Les Nabis (фр. les nabis , французское произношение: [le nabi] ) — группа молодых французских художников, действовавших в Париже с 1888 по 1900 год, сыгравших большую роль в переходе от импрессионизма и академического искусства к абстрактному искусству , символизму и другие ранние движения модернизма . В ее состав входили Пьер Боннар , Морис Дени , Поль Рэнсон , Эдуард Вюйар , Кер-Ксавье Руссель , Феликс Валлоттон , Поль Серюзье и Огюст Казалис. [1] Большинство из них были студентами Академии Жюлиана в Париже в конце 1880-х годов. Художники разделяли общее восхищение Полем Гогеном и Полем Сезаннам и решимость обновить искусство живописи, но сильно различались в своих индивидуальных стилях. Они считали, что произведение искусства — это не изображение природы, а синтез метафор и символов, созданных художником. [2] В 1900 году художники провели свою последнюю выставку и разошлись. [3]
Наби взяли свое название от еврейского термина, который происходит от слова небиим или «пророки» [4] [5] [6] [а] Этот термин был придуман в 1888 году лингвистом Огюстом Казалисом, [7] который провел параллель между тем, как эти художники стремились оживить живопись (как «пророки современного искусства»), и тем, как древние пророки омолодили Израиль. [8]
Наби — группа молодых художников Академии Жюлиана в Париже, которые хотели изменить основы искусства. Один из художников, Поль Серюзье , побывал в Пон-Авене в октябре 1888 года, где под руководством Поля Гогена он написал на дереве небольшую картину с изображением портвейна, состоящую из ярких цветных пятен, собранных так, чтобы создать ощущение порта. . Студенты назвали эту первую картину Наби «Талисман» , и со временем она стала иконой искусства 20-го века. [3]
В 1889 году, в год Парижской международной выставки и открытия Эйфелевой башни , группа провела свою первую скромную выставку в Café des Arts, расположенном за пределами территории выставки. Он назывался « Группа импрессионистов и синтезаторов» и включал работы двух известных художников, Поля Гогена и Эмиля Бернара .
В августе 1890 года Морис Дени , которому тогда было девятнадцать, дал группе более конкретную философию. Под псевдонимом Пьер Луи он написал в журнале Art et Critique статью под названием «Определение неотрадиционализма» , которая стала манифестом движения. Знаменитой первой строкой эссе было: «Помните, что картина, прежде чем стать боевой лошадью, обнаженной женщиной или каким-то анекдотом, по существу представляет собой плоскую поверхность, покрытую цветами, собранными в определенном порядке». Эта идея не была оригинальной для Дениса; эта идея была выдвинута незадолго до этого Ипполитом Тэном в «Философии искусства» , где Тэн писал: «Картина — это цветная поверхность, на которой различные тона и различные степени света помещены с определенным выбором; в этом ее суть. существование." Однако именно выражение Дениса привлекло внимание художников. Как пояснил Денис, он не имел в виду, что форма картины важнее сюжета. Он писал: «Глубина наших эмоций проистекает из достаточности этих линий и этих цветов, чтобы объяснить себя... все содержится в красоте работы». В своем эссе он назвал это новое движение «неотрадиционализмом», в отличие от «прогрессизма» неоимпрессионистов во главе с Сёра . [9]
В следующем, 1891 году, трое из Наби, Пьер Боннар , Эдуард Вюйар и Морис Дени, сняли студию на улице Пигаль, 28 в Париже. Его часто посещали другие ранние Наби, в том числе Кер-Ксавье Руссель и Поль Серюзье, а также журналисты и деятели театрального и литературного мира.
В 1892 году Наби занялись театральным миром и декоративным искусством. Поль Рансон при содействии Серюзье, Боннара и Вюйара разработал декорации для театральной постановки « Бато ивр» поэта Артюра Рембо . Морис Дени изготовил костюмы и декорации для другой театральной постановки — « Трилогии об Антуане» в Театре Модерн, а также расписал потолок для резиденции коллекционера произведений искусства и художника Анри Леролля .
В июне 1894 года «Наби» провели групповую выставку в Тулузе, а в следующем году представили свои работы в Maison de l’Art Nouveau Зигфрида Бинга , знаменитой галерее, давшей название движению ар-нуво . [3]
Набии на протяжении всего своего существования представляли собой своего рода полусерьезное полутайное общество, использовавшее юмористические прозвища и личный словарь. [10] Даже название группы было секретным до 1897 года. Они называли студию «эргастериумом» [10] и заканчивали свои письма инициалами ETPMV et MP , что означает En ta paume, mon verbe et ma pensée («В вашем ладонь, мое слово и мои мысли»). [11]
Графическое искусство Японии, известное как японизм , особенно гравюры на дереве, оказало важное влияние на наби. Этот стиль был популяризирован во Франции арт-дилером Зигфридом Бингом, который путешествовал по Японии, чтобы собирать гравюры Хокусая и других японских художников, и в период с мая 1888 по апрель 1891 года публиковал ежемесячный художественный журнал Le Japon Artistique , в котором предлагались цветные иллюстрации. В 1900 году он организовал выставку из семисот гравюр в Школе изящных искусств . [12]
Особое влияние японский стиль оказал на Пьера Боннара; его прозвище среди наби было «Le plus japonard». Для одной серии из четырех картин, созданной в 1890–1891 годах, «Женщины в саду» , ныне находящейся в Музее Орсе , Боннар адаптировал японский формат под названием « какэмоно» с узким вертикальным холстом. Модели — его сестра Андре и двоюродная сестра Берта Шаедин. Четыре фигуры представлены в изогнутых змеевидных позах, как на японских гравюрах. Лица женщин отвернулись от художника; смелые узоры их костюмов и листва за ними доминируют на картинах. Первоначально он задумал работу как японскую ширму, но в конце концов решил разделить ее на четыре картины, а чтобы подчеркнуть декоративный аспект, добавил нарисованную окантовку вокруг полотен. [12]
Тема женщин в саду, стилистически адаптированная из японских гравюр, появлялась в творчестве других наби, в том числе Мориса Дени и Поля Серюзье. Тему женщин в садах Денис использовал в картинах и декоративных фресках. Серюзье адаптировал тот же формат в своей книге «Женщины у источника» (1898), стилистически изображая женщин, спускающихся с холма за водой из источника. [12]
Наби находились под влиянием литературы, музыки и театра символистского движения , и среди некоторых наби было сильное течение мистицизма и эзотеризма . Их подход к своему ордену был отчасти юмористическим и причудливым; студию Рэнсона на бульваре дю Монпарнас , 25 называли их «храмом», мадам Рэнсон называли «Светом храма», а оригинальная картина Наби Серюзье выставлялась в студии как святыня и называлась « Талисман» . Серюзье причудливо изобразил Поля Рэнсона в чем-то вроде набичского одеяния, с посохом и текстом перед ним. Однако была у них и более серьезная сторона. Они отвергли материализм новой индустриальной эпохи и восхищались поэзией Бодлера , Малларме и Эдгара Аллана По . Они поставили себя в оппозицию течению натурализма , выраженному в картинах Курбе и Мане и литературе Эмиля Золя . [13]
Морис Дени и Поль Серюзье были наби, которые чаще всего рисовали религиозные сюжеты. На творчество Дени повлияли картины Фра Анджелико . Он часто рисовал сцены и темы, взятые из Библии, но с фигурами в современных костюмах, в упрощенных пейзажах и в окружении света, символа веры. В 1895 году он получил заказ на серию из семи больших картин под названием « Легенда о святом Губерте» для парижского дома барона Кочина. Они иллюстрировали историю святого Губерта, который охотился в лесу Аквитании , видел видение Христа и обращался в христианство. [13]
Поль Серюзье писал менее христианские и более мистические сцены, в частности «Видение про торрент» или «Свидание фей» (1897), изображающее группу женщин в бретонских костюмах, проходящих через лес и несущих букеты цветов на церемонию, и « Женщины а-ля». Источник , изображающий серию женщин, торжественно спускающихся через мистический лес к роднику. Это иллюстрирует легенду о Данаидах , которые в мифологии были приговорены наполнять и наполнять протекающие кувшины водой из источника. Он написал несколько работ женщин в бретонских костюмах, проводящих языческие церемонии в лесах Бретани. [13]
Наби Пьер Боннар , Феликс Валлоттон и Эдуар Вюйар создали особенно замечательные картины, изображающие интерьеры домов, где обитатели комнат почти полностью были поглощены интенсивным цветочным декором и мебелью. В некоторых картинах, таких как «Швея» и «Туалетный столик» Вюйяра ( 1895 ) или « Люди в интерьере — Музыка» , трудно даже найти и сосчитать лиц на картине. [14] [15]
Одним из наиболее распространенных сюжетов Наби были женщины в идиллическом саду, обычно собирающие цветы или фрукты. Он появился на четырех панелях, изображающих времена жизни молодой женщины Мориса Дени (1890–1891), написанных для спальни молодой девушки, и на панелях с изображением женщин в общественных парках Парижа Эдуарда Вюйяра (1894), написанных для резиденции своего покровителя Александра Натансона; две картины Пьера Боннара (1894–96), изображающие женщин и детей, собирающих яблоки в саду; и на гобелене Пола Рэнсона « Весна» , изображающем трех женщин, собирающих фрукты. Все изображения сильно стилизованы, часто с использованием одних и тех же змеевидных форм для изображения женщин, деревьев и листвы. Молодые женщины в серии Дениса изображены путешествующими по дороге, одетые в белое весталку на первой картине, а затем в разные цвета, когда они достигают зрелости на последней картине. [3]
Одной из заявленных целей «Наби» было разрушение барьеров между искусством и повседневной жизнью, и в частности различие между искусством и украшением. Большая часть произведений искусства, которые они создавали, была предназначена специально для декоративных целей и для демонстрации в салонах и столовых. Они создавали ширмы, фрески, обои, гобелены, посуду, абажуры и орнамент для мебели, а также театральный декор и дизайн костюмов, графический дизайн рекламных плакатов. Поль Рэнсон , работая с архитектором в стиле модерн Генри Ван де Вельде, сделал фрески для украшения столовой владельца художественной галереи Зигфрида Бинга . После визита в Соединенные Штаты, где он увидел дизайн витражей Луи Комфорта Тиффани и его фирмы, Бинг предложил Наби представить свои собственные проекты стекла Тиффани. Руссель, Вюйяр, Валлоттон, Рэнсон, Дени, Боннар и Ибельс — все они создали проекты, которые Бинг выставил в своей галерее в Париже в апреле 1895 года, наряду с проектами не-наби, включая Тулуз-Лотрека . В конце концов, окна так и не были сделаны, но Морис Дени продолжал создавать оконные конструкции на символистские темы, с смелым дизайном и яркими цветами. В 1895 году Вюйару было поручено разработать серию тарелок, на которых были изображены женщины в сильно стилизованных костюмах. [16] [15]
Члены Les Nabis работали в различных средствах массовой информации, используя масло на холсте и картоне, темперу на холсте и настенном декоре, а также создавали плакаты, гравюры, книжные иллюстрации, текстиль и мебель. Считавшиеся на переднем крае современного искусства в ранний период, их тематика была репрезентативной (хотя часто символистской по вдохновению), но была ориентирована на дизайн в духе японских гравюр, которыми они так восхищались, и ар-нуво . Однако художники круга Наби находились под сильным влиянием картин импрессионистов , и, таким образом, несмотря на то, что они разделяли плоскостность, компоновку страниц и негативное пространство модерна и других декоративных модусов, большая часть искусства Ле Наби имеет живописный, не -Реалистичный вид с цветовой палитрой, напоминающей Сезанна и Гогена. Плакаты и литографии Боннара более выражены в стиле модерн или манере Тулуз-Лотрека . На рубеже веков, когда современное искусство двигалось в сторону фовизма , экспрессионизма , кубизма и абстракции , Les Nabis считались консерваторами и, действительно, были одной из последних групп художников, которые придерживались корней и художественных амбиций импрессионистов. преследуя эти цели почти до середины 20 века. В более поздние годы эти художники также в значительной степени отказались от своих прежних интересов в декоративно-прикладном искусстве.
В 1897 году Наби не присутствовали на знаменитом Салоне Независимых , а вместо этого провели собственную экспозицию в Галерее Воллар, более авангардную, чем Салон. Их последняя групповая выставка состоялась в 1900 году в галерее Бернхайм с работами Боннара, Дени, Ибелса, Майоля, Русселя, Серюзье, Валлоттона и Вюйяра. После этого шоу каждый из артистов пошел своей дорогой. [3]
Вспоминая 1909 год, Денис описал достижения Наби. «Искусство — это уже не зрительное ощущение, которое мы собираем, как фотография природы. Нет, это творение нашего духа, для которого природа — лишь повод». [17]
В 1937 году Вюйар описал распад группы «Наби». «...Марш прогресса был настолько быстрым. Общество было готово приветствовать кубизм и сюрреализм еще до того, как мы достигли того, что считали своей целью. Мы оказались в каком-то смысле подвешенными в воздухе». [18]
Среди других членов группы были драматург Пьер Вебер, музыкант Пьер Эрман и лингвист Огюст Казалис, [19] названный (Рэнсоном) le nabi Бен Каллиром . [20]
,_oil_on_canvas,_38_x_46_cm,_Museu_de_Arte_de_S%C3%A3o_Paulo.jpg/1280px-%C3%89douard_Vuillard,_1891,_The_Flowered_Dress_(O_vestido_estampado),_oil_on_canvas,_38_x_46_cm,_Museu_de_Arte_de_S%C3%A3o_Paulo.jpg)
,_oil_on_canvas,_41_x_32.5_cm,_Mus%C3%A9e_d'Orsay.jpg/1280px-Maurice_Denis,_1889,_Le_Calvaire_(Climbing_to_Calvary),_oil_on_canvas,_41_x_32.5_cm,_Mus%C3%A9e_d'Orsay.jpg)
