Музыка — это аранжировка звука для создания некоторой комбинации формы , гармонии , мелодии , ритма или иного выразительного содержания . [1] [2] [3] Музыка, как правило, считается культурной универсалией , присутствующей во всех человеческих обществах. [4] Определения музыки сильно различаются по содержанию и подходу. [5] Хотя ученые сходятся во мнении, что музыка определяется небольшим количеством конкретных элементов , нет единого мнения относительно того, что это за необходимые элементы. [6] Музыка часто характеризуется как весьма универсальное средство выражения человеческого творчества . [7] В создании музыки участвуют различные виды деятельности, которые часто делятся на категории сочинения , импровизации и исполнения . [8] Музыка может исполняться с использованием самых разных музыкальных инструментов , включая человеческий голос . Она также может быть составлена, секвенирована или иным образом произведена для косвенного воспроизведения механически или электронно, например, с помощью музыкальной шкатулки , шарманки или программного обеспечения цифровой звуковой рабочей станции на компьютере.
Музыка часто играет ключевую роль в общественных мероприятиях и религиозных церемониях . Методы создания музыки часто передаются как часть культурной традиции. Музыка исполняется в общественных и частных контекстах, подчеркивается на таких мероприятиях, как фестивали и концерты для различных типов ансамблей. Музыка используется в производстве других медиа, например, в саундтреках к фильмам, телешоу, операм и видеоиграм.
Прослушивание музыки является распространенным средством развлечения . Культура, окружающая музыку, распространяется на области академического изучения, журналистики , философии , психологии и терапии . Музыкальная индустрия включает в себя авторов песен, исполнителей, звукорежиссеров , продюсеров, организаторов туров, дистрибьюторов инструментов, аксессуаров и издателей нот и записей . Технологии, облегчающие запись и воспроизведение музыки, исторически включали ноты , микрофоны , фонографы и магнитофоны , а воспроизведение цифровой музыки было обычным использованием для MP3-плееров , CD-плееров и смартфонов .
Современное английское слово «music» вошло в употребление в 1630-х годах. [9] Оно произошло от длинной череды последовательных предшественников: древнеанглийского « musike » середины XIII века; древнефранцузского musique XII века; и латинского mūsica . [10] [7] [n 1] Само латинское слово происходит от древнегреческого mousiké ( technē ) — μουσική ( τέχνη ) — буквально означающего «(искусство) Муз». [10] [n 2] Музы были девятью божествами в древнегреческой мифологии, которые руководили искусствами и науками . [13] [14] Они были включены в сказания самых ранних западных авторов, Гомера и Гесиода , [15] и в конечном итоге стали ассоциироваться именно с музыкой. [14] Со временем Полигимния стала занимать в музыке более видное место, чем другие музы. [11] Латинское слово musica также стало источником испанского música и французского musique посредством орфографической и лингвистической корректировки, хотя другие европейские термины, вероятно, были заимствованными , включая итальянское musica , немецкое Musik , голландское muziek , норвежское musikk , польское muzyka и русское muzïka . [14]
Современный западный мир обычно определяет музыку как всеобъемлющий термин, используемый для описания различных жанров, стилей и традиций. [16] Это не так во всем мире, и такие языки, как современный индонезийский ( musik ) и шона ( musakazo ) недавно приняли слова, отражающие эту универсальную концепцию, поскольку у них не было слов, которые бы точно соответствовали западному масштабу. [14] До контакта с Западом в Восточной Азии ни Япония, ни Китай не имели единого слова, которое охватывало бы музыку в широком смысле, но в культурном отношении они часто рассматривали музыку именно так. [17] Наиболее близкое к значению музыки слово в китайском языке , yue , имеет тот же иероглиф, что и le , означающий радость, и изначально относилось ко всем видам искусства, прежде чем сузилось в значении. [17] Африка слишком разнообразна, чтобы делать четкие обобщения, но музыковед JH Kwabena Nketia подчеркнул часто неразрывную связь африканской музыки с танцем и речью в целом. [18] Некоторые африканские культуры, такие как народ сонье в Демократической Республике Конго и народ тив в Нигерии, имеют сильное и широкое представление о «музыке», но не имеют соответствующего слова в своих родных языках. [18] Другие слова, обычно переводимые как «музыка», часто имеют более конкретные значения в своих соответствующих культурах: хинди-слово для музыки, sangita , по сути относится к музыкальному искусству , [19] в то время как во многих языках коренных народов Америки есть слова для музыки, которые относятся конкретно к песне, но независимо от этого описывают инструментальную музыку. [20] Хотя арабское слово musiqi может относиться ко всей музыке, оно обычно используется для инструментальной и метрической музыки, в то время как khandan определяет вокальную и импровизированную музыку. [21]
Часто ведутся споры о том, в какой степени происхождение музыки будет когда-либо понято, [23] и существуют конкурирующие теории, которые стремятся объяснить это. [24] Многие ученые подчеркивают связь между происхождением музыки и происхождением языка , и существуют разногласия относительно того, возникла ли музыка до, после или одновременно с языком. [25] Похожий источник разногласий окружает вопрос о том, была ли музыка преднамеренным результатом естественного отбора или была побочным продуктом эволюции . [25] Самая ранняя влиятельная теория была предложена Чарльзом Дарвином в 1871 году, который утверждал, что музыка возникла как форма полового отбора , возможно, через брачные крики. [26] Первоначальная точка зрения Дарвина подверглась резкой критике за ее несоответствие другим методам полового отбора, [27] хотя многие ученые в 21 веке развили и продвигали эту теорию. [28] Другие теории предполагают, что музыка возникла для помощи в организации труда, улучшения связи на расстоянии, улучшения связи с божественным , содействия сплочению общества или в качестве защиты для отпугивания хищников. [29]
Доисторическую музыку можно только теоретически строить на основе находок из палеолитических археологических памятников. Спорная флейта Дивье Бабе , перфорированная бедренная кость пещерного медведя , имеет возраст не менее 40 000 лет, хотя ведутся серьезные споры о том, является ли она действительно музыкальным инструментом или предметом, созданным животными. [30] Самые ранние предметы, обозначения которых как музыкальных инструментов широко приняты, — это костяные флейты из Швабской Юры , Германия, а именно из пещер Гайссенклёстерле , Холе-Фельс и Фогельхерд . [31] Датируемые ориньякским периодом (верхний палеолит) и использовавшиеся ранними европейскими современными людьми , во всех трех пещерах есть восемь экземпляров, четыре из которых сделаны из костей крыльев птиц и четыре из бивня мамонта ; три из них почти целы. [31] Три флейты из Гайссенклёстерле датируются как самые старые, около 1500 лет назад. 43 150–39 370 лет назад. [22] [n 3]
Самые ранние материальные и репрезентативные свидетельства египетских музыкальных инструментов относятся к додинастическому периоду , но доказательства более надежно засвидетельствованы в Древнем царстве, когда играли на арфах , флейтах и двойных кларнетах . [32] Ударные инструменты, лиры и лютни были добавлены в оркестры в Среднем царстве . Тарелки [33] часто сопровождали музыку и танцы, во многом так же, как они это делают в Египте сегодня. Египетская народная музыка , включая традиционные суфийские ритуалы зикра , являются наиболее близким современным музыкальным жанром к древнеегипетской музыке, сохранив многие ее черты, ритмы и инструменты. [34] [35]
« Хурритский гимн Никкалу », найденный на глиняных табличках в древнем сирийском городе Угарит , является старейшим сохранившимся нотным музыкальным произведением, датируемым примерно 1400 годом до н. э. [36] [37]
Музыка была важной частью социальной и культурной жизни в Древней Греции , по сути, это был один из основных предметов, преподаваемых детям. Музыкальное образование считалось важным для развития души человека. Музыканты и певцы играли видную роль в греческом театре , [38] и те, кто получил музыкальное образование, считались дворянами и находились в совершенной гармонии (как можно прочитать в «Государстве » Платона ). Смешанные хоры выступали для развлечения, празднования и духовных церемоний. [39] Инструменты включали в себя авлос с двойной тростью и струнный щипковый инструмент , лиру , в основном особый вид, называемый кифарой . Музыка была важной частью образования, и мальчиков обучали музыке, начиная с шести лет. Греческая музыкальная грамотность создала значительное музыкальное развитие. Греческая музыкальная теория включала греческие музыкальные лады , которые в конечном итоге стали основой для западной религиозной и классической музыки. Позже, влияние Римской империи , Восточной Европы и Византийской империи изменило греческую музыку. Эпитафия Сейкилоса является старейшим сохранившимся примером полного музыкального произведения, включая нотную запись, из любой точки мира. [40] Старейшим сохранившимся произведением, написанным по теории музыки, является «Harmonika Stoicheia» Аристоксена . [ 41]
Азиатская музыка охватывает ряд музыкальных культур, рассмотренных в статьях по Аравии , Центральной Азии , Восточной Азии , Южной Азии и Юго-Восточной Азии . Некоторые из них имеют традиции, уходящие в древность.
Индийская классическая музыка является одной из старейших музыкальных традиций в мире. [42] Скульптуры из цивилизации долины Инда показывают танец [43] и старые музыкальные инструменты, такие как флейта с семью отверстиями. Струнные инструменты и барабаны были обнаружены в Хараппе и Мохенджо-Даро в ходе раскопок , проведенных Мортимером Уиллером . [44] Ригведа , древний индуистский текст, содержит элементы современной индийской музыки с музыкальной нотацией для обозначения размера и способа пения. [45] Индийская классическая музыка (марга) является монофонической и основана на одной мелодической линии или раге, ритмически организованной через талас . Поэма Чилаппатикарам дает информацию о том, как новые гаммы могут быть образованы путем модального сдвига тоники из существующей гаммы. [46] Современная музыка хинди находилась под влиянием персидской традиционной музыки и афганских моголов. Музыка карнатик , популярная в южных штатах, в значительной степени религиозна; большинство песен адресованы индуистским божествам. Есть песни, подчеркивающие любовь и другие социальные темы.
Индонезийская музыка сформировалась с тех пор, как культура бронзового века мигрировала на индонезийский архипелаг во 2-3 вв. до н. э. Индонезийская традиционная музыка использует ударные инструменты, особенно кенданг и гонги . Некоторые из них разработали сложные и отличительные инструменты, такие как струнный инструмент сасандо на острове Роте, сунданский ангклунг и сложные и изысканные яванские и балийские оркестры гамелан . Индонезия является родиной гонг-чиме , общего термина для набора небольших, высоких гонгов-горшков. Гонги обычно располагаются в порядке нот, с боссом наверху на струне, удерживаемой в низкой деревянной раме. Самая популярная форма индонезийской музыки - гамелан, ансамбль настроенных ударных инструментов , который включает металлофоны , барабаны , гонги и шиповые скрипки вместе с бамбуковым сулингом (похожим на флейту ). [47] [48]
Китайская классическая музыка , традиционное искусство или придворная музыка Китая, имеет историю, насчитывающую около 3000 лет. Она имеет свои собственные уникальные системы нотной записи, а также музыкальную настройку и высоту тона, музыкальные инструменты и стили или жанры. Китайская музыка является пентатонической - диатонической , имеющей шкалу из двенадцати нот в октаве (5 + 7 = 12), как и музыка, на которую оказало влияние европейское влияние. [49]
Эпоха средневековой музыки (500–1400 гг.), которая имела место в Средние века , началась с введения монофонического (одна мелодическая линия) пения в католические церковные службы. Музыкальная нотация использовалась с древних времен в греческой культуре , но в Средние века нотация была впервые введена католической церковью, поэтому мелодии песнопений могли быть записаны, чтобы облегчить использование тех же мелодий для религиозной музыки по всей католической империи. Единственный европейский средневековый репертуар, который был найден в письменной форме до 800 года, — это монофоническое литургическое пение равнины католической церкви, центральная традиция которого называлась григорианским пением . Наряду с этими традициями священной и церковной музыки существовала яркая традиция светского пения (нерелигиозные песни). Примерами композиторов этого периода являются Леонен , Перотен , Гийом де Машо и Вальтер фон дер Фогельвейде . [50] [51] [52] [53]
Музыка эпохи Возрождения ( ок. 1400–1600 ) была больше сосредоточена на светских темах, таких как куртуазная любовь . Около 1450 года был изобретен печатный станок , что сделало печатные ноты намного менее дорогими и более простыми для массового производства (до изобретения печатного станка все нотные произведения копировались вручную). Возросшая доступность нотных листов способствовала более быстрому распространению музыкальных стилей на большей территории. Музыканты и певцы часто работали для церкви, дворов и городов. Церковные хоры росли в размерах, и церковь оставалась важным покровителем музыки. К середине 15 века композиторы писали богатую полифоническую духовную музыку, в которой одновременно переплетались различные мелодические линии. Среди выдающихся композиторов этой эпохи — Гийом Дюфай , Джованни Пьерлуиджи да Палестрина , Томас Морли , Орландо ди Лассо и Жоскен де Пре . Поскольку музыкальная деятельность переместилась из церкви в аристократические дворы, короли, королевы и принцы соревновались за лучших композиторов. Многие ведущие композиторы были родом из Нидерландов, Бельгии и Франции; их называют франко-фламандскими композиторами. [54] Они занимали важные должности по всей Европе, особенно в Италии. Другие страны с яркой музыкальной деятельностью включали Германию, Англию и Испанию.
Барочная эра музыки длилась с 1600 по 1750 год, совпадая с расцветом художественного стиля барокко в Европе. Начало эпохи барокко было отмечено написанием первых опер . Полифоническая контрапунктическая музыка (музыка с отдельными, одновременными мелодическими линиями ) оставалась важной в этот период. Немецкие композиторы барокко писали для небольших ансамблей, включая струнные , медные и деревянные духовые инструменты , а также для хоров и клавишных инструментов, таких как орган , клавесин и клавикорд . Музыкальная сложность возросла в это время. Было создано несколько основных музыкальных форм, некоторые из них сохранились и в более поздние периоды, получив дальнейшее развитие. К ним относятся фуга , инвенция , соната и концерт . [ 55] Стиль позднего барокко был полифонически сложным и богато орнаментированным. Среди выдающихся композиторов эпохи барокко — Иоганн Себастьян Бах ( Сюиты для виолончели ), Георг Фридрих Гендель ( Мессия ), Георг Филипп Телеман и Антонио Вивальди ( Времена года ).
Музыка классического периода (1730–1820 гг.) стремилась подражать тому, что считалось ключевыми элементами искусства и философии Древней Греции и Рима: идеалам равновесия, пропорции и дисциплинированного выражения. (Примечание: музыку классического периода не следует путать с классической музыкой в целом, термином, который относится к западной художественной музыке с V века по 2000-е годы, которая включает классический период как один из ряда периодов). Музыка классического периода имеет более легкую, ясную и значительно более простую текстуру, чем музыка барокко , которая ей предшествовала. Основным стилем была гомофония , [56] где четко различимы выдающаяся мелодия и подчиненная аккордовая часть аккомпанемента . Классические инструментальные мелодии, как правило, были почти вокальными и певучими. Развивались новые жанры, и фортепиано , предшественник современного фортепиано, заменило клавесин и духовой орган эпохи барокко в качестве основного клавишного инструмента (хотя духовой орган продолжал использоваться в духовной музыке, например, в мессах).
Важное значение придавалось инструментальной музыке. В ней доминировало дальнейшее развитие музыкальных форм, изначально определенных в период барокко: соната , концерт и симфония . Другими основными видами были трио , струнный квартет , серенада и дивертисмент . Соната была самой важной и развитой формой. Хотя композиторы барокко также писали сонаты, классический стиль сонаты совершенно отличен. Все основные инструментальные формы классической эпохи, от струнных квартетов до симфоний и концертов, были основаны на структуре сонаты. Инструменты, используемые камерной музыкой и оркестром, стали более стандартизированными. Вместо группы basso continuo эпохи барокко, которая состояла из клавесина, органа или лютни вместе с рядом басовых инструментов, выбранных по усмотрению лидера группы (например, виола, виолончель, теорба, серпент), классические камерные группы использовали определенные, стандартизированные инструменты (например, струнный квартет исполнялся двумя скрипками, альтом и виолончелью). Практика импровизированной игры аккордов клавишником continuo или лютнистом, отличительная черта музыки барокко, постепенно пришла в упадок между 1750 и 1800 годами. [57]
Одним из важнейших изменений, внесенных в классический период, стало развитие публичных концертов. Аристократия по-прежнему играла значительную роль в спонсорстве концертов и сочинений, но теперь композиторы могли выживать, не будучи постоянными сотрудниками королев или принцев. Растущая популярность классической музыки привела к росту числа и типов оркестров. Расширение оркестровых концертов потребовало строительства больших площадок для публичных выступлений. Симфоническая музыка, включая симфонии, музыкальное сопровождение балета и смешанные вокально-инструментальные жанры, такие как опера и оратория , стали более популярными. [58] [59] [60]
Наиболее известными композиторами классицизма являются Карл Филипп Эммануил Бах , Кристоф Виллибальд Глюк , Иоганн Христиан Бах , Йозеф Гайдн , Вольфганг Амадей Моцарт , Людвиг ван Бетховен и Франц Шуберт . Бетховен и Шуберт также считаются композиторами поздней части классической эпохи, когда она начала двигаться в сторону романтизма.
Романтическая музыка ( ок. 1820-1900 ) 19-го века имела много общих элементов с романтическими стилями в литературе и живописи той эпохи. Романтизм был художественным, литературным и интеллектуальным движением, которое характеризовалось акцентом на эмоциях и индивидуализме, а также прославлением всего прошлого и природы. Романтическая музыка вышла за рамки жестких стилей и форм классической эпохи в более страстные, драматические выразительные произведения и песни. Романтические композиторы, такие как Вагнер и Брамс, пытались увеличить эмоциональное выражение и силу в своей музыке, чтобы описать более глубокие истины или человеческие чувства. С помощью симфонических поэм композиторы пытались рассказывать истории и вызывать образы или пейзажи, используя инструментальную музыку. Некоторые композиторы пропагандировали националистическую гордость с помощью патриотической оркестровой музыки, вдохновленной народной музыкой . Эмоциональные и выразительные качества музыки стали преобладать над традицией. [61]
Романтические композиторы росли в идиосинкразии и пошли дальше в синкретизме исследования различных форм искусства в музыкальном контексте (например, литература), история (исторические личности и легенды) или сама природа. Романтическая любовь или тоска были преобладающей темой во многих произведениях, написанных в этот период. В некоторых случаях формальные структуры классического периода продолжали использоваться (например, сонатная форма, используемая в струнных квартетах и симфониях ), но эти формы были расширены и изменены. Во многих случаях исследовались новые подходы для существующих жанров, форм и функций. Кроме того, были созданы новые формы, которые считались более подходящими для новой темы. Композиторы продолжали развивать оперную и балетную музыку, исследуя новые стили и темы. [38]
В годы после 1800 года музыка, разработанная Людвигом ван Бетховеном и Францем Шубертом, представила более драматичный, экспрессивный стиль. В случае Бетховена короткие мотивы , разработанные органически, пришли на смену мелодии как наиболее значимой композиционной единице (примером является отличительная четырехнотная фигура, использованная в его Пятой симфонии ). Поздние композиторы-романтики, такие как Пётр Ильич Чайковский , Антонин Дворжак и Густав Малер , использовали более необычные аккорды и больше диссонанса для создания драматического напряжения. Они создали сложные и часто гораздо более длинные музыкальные произведения. В поздний романтический период композиторы исследовали драматические хроматические изменения тональности , такие как расширенные аккорды и измененные аккорды , которые создавали новые звуковые «краски». В конце 19 века произошло резкое расширение размеров оркестра, а промышленная революция помогла создать лучшие инструменты, создающие более мощный звук. Публичные концерты стали важной частью зажиточного городского общества. Также появилось новое разнообразие в театральной музыке , включая оперетту , музыкальную комедию и другие формы музыкального театра. [38]
В 19 веке основным способом, которым новые композиции становились известными публике, была продажа нот , которые любители музыки среднего класса исполняли дома на своих пианино или других распространенных инструментах, таких как скрипка. С появлением музыки 20 века изобретение новых электрических технологий , таких как радиовещание , и массовая доступность граммофонных пластинок означали, что звукозаписи, услышанные слушателями (по радио или проигрывателю), стали основным способом узнать о новых песнях и произведениях. [62] Произошел огромный рост прослушивания музыки, поскольку радио набирало популярность, а фонографы использовались для воспроизведения и распространения музыки; любой, у кого был радио или проигрыватель, мог слушать оперы, симфонии и большие оркестры в своей собственной гостиной. В 19 веке акцент на нотах ограничил доступ к новой музыке для людей среднего и высшего класса, которые умели читать ноты и владели пианино и другими инструментами. Радиоприемники и проигрыватели позволяли людям с низким доходом, которые не могли позволить себе билет на оперный или симфонический концерт, слушать эту музыку. Также люди могли слышать музыку из разных уголков страны или даже из разных уголков мира, даже если они не могли позволить себе путешествовать в эти места. Это способствовало распространению музыкальных стилей. [63]
Основное внимание в музыкальном искусстве в 20 веке было уделено исследованию новых ритмов, стилей и звуков. Ужасы Первой мировой войны повлияли на многие виды искусства, включая музыку, и композиторы начали исследовать более мрачные, резкие звуки. Традиционные музыкальные стили, такие как джаз и народная музыка, использовались композиторами в качестве источника идей для классической музыки. Игорь Стравинский , Арнольд Шёнберг и Джон Кейдж были влиятельными композиторами в музыкальном искусстве 20 века. Изобретение звукозаписи и возможность редактировать музыку привели к появлению новых поджанров классической музыки, включая школы акусматической [64] и Musique concrète электронной композиции. Звукозапись оказала большое влияние на развитие жанров популярной музыки, поскольку она позволила широко распространять записи песен и групп. Внедрение многодорожечной системы записи оказало большое влияние на рок-музыку , поскольку она могла делать больше, чем просто записывать выступление группы. Используя многодорожечную систему, группа и ее музыкальный продюсер могли накладывать друг на друга множество слоев инструментальных дорожек и вокала, создавая новые звуки, которые были бы невозможны при живом исполнении. [65] [66]
Джаз развивался и стал важным жанром музыки в течение 20-го века, и во второй половине рок-музыка сделала то же самое. Джаз — американская музыкальная форма искусства, которая возникла в начале 20-го века в афроамериканских общинах на юге США из слияния африканских и европейских музыкальных традиций. Западноафриканская родословная стиля очевидна в его использовании блюзовых нот , импровизации , полиритмии , синкопы и свинговой ноты . [67]
Рок-музыка — жанр популярной музыки , который развился в 1950-х годах из рок-н-ролла , рокабилли , блюза и кантри-музыки . [68] Звучание рока часто вращается вокруг электро- или акустической гитары, и оно использует сильный фоновый ритм , заложенный ритм-секцией . Наряду с гитарой или клавишными, в качестве солирующих инструментов используются саксофон и губная гармошка в стиле блюза. В своей «чистейшей форме» она «имеет три аккорда, сильный, настойчивый фоновый ритм и запоминающуюся мелодию». [69] Традиционная ритм-секция для популярной музыки — это ритм-гитара, электрическая бас-гитара, барабаны. В некоторых группах есть клавишные инструменты, такие как орган, фортепиано или, с 1970-х годов, аналоговые синтезаторы . В 1980-х годах поп-музыканты начали использовать цифровые синтезаторы, такие как синтезатор DX-7 , электронные драм-машины, такие как TR-808 , и устройства для синтезаторного баса (такие как TB-303 ) или клавиатуры для синтезаторного баса . В 1990-х годах использовался все более широкий спектр компьютеризированных аппаратных музыкальных устройств, инструментов и программного обеспечения (например, цифровые аудиостанции ). В 2020-х годах программные синтезаторы и приложения для компьютерной музыки позволяют продюсерам создавать и записывать музыку, например, электронную танцевальную музыку , у себя дома, добавляя сэмплированные и цифровые инструменты и редактируя запись в цифровом виде. В 1990-х годах группы в таких жанрах, как ню-метал, начали включать диджеев в свои группы. Диджеи создают музыку, манипулируя записанной музыкой, используя диджейский микшер . [70] [71]
«Композиция» — это акт или практика создания песни, инструментальной музыкальной пьесы, произведения с пением и инструментами или другого типа музыки. Во многих культурах, включая западную классическую музыку, акт сочинения также включает создание нотной записи , такой как нотная «партитура», которая затем исполняется композитором или другими певцами или музыкантами. В популярной и традиционной музыке акт сочинения, который обычно называется написанием песен, может включать создание базовой схемы песни, называемой нотным листом , в которой изложены мелодия , текст и последовательность аккордов . В классической музыке композитор обычно оркеструет свои собственные композиции, но в музыкальном театре и в поп-музыке авторы песен могут нанять аранжировщика для оркестровки. В некоторых случаях автор песен может вообще не использовать нотную запись, а вместо этого сочинять песню в уме, а затем играть или записывать ее по памяти. В джазе и популярной музыке заметным записям влиятельных исполнителей придается такой же вес, какой имеют написанные партитуры в классической музыке. [72] [73]
Даже когда музыка нотируется относительно точно, как в классической музыке, исполнителю приходится принимать множество решений, поскольку нотация не определяет все элементы музыки точно. Процесс принятия решения о том, как исполнять музыку, которая была ранее сочинена и нотирована, называется «интерпретацией». Интерпретации одного и того же музыкального произведения разными исполнителями могут значительно различаться в зависимости от выбранного темпа, стиля исполнения или пения или фразировки мелодий. Композиторы и авторы песен, представляющие свою собственную музыку, интерпретируют свои песни так же, как и те, кто исполняет музыку других. Стандартный набор выборов и техник, присутствующих в определенное время и в определенном месте, называется практикой исполнения , тогда как интерпретация обычно используется для обозначения индивидуального выбора исполнителя. [74]
Хотя музыкальная композиция часто использует нотную запись и имеет одного автора, это не всегда так. Музыкальное произведение может иметь несколько композиторов, что часто происходит в популярной музыке , когда группа сотрудничает для написания песни, или в музыкальном театре, когда один человек пишет мелодии, второй человек пишет тексты, а третий человек оркеструет песни. В некоторых стилях музыки, таких как блюз , композитор/автор песен может создавать, исполнять и записывать новые песни или произведения, никогда не записывая их в нотной записи. Музыкальное произведение также может быть составлено с помощью слов, изображений или компьютерных программ, которые объясняют или записывают, как певец или музыкант должен создавать музыкальные звуки. Примеры варьируются от авангардной музыки, которая использует графическую запись , до текстовых композиций, таких как Aus den sieben Tagen , и компьютерных программ, которые выбирают звуки для музыкальных произведений. Музыка, которая активно использует случайность и шанс , называется алеаторической музыкой [75] и ассоциируется с современными композиторами, работавшими в 20 веке, такими как Джон Кейдж , Мортон Фельдман и Витольд Лютославский . Общеизвестным примером музыки, основанной на случайности, является звук колокольчиков, звенящих на ветру.
Изучение композиции традиционно основывалось на изучении методов и практики западной классической музыки, однако определение композиции достаточно широко и включает в себя создание популярной музыки , традиционных музыкальных песен и инструментальных произведений, а также спонтанно импровизационных произведений, например, произведений исполнителей фри-джаза и африканских перкуссионистов, таких как барабанщики эве .
Исполнение — это физическое выражение музыки, которое происходит, когда поется песня или исполняется фортепианная пьеса, гитарная мелодия, симфония, барабанный ритм или другая музыкальная часть . В классической музыке произведение пишется в нотной записи композитором, а затем исполняется, как только композитор будет удовлетворен его структурой и инструментовкой. Однако по мере исполнения интерпретация песни или произведения может развиваться и меняться. В классической музыке исполнители на инструментах, певцы или дирижеры могут постепенно вносить изменения в фразировку или темп произведения. В популярной и традиционной музыке исполнители имеют больше свободы вносить изменения в форму песни или произведения. Таким образом, в популярных и традиционных музыкальных стилях, даже когда группа играет кавер-версию песни , они могут вносить изменения, например, добавлять гитарное соло или вставлять вступление. [76]
Выступление может быть либо спланировано и отрепетировано (отрепетировано) — что является нормой в классической музыке, джазовых биг-бэндах и многих популярных музыкальных стилях — либо импровизировано на основе аккордовой прогрессии (последовательности аккордов), что является нормой в небольших джазовых и блюзовых группах. Репетиции оркестров, концертных групп и хоров проводятся дирижером. Рок-, блюзовые и джаз-бэнды обычно проводятся руководителем оркестра. Репетиция — это структурированное повторение песни или произведения исполнителями до тех пор, пока они не смогут быть спеты или сыграны правильно, а если это песня или произведение для более чем одного музыканта, то до тех пор, пока части не будут объединены с точки зрения ритма и настройки.
Во многих культурах существуют сильные традиции сольного исполнения (когда выступает один певец или инструменталист), например, в индийской классической музыке и в западной традиции искусства и музыки. Другие культуры, например, на Бали , включают сильные традиции группового исполнения. Все культуры включают смесь того и другого, и исполнение может варьироваться от импровизированной сольной игры до тщательно спланированных и организованных представлений, таких как современный классический концерт, религиозные процессии, фестивали классической музыки или музыкальные конкурсы . Камерная музыка , которая представляет собой музыку для небольшого ансамбля, состоящего только из одного или нескольких инструментов каждого типа, часто рассматривается как более интимная, чем большие симфонические произведения. [77]
Музыкальная импровизация — это создание спонтанной музыки, часто в рамках (или на основе) уже существующей гармонической структуры, аккордовой прогрессии или риффов . Импровизаторы используют ноты аккорда, различные гаммы, которые связаны с каждым аккордом, а также хроматические украшения и проходящие тона, которые могут не быть ни тонами аккорда, ни типичными гаммами, связанными с аккордом. Музыкальная импровизация может быть сделана с подготовкой или без нее. Импровизация является основной частью некоторых видов музыки, таких как блюз , джаз и джаз-фьюжн , в которых инструментальные исполнители импровизируют соло, мелодические линии и аккомпанирующие партии. [78]
В западной музыкальной традиции искусства импровизация была важным навыком в эпоху барокко и классицизма. В эпоху барокко исполнители импровизировали орнаменты, а клавишники бассо континуо импровизировали аккордовые звучания на основе фигурной басовой нотации. Кроме того, от ведущих солистов ожидалось, что они смогут импровизировать такие произведения, как прелюдии . В классическую эпоху сольные исполнители и певцы импровизировали виртуозные каденции во время концертов.
Однако в 20-м и начале 21-го века, когда «общая практика» исполнения западной художественной музыки стала институционализированной в симфонических оркестрах, оперных театрах и балетах, импровизация играла меньшую роль, поскольку все больше музыки записывалось в партитурах и партиях для исполнения музыкантами. В то же время некоторые композиторы художественной музыки 20-го и 21-го веков все чаще включали импровизацию в свое творчество. В индийской классической музыке импровизация является основным компонентом и существенным критерием исполнения.
.jpg/1280px-Khatia_Buniatishvilli08_(48467004567).jpg)
Музыка сочиняется и исполняется для многих целей, начиная от эстетического удовольствия, религиозных или церемониальных целей, или как развлекательный продукт для рынка. Когда музыка была доступна только в виде нотных записей, например, в классическую и романтическую эпохи, любители музыки покупали ноты своих любимых произведений и песен, чтобы исполнять их дома на фортепиано. С появлением фонографа , записи популярных песен, а не ноты, стали доминирующим способом, которым любители музыки могли наслаждаться своими любимыми песнями. С появлением домашних магнитофонов в 1980-х годах и цифровой музыки в 1990-х годах любители музыки могли делать кассеты или плейлисты любимых песен и брать их с собой на портативном кассетном плеере или MP3-плеере. Некоторые любители музыки создают микстейпы любимых песен, которые служат «автопортретом, жестом дружбы, рецептом идеальной вечеринки... [и] средой, состоящей исключительно из того, что наиболее горячо любимо». [79]
Музыканты-любители могут сочинять или исполнять музыку для собственного удовольствия и получать доход в другом месте. Профессиональные музыканты работают в учреждениях и организациях, включая вооруженные силы (в маршевых оркестрах , концертных группах и группах популярной музыки), религиозные учреждения, симфонические оркестры, вещательные или кинокомпании и музыкальные школы . Профессиональные музыканты иногда работают как фрилансеры или сессионные музыканты , ища контракты и ангажементы в самых разных условиях. Часто существует много связей между любителями и профессиональными музыкантами. Начинающие любители берут уроки у профессиональных музыкантов. В общественных условиях продвинутые любители выступают с профессиональными музыкантами в различных ансамблях, таких как общественные концертные группы и общественные оркестры.
Часто проводится различие между музыкой, исполняемой для живой аудитории, и музыкой, исполняемой в студии, чтобы ее можно было записать и распространить через музыкальную розничную систему или систему вещания. Однако есть также много случаев, когда живое выступление перед аудиторией также записывается и распространяется. Записи живых концертов популярны как в классической музыке, так и в популярных музыкальных формах, таких как рок, где нелегально записанные живые концерты ценятся любителями музыки. В джем-бэндах живые импровизированные джем-сейшены предпочитают студийным записям. [80]
Нотная запись обычно означает письменное выражение музыкальных нот и ритмов на бумаге с помощью символов. Когда музыка записана, высота тона и ритм музыки, такие как ноты мелодии , записываются. Нотная запись часто содержит инструкции о том, как исполнять музыку. Например, ноты песни могут содержать указание на то, что песня — «медленный блюз» или «быстрый свинг», что указывает на темп и жанр. Чтобы читать ноты, человек должен иметь представление о теории музыки , гармонии и исполнительской практике, связанной с определенным жанром песни или произведения.
Письменная нотация различается в зависимости от стиля и периода музыки. В настоящее время нотная запись производится в виде нот или, для людей с компьютерными программами для записи нот , в виде изображения на экране компьютера . В древние времена нотная запись наносилась на каменные или глиняные таблички. [37] Чтобы исполнять музыку по нотам, певцу или инструменталисту требуется понимание ритмических и тональных элементов, воплощенных в символах, а также практики исполнения, которая связана с музыкальным произведением или жанром. В жанрах, требующих музыкальной импровизации , исполнитель часто играет по нотам, где прописаны только смены аккордов и форма песни, что требует от исполнителя отличного понимания структуры музыки, гармонии и стилей определенного жанра, например, джаза или кантри .
В западной художественной музыке наиболее распространенными типами письменной нотации являются партитуры, которые включают все музыкальные части ансамблевого произведения и части, которые являются музыкальной нотацией для отдельных исполнителей или певцов. В популярной музыке, джазе и блюзе стандартной музыкальной нотацией является нотный лист , который записывает мелодию, аккорды, текст (если это вокальное произведение) и структуру музыки. Поддельные книги также используются в джазе; они могут состоять из нотных листов или просто аккордовых схем, которые позволяют членам ритм-секции импровизировать аккомпанементную партию к джазовым песням. Партитуры и партии также используются в популярной музыке и джазе, особенно в больших ансамблях, таких как джазовые « биг-бэнды ». В популярной музыке гитаристы и электробасисты часто читают музыку, записанную в табулатуре (часто сокращенно «табулатура»), которая указывает расположение нот, которые нужно сыграть на инструменте, с помощью схемы грифа гитары или баса. Табулатура использовалась в эпоху барокко для записи музыки для лютни , струнного ладового инструмента. [81]
Многие виды музыки, такие как традиционный блюз и фолк, не были записаны в нотах ; вместо этого они изначально сохранялись в памяти исполнителей, и песни передавались устно , от одного музыканта или певца к другому, или на слух, когда исполнитель разучивает песню « на слух ». Когда композитор песни или произведения больше не известен, эта музыка часто классифицируется как «традиционная» или как «народная песня». Различные музыкальные традиции имеют разное отношение к тому, как и где вносить изменения в исходный материал, от довольно строгих, до тех, которые требуют импровизации или модификации музыки. История и рассказы культуры также могут передаваться на слух через песню. [82]
В музыке есть много различных основ или элементов. В зависимости от используемого определения «элемента» они могут включать высоту тона, такт или пульс, темп, ритм, мелодию, гармонию, текстуру, стиль, распределение голосов, тембр или цвет, динамику, экспрессию, артикуляцию, форму и структуру. Элементы музыки занимают видное место в музыкальных учебных программах Австралии, Великобритании и США. Все три учебных программы определяют высоту тона, динамику, тембр и текстуру как элементы, но другие идентифицированные элементы музыки далеки от всеобщего согласия. Ниже приведен список трех официальных версий «элементов музыки»:
В отношении учебной программы Великобритании в 2013 году термин: «соответствующие музыкальные обозначения » был добавлен в список элементов, а название списка было изменено с «элементов музыки» на «взаимосвязанные измерения музыки». Взаимосвязанные измерения музыки перечислены как: высота тона, длительность, динамика, темп, тембр, текстура, структура и соответствующие музыкальные обозначения. [86]
Фраза «элементы музыки» используется в ряде различных контекстов. Два наиболее распространенных контекста можно дифференцировать, описывая их как «элементарные элементы музыки» и «перцептивные элементы музыки». [n 4]
Высота тона — это аспект звука, который мы можем слышать, отражающий, является ли один музыкальный звук, нота или тон «выше» или «ниже», чем другой музыкальный звук, нота или тон. Мы можем говорить о высоте или низости высоты тона в более общем смысле, например, как слушатель слышит пронзительно высокую ноту пикколо или свистящий тон как более высокий по высоте, чем глубокий удар большого барабана . Мы также говорим о высоте тона в точном смысле, связанном с музыкальными мелодиями , басовыми линиями и аккордами . Точную высоту тона можно определить только в звуках, которые имеют частоту, достаточно ясную и стабильную, чтобы отличить ее от шума. Например, слушателям гораздо легче различить высоту одной ноты, сыгранной на пианино, чем пытаться различить высоту удара по тарелке . [91]
Мелодия, также называемая «напевом», представляет собой ряд тонов (нот), звучащих последовательно (одна за другой), часто в восходящем и нисходящем порядке. Ноты мелодии обычно создаются с использованием систем тонов, таких как гаммы или лады . Мелодии также часто содержат ноты из аккордов, используемых в песне. Мелодии в простых народных песнях и традиционных песнях могут использовать только ноты одной гаммы, гаммы, связанной с тоникой или ключом данной песни. Например, народная песня в тональности C (также называемой C мажор) может иметь мелодию, которая использует только ноты гаммы C мажор (отдельные ноты C, D, E, F, G, A, B и C; это « белые ноты » на клавиатуре фортепиано. С другой стороны, джаз эпохи бибопа 1940-х годов и современная музыка 20-го и 21-го веков могут использовать мелодии со многими хроматическими нотами (то есть нотами в дополнение к нотам мажорной гаммы; на фортепиано хроматическая гамма будет включать все ноты на клавиатуре, включая «белые ноты» и «черные ноты», а также необычные гаммы, такие как целотоновая гамма (целотоновая гамма в тональности C будет содержать ноты C, D, E, F ♯ , G ♯ и A ♯ ). Низкая музыкальная линия, исполняемая басовыми инструментами, такими как контрабас, электрический бас или туба , называется басовой линией . [92]
Гармония относится к «вертикальным» звукам высот в музыке, что означает высоты, которые играются или поются вместе в одно и то же время, чтобы создать аккорд . Обычно это означает, что ноты играются в одно и то же время, хотя гармония может также подразумеваться мелодией, которая очерчивает гармоническую структуру (т. е. с помощью нот мелодии, которые играются одна за другой, очерчивая ноты аккорда). В музыке, написанной с использованием системы мажорно-минорной тональности («тональности»), которая включает в себя большую часть классической музыки, написанной с 1600 по 1900 год, и большую часть западной поп-, рок- и традиционной музыки, тональность произведения определяет «домашнюю ноту» или тонику , к которой произведение обычно разрешается, и характер (например, мажор или минор) используемой гаммы. Простые классические произведения и многие поп- и традиционные музыкальные песни написаны таким образом, что вся музыка находится в одной тональности. Более сложные классические, поп- и традиционные музыкальные песни и произведения могут иметь две тональности (а в некоторых случаях три или более тональностей). Классическая музыка эпохи романтизма (написанная примерно в 1820–1900 годах) часто содержит несколько тональностей, [93] как и джаз , особенно бибоп- джаз 1940-х годов, в котором тональность или «главная нота» песни может меняться каждые четыре такта или даже каждые два такта. [94]
Ритм — это расположение звуков и тишины во времени. Метр оживляет время в регулярных группах импульсов, называемых тактами или тактами , которые в западной классической, популярной и традиционной музыке часто группируют ноты в наборы по два (например, 2/4 такта), три (например, 3/4 такта, также известный как вальсовый такта или 3/8 такта) или четыре (например, 4/4 такта). Метры легче слушать, потому что песни и пьесы часто (но не всегда) делают акцент на первом такте каждой группы. Существуют заметные исключения, такие как фоновый ритм, используемый во многих западных поп- и рок-музыках, в которых песня, использующая такт, состоящий из четырех тактов (называемый 4/4 такта или обычным тактом ), будет иметь акценты на тактах два и четыре, которые обычно исполняются барабанщиком на малом барабане , громком и характерно звучащем ударном инструменте. В поп- и рок-музыке ритм-части песни исполняются ритм-секцией , которая включает в себя инструменты, играющие аккорды (например, электрогитару, акустическую гитару, фортепиано или другие клавишные инструменты), басовый инструмент (обычно электрический бас или для некоторых стилей, таких как джаз и блюграсс , контрабас) и барабанщика. [95]
Музыкальная фактура — это общее звучание музыкального произведения или песни. Фактура произведения или песни определяется тем, как мелодические, ритмические и гармонические материалы объединены в композиции, тем самым определяя общую природу звука в произведении. Фактура часто описывается в отношении плотности или толщины, а также диапазона или ширины между самыми низкими и самыми высокими тонами, в относительных терминах, а также более конкретно различается в соответствии с количеством голосов или частей и взаимосвязью между этими голосами (см. общие типы ниже). Например, толстая фактура содержит много «слоев» инструментов. Один слой может быть струнной секцией или другой духовой. Толщина зависит от количества и богатства инструментов. [96] Фактура обычно описывается в соответствии с количеством и взаимосвязью между частями или строками музыки:
О музыке, содержащей большое количество независимых частей (например, двойной концерт в сопровождении 100 оркестровых инструментов со множеством переплетающихся мелодических линий), обычно говорят, что она имеет «более плотную» или «более плотную» фактуру, чем произведение с небольшим количеством частей (например, мелодия сольной флейты в сопровождении одной виолончели).
.jpg/1280px-9577_Guitarz1970_Clean_E9_Guitar_Chord_(Mike_Tribulas).jpg)
Тембр, иногда называемый «цветом» или «окраской тона», — это качество или звучание голоса или инструмента. [97] Тембр — это то, что делает определенный музыкальный звук отличным от другого, даже если они имеют одинаковую высоту и громкость. Например, нота 440 Гц звучит по-разному, когда ее играют на гобое , фортепиано, скрипке или электрогитаре. Даже если разные исполнители на одном и том же инструменте играют одну и ту же ноту, их ноты могут звучать по-разному из-за различий в инструментальной технике (например, разные амбушюры ), разных типов аксессуаров (например, мундштуки для исполнителей на духовых инструментах, трости для исполнителей на гобое и фаготе) или струн, сделанных из разных материалов для исполнителей на струнных инструментах (например, струны из кишок против стальных струн ). Даже два инструменталиста, играющие одну и ту же ноту на одном и том же инструменте (один за другим), могут звучать по-разному из-за разных способов игры на инструменте (например, два исполнителя на струнных инструментах могут держать смычок по-разному).
Физические характеристики звука, которые определяют восприятие тембра, включают спектр , огибающую и обертоны ноты или музыкального звука. Для электрических инструментов, разработанных в 20 веке, таких как электрогитара, электробас и электропианино , исполнитель также может изменять тон, регулируя элементы управления эквалайзером , элементы управления тембром на инструменте и используя электронные блоки эффектов , такие как педали искажения . Тон электрооргана Хаммонда регулируется регулировкой тяговых стержней .
Выразительные качества — это те элементы в музыке, которые создают изменения в музыке без изменения основных тонов или существенного изменения ритмов мелодии и ее аккомпанемента. Исполнители, включая певцов и инструменталистов, могут добавить музыкальную выразительность песне или произведению, добавляя фразировку , добавляя такие эффекты, как вибрато (с голосом и некоторыми инструментами, такими как гитара, скрипка, медные духовые инструменты и деревянные духовые инструменты), динамика (громкость или мягкость произведения или его части), колебания темпа (например, ритардандо или аччелерандо , которые соответственно замедляют и ускоряют темп), добавляя паузы или ферматы в каденцию и изменяя артикуляцию нот (например, делая ноты более выраженными или акцентированными, делая ноты более легато , что означает плавно соединенные, или делая ноты короче).
Выражение достигается посредством манипуляции высотой тона (например, интонацией, вибрато, слайдами и т. д.), громкостью (динамикой, акцентом, тремоло и т. д.), длительностью (изменениями темпа, ритмическими изменениями, изменением длительности ноты, например, с помощью легато и стаккато и т. д.), тембром (например, изменением тембра вокала с легкого на звучный голос) и иногда даже текстурой (например, удвоением басовой ноты для более насыщенного эффекта в фортепианной пьесе). Таким образом, выражение можно рассматривать как манипуляцию всеми элементами для передачи «указания на настроение, дух, характер и т. д.» [98] и как таковое не может быть включено в качестве уникального перцептуального элемента музыки, [99] хотя его можно считать важным рудиментарным элементом музыки.
В музыке форма описывает общую структуру или план песни или музыкального произведения, [100] и описывает расположение композиции, разделенной на разделы. [101] В начале 20-го века песни Tin Pan Alley и песни бродвейских мюзиклов часто были в форме AABA из тридцати двух тактов , в которой разделы A повторяли одну и ту же мелодию из восьми тактов (с вариациями), а раздел B обеспечивал контрастную мелодию или гармонию для восьми тактов. Начиная с 1960-х годов западные поп- и рок-песни часто имеют форму куплет-припев , которая включает в себя последовательность разделов куплет и припев (« рефрен »), с новыми текстами для большинства куплетов и повторяющимися текстами для припевов. Популярная музыка часто использует строфическую форму , иногда в сочетании с двенадцатитактовым блюзом . [102]
В десятом издании «Оксфордского справочника по музыке » Перси Шоулз определяет музыкальную форму как «серию стратегий, призванных найти успешную середину между противоположными крайностями непрерывного повторения и непрерывного изменения». [103] Примерами распространённых форм западной музыки являются фуга , инвенция , соната-аллегро , канон , строфика , тема с вариациями и рондо .
Скоулз утверждает, что европейская классическая музыка имела только шесть автономных форм: простая бинарная, простая тернарная, сложная бинарная, рондо, ария с вариациями и фуга (хотя музыковед Альфред Манн подчеркивал, что фуга — это прежде всего метод композиции, который иногда принимал определенные структурные условности. [104] )
Если произведение нельзя легко разбить на составные части (хотя оно может заимствовать некоторую форму из поэмы, рассказа или программы ), то говорят, что оно сквозное . Так часто бывает с фантазией , прелюдией , рапсодией , этюдом (или исследованием), симфонической поэмой , багательей , экспромтом или подобным сочинением. [105] Профессор Чарльз Кейл классифицировал формы и формальные детали как «раздельные, развивающие или вариационные». [106]
Философия музыки — это изучение фундаментальных вопросов, касающихся музыки, и она связана с вопросами метафизики и эстетики . Вопросы включают в себя:
В древние времена, например, у древних греков , эстетика музыки исследовала математические и космологические измерения ритмической и гармонической организации. В 18 веке фокус сместился на опыт слушания музыки и, таким образом, на вопросы о ее красоте и человеческом наслаждении ( plaisir и jouissance ) музыкой. Происхождение этого философского сдвига иногда приписывают Александру Готлибу Баумгартену в 18 веке, а затем Иммануилу Канту . Благодаря их трудам древний термин «эстетика», означающий чувственное восприятие , получил свое современное значение. В 2000-х годах философы имели тенденцию подчеркивать проблемы, выходящие за рамки красоты и наслаждения. Например, на первый план вышла способность музыки выражать эмоции. [107]
В 20 веке важный вклад внесли Питер Киви , Джерролд Левинсон , Роджер Скрутон и Стивен Дэвис . Однако многие музыканты, музыкальные критики и другие нефилософы внесли свой вклад в эстетику музыки. В 19 веке возник значительный спор между Эдуардом Гансликом , музыкальным критиком и музыковедом , и композитором Рихардом Вагнером относительно того, может ли музыка выражать смысл. Гарри Партч и некоторые другие музыковеды , такие как Кайл Ганн , изучали и пытались популяризировать микротональную музыку и использование альтернативных музыкальных гамм . Современные композиторы, такие как Ла Монте Янг , Рис Чатем и Гленн Бранка, уделяли большое внимание гамме, называемой просто интонацией . [108] [109] [110]
Часто думают, что музыка способна влиять на наши эмоции , интеллект и психологию ; она может смягчить наше одиночество или разжечь наши страсти. Философ Платон в «Государстве» предполагает , что музыка оказывает прямое влияние на душу. Поэтому он предполагает, что в идеальном режиме музыка будет строго регулироваться государством (Книга VII). [111] В Древнем Китае философ Конфуций считал, что музыка и ритуалы или обряды взаимосвязаны и гармоничны с природой; он утверждал, что музыка является гармонизацией неба и земли, в то время как порядок привносится порядком обрядов, что делает их чрезвычайно важными функциями в обществе. [112]
Современная музыкальная психология стремится объяснить и понять музыкальное поведение и опыт . [113] Исследования в этой области и ее подобластях в основном эмпирические ; их знания, как правило, развиваются на основе интерпретаций данных, собранных путем систематического наблюдения и взаимодействия с участниками-людьми . В дополнение к своему фокусу на фундаментальных восприятиях и когнитивных процессах, музыкальная психология является областью исследований, имеющей практическую значимость для многих областей, включая исполнение музыки , композицию , образование , критику и терапию , а также исследования человеческих способностей , навыков, интеллекта , креативности и социального поведения .
Когнитивная нейронаука музыки — это научное исследование мозговых механизмов, вовлеченных в когнитивные процессы, лежащие в основе музыки. Эти виды поведения включают прослушивание музыки, исполнение, сочинение, чтение, письмо и вспомогательные виды деятельности. Она также все больше занимается мозговой основой музыкальной эстетики и музыкальных эмоций. Область отличается своей опорой на прямые наблюдения за мозгом с использованием таких методов, как функциональная магнитно-резонансная томография (фМРТ), транскраниальная магнитная стимуляция (ТМС), магнитоэнцефалография (МЭГ), электроэнцефалография (ЭЭГ) и позитронно-эмиссионная томография (ПЭТ).
Когнитивное музыковедение — это раздел когнитивной науки, занимающийся вычислительным моделированием музыкальных знаний с целью понимания как музыки, так и познания. [114] Использование компьютерных моделей обеспечивает точную интерактивную среду для формулирования и проверки теорий и имеет корни в искусственном интеллекте и когнитивной науке . [115]
Эта междисциплинарная область изучает такие темы, как параллели между языком и музыкой в мозге. Биологически вдохновленные модели вычислений часто включаются в исследования, такие как нейронные сети и эволюционные программы. [116] Эта область стремится моделировать, как музыкальные знания представляются, хранятся, воспринимаются, исполняются и генерируются. Используя хорошо структурированную компьютерную среду, можно исследовать систематические структуры этих когнитивных явлений. [117]
Психоакустика — это научное исследование восприятия звука. Точнее, это раздел науки, изучающий психологические и физиологические реакции, связанные со звуком (включая речь и музыку). Его можно далее отнести к разделу психофизики .
Эволюционное музыковедение касается «происхождения музыки, вопроса о пении животных, давления отбора, лежащего в основе эволюции музыки», а также «эволюции музыки и эволюции человека». [118] Оно стремится понять восприятие и деятельность музыки в контексте эволюционной теории . Чарльз Дарвин предположил, что музыка могла иметь адаптивное преимущество и функционировать как протоязык , [119] точка зрения, которая породила несколько конкурирующих теорий эволюции музыки. [120] [121] [ нужна страница ] [122] Альтернативная точка зрения рассматривает музыку как побочный продукт лингвистической эволюции ; тип «слухового чизкейка», который радует чувства, не обеспечивая никакой адаптивной функции. [123] Эта точка зрения была напрямую опровергнута многочисленными исследователями музыки. [124] [125] [126]
Культура или этническая принадлежность человека играет роль в его музыкальном познании , включая его предпочтения , эмоциональную реакцию и музыкальную память . Музыкальные предпочтения смещены в сторону культурно знакомых музыкальных традиций, начиная с младенчества, а классификация эмоций музыкального произведения взрослыми зависит как от культурно специфических, так и от универсальных структурных особенностей. [127] [128] Кроме того, способности музыкальной памяти людей больше для культурно знакомой музыки, чем для культурно незнакомой музыки. [129] [130]
С момента возникновения изучения психоакустики в 1930-х годах большинство списков элементов музыки были связаны больше с тем, как мы слышим музыку, чем с тем, как мы учимся ее играть или изучать. CE Seashore в своей книге Psychology of Music [ 131] выделил четыре «психологических атрибута звука». Это были: «высота тона, громкость, время и тембр» (стр. 3). Он не называл их «элементами музыки», а называл их «элементарными компонентами» (стр. 2). Тем не менее, эти элементарные компоненты точно связаны с четырьмя наиболее распространенными музыкальными элементами: «высота тона» и «тембр» точно совпадают, «громкость» связана с динамикой, а «время» связано с временными элементами ритма, продолжительности и темпа. Такое использование фразы «элементы музыки» более тесно связано с определением элемента в словаре Вебстера «Новый словарь XX века» как: «вещество, которое нельзя разделить на более простые формы известными методами» [132] , а списки элементов в учебных заведениях в целом также соответствуют этому определению.
Хотя авторы списков "элементарных элементов музыки" могут изменять свои списки в зависимости от своих личных (или институциональных) приоритетов, перцептивные элементы музыки должны состоять из установленного (или проверенного) списка дискретных элементов, которые могут независимо друг от друга манипулироваться для достижения желаемого музыкального эффекта. Кажется, на данном этапе в этой области еще предстоит провести исследования.
Несколько иной подход к идентификации элементов музыки заключается в идентификации «элементов звука » как: высота тона , длительность , громкость , тембр , звуковая текстура и пространственное расположение , [133] а затем определение «элементов музыки» как: звук, структура и художественный замысел. [133]
Этнографические исследования показывают, что музыка — это коллективная, основанная на сообществе деятельность. [134] [135] Музыка воспринимается людьми в различных социальных условиях: от одиночества до посещения большого концерта, образуя музыкальное сообщество , которое нельзя понимать как функцию индивидуальной воли или случайности; оно включает как коммерческих, так и некоммерческих участников с общим набором общих ценностей. Музыкальные выступления принимают разные формы в разных культурах и социально-экономических средах.
В Европе и Северной Америке существовало разделение между тем, какие типы музыки считались « высокой культурой » и « низкой культурой ». «Высокая культура» включала в себя барочные, классические, романтические и современные симфонии, концерты и сольные произведения, и обычно звучала на официальных концертах в концертных залах и церквях, когда публика сидела тихо. Другие типы музыки, включая джаз, блюз, соул и кантри , часто исполнялись в барах, ночных клубах и театрах, где публика могла пить, танцевать и веселиться. До 20-го века разделение на «высокие» и «низкие» музыкальные формы принималось как обоснованное различие, которое отделяло «художественную музыку» от популярной музыки, которую можно было услышать в барах и танцевальных залах. Музыковеды, такие как Дэвид Брэкетт, отмечают «перерисовку высоких-низких культурно-эстетических границ» в 20-м веке. [136] И, «когда индустрия и общественные дискурсы связывают категории музыки с категориями людей, они имеют тенденцию смешивать стереотипы с реальными сообществами слушателей». [136] Стереотипы могут быть основаны на социально-экономическом положении или социальном классе исполнителей или аудитории различных типов музыки.
Когда композиторы вводят стили музыки, которые нарушают общепринятые нормы, может возникнуть сильное сопротивление со стороны академиков и других. Струнные квартеты Бетховена позднего периода, партитуры балетов Стравинского, сериализм , бибоп , хип-хоп , панк-рок и электроника были спорными и критиковались, когда они были впервые введены. Такие темы изучаются в социологии музыки, иногда называемой социомузыкологией , которая изучается на факультетах социологии, медиа-исследований или музыки и тесно связана с этномузыкологией .
Женщины играли важную роль в музыке на протяжении всей истории, как композиторы, авторы песен, исполнители на инструментах , певицы, дирижеры, музыкальные ученые , музыкальные педагоги , музыкальные критики / музыкальные журналисты и другие музыкальные профессии. В 2010-х годах, хотя женщины составляют значительную часть исполнителей популярной и классической музыки , а также значительную часть авторов песен (многие из них являются авторами-исполнителями), женщин-продюсеров, рок-критиков и рок-инструменталистов мало . Хотя в классической музыке было огромное количество женщин-композиторов , со времен Средневековья и до наших дней, женщины-композиторы значительно недопредставлены в обычно исполняемом репертуаре классической музыки , учебниках по истории музыки и музыкальных энциклопедиях; например, в Краткой Оксфордской истории музыки Клара Шуман является одной из немногих женщин-композиторов, которая упоминается.
Женщины составляют значительную долю инструментальных солистов в классической музыке, и процент женщин в оркестрах увеличивается. Однако в статье 2015 года о концертных солистах в крупных канадских оркестрах указано, что 84% солистов Монреальского симфонического оркестра были мужчинами. В 2012 году женщины по-прежнему составляли всего 6% от ведущего Венского филармонического оркестра. Женщины реже встречаются в качестве инструментальных исполнителей в популярных музыкальных жанрах, таких как рок и хэви-метал , хотя было несколько известных женщин-инструменталистов и полностью женских групп . Женщины особенно недопредставлены в жанрах экстремального металла . [137] В поп-музыке 1960-х годов, «[как] и в большинстве аспектов... музыкального бизнеса, [в 1960-х годах] написание песен было областью, в которой доминировали мужчины. Хотя на радио было много певиц, женщины... в первую очередь рассматривались как потребители:... Пение иногда было приемлемым времяпрепровождением для девушки, но игра на инструменте, написание песен или продюсирование записей просто не были приняты». [138] Молодые женщины «...не были социализированы, чтобы видеть себя людьми, которые создают [музыку]». [138]
Женщины также недостаточно представлены в оркестровом дирижировании, музыкальной критике/музыкальной журналистике, музыкальном продюсировании и звукорежиссуре . В то время как в 19 веке женщины были отговорены от сочинительства, и существует мало женщин- музыковедов , женщины стали участвовать в музыкальном образовании «...в такой степени, что женщины доминировали [в этой области] во второй половине 19 века и в течение всего 20 века». [139]
По словам Джессики Дюшен , музыкального обозревателя лондонской The Independent , женщины-музыканты в классической музыке «...слишком часто оцениваются по их внешности, а не по таланту», и они сталкиваются с давлением «...выглядеть сексуально на сцене и на фотографиях». [140] Дюшен утверждает, что, хотя «есть женщины-музыканты, которые отказываются играть, опираясь на свою внешность,... те, кто это делает, как правило, более успешны в материальном плане». [140] По словам редактора британского Radio 3 Эдвины Вольстенкрофт, музыкальная индустрия уже давно открыта для женщин в исполнительских или развлекательных ролях, но женщины гораздо реже занимают руководящие должности, такие как дирижеры оркестра . [141] В популярной музыке, хотя есть много женщин-певиц, записывающих песни, очень мало женщин за аудиопультом, выступающих в качестве музыкальных продюсеров, лиц, которые направляют и управляют процессом записи. [142] Одной из самых записываемых артисток является Аша Бхосле , индийская певица, наиболее известная как закадровая певица в индийском кино. [143]
Начиная с XX века живую музыку можно транслировать по радио, телевидению или через Интернет, а также записывать и прослушивать на CD-плеере или MP3-плеере.
In the early 20th century (in the late 1920s), as talking pictures emerged in the early 20th century, with their prerecorded musical tracks, an increasing number of moviehouse orchestra musicians found themselves out of work.[145] During the 1920s, live musical performances by orchestras, pianists, and theater organists were common at first-run theaters.[146] With the coming of the talking motion pictures, those featured performances were largely eliminated. The American Federation of Musicians (AFM) took out newspaper advertisements protesting the replacement of live musicians with mechanical playing devices. One 1929 ad that appeared in the Pittsburgh Press features an image of a can labeled "Canned Music / Big Noise Brand / Guaranteed to Produce No Intellectual or Emotional Reaction Whatever"[147]
Sometimes, live performances incorporate prerecorded sounds. For example, a disc jockey uses disc records for scratching, and some 20th-century works have a solo for an instrument or voice that is performed along with music that is prerecorded onto a tape. Some pop bands use recorded backing tracks. Computers and many keyboards can be programmed to produce and play Musical Instrument Digital Interface (MIDI) music. Audiences can also become performers by participating in karaoke, an activity of Japanese origin centered on a device that plays voice-eliminated versions of well-known songs. Most karaoke machines also have video screens that show lyrics to songs being performed; performers can follow the lyrics as they sing over the instrumental tracks.
The advent of the Internet and widespread high-speed broadband access has transformed the experience of music, partly through the increased ease of access to recordings of music via streaming video and vastly increased choice of music for consumers. Another effect of the Internet arose with online communities and social media websites like YouTube and Facebook, a social networking service. These sites make it easier for aspiring singers and amateur bands to distribute videos of their songs, connect with other musicians, and gain audience interest. Professional musicians also use YouTube as a free publisher of promotional material. YouTube users, for example, no longer only download and listen to MP3s, but also actively create their own. According to Don Tapscott and Anthony D. Williams, in their book Wikinomics, there has been a shift from a traditional consumer role to what they call a "prosumer" role, a consumer who both creates content and consumes. Manifestations of this in music include the production of mashes, remixes, and music videos by fans.[148]
The incorporation of music into general education from preschool to post secondary education, is common in North America and Europe. Involvement in playing and singing music is thought to teach basic skills such as concentration, counting, listening, and cooperation while also promoting understanding of language, improving the ability to recall information, and creating an environment more conducive to learning in other areas.[149] In elementary schools, children often learn to play instruments such as the recorder, sing in small choirs, and learn about the history of Western art music and traditional music. Some elementary school children also learn about popular music styles. In religious schools, children sing hymns and other religious music. In secondary schools (and less commonly in elementary schools), students may have the opportunity to perform in some types of musical ensembles, such as choirs (a group of singers), marching bands, concert bands, jazz bands, or orchestras. In some school systems, music lessons on how to play instruments may be provided. Some students also take private music lessons after school with a singing teacher or instrument teacher. Amateur musicians typically learn basic musical rudiments (e.g., learning about musical notation for musical scales and rhythms) and beginner- to intermediate-level singing or instrument-playing techniques.
At the university level, students in most arts and humanities programs can receive credit for taking a few music courses, which typically take the form of an overview course on the history of music, or a music appreciation course that focuses on listening to music and learning about different musical styles. In addition, most North American and European universities have some types of musical ensembles that students in arts and humanities are able to participate in, such as choirs, marching bands, concert bands, or orchestras. The study of Western art music is increasingly common outside of North America and Europe, such as the Indonesian Institute of the Arts in Yogyakarta, Indonesia, or the classical music programs that are available in Asian countries such as South Korea, Japan, and China. At the same time, Western universities and colleges are widening their curriculum to include music of non-Western cultures, such as the music of Africa or Bali (e.g. Gamelan music).
People aiming to become professional musicians, singers, composers, songwriters, music teachers and practitioners of other music-related professions such as music history professors, sound engineers, and so on study in specialized post-secondary programs offered by colleges, universities and music conservatories. Some institutions that train individuals for careers in music offer training in a wide range of professions, as is the case with many of the top U.S. universities, which offer degrees in music performance (including singing and playing instruments), music history, music theory, music composition, music education (for individuals aiming to become elementary or high school music teachers) and, in some cases, conducting. On the other hand, some small colleges may only offer training in a single profession (e.g., sound recording).
While most university and conservatory music programs focus on training students in classical music, there are universities and colleges that train musicians for careers as jazz or popular music musicians and composers, with notable U.S. examples including the Manhattan School of Music and the Berklee College of Music. Two schools in Canada which offer professional jazz training are McGill University and Humber College. Individuals aiming at careers in some types of music, such as heavy metal music, country music or blues are unlikely to become professionals by completing degrees or diplomas. Instead, they typically learn about their style of music by singing or playing in bands (often beginning in amateur bands, cover bands and tribute bands), studying recordings on DVD and the Internet, and working with already-established professionals in their style of music, either through informal mentoring or regular music lessons. Since the 2000s, the increasing popularity and availability of Internet forums and YouTube "how-to" videos have enabled singers and musicians from metal, blues and similar genres to improve their skills. Many pop, rock and country singers train informally with vocal coaches and voice teachers.[150][151]
Musicology, the academic study of music, is studied in universities and music conservatories. The earliest definitions from the 19th century defined three sub-disciplines of musicology: systematic musicology, historical musicology, and comparative musicology or ethnomusicology. In 2010-era scholarship, one is more likely to encounter a division into music theory, music history, and ethnomusicology. Research in musicology has often been enriched by cross-disciplinary work, for example in the field of psychoacoustics. The study of music of non-Western cultures, and cultural study of music, is called ethnomusicology. Students can pursue study of musicology, ethnomusicology, music history, and music theory through different types of degrees, including bachelor's, master's and PhD.[152][153][154]
Music theory is the study of music, generally in a highly technical manner outside of other disciplines. More broadly it refers to any study of music, usually related in some form with compositional concerns, and may include mathematics, physics, and anthropology. What is most commonly taught in beginning music theory classes are guidelines to write in the style of the common practice period, or tonal music. Theory, even of music of the common practice period, may take other forms.[155] Musical set theory is the application of mathematical set theory to music, first applied to atonal music. Speculative music theory, contrasted with analytic music theory, is devoted to the analysis and synthesis of music materials, for example tuning systems, generally as preparation for composition.[156]
Zoomusicology is the study of the music of non-human animals, or the musical aspects of sounds produced by non-human animals. As George Herzog (1941) asked, "do animals have music?" François-Bernard Mâche's Musique, mythe, nature, ou les Dauphins d'Arion (1983), a study of "ornitho-musicology" using a technique of Nicolas Ruwet's Language, musique, poésie (1972) paradigmatic segmentation analysis, shows that bird songs are organised according to a repetition-transformation principle. Jean-Jacques Nattiez (1990), argues that "in the last analysis, it is a human being who decides what is and is not musical, even when the sound is not of human origin. If we acknowledge that sound is not organised and conceptualised (that is, made to form music) merely by its producer, but by the mind that perceives it, then music is uniquely human."[157]
In the West, much of the history of music that is taught deals with the Western civilization's art music, known as classical music. The history of music in non-Western cultures ("world music" or the field of "ethnomusicology") is also taught in Western universities. This includes the documented classical traditions of Asian countries outside the influence of Western Europe, as well as the folk or indigenous music of various other cultures. Popular or folk styles of music in non-Western countries varied from culture to culture, and period to period. Different cultures emphasised different instruments, techniques, singing styles and uses for music. Music has been used for entertainment, ceremonies, rituals, religious purposes and for practical and artistic communication. Non-Western music has also been used for propaganda purposes, as was the case with Chinese opera during the Cultural Revolution.
There is a host of music classifications for non-Western music, many of which are caught up in the argument over the definition of music. Among the largest of these is the division between classical music (or "art" music), and popular music (or commercial music – including non-Western styles of rock, country, and pop music-related styles). Some genres do not fit neatly into one of these "big two" classifications, (such as folk music, world music, or jazz-related music).
As world cultures have come into greater global contact, their indigenous musical styles have often merged with other styles, which produces new styles. For example, the United States bluegrass style contains elements from Anglo-Irish, Scottish, Irish, German and African instrumental and vocal traditions, which were able to fuse in the United States' multi-ethnic "melting pot" society. Some types of world music contain a mixture of non-Western indigenous styles with Western pop music elements. Genres of music are determined as much by tradition and presentation as by the actual music. Some works, like George Gershwin's Rhapsody in Blue, are claimed by both jazz and classical music, while Gershwin's Porgy and Bess and Leonard Bernstein's West Side Story are claimed by both opera and the Broadway musical tradition. Many music festivals for non-Western music, include bands and singers from a particular musical genre, such as world music.[158][159]
Indian music, for example, is one of the oldest and longest living types of music, and is still widely heard and performed in South Asia, as well as internationally (especially since the 1960s). Indian music has mainly three forms of classical music, Hindustani, Carnatic, and Dhrupad styles. It has also a large repertoire of styles, which involve only percussion music such as the talavadya performances famous in South India.
Music therapy is an interpersonal process in which a trained therapist uses music and all of its facets—physical, emotional, mental, social, aesthetic, and spiritual—to help clients to improve or maintain their health. In some instances, the client's needs are addressed directly through music; in others they are addressed through the relationships that develop between the client and therapist. Music therapy is used with individuals of all ages and with a variety of conditions, including: psychiatric disorders, medical problems, physical disabilities, sensory impairments, developmental disabilities, substance abuse issues, communication disorders, interpersonal problems, and aging. It is also used to improve learning, build self-esteem, reduce stress, support physical exercise, and facilitate a host of other health-related activities. Music therapists may encourage clients to sing, play instruments, create songs, or do other musical activities.
In the 10th century, the philosopher Al-Farabi described how vocal music can stimulate the feelings and souls of listeners.[160] Music has long been used to help people deal with their emotions. In the 17th century, the scholar Robert Burton's The Anatomy of Melancholy argued that music and dance were critical in treating mental illness, especially melancholia.[161] He noted that music has an "excellent power ...to expel many other diseases" and he called it "a sovereign remedy against despair and melancholy." He pointed out that in Antiquity, Canus, a Rhodian fiddler, used music to "make a melancholy man merry, ...a lover more enamoured, a religious man more devout."[162][163][164] In the Ottoman Empire, mental illnesses were treated with music.[165] In November 2006, Michael J. Crawford and his colleagues also found that music therapy helped schizophrenic patients.[166][167]
Music therapy may provide a means of improving mental health among people with schizophrenia, but its effects in acute psychoses have not been explored
Definitions from Wiktionary
Media from Commons
News from Wikinews
Quotations from Wikiquote
Texts from Wikisource
Textbooks from Wikibooks
Resources from Wikiversity
Travel information from Wikivoyage
