаро как художника началась в 1550 году, когда он переехал в Рим, чтобы работать под руководством Таддео , своего старшего брата. Он продолжил работу над декорациями для Пия IV и помог завершить фресковые украшения на вилле Фарнезе в Капрароле . Между 1563 и 1565 годами он работал в Венеции с семьей Гримани из Санта-Мария-Формоза. Во время своего венецианского периода он путешествовал вместе с Палладио по Фриули.
Иоахим Втевал (1566–1638) продолжал писать в стиле северного маньеризма до конца своей жизни, игнорируя приход искусства барокко , и, возможно, оставаясь последним значительным художником-маньеристом, который все еще продолжал работать. Его сюжеты включали большие сцены с натюрмортами в манере Питера Артсена и мифологические сцены, множество небольших картин в кабинете, прекрасно выполненных на меди, и большинство из них изображали обнаженную натуру.
Джузеппе Арчимбольдо наиболее известен своими работами, включающими натюрморты и портреты . [46] Его стиль рассматривается как маньеризм с ассамбляжным стилем фруктов и овощей, в котором композиция может быть изображена различными способами — правильной стороной вверх и перевернутой. [46] Работы Арчимбольдо также относятся к маньеризму с точки зрения юмора, который он передает зрителям, потому что он не содержит той же степени серьезности, что и работы эпохи Возрождения. [46] Стилистически картины Арчимбольдо известны своим вниманием к природе и концепцией «чудовищного вида». [46]
Одна из картин Арчимбольдо, которая содержит различные черты маньеризма, — это «Вертумн» . На черном фоне изображен портрет Рудольфа II , чье тело состоит из различных овощей, цветов и фруктов. [46] Шутка картины передает юмор власти, который заключается в том, что император Рудольф II скрывает темное внутреннее «я» за своим публичным образом. [46] С другой стороны, серьезный тон картины предвещает удачу, которая будет преобладать во время его правления. [46]
«Вертумн» содержит различные элементы маньеризма с точки зрения композиции и сообщения. Одним из элементов является плоский черный фон, который Арчимбольдо использует, чтобы подчеркнуть статус и личность императора, а также подчеркнуть фантазию его правления. В портрете Рудольфа II Арчимбольдо также отходит от натуралистического представления Ренессанса и исследует построение композиции, изображая его из нагромождения фруктов, овощей, растений и цветов. Еще одним элементом маньеризма, который изображает картина, является двойное повествование шутки и серьезного сообщения; юмор обычно не использовался в произведениях искусства эпохи Возрождения.
Маньеристская архитектура характеризовалась визуальными уловками и неожиданными элементами, которые бросали вызов нормам эпохи Возрождения . [47] Фламандские художники, многие из которых путешествовали по Италии и находились под влиянием маньеристских разработок там, были ответственны за распространение маньеристских тенденций в Европе к северу от Альп, в том числе в сфере архитектуры. [48] В этот период архитекторы экспериментировали с использованием архитектурных форм, чтобы подчеркнуть прочные и пространственные отношения. Идеал гармонии эпохи Возрождения уступил место более свободным и более творческим ритмам. Самым известным архитектором, связанным со стилем маньеризма, и пионером в Библиотеке Лаврентия , был Микеланджело (1475–1564). [49] Ему приписывают изобретение гигантского ордера , большой пилястры или колонны, которая тянется от низа до верха многоэтажного фасада. [50] Он использовал это в своем проекте для площади Пьяцца дель Кампидольо в Риме. Эррерианский стиль ( исп . estilo herreriano или arquitectura herreriana ) в архитектуре был разработан в Испании в последней трети XVI века во время правления Филиппа II (1556–1598), [51] и продолжал действовать в XVII веке, но был преобразован стилем барокко того времени. Он соответствует третьему и последнему этапу испанской архитектуры Возрождения , которая эволюционировала в прогрессивное очищение орнаментального, от начального платереско до классического пуризма второй трети XVI века и полной наготы декоративного, которая ввела эррерианский стиль.
До 20 века термин «маньеризм» имел негативные коннотации, но теперь он используется для описания исторического периода в более общих, непредвзятых терминах. [52] Архитектура маньеризма также использовалась для описания тенденции в 1960-х и 1970-х годах, которая включала в себя нарушение норм модернистской архитектуры, в то же время признавая их существование. [53] Определяя маньеризм в этом контексте, архитектор и писатель Роберт Вентури написал: «Маньеризм для архитектуры нашего времени, которая признает традиционный порядок, а не оригинальное выражение, но нарушает традиционный порядок, чтобы приспособиться к сложности и противоречию и тем самым недвусмысленно вовлекает двусмысленность». [53]
Примером маньеристской архитектуры является вилла Фарнезе в Капрароле [54] , в суровой сельской местности за пределами Рима. Распространение граверов в XVI веке распространило маньеристские стили быстрее, чем любые предыдущие стили .
Богатый орнамент с «римскими» деталями, выставочный дверной проем в замке Кольдиц является примером северного стиля, характерно применяемого в качестве изолированного «элемента декора» на фоне непритязательной народной кладки стен. [ необходима ссылка ]
Начиная с конца 1560-х годов, многие здания в Валетте , новой столице Мальты , были спроектированы архитектором Джироламо Кассаром в стиле маньеризма. К таким зданиям относятся Собор Святого Иоанна , Дворец Великого Магистра и семь оригинальных постоялых дворов . Многие из зданий Кассара были изменены на протяжении многих лет, особенно в период барокко . Однако несколько зданий, таких как Оберж д'Арагон и внешний вид Собор Святого Иоанна, сохранили большую часть оригинального дизайна Кассара в стиле маньеризма. [55]
.JPG/1280px-Iglesia_de_San_Francisco,_Quito,_Ecuador,_2015-07-22,_DD_152_(cropped).JPG){kind=small}
В то время как многие архитектурные стили исследуют гармоничные идеалы, маньеризм хочет продвинуть стиль на шаг дальше и исследует эстетику гиперболы и преувеличения. [3] Маньеризм примечателен своей интеллектуальной утонченностью, а также своими искусственными (в отличие от натуралистических) качествами. [57] Маньеризм отдает предпочтение композиционному напряжению и нестабильности, а не равновесию и ясности. [5] Определение маньеризма и фаз внутри него продолжает оставаться предметом споров среди историков искусства.
Северный или антверпенский маньеризм предшествует итальянскому маньеризму и отличается от него. Антверпен во время своего расцвета в 16 веке создал стиль, который был последней фазой ранней нидерландской живописи с элементами раннего Возрождения. Через Антверпен стили Возрождения и маньеризма были широко представлены в Англии, Германии и северной и восточной Европе в целом. [58]
Литературный маньеризм охватывал таких деятелей, как Микеланджело , Клеман Маро , Джованни делла Каса , Джованни Баттиста Гуарини , Торквато Тассо , Вероника Франко , Мигель де Сервантес и другие. [59]
В английской литературе маньеризм обычно отождествляется с качествами « метафизических поэтов », из которых самым известным является Джон Донн . [60] Остроумная шутка барочного писателя Джона Драйдена против стихов Донна предыдущего поколения дает краткий контраст между целями барокко и маньеризма в искусстве:
Он затрагивает метафизику не только в своих сатирах, но и в своих любовных стихах, где должна царить только природа ; и сбивает с толку умы прекрасного пола приятными [a] философскими размышлениями , когда ему следовало бы занять их сердца и развлечь их нежностями любви. [61] : 15 (курсив добавлен)
Богатые музыкальные возможности поэзии конца XVI и начала XVII веков послужили привлекательной основой для мадригала , который быстро стал выдающейся музыкальной формой в итальянской музыкальной культуре, как это отмечал Тим Картер :
Мадригал, особенно в его аристократическом обличье, был, очевидно, средством для «стильного стиля» маньеризма, когда поэты и музыканты наслаждались остроумными изысками и другими визуальными, словесными и музыкальными трюками, чтобы порадовать ценителя. [62]
Слово «маньеризм» также использовалось для описания стиля чрезвычайно витиеватой и контрапунктически сложной полифонической музыки, созданной во Франции в конце XIV века. [63] Этот период теперь обычно называют ars subtilior .
Ранняя комедия дель арте (1550–1621): маньеристский контекст Пола Кастаньо обсуждает влияние маньеризма на современный профессиональный театр. [64] Исследование Кастаньо было первым, в котором театральная форма была определена как маньеризм, с использованием словаря маньеризма и maniera для обсуждения типизации, преувеличения и effetto meraviglioso comici dell'arte . См. Часть II вышеуказанной книги для полного обсуждения характеристик маньеризма в комедии дель арте . Исследование в значительной степени иконографическое, представляющее изобразительные доказательства того, что многие художники, которые рисовали или печатали изображения комедии, на самом деле, выходцы из мастерских того времени, были глубоко погружены в традицию maniera.
Изысканность мельчайших гравюр Жака Калло , кажется, противоречит гораздо большему масштабу действия. Balli di Sfessania ( буквально « танец ягодиц » ) Калло прославляет вопиющий эротизм комедии с выступающими фаллосами, копьями, позирующими с предвкушением комического рывка, и грубо преувеличенными масками, которые смешивают звериное с человеческим. Эротизм innamorate ( «влюбленных»), включая обнажение груди или чрезмерное завесу, был довольно популярен в картинах и гравюрах второй школы Фонтенбло , особенно тех, которые обнаруживают франко-фламандское влияние. Кастаньо демонстрирует иконографические связи между жанровой живописью и фигурами комедии дель арте, которые показывают, как эта театральная форма была встроена в культурные традиции позднего чинквеченто . [64]
Важные следствия существуют между disegno interno , который заменил disegno esterno (внешний дизайн) в живописи маньеризма. Это понятие проецирования глубоко субъективного взгляда как вытесняющего природу или устоявшиеся принципы (например, перспективу), по сути, акцент с объекта на его субъекте, теперь подчеркивающий исполнение, проявления виртуозности или уникальные приемы. Это внутреннее видение лежит в основе комедийного представления. Например, в момент импровизации актер выражает свою виртуозность, не обращая внимания на формальные границы, приличия, единство или текст. Арлекино стал символом маньеристского discordia concors (союза противоположностей), в один момент он был нежным и добрым, а затем, в один момент, становился вором, яростно разыгрывающим свою битву. Арлекино мог быть грациозным в движении, только в следующем такте, чтобы неуклюже споткнуться о свои ноги. Освободившись от внешних правил, актер восхвалял мимолетность момента; во многом так же, как Бенвенуто Челлини ослеплял своих покровителей, задрапировав свои скульптуры, открыв их световыми эффектами и чувством чудесного. Презентация объекта стала столь же важной, как и сам объект.
В 20 веке подъем нео-маньеризма произошел от художника Эрни Барнса . Стиль находился под сильным влиянием как еврейской общины, так и афроамериканской общины, что привело к выставке «Красота гетто» между 1972 и 1979 годами. Выставка гастролировала по крупным американским городам и была организована высокопоставленными лицами, профессиональными спортсменами и знаменитостями. Когда выставка была представлена в 1974 году в Музее африканского искусства в Вашингтоне, округ Колумбия, конгрессмен Джон Коньерс подчеркнул важное позитивное послание выставки в отчете Конгресса .
Стиль неоманьеризма, разработанный Барнсом, включает в себя персонажей с удлиненными конечностями и телами, а также преувеличенными движениями. Другой распространенной темой были закрытые глаза персонажей, как визуальное представление того, «насколько мы слепы к человечности друг друга». [65] «Мы смотрим друг на друга и немедленно решаем: этот человек черный, значит, он должен быть... Этот человек живет в нищете, значит, он должен быть...».
В интервью кинорежиссер Питер Гринуэй упоминает Федерико Феллини и Билла Виолу как двух главных вдохновителей для его исчерпывающей и самореферентной игры с неразрешимым напряжением между формой базы данных изображений и различными аналоговыми и цифровыми интерфейсами, которые структурируют их кинематографически. Эту игру можно назвать неоманьеристской именно в той мере, в какой она отличается от (нео-)барокко: «Точно так же, как римский католицизм предложил бы вам рай и небеса, есть эквивалентный коммерческий рай, предлагаемый в значительной степени всем капиталистическим эффектом, который связан с западным кино. Это моя политическая аналогия с точки зрения использования мультимедиа в качестве политического оружия. Я бы приравнял, в некотором смысле, великую барочную Контрреформацию, ее культурную деятельность, к тому, что кино, в основном американское кино, делало в последние семьдесят лет». [66]
По словам художественного критика Джерри Зальца , «неоманьеризм» (новый маньеризм) — одно из нескольких клише, которые «выжимают жизнь из мира искусства». [67] Неоманьеризм описывает искусство 21-го века, созданное студентами, чьи преподаватели «запугали [их] до такой степени, что они стали приятно кроткими, подражательными и заурядными». [67]
-testo_e_photo_Paolo_Villa-nB08_Cortile-Statua_di_Apollo_-_scultura_Arte_Manierista_-_parete_di_rampicanti_-_Kodak_EktachromeElite_100_5045_EB_100.jpg/1280px-thumbnail.jpg)
_Photo_Paolo_Villa_FOTO9260.JPG/1280px-thumbnail.jpg)
![Кафедральный собор Сальвадора, Бразилия, построенный между 1657 и 1746 годами, объект Всемирного наследия ЮНЕСКО[56]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8f/Catedral_Bas%C3%ADlica_Salvador_2019-6527.jpg/1280px-Catedral_Bas%C3%ADlica_Salvador_2019-6527.jpg)
