stringtranslate.com

Неоклассицизм

Психея, возрожденная поцелуем Купидона ; Антонио Канова ; 1787 г.; мрамор; 155 см × 168 см; Лувр
Чарльз Таунли в своей галерее скульптур ; Иоганн Цоффани ; 1782 г.; масло на холсте; высота: 127 см, ширина: 102 см; Художественная галерея и музей Таунли-Холл , Бернли , Великобритания

Неоклассицизм (также пишется как неоклассицизм ) — западное культурное движение в декоративном и изобразительном искусстве , литературе , театре , музыке и архитектуре , черпавшее вдохновение в искусстве и культуре классической древности . Неоклассицизм зародился в Риме во многом благодаря трудам Иоганна Иоахима Винкельмана во время повторного открытия Помпеи и Геркуланума , но его популярность распространилась по Европе, когда поколение европейских студентов-художников завершило свое Гранд-тур и вернулось из Италии на родину. страны с вновь открытыми греко-римскими идеалами. [1] [2] [3] [4] Основное неоклассическое движение совпало с эпохой Просвещения 18-го века и продолжалось до начала 19-го века, в последнее время конкурируя с романтизмом . В архитектуре этот стиль сохранялся на протяжении 19, 20 и вплоть до 21 века. [5] [6]

Европейский неоклассицизм в изобразительном искусстве начался ок.  1760 год , в отличие от господствовавшего тогда стиля рококо . Архитектура рококо подчеркивает изящество, орнамент и асимметрию; Неоклассическая архитектура основана на принципах простоты и симметрии, которые считались достоинствами искусства Рима и Древней Греции и были скорее взяты из классицизма эпохи Возрождения 16-го века . Каждый «нео»-классицизм выбирает одни модели из диапазона доступной ему возможной классики и игнорирует другие. Неоклассические писатели и ораторы, меценаты и коллекционеры, художники и скульпторы 1765–1830 годов отдавали дань уважения идее поколения Фидия , но примеры скульптур, которые они фактически использовали, скорее всего, были римскими копиями эллинистических скульптур. Они игнорировали как архаическое греческое искусство, так и произведения поздней античности . Искусство «рококо» древней Пальмиры стало откровением благодаря гравюрам Вуда « Руины Пальмиры» . Даже Греция была почти не посещаемой, суровой заводью Османской империи , опасной для исследования, поэтому оценка неоклассиками греческой архитектуры была опосредована рисунками и гравюрами , которые тонко сглаживали и упорядочивали, «исправляли» и «восстанавливали» памятники. Греции, не всегда сознательно.

Стиль ампир , вторая фаза неоклассицизма в архитектуре и декоративном искусстве , имел свой культурный центр в Париже в эпоху Наполеона . Особенно в архитектуре, но и в других областях, неоклассицизм оставался силой еще долгое время после начала 19 века, с периодическими волнами возрождения в 20 и даже 21 веках, особенно в Соединенных Штатах и ​​​​России. [ нужна цитата ]

История

Неоклассицизм — это возрождение многих стилей и духа классической античности, вдохновленных непосредственно классическим периодом, [7] который совпадал и отражал развитие философии и других областей эпохи Просвещения и изначально был реакцией на крайности предшествующий стилю рококо . [8] Хотя это движение часто называют противоположным аналогом романтизма , это сильное упрощение, которое, как правило, не является устойчивым, когда речь идет о конкретных художниках или произведениях. Особенно хорошо это демонстрирует случай с предполагаемым главным поборником позднего неоклассицизма Энгром . [9] Возрождение можно отнести к созданию формальной археологии . [10] [11]

Иоганн Иоахим Винкельманн , которого часто называют «отцом археологии» [12]

Работы Иоганна Иоахима Винкельмана сыграли важную роль в формировании этого движения как в архитектуре, так и в изобразительном искусстве. Его книги «Мысли о подражании греческим произведениям в живописи и скульптуре» (1750 г.) и Geschichte der Kunst des Alterthums («История древнего искусства», 1764 г.) были первыми, кто резко различал древнегреческое и римское искусство и определял периоды внутри греческого искусства. искусство, прослеживающее траекторию от роста к зрелости, а затем к имитации или упадку, которое продолжает оказывать влияние и по сей день. Винкельман считал, что искусство должно быть направлено на «благородную простоту и спокойное величие» [13] и хвалил идеализм греческого искусства, в котором, по его словам, мы находим «не только природу в ее самом прекрасном виде, но и нечто за ее пределами, а именно определенные идеальные формы». красоты ее, которая, как учит нас древний толкователь Платона , исходит из образов, созданных одним только разумом». Эта теория была далеко не новой в западном искусстве, но его акцент на точном копировании греческих моделей заключался в следующем: «Единственный способ стать для нас великими или, если это возможно, неподражаемыми, - это подражать древним». [14]

Промышленная революция привела к глобальному переходу человеческой экономики к более эффективным и стабильным производственным процессам. [15] Произошёл огромный материальный прогресс и возросло благосостояние. [16] С появлением Гранд-тура началась причуда коллекционирования древностей , которая заложила основы многих великих коллекций, распространяющих неоклассическое возрождение по всей Европе. [17] «Неоклассицизм» в каждом искусстве предполагает определенный канон «классической» модели.

В английском языке термин «неоклассицизм» используется в первую очередь в отношении изобразительного искусства; аналогичное движение в английской литературе , начавшееся значительно раньше, называется литературой Августа . Это, которое доминировало в течение нескольких десятилетий, начало приходить в упадок к тому времени, когда неоклассицизм в изобразительном искусстве стал модным. Хотя термины различаются, ситуация во французской литературе была схожей. В музыке в этот период наблюдался подъем классической музыки , а «неоклассицизм» используется в событиях 20-го века . Однако оперы Кристофа Виллибальда Глюка представляли собой специфически неоклассический подход, изложенный в его предисловии к опубликованной партитуре « Альцеста» (1769), целью которой было реформирование оперы путем удаления орнаментов , увеличения роли хора в соответствии с греческой трагедией . и использование более простых, неприукрашенных мелодических линий. [18]

Антон Рафаэль Менгс ; Суд Париса ; около 1757 г.; масло на холсте; высота: 226 см, ширина: 295 см, куплена Екатериной Великой в ​​мастерской; Эрмитаж , Санкт-Петербург , Россия

Термин «неоклассика» не был изобретен до середины 19 века, и в то время этот стиль описывался такими терминами, как «истинный стиль», «реформированный» и «возрождение»; то, что считалось возрожденным, значительно различалось. Античные модели, конечно, очень активно использовались, но этот стиль также можно рассматривать как возрождение Возрождения, и особенно во Франции, как возвращение к более строгому и благородному барокко эпохи Людовика XIV , по которому возникла значительная ностальгия. поскольку доминирующее военное и политическое положение Франции начало серьезно ухудшаться. [19] Коронационный портрет Наполеона, написанный Энгром , даже заимствован из позднеантичных консульских диптихов и их Каролингского возрождения, к неодобрению критиков.

Неоклассицизм был самым сильным в архитектуре , скульптуре и декоративном искусстве , где классические модели в той же среде были относительно многочисленными и доступными; примеры из древней живописи, демонстрирующие качества, которые письмо Винкельмана обнаружило в скульптуре, отсутствовали и отсутствуют. Винкельман участвовал в распространении информации о первых крупных римских картинах, обнаруженных в Помпеях и Геркулануме , и, как и большинство современников, за исключением Гэвина Гамильтона , они не произвели на него впечатления, цитируя комментарии Плиния Младшего об упадке живописи в его период. [20]

Что касается живописи, то греческая живопись была совершенно утрачена: живописцы-неоклассики творчески возрождали ее, отчасти через барельефные фризы , мозаику и гончарную роспись, а отчасти через образцы живописи и декора Высокого Возрождения поколения Рафаэля , фрески Нерона. Domus Aurea , Помпеи и Геркуланум , а также благодаря новому восхищению Николя Пуссеном . Большая часть «неоклассической» живописи носит скорее классический характер по тематике, чем по чему-либо еще. На протяжении десятилетий бушевал ожесточенный, но часто очень плохо информированный спор об относительных достоинствах греческого и римского искусства, в котором Винкельман и его коллеги-эллинисты обычно оказывались на стороне победителей. [21]

Живопись, рисунок и гравюра

Трудно вернуть радикальную и захватывающую природу ранней неоклассической живописи современной публике; теперь даже тем писателям, которые к нему благосклонно относились, оно кажется «безвкусным» и «почти совершенно неинтересным для нас» — некоторые комментарии Кеннета Кларка к амбициозному « Парнасу » Антона Рафаэля Менгса на вилле Альбани , [33] написанные художником, которого друг Винкельманн назвал его «величайшим художником своего времени, а возможно, и более поздних времен». [34] В рисунках Джона Флаксмана , впоследствии превращенных в гравюры , использовались очень простые линии (считавшиеся чистейшим классическим средством [35] ) и фигуры, в основном в профиль, для изображения «Одиссеи» и других предметов, и однажды «зажег художественную молодежь Европы», но теперь «забыты», [36] в то время как исторические картины Анжелики Кауфман , в основном портретистки, описаны Фрицем Новотным как имеющие «елейную мягкость и утомление» . [37] Легкомыслие рококо и движение барокко были удалены, но многие художники изо всех сил пытались поставить что-либо на свое место, и в отсутствие древних образцов исторической живописи, кроме греческих ваз, использованных Флаксманом, Рафаэль , как правило, использовался в качестве модель-заменитель, как рекомендовал Винкельман.

Работы других художников, которых нельзя назвать безвкусными, сочетают в себе аспекты романтизма с неоклассическим стилем в целом и составляют часть истории обоих движений. Немецко-датский художник Асмус Якоб Карстенс завершил очень немногие из запланированных им крупных мифологических работ, оставив в основном рисунки и цветовые этюды, которые часто приближаются к рецепту Винкельмана о «благородной простоте и спокойном величии». [38] В отличие от нереализованных планов Карстенса, офорты Джованни Баттисты Пиранези были многочисленными и прибыльными, и их забрали те, кто совершал Гранд-тур по всем частям Европы. Его основным предметом были здания и руины Рима, и его больше вдохновляло древнее, чем современное. Несколько тревожная атмосфера многих его Ведутов (видов) становится доминирующей в его серии из 16 гравюр Carceri d'Invenzione («Воображаемые тюрьмы»), чья «репрессивная циклопическая архитектура» передает «мечты страха и разочарования». [39] Уроженец Швейцарии Иоганн Генрих Фюссли провел большую часть своей карьеры в Англии, и хотя его основной стиль был основан на неоклассических принципах, его сюжеты и трактовка чаще отражали «готическое» направление романтизма и стремились вызвать драму и возбуждение.

Неоклассицизм в живописи обрел новое направление с сенсационным успехом « Клятвы Горациев » Жака-Луи Давида на Парижском Салоне 1785 года . Несмотря на то, что он напоминает республиканские добродетели, это был заказ королевского правительства, который Давид настоял на написании в Риме. Дэвиду удалось объединить идеалистический стиль с драматизмом и силой. Центральная перспектива перпендикулярна картинной плоскости, подчеркнута затемненной аркадой позади, на фоне которой, как на фризе , расположены героические фигуры , с намеком на искусственное освещение и постановку оперы , и классический колорит Николя Пуссена. . Дэвид быстро стал лидером французского искусства, а после Французской революции стал политиком, контролирующим большую часть государственного покровительства искусству. Ему удалось сохранить свое влияние в наполеоновский период, обратившись к откровенно пропагандистским работам, но во время Реставрации Бурбонов ему пришлось покинуть Францию ​​и отправиться в ссылку в Брюссель . [40]

Среди многих учеников Давида был Жан-Огюст-Доминик Энгр , который на протяжении всей своей долгой карьеры считал себя классиком, несмотря на зрелый стиль, имеющий двусмысленную связь с основным течением неоклассицизма, а также многие более поздние отклонения в сторону ориентализма и стиля трубадура , которые его трудно отличить от произведений его беззастенчивых современников-романтиков, за исключением того, что его работы всегда отдают предпочтение рисунку. Он выставлялся в Салоне более 60 лет, с 1802 года до зарождения импрессионизма , но его стиль, когда-то сформировавшийся, мало изменился. [41]

Скульптура

Если неоклассическая живопись страдала от недостатка древних моделей, то неоклассическая скульптура, как правило, страдала от их избытка. Хотя примеров настоящей греческой скульптуры « классического периода », начавшегося примерно с 500 г. до н. э., тогда было очень мало; наиболее ценными произведениями были в основном римские копии. [47] Ведущие скульпторы неоклассицизма в свое время пользовались огромной репутацией, но сейчас их меньше ценят, за исключением Жана-Антуана Гудона , чьи работы в основном представляли собой портреты, очень часто бюсты, которые не приносят в жертву сильное впечатление от личность натурщика к идеализму. По мере продолжения его долгой карьеры его стиль становился более классическим и представляет собой довольно плавный переход от очарования рококо к классическому достоинству. В отличие от некоторых скульпторов-неоклассиков, он не настаивал на том, чтобы его натурщики носили римскую одежду или были раздеты. Он изобразил большинство выдающихся деятелей Просвещения и отправился в Америку, чтобы создать статую Джорджа Вашингтона , а также бюсты Томаса Джефферсона , Бенджамина Франклина и других основателей новой республики. [48] ​​[49]

Антонио Канова и датчанин Бертель Торвальдсен жили в Риме и помимо портретов создали множество амбициозных фигур и групп в натуральную величину; оба представляли сильную идеализирующую тенденцию в неоклассической скульптуре. Канова обладает легкостью и грацией, тогда как Торвальдсен более суров; разница иллюстрируется соответствующими группами Трех Граций . [50] Все они, а также Флаксман, все еще действовали в 1820-х годах, а романтизм медленно влиял на скульптуру, где версии неоклассицизма оставались доминирующим стилем на протяжении большей части 19-го века.

Ранним неоклассиком в скульптуре был швед Йохан Тобиас Сергель . [51] Джон Флаксман также был, или в основном, скульптором, в основном создавая строго классические рельефы, которые по стилю сравнимы с его гравюрами; он также в течение нескольких лет проектировал и моделировал неоклассическую керамику для Джозайи Веджвуда . Иоганн Готфрид Шадов и его сын Рудольф , один из немногих скульпторов-неоклассиков, умерших молодыми, были ведущими немецкими художниками [52] вместе с Францем Антоном фон Заунером в Австрии. Австрийский скульптор позднего барокко Франц Ксавер Мессершмидт обратился к неоклассицизму в середине своей карьеры, незадолго до того, как у него, похоже, случился какой-то психический кризис, после которого он удалился в деревню и посвятил себя весьма характерным «характерным головам» лысых фигур. вытягивая крайние выражения лица. [53] Как и «Карцери » Пиранези , они пользовались большим возрождением интереса в эпоху психоанализа в начале 20 века. Голландский скульптор-неоклассик Матье Кессельс учился у Торвальдсена и работал почти исключительно в Риме.

Поскольку до 1830-х годов в Соединенных Штатах не было собственной традиции скульптуры, за исключением надгробий, флюгеров и носовых фигур кораблей, [54] там была принята европейская неоклассическая манера, которая господствовала в течение десятилетий и примером являются скульптуры Горацио Гринофа , Гарриет Хосмер , Хирама Пауэрса , Рэндольфа Роджерса и Уильяма Генри Райнхарта .

Архитектура и декоративное искусство

Отель Gouthière, Rue Pierre-Bullet no. 6, Париж, возможно, Ж. Метивье, 1780 г. [55]
« Этрусская комната», Потсдам , Германия, ок. 1840 г., иллюстрация Фридриха Вильгельма Клозе.

Неоклассическое искусство было одновременно традиционным и новым, историческим и современным, консервативным и прогрессивным. [56]

Неоклассицизм впервые приобрел влияние в Англии и Франции благодаря поколению французских студентов-художников, обучавшихся в Риме и находящихся под влиянием работ Винкельмана, и он был быстро принят прогрессивными кругами в других странах, таких как Швеция, Польша и Россия. Поначалу к привычным европейским формам был привит классицистический декор, как в интерьерах любовника Екатерины II , графа Орлова , спроектированных итальянским архитектором с командой итальянских штукатуров : лишь отдельные овальные медальоны типа камей и барельеф. намек на неоклассицизм; обстановка полностью итальянская в стиле рококо.

Вторая неоклассическая волна, более суровая, более изученная (посредством гравюр ) и более сознательно археологическая, связана с расцветом Наполеоновской империи . Во Франции первая фаза неоклассицизма выразилась в «стиле Людовика XVI», а вторая – в стилях, получивших название «Директуар» или ампир . Стиль рококо оставался популярным в Италии до тех пор, пока наполеоновские режимы не принесли новый археологический классицизм, который был воспринят как политическое заявление молодыми, прогрессивными городскими итальянцами с республиканскими взглядами. [ по мнению кого? ]

В декоративном искусстве неоклассицизм представлен мебелью в стиле ампир, производимой в Париже, Лондоне, Нью-Йорке, Берлине; в мебели в стиле бидермейер австрийского производства; в музеях Карла Фридриха Шинкеля в Берлине, Банке Англии сэра Джона Соуна в Лондоне и недавно построенном « Капитолии » в Вашингтоне, округ Колумбия; и в барельефах Веджвуда и вазах из « черных базальтов» . Стиль был интернациональным; Шотландский архитектор Чарльз Кэмерон создал роскошные итальянские интерьеры для уроженки Германии Екатерины II Великой в ​​русском Санкт-Петербурге.

В помещении неоклассицизм открыл подлинный классический интерьер, вдохновленный повторными открытиями в Помпеях и Геркулануме . Они начались в конце 1740-х годов, но достигли широкой аудитории только в 1760-х годах, [57] с первыми роскошными томами строго контролируемого распространения Le Antichità di Ercolano ( «Древности Геркуланума» ). Древности Геркуланума показали, что даже самые классические интерьеры барокко или самые «римские» комнаты Уильяма Кента были основаны на внешней архитектуре базилики и храма , вывернутой наружу, отсюда их часто напыщенный вид для современных глаз: оконные рамы с фронтонами были обращены внутрь. в позолоченные зеркала, камины, увенчанные фасадами храмов. Новые интерьеры стремились воссоздать подлинно римскую и подлинно внутреннюю лексику.

Техники, использованные в этом стиле, включали более плоские, более легкие мотивы, вылепленные в виде низкого фризового рельефа или окрашенные монотонно en camaieu («как камеи»), отдельные медальоны, вазы, бюсты, букрании или другие мотивы, подвешенные на гирляндах из лавра или ленты. , с тонкими арабесками на фоне, возможно, «помпеейского красного», или бледных оттенков, или цвета камня. Стиль во Франции изначально был парижским, Goût grec («греческий стиль»), а не придворным; Когда Людовик XVI взошел на престол в 1774 году, Мария Антуанетта , его любящая моду королева, представила ко двору стиль «Людовика XVI». Однако реальных попыток использовать основные формы римской мебели не предпринималось вплоть до начала века, и производители мебели с большей вероятностью заимствовали элементы древней архитектуры, точно так же, как серебряные мастера с большей вероятностью брали из древней керамики и камня. резьба, чем работа по металлу: «Дизайнеры и мастера... кажется, получали почти извращенное удовольствие от переноса мотивов из одного материала в другой». [58]

Замок Мальмезон , 1800 год, комната императрицы Жозефины , на грани между стилем Директории и стилем ампир.

Примерно с 1800 года новый приток образцов греческой архитектуры, увиденных через гравюры и гравюры, дал новый импульс неоклассицизму, греческому возрождению . В то же время стиль ампир представлял собой более грандиозную волну неоклассицизма в архитектуре и декоративном искусстве. В основном основанный на стилях Имперского Рима, он возник и получил свое название от правления Наполеона в Первой Французской империи , где он был предназначен для идеализации руководства Наполеона и французского государства. Стиль соответствует более буржуазному стилю Бидермейер в немецкоязычных странах, федеральному стилю в Соединенных Штатах, [57] стилю Регентства в Великобритании и стилю Наполеона в Швеции. По словам историка искусства Хью Хонор, «Империя не является, как иногда полагают, кульминацией неоклассического движения, а знаменует собой его быстрый упадок и превращение снова в простое античное возрождение, лишенное всех возвышенных идей. и сила убеждения, вдохновившая его шедевры». [59] Более ранняя фаза стиля называлась стилем Адама в Великобритании и «Людовиком Сейзом», или Людовиком XVI, во Франции.

Неоклассицизм продолжал оставаться основной силой в академическом искусстве на протяжении XIX века и далее — постоянная противоположность романтизму или возрождению готики — хотя с конца XIX века его часто считали антимодернистским или даже реакционным среди влиятельных критических взглядов. круги. [ ВОЗ? ] Центры нескольких европейских городов, особенно Санкт-Петербурга и Мюнхена , стали во многом напоминать музеи неоклассической архитектуры.

Архитектура готического возрождения (часто связанная с романтическим культурным движением), стиль, зародившийся в 18 веке, популярность которого росла на протяжении 19 века, контрастировала с неоклассицизмом. В то время как неоклассицизм характеризовался греческим и римским стилями, геометрическими линиями и порядком, архитектура готического возрождения делала упор на средневековые здания, часто придававшие деревенский, «романтический» вид.

Франция

Стиль Людовика XVI (1760–1789).

Он знаменует собой переход от рококо к классицизму. В отличие от классицизма Людовика XIV , который превращал орнаменты в символы, стиль Людовика XVI представляет их максимально реалистично и естественно, т.е. лавровые ветви действительно являются лавровыми ветвями, розы — такими же и так далее. Один из главных декоративных принципов – симметрия. В интерьерах используются очень яркие цвета: белый, светло-серый, ярко-синий, розовый, желтый, очень светло-сиреневый, золотой. Излишних орнаментов следует избегать. [70] Возвращение к античности является синонимом, прежде всего, возврата к прямым линиям: строгие вертикали и горизонтали были в порядке вещей. Змеевидные формы больше не допускались, за исключением редких полукругов или овалов. Декор интерьера также отдал должное этому вкусу к строгости, в результате чего в моду вернулись плоские поверхности и прямые углы. Для смягчения этой строгости использовался орнамент, но он никогда не мешал основным линиям и всегда располагался симметрично вокруг центральной оси. Несмотря на это, эбенисты часто сгибали передние углы, чтобы избежать чрезмерной жесткости. [71]

Декоративные мотивы стиля Людовика XVI были вдохновлены античностью , стилем Людовика XIV и природой. Характерные элементы стиля: факел, перекрещенный с ножнами со стрелами, черепичные диски, гильоширование , двойные банты, дымящиеся жаровни, линейные повторы мелких мотивов ( розеток , бус, овечек), трофейные или цветочные медальоны, свисающие с завязанной ленты. , листья аканта , гадруны, переплетения, меандры , рога изобилия , маскароны, древние урны, треножники, горелки для духов, дельфины, головы барана и льва , химеры и грифоны . Также очень часто используются греко-римские архитектурные мотивы: каннелюры , пилястры (рифленые и нерифленые), рифленые балясины (витые и прямые), колонны ( зацепленные и незацепленные, иногда заменяемые кариатидами ), спиральные карнизы , триглифы с гуттами ( рельефные и тромпе) . -л’ойл ). [72]

Стиль Директории (1789–1804)

Стиль ампир (1804–1815).

Это представитель нового французского общества, вышедшего из революции , задавшей тон во всех сферах жизни, включая искусство. В этот период была изобретена жаккардовая машина (которая произвела революцию во всей швейной системе, до сих пор ручной). Один из доминирующих цветов — красный, украшенный позолоченной бронзой . Используются также яркие цвета: белый, кремовый , фиолетовый, коричневый, голубой, темно-красный, с небольшими орнаментами из позолоченной бронзы. Архитектура интерьера включает деревянные панели, украшенные позолоченными рельефами (на белом или цветном фоне). Мотивы расположены геометрически. Стены оклеены штукатуркой , обои тканевые. Каминные камины изготавливаются из белого мрамора, имеют по углам кариатиды или другие элементы: обелиски , сфинксы , крылатые львы и т. д. На их вершинах размещались бронзовые предметы, в том числе каминные часы . Двери состоят из простых прямоугольных панелей, украшенных центральной фигурой в стиле Помпеи. Ткани в стиле ампир — это штофы с голубым или коричневым фоном, атласы с зеленым, розовым или фиолетовым фоном, бархат тех же цветов, броши с прошивкой золотом или серебром, хлопчатобумажные ткани. Все это использовалось в интерьерах для штор, для обивки определенной мебели, для подушек или обивки (кожа также используется для обивки). [79]

Все орнаменты в стиле ампир подчиняются строгому духу симметрии, напоминающему стиль Людовика XIV . Как правило, мотивы на правой и левой сторонах изделия соответствуют друг другу во всех деталях; когда это не так, отдельные мотивы сами по себе совершенно симметричны по композиции: античные головы с одинаковыми локонами, ниспадающими на каждое плечо, фронтальные фигуры Победы в симметрично расположенных туниках, одинаковые розетки или лебеди, обрамляющие замковую пластину, и т. д. Подобно Людовику XIV , Наполеону имел набор эмблем, безошибочно связанных с его правлением, в первую очередь орел, пчела, звезды и инициалы I ( Император ) и N ( Наполеон ), которые обычно были вписаны в императорскую лавровую корону. Используемые мотивы включают: фигуры Победы с пальмовыми ветвями, греческих танцовщиц, обнаженных и драпированных женщин, фигуры античных колесниц, крылатых путти , маскаронов Аполлона , Гермеса и Горгоны , лебедей, львов, голов быков, лошадей и диких зверей , бабочки, когти, крылатые химеры , сфинксы , букрании , морские коньки, дубовые венки, завязанные тонкими свисающими лентами, вьющиеся виноградные лозы, маковые ринсо , розетки , пальмовые ветви и лавр. Греко-римского много: жесткие и плоские листья аканта, пальметты , рога изобилия , бусы, амфоры , треножники, черепичные диски, кадуцеи Меркурия , вазы, шлемы, горящие факелы, крылатые трубачи, древние музыкальные инструменты (тубы, погремушки и особенно лиры ). Несмотря на свое античное происхождение, флейты и триглифы, столь распространенные при Людовике XVI, заброшены. Мотивы египетского возрождения особенно распространены в начале периода: скарабеи , капители лотоса , крылатые диски, обелиски, пирамиды , фигуры, носящие заклятых врагов , кариатиды , поддерживаемые босыми ногами, и женские египетские головные уборы. [80]

Италия

Со второй половины 18-го века по 19-й век Италия пережила множество социально-экономических изменений, несколько иностранных вторжений и бурное Рисорджименто, которое привело к объединению Италии в 1861 году. Таким образом, итальянское искусство прошло через ряд мелких и крупных изменений стиля.

Итальянский неоклассицизм был самым ранним проявлением общего периода, известного как неоклассицизм, и просуществовал дольше, чем другие национальные варианты неоклассицизма. Он развился в противоположность стилю барокко около ок.  1750 г. и продолжалось до ок.  1850 год . Неоклассицизм зародился примерно в период повторного открытия Помпеи и распространился по всей Европе, когда поколение студентов-художников вернулось в свои страны из Гранд-тура по Италии с заново открытыми греко-римскими идеалами. Сначала он сосредоточился в Риме, где такие художники, как Антонио Канова и Жак-Луи Давид, действовали во второй половине 18 века, прежде чем переехать в Париж. Художники Ведуте, такие как Каналетто и Джованни Паоло Панини, также пользовались огромным успехом во время Гранд-тура. Неоклассическая архитектура была вдохновлена ​​работами Палладио эпохи Возрождения и видела в Луиджи Ванвителли и Филиппо Юварре главных интерпретаторов стиля.

Литература классицизма оказала большое влияние на движение Рисорджименто: к главным фигурам этого периода относятся Витторио Альфьери, Джузеппе Парини, Винченцо Монти и Уго Фосколо, Джакомо Леопарди и Алессандро Манцони (племянник Чезаре Беккариа), которые также находились под влиянием французского Просвещения. и немецкий романтизм. Скрипач-виртуоз Паганини и оперы Россини, Донницетти, Беллини, а позже и Верди доминировали на сцене итальянской классической и романтической музыки.

Искусство Франческо Айеса и особенно Маккиайоли представляло собой разрыв с классической школой, который подошел к концу с объединением Италии (см. Современное итальянское искусство). Неоклассицизм был последним стилем итальянского происхождения после Ренессанса и барокко, который распространился на все западное искусство.

Румыния

В 19 веке преобладающим стилем в Валахии и Молдавии , позже в Королевстве Румыния , был классицизм , который просуществовал долгое время, до 20 века, хотя в некоторые короткие периоды он сосуществовал с другими стилями. Иностранных архитекторов и инженеров сюда приглашали с первого десятилетия XIX века. Большинство архитекторов, строивших в начале века, были иностранцами, поскольку у румын еще не было инструкций, необходимых для проектирования зданий, которые сильно отличались от румынских традиций. Обычно используя классицизм, они начинают строить вместе с румынскими ремесленниками, обычно подготовленными в иностранных школах или академиях. Румынские архитекторы также учатся в западноевропейских школах. Одним из примеров является Александру Орэску , один из представителей неоклассицизма в Румынии.

Классицизм проявился как в религиозной, так и в светской архитектуре. Хорошим примером светской архитектуры является дворец Штирбей на улице Каля Викторей ( Бухарест ), построенный примерно в 1835 году по проекту французского архитектора Мишеля Санжуана. Новый уровень он получил в 1882 году по проекту австрийского архитектора Йозефа Хартмана [85] [86]

Россия и Советский Союз

В 1905–1914 гг. русская архитектура пережила краткий, но влиятельный период неоклассического возрождения ; эта тенденция началась с воссоздания стиля ампира александрийского периода и быстро расширилась до множества неоренессансных, палладианских и модернизированных, но узнаваемых классических школ. Их возглавили архитекторы 1870-х годов рождения, достигшие творческого пика еще до Первой мировой войны, такие как Иван Фомин , Владимир Щуко и Иван Жолтовский . Когда в 1920-х годах экономика восстановилась, эти архитекторы и их последователи продолжали работать преимущественно в модернистской среде; одни (Жолтовский) строго следовали классическому канону, другие (Фомин, Щуко, Илья Голосов ) выработали свои модернизированные стили. [87]

После подавления независимости архитекторов и официального отрицания модернизма (1932 г.), продемонстрированного международным конкурсом на строительство Дворца Советов , неоклассицизм мгновенно стал одним из вариантов сталинской архитектуры , хотя и не единственным. Он соседствовал с умеренно модернистской архитектурой Бориса Иофана , граничащей с современным ар-деко (Щуко); Опять же, наиболее чистые образцы стиля были созданы Жолтовской школой, оставшейся изолированным явлением. Политическое вмешательство стало катастрофой для лидеров конструктивистов , но было искренне встречено архитекторами классических школ.

Неоклассицизм был легким выбором для СССР, поскольку он не опирался на современные строительные технологии ( стальной каркас или железобетон ) и мог быть воспроизведен в традиционной каменной кладке . Таким образом, конструкции Жолтовского, Фомина и других старых мастеров легко тиражировались в отдаленных городах при строгом нормировании материалов . Совершенствование технологии строительства после Второй мировой войны позволило сталинистским архитекторам заняться строительством небоскребов, хотя стилистически эти небоскребы (включая «экспортированную» архитектуру Дворца культуры и науки в Варшаве и Шанхайского международного конференц-центра) мало имеют общего с классическими моделями. Неоклассицизм и неоренессанс сохранялись в менее требовательных жилых и офисных проектах до 1955 года, когда Никита Хрущев положил конец дорогой сталинской архитектуре.

Объединенное королевство

Стиль Адама был создан двумя братьями Адамом и Джеймсом , опубликовавшими в 1777 году том гравюр с внутренним орнаментом. Во внутреннем убранстве, выполненном по рисункам Роберта Адама, стены, потолки, двери и любые другие поверхности разделены на большие панели: прямоугольные, круглые, квадратные, с лепниной и греко-римскими мотивами по краям. Используемые украшения включают гирлянды , жемчуг, ленты в виде яиц и дротиков , медальоны и любые другие мотивы, использовавшиеся в эпоху классической древности (особенно этрусские ). Декоративные элементы, такие как каменные вазы в форме урн, позолоченное серебро, лампы и статуэтки, имеют один и тот же источник вдохновения — классическую древность. В стиле Адама подчеркиваются изысканные прямоугольные зеркала, обрамленные под картины (в рамах со стилизованными листьями) или с фронтоном над ними, поддерживающим урну или медальон. Другая конструкция зеркал Адама имеет форму венецианского окна с большим центральным зеркалом между двумя другими, более тонкими и длинными. Другой тип зеркал — овальные, обычно украшенные гирляндами. Мебель в этом стиле имеет структуру, аналогичную мебели Людовика XVI . [94]

Помимо стиля Адама, когда дело доходит до декоративного искусства, Англия также известна производителем керамики Джозайей Веджвудом (1730–1795), который основал гончарное производство под названием Этрурия. Посуда Wedgwood изготавливается из материала, называемого яшмой, твердого и мелкозернистого керамогранита. Вазы Веджвуда обычно украшаются рельефами двух цветов, в большинстве случаев фигуры белые, а фон синий.

Соединенные Штаты

На американском континенте архитектура и внутреннее убранство находились под сильным влиянием стилей, разработанных в Европе. Французский вкус ярко обозначил свое присутствие в южных штатах (после Французской революции сюда переехала часть эмигрантов, а в Канаде большая часть населения имеет французское происхождение). Практичный дух и материальное положение американцев того времени придавали интерьерам типичную атмосферу. Вся американская мебель, ковры, посуда, керамика и столовое серебро со всеми европейскими влияниями, а иногда и исламскими , турецкими или азиатскими , были изготовлены в соответствии с американскими нормами, вкусом и функциональными требованиями. В США существовал период стиля королевы Анны и период Чиппендейла . Собственный стиль, федеральный стиль, полностью развился в 18 и начале 19 веков и процветал под влиянием британского вкуса. Под импульсом неоклассицизма созданы архитектура, интерьеры и мебель. Стиль, хотя и имеет множество характеристик, различающихся от штата к штату, является единым. Структуры архитектуры, интерьеров и мебели выполнены в стиле классицизма и включают в себя влияние барокко и рококо . Используемые формы включают прямоугольники, овалы и полумесяцы. Лепнина или деревянные панели на стенах и потолках воспроизводят мотивы классицизма. Мебель, как правило, украшается цветочной маркетри и инкрустацией из бронзы или латуни (иногда позолоченной ). [98]

Сады

В Англии литература Августов имела прямую параллель со стилем ландшафтного дизайна Августов. Связи отчетливо просматриваются в работах Александра Поупа . Лучшими сохранившимися примерами неоклассических английских садов являются Чизвик-хаус , Стоу-хаус и Стоурхед . [99]

Мода

В моде неоклассицизм повлиял на гораздо большую простоту женских платьев и продолжительную моду на белое, существовавшую задолго до Французской революции, но только после нее во Франции стали модными основательные попытки подражать старинным стилям. по крайней мере для женщин. Классические костюмы издавна носили модные дамы, изображающие на портрете какую-нибудь фигуру из греческого или римского мифа (в частности, пошла целая серия таких портретов юной натурщицы Эммы, леди Гамильтон 1780-х годов), но такие костюмы носили только для сидячих портретов и балов-маскарадов до революционного периода и, возможно, как и в других экзотических стилях, в качестве раздевания дома. Но стиль портретов Жюльет Рекамье , Жозефины Богарне , Терезы Тальен и других парижских законодателей моды предназначался и для выхода на публику. Увидев г-жу Тальен в опере, Талейран пошутил: « Il n'est pas could de s'exposer plus somptueusement! » («Нельзя быть более роскошным раздетым»). В 1788 году, незадолго до революции, придворный портретист Луиза Элизабет Виже Лебрен устроила греческий ужин, на котором дамы были одеты в простые белые греческие туники. [100] Более короткие классические прически, где это возможно, с локонами, были менее спорными и получили очень широкое распространение, а волосы теперь были открыты даже на открытом воздухе; За исключением вечернего платья, шляпки и другие покрытия раньше обычно носили даже в помещении. Вместо этого для завязывания или украшения волос использовались тонкие ленты или ленты в греческом стиле.

Очень легкие и свободные платья, обычно белые и часто с шокирующе обнаженными руками, были прозрачными от щиколотки до чуть ниже лифа, где был сильно подчеркнутый тонкий край или завязка вокруг тела, часто другого цвета. Эту форму сейчас часто называют силуэтом ампира , хотя она возникла еще до Первой Французской империи Наполеона, но его первая императрица Жозефина де Богарне сыграла важную роль в распространении ее по Европе. Длинная прямоугольная шаль или накидка, очень часто простая красная, но с украшенной каймой на портретах, помогала в холодную погоду и, по-видимому, укладывалась вокруг живота в сидячем положении, для чего предпочтительнее были распростертые полулежачие позы. [101] К началу 19 века такие стили широко распространились по Европе.

Неоклассическая мода для мужчин была гораздо более проблематичной и никогда не пользовалась успехом, за исключением прически, где она играла важную роль в более коротких прическах, которые в конечном итоге привели к использованию париков, а затем и белой пудры для волос, для молодых мужчин. Брюки были символом варвара у греков и римлян, но за пределами мастерской художника или, тем более, скульптора, немногие мужчины были готовы отказаться от них. Действительно, этот период стал свидетелем триумфа чистых брюк или панталонов над брюками-кюлотами или бриджами до колена Ancien Régime . Даже когда Давид разработал новый французский «национальный костюм» по просьбе правительства в разгар революционного энтузиазма по изменению всего в 1792 году, он включал довольно узкие леггинсы под пальто, доходившее выше колена. Большая часть обеспеченных молодых людей провела большую часть ключевого периода на военной службе из-за французских революционных войн , а военная форма стала подчеркивать короткие спереди куртки, дающие полный обзор обтягивающих брюк. облегающие брюки, их часто носили вне службы и они влияли на гражданский мужской стиль.

Проблема брюк была признана художниками препятствием для создания картин современной истории ; Как и другие элементы современной одежды, многие художники и критики считали их неисправимо уродливыми и негероическими. Чтобы избежать их изображения в современных сценах, использовались различные уловки. В книге Гэвина Гамильтона «Джеймс Докинз и Роберт Вуд , открывающие руины Пальмиры» (1758) два джентльмена-антикваря изображены в арабских одеждах, похожих на тоги . В «Уотсоне и акуле» (1778) Джона Синглтона Копли главную фигуру можно было бы правдоподобно изобразить обнаженной, а композиция такова, что из восьми других показанных мужчин только у одного заметно выделяется одна нога в бриджах . Однако американцы Копли и Бенджамин Уэст возглавляли художников, которые успешно показали, что брюки можно использовать в героических сценах, с такими работами, как « Смерть генерала Вулфа» Уэста (1770) и «Смерть майора Пирсона, 6 января 1781 года» Копли (1783), хотя брюк все еще тщательно избегали в « Плоте Медузы» , завершенном в 1819 году.

Классические мужские прически включали Бедфордскую стрижку , возможно, предшественницу большинства простых современных мужских причесок, которая была изобретена радикальным политиком Фрэнсисом Расселом, 5-м герцогом Бедфордским в знак протеста против налога на пудру для волос ; он призвал своих друзей принять его, поспорив, что они этого не сделают. Другой влиятельный стиль (или группа стилей) был назван французами «à la Titus» в честь Тита Юния Брута (на самом деле не римского императора Тита , как часто предполагалось), с короткими и многослойными волосами, но несколько собранными на макушке, часто со сдержанными челками или свисающими прядями; варианты известны по волосам Наполеона и Георга IV Соединенного Королевства. Предполагалось, что стиль был введен актером Франсуа-Жозефом Тальмой , который отодвинул на второй план своих коллег в париках, когда появлялся в постановках таких произведений, как « Брут» Вольтера ( о Луции Юнии Бруте , который приказывает казнить своего сына Тита). . В 1799 году парижский журнал мод сообщил, что даже лысые мужчины носили парики Титуса [102] , и этот стиль носили и женщины. В 1802 году журнал Journal de Paris сообщил, что «более половины элегантных женщин носили волосы или парики à ла Тит . [103]

Музыка

Неоклассицизм в музыке — движение ХХ века; в данном случае возрождались музыкальные стили классицизма и барокко 17 и 18 веков с их любовью к греческим и римским темам, а не музыка самого древнего мира. (Начало 20-го века еще не отличало период барокко в музыке, на который в основном опирались композиторы-неоклассики, от того, что мы сейчас называем классическим периодом.) Это движение было реакцией первой половины 20-го века на распад хроматизма поздний романтизм и импрессионизм, возникшие параллельно с музыкальным модернизмом, стремившимся вообще отказаться от ключевой тональности. В нем проявилось стремление к чистоте и простоте стиля, что позволяло весьма диссонансно перефразировать классические процедуры, но оно стремилось сдуть паутину романтизма и сумеречные проблески импрессионизма в пользу смелых ритмов, напористой гармонии и четких секционных форм. , что совпало с модой на реконструированный «классический» танец и костюм в балете и физическом воспитании .

Танцевальная сюита 17–18 веков несколько возродилась перед Первой мировой войной, но неоклассицистов не совсем устраивала неизмененная диатоника, и они были склонны подчеркивать яркий диссонанс подвесок и орнаментов, угловатость ладовой гармонии 17 века и энергичные линии контрапунктического сочинения. « Древние арии и танцы» Респиги (1917) проложили путь к тому звуку, к которому стремились неоклассики. Хотя практика заимствования музыкальных стилей из прошлого не была редкостью на протяжении всей истории музыки, в художественной музыке были периоды, когда музыканты использовали современные методы в сочетании со старыми формами или гармониями для создания новых видов произведений. Примечательными композиционными характеристиками являются: обращение к диатонической тональности, условным формам (танцевальные сюиты, концерты гросси, сонатные формы и т. д.), идея абсолютной музыки, не ограниченной описательными или эмоциональными ассоциациями, использование легких музыкальных фактур и лаконичность музыкальной выразительности. . В классической музыке это особенно заметно проявилось в период с 1920-х по 1950-е годы. Игорь Стравинский — самый известный композитор, использующий этот стиль; он фактически начал музыкальную революцию своим баховским Октетом для духовых инструментов (1923). Особым индивидуальным произведением, хорошо представляющим этот стиль, является Классическая симфония № 1 ре мажор Прокофьева , напоминающая симфонический стиль Гайдна или Моцарта . Неоклассический балет , изобретенный Джорджем Баланчиным, навел порядок в российском имперском стиле с точки зрения костюмов, шагов и повествования, а также представил технические инновации.

Поздний неоклассицизм и его продолжения

После середины XIX века неоклассицизм перестает быть основным стилем, его заменяет эклектика классических стилей . Хорошим примером этого является Дворец Гарнье в Париже, поскольку, несмотря на то, что он преимущественно неоклассический, в нем присутствуют элементы и орнаменты, взятые из архитектуры барокко и эпохи Возрождения . Эта практика была частой в архитектуре конца 19-го и начала 20-го века, до Первой мировой войны. Помимо неоклассицизма, Парижское изящное искусство хорошо известно своей эклектикой классических стилей.

Пабло Пикассо экспериментировал с классикой мотивов сразу после Первой мировой войны . [106]

В американской архитектуре неоклассицизм был одним из проявлений движения американского Возрождения , ок. 1890–1917; его последнее проявление было в архитектуре изящных искусств , а его последними крупными общественными проектами были Мемориал Линкольна (в то время подвергавшийся резкой критике), Национальная галерея искусств в Вашингтоне, округ Колумбия (также подвергавшаяся резкой критике со стороны архитектурного сообщества как отсталое мышление и старомодный по своему дизайну) и Мемориал Рузвельта Американского музея естественной истории . Когда они были закончены, их считали стилистическими анахронизмами. В британском владычестве монументальное городское планирование Нью-Дели сэра Эдвина Латьенса знаменует собой закат неоклассицизма. Вторая мировая война должна была разрушить большую часть тоски по мифическому времени (и его имитации).

В 20 веке в невизуальном искусстве существовало целое движение, которое также называлось неоклассицизмом. Оно охватывало как минимум музыку, философию и литературу. Это было между окончанием Первой мировой войны и окончанием Второй мировой войны. (Информацию о музыкальных аспектах см. в разделе « Классическая музыка 20-го века и неоклассицизм в музыке» . Информацию о философских аспектах см. в разделе « Великие книги» .)

Это литературное неоклассическое движение отвергло крайний романтизм (например) дадаизма в пользу сдержанности, религии (особенно христианства) и реакционной политической программы. Хотя основы этого направления в английской литературе были заложены Т. Э. Хьюмом , наиболее известными неоклассиками были Т. С. Элиот и Уиндэм Льюис . В России движение кристаллизовалось еще в 1910 году под названием акмеизм , ведущими представителями которого были Анна Ахматова и Осип Мандельштам .

Арт-деко

Хотя его начали считать «устаревшим» после Первой мировой войны, принципы, пропорции и другие неоклассические элементы еще не были оставлены без внимания. Арт-деко был доминирующим стилем в межвоенный период и соответствует вкусу буржуазной элиты к высококлассным французским стилям прошлого, включая Людовика XVI , Директорию и ампир (стили периода французского неоклассицизма). В то же время эта французская элита была в равной степени способна ценить современное искусство , как работы Пабло Пикассо или Амедео Модильяни . Результатом этой ситуации является ранний стиль ар-деко, в котором используются как новые, так и старые элементы. Хорошим примером этого является Дворец Токио 1937 года в Париже, построенный Андре Обером и Марселем Дастюгом . Хотя здесь не используются орнаменты, а фасад украшен только рельефами , то, как здесь присутствуют колонны, является сильным напоминанием о неоклассицизме. Дизайн в стиле ар-деко часто опирался на неоклассические мотивы, не выражая их открыто: строгие, блочные комоды Эмиля -Жака Рульмана или Луи Сюэ и Андре Маре ; четкие, чрезвычайно низкорельефные фризы с изображением девиц и газелей на всех носителях; модные платья, драпированные или скроенные по косой, чтобы воссоздать греческие линии; художественный танец Айседоры Дункан . Консервативные архитекторы -модернисты , такие как Огюст Перре во Франции, сохранили ритмы и интервалы колонной архитектуры даже в фабричных зданиях.

Колебания в стиле ар-деко между использованием исторических элементов, форм и пропорций и стремлением к «новому», к модернизму, являются результатом множества факторов. Один из них – эклектика . Сложность и неоднородность ар-деко во многом обусловлена ​​эклектичным духом. Стилизованные элементы из репертуара изящных искусств, неоклассицизма или культур, далеких во времени и пространстве ( Древний Египет , доколумбовая Америка или искусство Африки к югу от Сахары ) объединены со ссылками на модернистских художников-авангардов начала 20-го века. века ( Анри Матисс , Амедео Модильяни или Константин Бранкузи ). Феномен ар-деко обязан академическому эклектизму и неоклассицизму главным образом существованием специфической архитектуры. Без вклада архитекторов, обученных в области изящных искусств, архитектура ар-деко, за исключением жилых зданий, осталась бы, за исключением жилых зданий, коллекцией декоративных объектов, увеличенных до городских масштабов, как павильоны Международной выставки современного декоративного и промышленного искусства из 1925 г., спорный для своего времени. Другой причиной колебаний между историческими элементами и модернизмом была культура потребления . Объекты и здания в пуританском интернациональном стиле , лишенные каких-либо украшений или отсылок к прошлому, были слишком радикальны для широкой публики. В межвоенной Франции и Англии дух публики и значительная часть архитектурной критики не могли представить себе стиль, полностью лишенный орнамента, такой как интернациональный стиль.

Использование исторических стилей в качестве источников вдохновения для ар-деко начинается еще за годы до Первой мировой войны благодаря усилиям таких декораторов, как Морис Дюфрен , Поль Фолло , Поль Ирибе , Андре Гроулт , Леон Жалло или Эмиль-Жак Рульманн , которые рассказывают к престижным французским художественным и ремесленным традициям конца 18-го и начала 19-го веков ( Людовик XVI , Директория и Луи-Филипп ), и которые хотят привнести новый подход к этим стилям. Стиль нео-Людовика XVI был очень популярен во Франции и Румынии в годы перед Первой мировой войной, примерно в 1910 году, и сильно повлиял на многие ранние проекты и здания в стиле ар-деко. Хорошим примером этого является замок Септ-Соль в Гранд-Эст , Франция, построенный Луи Сюэ в 1928–1929 годах. [114]

Неоклассицизм и тоталитарные режимы

В фашистской Италии , нацистской Германии , Румынии под властью Кароля II и Советском Союзе в 1920-х и 1930-х годах тоталитарные режимы выбрали неоклассицизм для государственных зданий и искусства. Архитектура играла центральную роль в выражении постоянства тоталитарных режимов (несмотря на их очевидную новизну). То, как тоталитарные режимы опирались на классицизм, принимало множество форм. Когда дело доходит до государственных зданий в Италии и Румынии, архитекторы пытались соединить современность с абстрактными классическими формами. Двумя хорошими примерами этого являются Палаццо делла Гражданская Италия в Риме, а также здание ректората университета и юридического факультета в Бухаресте (бульвар Михаила Когэлничану, № 36–46). Напротив, классицизм Советского Союза, известный как социалистический реализм , был напыщенным, перегруженным орнаментами и архитектурными скульптурами, как попытка контрастировать с простотой «капиталистических» или «буржуазных» стилей, таких как ар-деко или модернизм . Хорошим примером этого является Университет Ломоносова в Москве . Никите Хрущеву , советскому лидеру, сменившему Сталина, не нравилась эта помпезная архитектура соцреализма времен правления его предшественника. Из-за низкой скорости и стоимости этих неоклассических зданий он заявил, что «они тратили деньги людей на красоту, которая никому не нужна, вместо того, чтобы строить более простые, но большие».

В Советском Союзе неоклассицизм воспринимался как отказ от ар-деко и модернизма, которые коммунисты считали слишком «буржуазными» и «капиталистическими». Этот коммунистический неоклассический стиль известен как социалистический реализм и был популярен во время правления Иосифа Сталина (1924–1953). В изобразительном искусстве . Как правило, это проявлялось в глубоко идеализированных изображениях жилистых рабочих, изображенных как герои в колхозах или промышленных городах, политических собраниях, достижениях советской техники, а также в изображениях счастливых детей, живущих рядом с Лениным или Сталиным. И тематика, и представление тщательно контролировались. Художественные достоинства определялись степенью вклада произведения в строительство социализма. Все художники должны были вступить в контролируемый государством Союз советских художников и создавать работы в принятом стиле. Тремя руководящими принципами социалистического реализма были партийная лояльность, представление правильной идеологии и доступность. Реализм, более понятный массам, был выбранным стилем. Вначале в Советском Союзе присутствовало множество конкурирующих авангардных движений, особенно конструктивизм . Однако по мере того, как Сталин консолидировал свою власть к концу 1920-х годов, авангардное искусство и архитектура были подавлены и в конечном итоге объявлены вне закона, и были установлены официальные государственные стили. После того, как Борис Иофан выиграл конкурс на проект Дворца Советов со ступенчатой ​​классической башней, увенчанной гигантской статуей Ленина, архитектура вскоре вернулась к дореволюционным стилям искусства и архитектуры, незапятнанным предполагаемым западным влиянием конструктивизма. [121] Хотя соцреализм в архитектуре более или менее закончился со смертью Сталина и приходом к власти Никиты Хрущева, картины в этом стиле продолжали создаваться, особенно в странах, где существовал сильный культ личности правящего лидера, например в случае с Китаем Мао Цзэдуна , Северной Кореей Ким Ир Сена или Румынией Николае Чаушеску .

Нацисты подавили яркую авангардную культуру Германии, как только они получили контроль над правительством в 1933 году. Альберт Шпеер был назначен советником Адольфа Гитлера по архитектуре в 1934 году, и он пытался создать архитектуру, которая одновременно отражала бы воспринимаемое единство Германии. людей и служить фоном для проявления силы нацистов. Подход нацистов к архитектуре был полон противоречий: в то время как планы Гитлера и Шпеера по переустройству Берлина стремились подражать имперскому Риму, в сельских контекстах нацистские здания черпали вдохновение из местного языка , пытаясь передать «аутентичный» немецкий дух. Когда дело дошло до изобразительного искусства, нацисты создали термин « дегенеративное искусство » для обозначения современного искусства , вида искусства, который для них был «ненемецким», «еврейским» или «коммунистическим». Нацисты ненавидели современное искусство и связывали его с «культурным большевизмом», теорией заговора , согласно которой искусство (или культура в целом) контролировалось левой еврейской кликой, стремящейся уничтожить арийскую расу. Война Гитлера с современным искусством в основном заключалась в выставке, которая пыталась дискредитировать современных художников, и называлась « Выставка дегенеративного искусства » ( нем . Die Ausstellung «Entartete Kunst» ). Эта выставка была показана рядом с Великой выставкой немецкого искусства , которая состояла из произведений искусства, одобренных нацистами. Таким образом, посетители обеих выставок могли сравнить искусство, которое режим называет «хорошим» и «плохим». С аналогичным подходом режим закрывает в 1931 году Баухаус , школу авангардного искусства в Дессау , которая окажется чрезвычайно влиятельной в будущем. Он вновь открылся в Берлине в 1932 году, но снова закрылся в 1933 году.

По сравнению с Германией и Советским Союзом, в Италии авангард внес свой вклад в государственную архитектуру. Классическая архитектура также оказала влияние, перекликаясь с гораздо более грубыми попытками Бенито Муссолини создать связи между его фашистским режимом и Древним Римом . Некоторые итальянские архитекторы пытались создать сплав модернизма и классицизма , например, Марчелло Пьячентини с Римским университетом Сапиенца или Джузеппе Терраньи с Casa del Fascio в Комо . [122]

В Румынии к концу 1930-х годов под влиянием самодержавной тенденции короля Кароля II было возведено множество государственных зданий. Они были неоклассическими, многие из которых были очень похожи на то, что было популярно в те же годы в фашистской Италии. Примеры в Бухаресте включают здание ректората университета и юридического факультета (бульвар Михаила Когэлничану, № 36–46), жилой дом Крецулеску ( Calea Victoriei , № 45), здание CFR (бульвар Динику Голеску, № 38) или дворец Виктории ( Площадь Победы № 1). Королевский дворец , интерьеры которого в основном выполнены в неоадамском стиле , выделяется тем, что он более декорирован и немного ближе к архитектуре до Первой мировой войны.

Постмодернизм

Ранний текст, ставящий под сомнение модернизм, был написан архитектором Робертом Вентури « Сложность и противоречие в архитектуре» (1966), в котором он рекомендовал возродить «присутствие прошлого» в архитектурном дизайне. Он пытался включить в свои собственные здания качества, которые он описывал как «включенность, непоследовательность, компромисс, приспособление, адаптацию, сверхсмежность, эквивалентность, множественность фокусов, сопоставление или хорошее и плохое пространство». [136] Работа Роберта Вентури отразила более широкие контркультурные настроения 1960-х годов, когда молодое поколение начало подвергать сомнению и бросать вызов политическим, социальным и расовым реалиям, с которыми они столкнулись. Этот отказ от модернизма известен как постмодернизм . Роберт Вентури пародирует известную максиму Людвига Миса ван дер Роэ « меньше значит больше » словами «меньше — это скучно». В 1980-х и 1990-х годах некоторые архитекторы постмодерна нашли убежище в своего рода нео-неоклассицизме. Их использование классицизма не ограничивалось только орнаментами, используя также более или менее пропорции и другие принципы. Некоторые люди по-разному описывали постмодернистский классицизм как «лагерь» или « китч ». Архитектор, известный благодаря постмодернистскому классицизму, — Рикардо Бофилл . Его работа включает в себя два жилищных проекта титанического масштаба недалеко от Парижа, известные как Les Arcades du Lac с 1975 по 1981 год и Les Espaces d'Abraxas с 1978 по 1983 год. Здание, которое выделяется своим возрождением, - это Музей Дж. Пола Гетти , в Малибу , Калифорния , с 1970 по 1975 год, вдохновленный древней римской Виллой Папирусов в Геркулануме . Музей Дж. Пола Гетти гораздо ближе к неоклассицизму 19-го века, как Помпеянум в Ашаффенбурге , Германия, чем к постмодернистскому классицизму 1980-х годов. [137]

Архитектура в 21 веке

После затишья в период доминирования современной архитектуры (примерно после Второй мировой войны до середины 1980-х годов) неоклассицизм пережил своего рода возрождение.

По состоянию на первое десятилетие 21 века современная неоклассическая архитектура обычно классифицируется под общим термином « новая классическая архитектура» . Иногда его также называют неоисторизмом или традиционализмом. [139] Кроме того, ряд произведений постмодернистской архитектуры черпают вдохновение и включают в себя явные ссылки на неоклассицизм, район Антигона и Национальный театр Каталонии в Барселоне . Постмодернистская архитектура иногда включает исторические элементы, такие как колонны, капители или тимпан.

Для искренней архитектуры в традиционном стиле, которая придерживается региональной архитектуры, материалов и мастерства, в основном используется термин «традиционная архитектура» (или народный язык). Архитектурная премия Дрихауса вручается крупным авторам в области традиционной или классической архитектуры 21-го века, и ее призовой фонд вдвое превышает размер модернистской Притцкеровской премии . [140]

В Соединенных Штатах различные современные общественные здания построены в неоклассическом стиле, примером может служить Симфонический центр Шермерхорна 2006 года в Нэшвилле .

В Великобритании ряд архитекторов активно работают в неоклассическом стиле. Примеры их работы включают две университетские библиотеки: Библиотеку Мейтленда Робинсона Куинлана Терри в Даунинг-колледже и Библиотеку Саклера компании Robert Adam Architects .

Смотрите также

Примечания

  1. ^ Стивенсон, Ангус (19 августа 2010 г.). Оксфордский словарь английского языка. ISBN 9780199571123.
  2. ^ Коле, Хуберту. (7 августа 2006 г.). «Дорога из Рима в Париж. Рождение современного неоклассицизма». Жак Луи Давид. Новые перспективы.
  3. ^ Болдик, Крис (2015). «Неоклассицизм». Оксфордский словарь литературных терминов (онлайн-версия) (4-е изд.). Издательство Оксфордского университета. ISBN  9780191783234.
  4. ^ Грин, Роланд ; и др., ред. (2012). «Неоклассическая поэтика». Принстонская энциклопедия поэзии и поэтики (4-е изд.). Принстон, Нью-Джерси: Издательство Принстонского университета. ISBN 978-0-691-15491-6.
  5. ^ «Неоклассическая архитектура | Определение, характеристики, примеры и факты | Британника» . www.britanica.com . 01.06.2023 . Проверено 30 июля 2023 г.
  6. ^ «Классика / Классическое возрождение / Неоклассика: руководство по архитектурному стилю» . www.architecture.com . Проверено 30 июля 2023 г.
  7. ^ Ирвин, Дэвид Г. (1997). Неоклассицизм A&I (Искусство и идеи) . Файдон Пресс. ISBN 978-0-7148-3369-9.
  8. ^ Честь, 17–25; Новотного, 21
  9. ^ Повторяющаяся тема в Кларке: 19–23, 58–62, 69, 97–98 (об Энгре); Честь, 187–190; Новотного, 86–87
  10. ^ Lingo, Эстель Сесиль (2007). Франсуа Дюкенуа и греческий идеал . Издательство Йельского университета; Первое издание. стр. 161. ISBN. 978-0-300-12483-5.
  11. ^ Талботт, Пейдж (1995). Классическая Саванна: изобразительное и декоративное искусство, 1800-1840 гг . Издательство Университета Джорджии. п. 6. ISBN 978-0-8203-1793-9.
  12. ^ Каннингем, Райх, Лоуренс С., Джон Дж. (2009). Культура и ценности: обзор гуманитарных наук . Издательство Уодсворт; 7 выпуск. п. 104. ИСБН 978-0-495-56877-3.{{cite book}}: CS1 maint: несколько имен: список авторов ( ссылка )
  13. ^ Честь, 57–62, 61 цитируется.
  14. ↑ Обе цитаты с первых страниц «Мысли о подражании греческим произведениям в живописи и скульптуре»
  15. ^ «Промышленная история европейских стран». Европейский маршрут промышленного наследия . Совет Европы . Проверено 2 июня 2021 г.
  16. ^ Норт, Дуглас С.; Томас, Роберт Пол (май 1977 г.). «Первая экономическая революция» . Обзор экономической истории . Уайли от имени Общества экономической истории. 30 (2): 229–230. дои : 10.2307/2595144. JSTOR  2595144 . Проверено 6 июня 2022 г.
  17. ^ Дайсон, Стивен Л. (2006). В поисках древнего прошлого: история классической археологии девятнадцатого и двадцатого веков . Издательство Йельского университета. стр. XII. ISBN 978-0-300-11097-5.
  18. ^ Честь, 21
  19. ^ Честь, 11, 23–25.
  20. ^ Честь, 44–46; Новотного, 21
  21. ^ Честь, 43–62.
  22. ^ Фортенберри 2017, с. 275.
  23. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 413. ИСБН 978-0-7148-7877-5.
  24. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 211. ИСБН 978-0-7148-7877-5.
  25. ^ ab Fortenberry 2017, с. 276.
  26. ^ Робертсон, Хаттон (2022). История искусства – от предыстории до наших дней – глобальный взгляд . Темза и Гудзон. п. 993. ИСБН 978-0-500-02236-8.
  27. ^ Эндрю, Грэм-Диксон (2023). искусство - Полная визуальная история . п. 251. ИСБН 978-0-2416-2903-1.
  28. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 59. ИСБН 978-0-7148-7877-5.
  29. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 298. ИСБН 978-0-7148-7877-5.
  30. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 419. ИСБН 978-0-7148-7877-5.
  31. ^ Эндрю, Грэм-Диксон (2023). искусство - Полная визуальная история . п. 270. ИСБН 978-0-2416-2903-1.
  32. ^ Эндрю, Грэм-Диксон (2023). искусство - Полная визуальная история . п. 298. ИСБН 978-0-2416-2903-1.
  33. ^ Кларк, 20 лет (цитата); Честь, 14; изображение картины (справедливости ради, другие работы Менгса более удачны)
  34. ^ Честь, 31–32 (31 цитируется)
  35. ^ Честь, 113–114.
  36. ^ Честь, 14
  37. ^ Новотный, 62.
  38. ^ Новотный, 51–54.
  39. ^ Кларк, 45–58 (цитируется 47–48); Честь, 50–57
  40. ^ Честь, 34–37; Кларк, 21–26 лет; Новотного, 19–22
  41. ^ Новотный, 39–47; Кларк, 97–145; Честь, 187–190
  42. ^ ИСКУССТВО ● Архитектура ● Живопись ● Скульптура ● Графика ● Дизайн . 2011. с. 313. ИСБН 978-1-4454-5585-3.
  43. ^ abc Эндрю, Грэм-Диксон (2023). искусство - Полная визуальная история . п. 273. ИСБН 978-0-2416-2903-1.
  44. ^ Ланейри-Даген, Надейе (2021). Historie de l'art pour tous (на французском языке). Хазан. п. 264. ИСБН 978-2-7541-1230-7.
  45. ^ Ланейри-Даген, Надейе (2021). Historie de l'art pour tous (на французском языке). Хазан. п. 265. ИСБН 978-2-7541-1230-7.
  46. ^ Фортенберри 2017, с. 278.
  47. ^ Новотный, 378.
  48. ^ Новотный, 378–379.
  49. ^ Чинард, Гилберт, изд., Houdon in America Arno PressNy, 1979, переиздание книги, опубликованной Университетом Джонса Хопкинса, 1930 г.
  50. ^ Новотный, 379–384.
  51. ^ Новотный, 384–385.
  52. ^ Новотный, 388–389.
  53. ^ Новотный, 390–392.
  54. ^ Гердтс, Уильям Х., Американская неоклассическая скульптура: Мраморное воскресение , Viking Press, Нью-Йорк, 1973, стр. 11
  55. ^ Ларбодьер, Жан-Марк (2015). L'Architecture de Paris des Origins à Aujourd'hui (на французском языке). Массин. п. 106. ИСБН 978-2-7072-0915-3.
  56. ^ Палмер, Алиссон Ли. Исторический словарь неоклассического искусства и архитектуры . п. 1.
  57. ^ аб Гонтар
  58. ^ Честь, 110–111, цитирование 110.
  59. ↑ Честь, 171–184, цитирование 171.
  60. ^ де Мартин 1925, с. 11.
  61. ^ Джонс 2014, с. 276.
  62. ^ де Мартин 1925, с. 13.
  63. ^ abc Jones 2014, с. 273.
  64. ^ Жакмар, Альберт (2012). Декоративное искусство . Паркстоун. п. 65. ИСБН 978-1-84484-899-7.
  65. ^ Ларбодьер, Жан-Марк (2015). L'Architecture de Paris des Origins à Aujourd'hui (на французском языке). Массин. п. 105. ИСБН 978-2-7072-0915-3.
  66. ^ де Мартин 1925, с. 17.
  67. ^ "Угловой кабинет - Чикагский институт искусств" .
  68. ^ де Мартин 1925, с. 61.
  69. ^ аб Жакмар, Альберт (2012). Декоративное искусство . Паркстоун. п. 61. ИСБН 978-1-84484-899-7.
  70. ^ Граур, Неага (1970). Stiluri în arta Decorativă (на румынском языке). Церцея. стр. 200, 201 и 202.
  71. ^ Сильви, Шадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко . Литтл, Браун и компания. п. 71.
  72. ^ Сильви, Шадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко . Литтл, Браун и компания. п. 72.
  73. ^ "АСТРОНОМИЧЕСКИЕ ЧАСЫ". madparis.fr . Проверено 23 мая 2021 г.
  74. ^ "Bergère du salon de Madame Récamier (OA 11384 - 11391), d'une Paire avec OA 11386" . Collections.louvre.fr . Проверено 23 мая 2022 г.
  75. ^ Джонс 2014, с. 275.
  76. ^ Аб Хопкинс 2014, с. 111.
  77. ^ Одиль, Нувель-Каммерер (2007). Символы власти • Наполеон и искусство ампира • 1800-1815 гг . п. 209. ИСБН 978-0-8109-9345-7.
  78. ^ Одиль, Нувель-Каммерер (2007). Символы власти • Наполеон и искусство ампира • 1800-1815 гг . п. 32. ISBN 978-0-8109-9345-7.
  79. ^ Граур, Неага (1970). Stiluri în arta Decorativă (на румынском языке). Церцея. стр. 217, 219, 220 и 221.
  80. ^ Сильви, Шадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко . Литтл, Браун и компания. п. 103 и 105.
  81. ^ Испир, Михай (1984). Классицизм в Arta Românească (на румынском языке). Эдитура Меридиан.
  82. ^ Флоря, Василе (2016). Arta Românească de la Origini pană in Prezent . Литера. стр. 296, 297. ISBN. 978-606-33-1053-9.
  83. ^ Олтеан, Раду (2009). Бухарест 550 de ani de la prima atestare documentată 1459–2009 (на румынском языке). АрКуБ. п. 113. ИСБН 978-973-0-07036-1.
  84. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, стр. 65.
  85. ^ Флоря, Василе (2016). Arta Românească de la Origini pană in Prezent . Литера. стр. 294, 296, 297. ISBN. 978-606-33-1053-9.
  86. ^ Лазареску, Кристя и Лазареску 1972, с. 67, 68.
  87. ^ «Истоки модернизма в русской архитектуре». Content.cdlib.org . Проверено 12 февраля 2012 г.
  88. ^ Аб Хопкинс 2014, с. 103.
  89. ^ Бэйли 2012, стр. 226.
  90. ^ Фортенберри 2017, с. 274.
  91. ^ Фартинг, Стивен (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta Urbană (на румынском языке). РАО. п. 260. ИСБН 978-606-006-392-6.
  92. ^ Хопкинс 2014, с. 104.
  93. ^ "Крытая урна - Художественный музей Кливленда" . 30 октября 2018 года . Проверено 6 мая 2022 г.
  94. ^ Граур, Неага (1970). Stiluri în arta Decorativă (на румынском языке). Церцея. стр. 253, 255 и 256.
  95. ^ Аб Ходж 2019, с. 112.
  96. ^ Ходж 2019, с. 31.
  97. ^ Ирвинг, Марк (2019). 1001 ЗДАНИЕ, которое вы должны увидеть, прежде чем умереть . Кассель иллюстрировал. п. 281. ИСБН 978-1-78840-176-0.
  98. ^ Граур, Неага (1970). Stiluri în arta Decorativă (на румынском языке). Церцея. стр. 269, 270 и 271.
  99. ^ Тернер, Тернер (2013). Британские сады: история, философия и дизайн, глава 6. Неоклассические сады и пейзажи 1730–1800 гг . Лондон: Рутледж. п. 456. ИСБН 978-0415518789.
  100. ^ Хант, 244
  101. ^ Хант, 244–245.
  102. ^ Хант, 243
  103. ^ Рифель, 35 лет.
  104. ^ Аб Джонс 2014, с. 296.
  105. ^ Хопкинс 2014, с. 135.
  106. ^ ab Criticos, Михаэла (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat – Арт-деко или хорошо темперированный модернизм (на румынском и английском языках). СИМЕТРИЯ. п. 79. ИСБН 978-973-1872-03-2.
  107. ^ "Комод на двоих, кабинет среды" . musee-orsay.fr . Проверено 25 июня 2023 г.
  108. ^ "Примавера: Хоменагем Жана Гужона" . gulbenkian.pt . Проверено 25 июня 2023 г.
  109. ^ Кадиевич, Александр. «Архитектор Иосиф Найман (1890–1951), Момент 18, Белград, 1990, 100–106». {{cite journal}}: Требуется цитировать журнал |journal=( помощь )
  110. ^ Критикос, Михаэла (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Арт-деко или хорошо темперированный модернизм (на румынском и английском языках). СИМЕТРИЯ. п. 81. ИСБН 978-973-1872-03-2.
  111. ^ ab Criticos, Михаэла (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Арт-деко или хорошо темперированный модернизм (на румынском и английском языках). СИМЕТРИЯ. п. 91. ИСБН 978-973-1872-03-2.
  112. ^ Керл, Джеймс Стивенс (2013). Возрождение Египта: Древний Египет как источник вдохновения для мотивов дизайна на Западе . Рутледж. п. 412. ИСБН 978-1-134-23467-7.
  113. ^ Войнароски, Кристина (2013). Городская история, Лотицария и парк Иоаннида в Бухаресте в европейском контексте (на румынском языке). СИМЕТРИЯ. п. 216. ИСБН 978-973-1872-30-8.
  114. ^ Критикос, Михаэла (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat – Арт-деко или хорошо темперированный модернизм (на румынском и английском языках). СИМЕТРИЯ. стр. 29, 31, 40, 79, 91. ISBN . 978-973-1872-03-2.
  115. ^ Уоткин, Дэвид (2022). История западной архитектуры . Лоуренс Кинг. п. 880. ИСБН 978-1-52942-030-2.
  116. ^ Демпси, Эми (2018). Современное искусство . Тэмед и Хадсон. п. 93. ИСБН 978-0-500-29322-5.
  117. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, стр. 72.
  118. ^ Хопкинс 2014, с. 175.
  119. ^ Аб Хопкинс 2014, с. 176.
  120. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, стр. 181.
  121. ^ Демпси, Эми (2018). Современное искусство . Тэмед и Хадсон. стр. 92, 93. ISBN. 978-0-500-29322-5.
  122. ^ Хопкинс 2014, с. 174, 175, 176.
  123. ^ Уоткин, Дэвид (2022). История западной архитектуры . Лоуренс Кинг. стр. 663, 664. ISBN. 978-1-52942-030-2.
  124. ^ Уоткин, Дэвид (2022). История западной архитектуры . Лоуренс Кинг. п. 663. ИСБН 978-1-52942-030-2.
  125. ^ Гура, Джудит (2017). Постмодернистский дизайн завершен . Темза и Гудзон. п. 53. ИСБН 978-0-500-51914-1.
  126. ^ Уилхайд, Элизабет. Создайте всю историю . Темза и Гудзон. п. 416. ИСБН 978-0-500-29687-5.
  127. ^ Аб Гура, Джудит (2017). Постмодернистский дизайн завершен . Темза и Гудзон. п. 121. ИСБН 978-0-500-51914-1.
  128. ^ Уоткин, Дэвид (2022). История западной архитектуры . Лоуренс Кинг. п. 665. ИСБН 978-1-52942-030-2.
  129. ^ "Интерьер Вест-Вакер-Драйв, 77 (1992)" . ар.на. _ Проверено 3 сентября 2023 г.
  130. ^ Аб Гура, Джудит (2017). Постмодернистский дизайн завершен . Темза и Гудзон. п. 77. ИСБН 978-0-500-51914-1.
  131. ^ Гура, Джудит (2017). Постмодернистский дизайн завершен . Темза и Гудзон. п. 65. ИСБН 978-0-500-51914-1.
  132. ^ Элеонора Гибсон. «Семь лучших постмодернистских проектов Роберта Вентури». dezeen.com . Проверено 25 июня 2023 г.
  133. ^ "Форумные магазины в Caesars Palace (1992)" . ар.на. _ Проверено 3 сентября 2023 г.
  134. ^ Аб Грей, Джордж Т. (2022). Введение в историю архитектуры, искусства и дизайна . Издательство Университета Санвей. п. 265. ИСБН 978-967-5492-24-2.
  135. ^ "Филипп Старк, пара кресел Луи Призрака, Kartell. - Буковски" . smow.com . Проверено 19 июня 2023 г.
  136. ^ Уоткин, Дэвид (2022). История западной архитектуры . Лоуренс Кинг. п. 660. ИСБН 978-1-52942-030-2.
  137. ^ Уоткин, Дэвид (2022). История западной архитектуры . Лоуренс Кинг. стр. 660, 661, 663. ISBN. 978-1-52942-030-2.
  138. ^ Уоткин, Дэвид (2022). История западной архитектуры . Лоуренс Кинг. п. 673. ИСБН 978-1-52942-030-2.
  139. ^ «Неоклассическая архитектура. Традиционализм. Историзм».
  140. ^ Премия Дрихауса за новую классическую архитектуру в Нотр-Даме SoA. Архивировано 10 февраля 2017 г. в Wayback Machine . Вместе премия Дрихауса в размере 200 000 долларов и премия Рида в размере 50 000 долларов представляют собой наиболее значительное признание классицизма в современной искусственной среде. ; сохранен 7 марта 2014 г.

Рекомендации

дальнейшее чтение

Внешние ссылки

Викискладе есть медиафайлы, связанные с неоклассицизмом .