Классическая музыка обычно относится к художественной музыке западного мира , которая считается отличной от западной народной музыки или традиций популярной музыки . Иногда ее называют западной классической музыкой , поскольку термин «классическая музыка» также может применяться к незападной художественной музыке . Классическая музыка часто характеризуется формальностью и сложностью музыкальной формы и гармонической организации , [1] особенно с использованием полифонии . [2] По крайней мере, с девятого века это была прежде всего письменная традиция, [2] порождающая сложную систему обозначений , а также сопутствующую литературу в аналитической , критической , историографической , музыковедческой и философской практике. Классическая музыка, являющаяся основополагающим компонентом западной культуры , часто рассматривается с точки зрения отдельных композиторов или групп композиторов , чьи композиции, личности и убеждения фундаментально сформировали ее историю.
Основанная на покровительстве церквей и королевских дворов в Западной Европе , [1] сохранившаяся раннесредневековая музыка в основном религиозна , монофонична и вокальна, а музыка Древней Греции и Рима влияет на ее мысли и теории. Самые ранние из сохранившихся музыкальных рукописей датируются Каролингской империей (800–888 гг.), [3] примерно в то время, когда западное простое пение постепенно объединилось в так называемое григорианское пение . [4] Музыкальные центры существовали в аббатстве Сен-Галль , аббатстве Сен-Марциаль и аббатстве Святого Эммерама , а в 11 веке наблюдалось развитие нотной записи и увеличение производительности теоретиков средневековой музыки . К середине XII века Франция стала крупным европейским музыкальным центром: [3] Религиозная школа Нотр-Дам впервые полностью исследовала организованные ритмы и полифонию, в то время как светская музыка процветала благодаря традициям трубадуров и труверов , возглавляемых дворянами-поэтами-музыкантами. [5] Кульминацией этого стали спонсируемые судом французские ars nova и итальянские Trecento , которые превратились в ars subtilior , стилистическое движение чрезвычайного ритмического разнообразия. [5] Начиная с начала 15-го века, композиторы эпохи Возрождения влиятельной франко-фламандской школы построили гармонические принципы в английском contenance anloise , приведя хоровую музыку к новым стандартам, особенно мессу и мотет . [6] Северная Италия вскоре стала центральным музыкальным регионом, где римская школа использовала весьма сложные методы полифонии в таких жанрах, как мадригал , [6] что вдохновило краткую английскую школу мадригала .
В период барокко (1580–1750) наблюдалась относительная стандартизация общепринятой тональности , [7] , а также возрастающее значение музыкальных инструментов , которые превратились в ансамбли значительного размера. Италия оставалась доминирующей, будучи родиной оперы , жанра концерта , ориентированного на солиста , организованной сонатной формы , а также крупномасштабных вокальных жанров оратории и кантаты . Техника фуги , которую отстаивал Иоганн Себастьян Бах, олицетворяла тенденцию барокко к сложности, и в качестве реакции были разработаны более простая и песенная галантная музыка и стили empfindsamkeit . В более короткий, но решающий классический период (1730–1820) такие композиторы, как Вольфганг Амадей Моцарт , Йозеф Гайдн и Людвиг ван Бетховен, создали широко почитаемых представителей абсолютной музыки , [8] [9] включая симфонии , струнные квартеты и концерты. Последующая романтическая музыка (1800–1910) вместо этого сосредоточилась на программной музыке , для которой важными сосудами были авторская песня , симфоническая поэма и различные фортепианные жанры. В это время прославлялась виртуозность , поощрялась необъятность, а философия и национализм были заложены - все аспекты, которые сошлись в операх Рихарда Вагнера . К 20 веку стилистическое единство постепенно распалось, а известность популярной музыки значительно возросла. Многие композиторы активно избегали прошлых техник и жанров через призму модернизма , при этом некоторые отказывались от тональности вместо сериализма , в то время как другие находили новое вдохновение в народных мелодиях или импрессионистических настроениях. После Второй мировой войны зрители впервые стали ценить старую музыку перед современными произведениями, и это предпочтение было удовлетворено появлением и широкой доступностью коммерческих записей. [10] Тенденции середины 20-го века до наших дней включают «Новую простоту» , «Новую сложность» , «Минимализм» , «Спектральную музыку» , а в последнее время — «Постмодернистскую музыку » и «Постминимализм» .. Решающую роль играют специалисты из Северной и Южной Америки, Африки и Азии, [3] в то время как симфонические оркестры и оперные театры теперь появляются по всему миру.
И английский термин «классический», и немецкий эквивалент klassik произошли от французского слова classique , которое в свою очередь происходит от латинского слова classicus , которое первоначально относилось к высшему классу древнеримских граждан . [11] [n 1] В римском использовании этот термин позже стал средством обозначения уважаемых литературных деятелей; [11] римский писатель Авл Геллий похвалил таких писателей, как Демосфен и Вергилий, как классиков . [13] В эпоху Возрождения прилагательное приобрело более общее значение: статья в « Словаре французского и английского языков » Рэндла Котгрейва 1611 года является одним из самых ранних дошедших до нас определений, переводя classique как «классический, формальный [ sic ], санитар, в должном или соответствующем звании; а также одобренный, подлинный, шеф, принципиальный». [11] [14] Музыковед Дэниел Харц суммирует это в двух определениях: 1) «формальная дисциплина» и 2) «модель совершенства». [11] Как и Геллий, ученые эпохи Возрождения, писавшие на латыни, использовали classicus по отношению к писателям классической античности ; [12] [n 2] однако это значение развивалось лишь постепенно и какое-то время было подчинено более широким классическим идеалам формальности и совершенства. [15] Литература и изобразительное искусство, для которых существовали значительные древнегреческие и римские примеры, в конечном итоге приняли термин «классический» применительно к классической античности, но практически никакая музыка того времени не была доступна музыкантам эпохи Возрождения, что ограничивало связь между классическими музыка и греко-римский мир . [15] [n 3]
Именно в Англии XVIII века термин «классика» «впервые стал обозначать особый канон произведений в исполнении». [15] В Лондоне возникла известная публичная концертная музыкальная сцена, беспрецедентная и не имеющая себе равных среди других европейских городов. [11] Королевский двор постепенно утратил свою монополию на музыку, во многом из-за нестабильности, которую распад Английского Содружества и Славная революция повлияли на придворных музыкантов. [11] [n 4] В 1672 году бывший придворный музыкант Джон Банистер начал давать популярные публичные концерты в лондонской таверне; [n 5] его популярность быстро привела к появлению публичных концертов в Лондоне. [19] Появилась концепция «классической» — или, чаще, «древней музыки», которая по-прежнему строилась на принципах формальности и совершенства, и, по словам Харца, «гражданский ритуал, религия и моральный активизм играли значительную роль в этой новой конструкции». музыкального вкуса». [15] Исполнение такой музыки специализировалось в Академии старинной музыки , а затем в серии «Концерты древней музыки» , где были представлены работы избранных 16-го и 17-го композиторов, [20] особенно Георга Фридриха Генделя . [15] [n 6] Во Франции во время правления Людовика XIV ( годы правления 1638–1715 ) наблюдался культурный ренессанс, к концу которого считалось, что такие писатели, как Мольер , Жан де Лафонтен и Жан Расин , превзошли достижения классической античности. [21] Таким образом, они были охарактеризованы как «классические», как и музыка Жана-Батиста Люлли (а позже Кристофа Виллибальда Глюка ), обозначенная как «классическая французская опера». [21] В остальной части континентальной Европы отказ от определения «классического» как аналога греко-римского мира происходил медленнее, прежде всего потому, что формирование канонического репертуара было либо минимальным, либо эксклюзивным для высших классов. [15]
Многие европейские комментаторы начала 19-го века нашли новое единство в своем определении классической музыки: сопоставить старых композиторов Вольфганга Амадея Моцарта , Йозефа Гайдна и (исключая некоторые из его более поздних произведений ) Людвига ван Бетховена как «классических» против зарождающегося стиля. романтической музыки . [22] [23] [24] Эти три композитора, в частности, были сгруппированы в Первую венскую школу , которую иногда называют «венской классикой», [n 7] соединение, которое остается проблематичным, поскольку ни один из трех композиторов не родился в Вене. и минимальное время, которое Гайдн и Моцарт провели в городе. [25] Хотя эта характеристика часто высказывалась, она не была строгой. В 1879 году композитор Чарльз Кенсингтон Саламан определил следующих композиторов как классических: Баха , Генделя, Гайдна, Моцарта, Бетховена, Вебера , Шпора и Мендельсона . [26] В более широком смысле, некоторые писатели использовали термин «классический», чтобы похвалить уважаемые произведения различных композиторов, особенно тех, кто написал много произведений в устоявшемся жанре. [11] [№ 8]
Современное понимание термина «классическая музыка» остается размытым и многогранным. [31] [32] Другие термины, такие как «художественная музыка», «каноническая музыка», «культурная музыка» и «серьезная музыка», во многом являются синонимами. [33] Термин «классическая музыка» часто указывается или подразумевается как относящийся исключительно к западному миру , [34] и наоборот, во многих академических историях термин «западная музыка» исключает неклассическую западную музыку. [35] [n 9] Другая сложность заключается в том, что «классическая музыка» иногда используется для описания незападной художественной музыки, демонстрирующей аналогичные длительные и сложные характеристики; примеры включают индийскую классическую музыку (например, музыку Карнатика , музыку хиндустани и музыку Одисси ), музыку Гамелан и различные стили двора Императорского Китая (см., например, Яюэ ). [1] Таким образом, в конце 20-го века для решения этой проблемы стали использоваться такие термины, как «западная классическая музыка» и «западная художественная музыка». [34] Музыковед Ральф П. Локк отмечает, что ни один из терминов не является идеальным, поскольку они создают «интригующую сложность» при рассмотрении «некоторых практиков музыкальных жанров западного искусства, которые происходят из незападных культур». [37] [№ 10]
Сложность музыкальной формы и гармоническая организация — типичные черты классической музыки. [1] Оксфордский словарь английского языка ( OED ) предлагает три определения слова «классический» применительно к музыке: [27]
Последнее определение касается того, что сейчас называют классическим периодом , особой стилистической эпохой европейской музыки со второй половины 18 века до начала 19 века. [38]
Западная классическая традиция формально начинается с музыки, созданной раннехристианской церковью и для нее. [39] Вполне вероятно, что ранняя церковь хотела отмежеваться от преобладающей музыки Древней Греции и Рима , поскольку она была напоминанием о языческой религии, которую она преследовала и посредством которой она подвергалась преследованиям . [39] Таким образом, остается неясным, в какой степени музыка христианской церкви и, следовательно, западная классическая музыка в целом находилась под влиянием предшествующей древней музыки . [40] Общее отношение к музыке было перенято у древнегреческих и римских теоретиков и комментаторов музыки. [41] [n 11] Так же, как и в греко-римском обществе, музыка считалась центральной частью образования; наряду с арифметикой, геометрией и астрономией музыка была включена в квадривиум — четыре предмета высшего уровня стандартного гуманитарного образования в средние века . [43] Такое высокое уважение к музыке впервые пропагандировали учёные Кассиодор , Исидор Севильский , [44] и особенно Боэций , [45] чья передача и расширение взглядов на музыку от Пифагора , Аристотеля и Платона сыграли решающую роль в развитии музыки. средневековой музыкальной мысли. [46] Однако ученые, теоретики средневековой музыки и композиторы регулярно неверно истолковывали или неправильно понимали сочинения своих греческих и римских предшественников. [47] Это произошло из-за полного отсутствия сохранившихся греко-римских музыкальных произведений, доступных средневековым музыкантам, [47] [n 12] до такой степени, что Исидор Севильский ( ок. 559 – 636 ) утверждал, что «если звуки не запоминаются человек, они погибают, потому что их невозможно записать», не зная о систематической практике записи в Древней Греции столетия назад. [48] [n 13] Музыковед Гюстав Риз , однако, отмечает, что многие греко-римские тексты все еще можно считать влиятельными для западной классической музыки, поскольку средневековые музыканты регулярно читали их произведения - независимо от того, правильно ли они это делали. [47]
Однако существуют и неоспоримые музыкальные продолжения древнего мира . [49] Основные аспекты, такие как монофония , импровизация и доминирование текста в музыкальной обстановке, заметны как в раннем средневековье, так и в музыке почти всех древних цивилизаций. [50] Греческие влияния, в частности, включают церковные лады (которые были потомками разработок Аристоксена и Пифагора), [51] базовую акустическую теорию пифагорейской настройки , [ 40] а также центральную функцию тетрахордов . [52] Древнегреческие инструменты, такие как авлос ( тростниковый инструмент ) и лира (струнный инструмент, похожий на небольшую арфу ), в конечном итоге привели к появлению нескольких современных инструментов симфонического оркестра. [53] Однако Дональд Джей Граут отмечает, что попытки создать прямую эволюционную связь между древней музыкой и ранним средневековьем безосновательны, поскольку на нее почти исключительно повлияла теория греко-римской музыки, а не исполнение или практика. [54]
Средневековая музыка включает в себя западноевропейскую музыку, существовавшую после падения Западной Римской империи с 476 по 1400 год. Монофоническое пение, также называемое равнинной песней или григорианским пением , было доминирующей формой примерно до 1100 года. [55] Христианские монахи разработали первые формы европейского пения. нотная запись с целью стандартизации литургии во всей Церкви. [56] [57] Полифоническая (многоголосая) музыка развилась из монофонического пения на протяжении всего позднего средневековья и эпохи Возрождения , включая более сложные озвучивания мотетов . В ранний средневековый период вокальная музыка литургического жанра , преимущественно григорианского пения , была монофонической , с использованием единственной, несопровождаемой вокальной мелодической линии. [58] Полифонические вокальные жанры, в которых использовалось несколько независимых вокальных мелодий, начали развиваться в эпоху высокого средневековья и стали преобладающими к концу 13-го и началу 14-го века. Известные средневековые композиторы включают Хильдегард Бинген , Леонен , Перотен , Филипп де Витри , Гийом де Машо , Франческо Ландини и Йоханнес Чикония .
Многие средневековые музыкальные инструменты все еще существуют, но в разных формах. Средневековые инструменты включали флейту , блокфлейту и щипковые струнные инструменты , такие как лютня . Кроме того, существовали ранние версии органа и скрипки ( или vielle ). Средневековые инструменты в Европе чаще всего использовались по отдельности, часто в сопровождении гудящей ноты, а иногда и по частям. По крайней мере, с 13 по 15 века существовало разделение инструментов на хаут (громкие, пронзительные, уличные инструменты) и бас (более тихие, более интимные инструменты). [59]
Эпоха музыкального Возрождения продолжалась с 1400 по 1600 год. Она характеризовалась более широким использованием инструментов , множественным переплетением мелодических линий и использованием более ранних форм басовых инструментов . Социальные танцы стали более распространенными, поэтому музыкальные формы, соответствующие сопровождающему танцу, начали стандартизироваться. Именно в это время начала формироваться нотная запись на нотоносце и другие элементы нотной записи . [60] Это изобретение сделало возможным отделение композиции музыкального произведения от его передачи ; без письменной музыки передача была устной и могла меняться каждый раз при передаче. При наличии партитуры музыкальное произведение могло быть исполнено без присутствия композитора. [61] Изобретение печатного станка с подвижным шрифтом в 15 веке имело далеко идущие последствия для сохранения и передачи музыки. [62]
Многие инструменты возникли в эпоху Возрождения; другие представляли собой вариации или усовершенствования инструментов, существовавших ранее. Некоторые сохранились до наших дней; другие исчезли только для того, чтобы быть воссозданными для исполнения музыки на старинных инструментах. Как и в наши дни, инструменты можно разделить на медные, струнные, ударные и деревянные духовые. На духовых инструментах в эпоху Возрождения традиционно играли профессионалы, которые были членами гильдий , и они включали скользящую трубу , деревянный корнет , бесклапанную трубу и мешковину . Струнные инструменты включали виолончель , ребек , лиру , похожую на арфу , шарманку , лютню , гитару , цитру , бандору и орфарион . Клавишные струнные инструменты включали клавесин и клавикорд . К ударным инструментам относятся треугольник , варган , бубен , колокольчики, кувшин и различные виды барабанов. Деревянные духовые инструменты включали шаум с двойной тростью (ранний член семейства гобоев ), тростниковую трубу , волынку , поперечную флейту , блокфлейту , дульциан и крамгорн . Простые органы существовали, но в основном использовались только в церквях, хотя были и портативные разновидности. [63] Печать позволила стандартизировать описания и характеристики инструментов, а также инструкции по их использованию. [64]
Вокальная музыка эпохи Возрождения отличается расцветом все более сложного полифонического стиля. Основными литургическими формами, которые сохранялись на протяжении всего периода Возрождения, были мессы и мотеты, с некоторыми другими изменениями к концу, особенно когда композиторы духовной музыки начали использовать светские формы (такие как мадригал ) для своих собственных проектов. К концу периода видны ранние драматические предшественники оперы, такие как монодия, мадригальная комедия и интермедио . Около 1597 года итальянский композитор Якопо Пери написал «Дафну» — первое произведение, которое сегодня называется оперой . Он также написал «Эвридику» — первую оперу, дошедшую до наших дней.
Известные композиторы эпохи Возрождения включают Жоскена де Пре , Джованни Пьерлуиджи да Палестрина , Джона Данстейпла , Йоханнеса Окегема , Орланда де Лассуса , Гийома Дю Фэ , Жиль Беншуа , Томаса Таллиса , Уильяма Берда , Джованни Габриэли , Карло Джезуальдо , Джона Доуленда , Якоба Обрехта , Адриана Уилларта. , Жак Аркадель и Сиприано де Роре .
Период общепринятой практики обычно определяется как эпоха между формированием и распадом тональности общепринятой практики . [ нужна цитация ] Этот термин обычно охватывает примерно два с половиной столетия, охватывая периоды барокко, классицизма и романтизма.
Для музыки барокко характерно использование сложного тонального контрапункта и использование бассо континуо — непрерывной басовой партии. Музыка стала более сложной по сравнению с простыми песнями всех предыдущих периодов. [65] Начало сонатной формы сформировалось в канцоне , как и более формализованное понятие темы и вариаций . Полное оформление приобрели тональности мажора и минора как средства управления диссонансом и хроматизмом в музыке. [66]
В эпоху барокко клавишная музыка, исполняемая на клавесине и органе , становилась все более популярной, а семейство струнных инструментов скрипок приняло форму, обычно наблюдаемую сегодня. Опера как постановочная музыкальная драма начала отличаться от более ранних музыкальных и драматических форм, а вокальные формы, такие как кантата и оратория , стали более распространенными. [67] Впервые вокалисты начали добавлять в музыку орнаменты. [65]
Теории о равной темперации стали широко применяться на практике, поскольку они открыли более широкий диапазон хроматических возможностей в труднонастраиваемых клавишных инструментах. Хотя И. С. Бах не использовал равномерную темперацию, изменения в темпераментах от распространенной тогда системы значков к различным темпераментам, которые сделали модуляцию между всеми тональностями музыкально приемлемой, сделали возможным создание « Хорошо темперированного клавира» . [68]
Инструменты барокко включали некоторые инструменты более ранних периодов (например, шарманку и блокфлейту) и ряд новых инструментов (например, гобой, фагот, виолончель, контрабас и фортепиано). Некоторые инструменты предыдущих эпох вышли из употребления, например, шаум, цитра , ракетка и деревянный корнет. Ключевые инструменты барокко для струнных включали скрипку , виолончель , альт , виолу д'амур , виолончель , контрабас , лютню , теорбу (которая часто исполняла партии бассо континуо ), мандолину , гитару в стиле барокко , арфу и шарманку. Деревянные духовые инструменты включали барочную флейту , барочный гобой , блокфлейту и фагот . Духовые инструменты включали корнет , натуральный валторну , натуральную трубу , змею и тромбон . Клавишные инструменты включали клавикорд , касательное фортепиано , клавесин , орган и, позже в этот период, фортепиано (ранняя версия фортепиано). Ударные инструменты включали литавры , малый барабан , бубен и кастаньеты .
Одно из основных различий между музыкой барокко и последовавшей за ней классической эпохой заключается в том, что типы инструментов, используемых в ансамблях барокко, были гораздо менее стандартизированы. Ансамбль в стиле барокко мог включать один из нескольких различных типов клавишных инструментов (например, орган или клавесин), [69] дополнительные струнные аккордовые инструменты (например, лютню), смычковые струнные, деревянные духовые и духовые инструменты, а также неопределенное количество басовые инструменты, исполняющие бассо континуо (например, виолончель, контрабас, альт, фагот, змея и т. д.).
Вокальные произведения эпохи барокко включали такие сюиты, как оратории и кантаты . [70] [71] Светская музыка была менее распространена и обычно характеризовалась только инструментальной музыкой. Как и искусство барокко , [72] темы, как правило, были священными и предназначались для католической обстановки.
Важными композиторами этой эпохи являются Иоганн Себастьян Бах , Антонио Вивальди , Джордж Фридрих Гендель , Иоганн Пахельбель , Генри Перселл , Клаудио Монтеверди , Барбара Строцци , Доменико Скарлатти , Георг Филипп Телеман , Арканджело Корелли , Алессандро Скарлатти , Жан-Филипп Рамо , Жан-Батист. Люлли и Генрих Шютц .
.jpg/1280px-Haydn_portrait_by_Thomas_Hardy_(small).jpg)
Хотя термин «классическая музыка» включает в себя всю западную художественную музыку от эпохи Средневековья до начала 2010-х годов, классическая эра — это период западной художественной музыки с 1750-х до начала 1820-х годов [73] — эпоха Вольфганга Амадея Моцарта , Йозефа Гайдн и Людвиг ван Бетховен .
Классическая эпоха установила многие нормы композиции, подачи и стиля, и когда фортепиано стало преобладающим клавишным инструментом. Основные силы, необходимые для оркестра, стали в некоторой степени стандартизированными (хотя они будут расти по мере развития потенциала более широкого набора инструментов) . В камерной музыке появились ансамбли, насчитывавшие до 8-10 исполнителей серенад . Опера продолжала развиваться, проявляя региональные стили в Италии, Франции и немецкоязычных странах. Популярность оперы- буффа , формы комической оперы, возросла. Симфония возникла как музыкальная форма, а концерт стал средством проявления виртуозного исполнительского мастерства . Оркестрам больше не требовался клавесин , и их часто возглавлял ведущий скрипач (теперь называемый концертмейстером ) . [74]
Музыканты классической эпохи продолжали использовать многие инструменты эпохи барокко, такие как виолончель, контрабас, блокфлейта, тромбон, литавры, фортепиано (предшественник современного фортепиано ) и орган. В то время как некоторые инструменты в стиле барокко вышли из употребления, например, теорба и ракетка, многие инструменты в стиле барокко были заменены версиями, которые используются до сих пор, например, скрипка в стиле барокко (которая стала скрипкой), гобой в стиле барокко ( который стал гобоем ) и труба в стиле барокко. который перешел на обычную клапанную трубу. В классическую эпоху струнные инструменты, используемые в оркестровой и камерной музыке , такие как струнные квартеты, были стандартизированы как четыре инструмента, образующие струнную секцию оркестра: скрипка, альт, виолончель и контрабас. Струнные инструменты эпохи барокко, такие как резные смычковые альты , были постепенно сняты с производства. Деревянные духовые инструменты включали бассет-кларнет , бассет-горн , кларнет д'амур , классический кларнет , шалюмо , флейту, гобой и фагот. Клавишные инструменты включали клавикорд и фортепиано . Хотя клавесин все еще использовался в аккомпанементе бассо континуо в 1750-х и 1760-х годах, в конце века он вышел из употребления. Медные духовые инструменты включали буцин , офиклиду (замену басового змея , который был предшественником тубы ) и натуральный валторн .
В классическую эпоху духовые инструменты стали более изысканными. В то время как инструменты с двумя тростями , такие как гобой и фагот , стали в некоторой степени стандартизированными в эпоху барокко, семейство кларнетов с одной тростью не получило широкого распространения до тех пор, пока Моцарт не расширил свою роль в оркестровых, камерных и концертных постановках. [75]
Музыка эпохи романтизма , примерно с первого десятилетия 19-го века до начала 20-го века, характеризовалась повышенным вниманием к расширенной мелодической линии, а также выразительным и эмоциональным элементам, параллельным романтизму в других видах искусства. Музыкальные формы начали отходить от форм классической эпохи (даже когда они кодифицировались), писались произведения свободной формы, такие как ноктюрны , фантазии и прелюдии , в которых общепринятые идеи об изложении и развитии тем игнорировались или сводились к минимуму. [76] Музыка стала более хроматической, диссонирующей и тонально красочной, с усилением напряженности (по отношению к принятым нормам старых форм) по поводу ключевых подписей. [77] Авторская песня (или Lied ) достигла зрелости в эту эпоху, как и эпические гаммы большой оперы , которые в конечном итоге превзошли цикл Рихарда Вагнера « Кольцо ». [78]
В 19 веке музыкальные учреждения вышли из-под контроля богатых покровителей, поскольку композиторы и музыканты могли строить жизнь независимо от дворянства. Растущий интерес к музыке со стороны растущего среднего класса по всей Западной Европе стимулировал создание организаций по обучению, исполнению и сохранению музыки. Фортепиано, которое в эту эпоху приобрело свою современную конструкцию (отчасти благодаря промышленным достижениям в металлургии ), стало широко популярным среди среднего класса, чьи требования к инструменту стимулировали многих производителей фортепиано. К этой эпохе относят свое основание многие симфонические оркестры. [77] Некоторые музыканты и композиторы были звездами того времени; некоторые, например Ференц Лист и Никколо Паганини , исполнили обе роли. [79]
Европейские культурные идеи и институты начали следовать за колониальной экспансией в другие части мира. Также наблюдался рост, особенно к концу эпохи, национализма в музыке (в некоторых случаях перекликающийся с политическими настроениями того времени), поскольку такие композиторы, как Эдвард Григ , Николай Римский-Корсаков и Антонин Дворжак, повторяли традиционную музыку. своей родины в своих композициях. [80]
В эпоху романтизма современное фортепиано с более мощным, устойчивым звучанием и более широким диапазоном пришло на смену более нежно звучащему фортепиано. В оркестре были сохранены существующие классические инструменты и секции ( секция струнных , деревянных духовых инструментов, медных духовых и ударных), но эти секции обычно расширялись, чтобы сделать звук более полным и объемным. Например, в то время как в оркестре в стиле барокко могло быть два контрабаса, в романтическом оркестре могло быть целых десять. «Поскольку музыка становилась все более выразительной, стандартная оркестровая палитра стала недостаточно богатой для многих композиторов-романтиков». [81]
Семейства используемых инструментов, особенно в оркестрах, становились больше; процесс, который достиг кульминации в начале 20 века, когда композиторы позднего романтического и модернистского периода использовали очень большие оркестры. Стал появляться более широкий набор ударных инструментов. Духовые инструменты стали играть более важную роль, поскольку появление поворотных клапанов позволило им играть более широкий диапазон нот. Размер оркестра (обычно около 40 в классическую эпоху) вырос до более чем 100. [77] Например, Симфония № 8 Густава Малера 1906 года исполнялась с участием более 150 инструменталистов и более 400 хоров. [ 82] Были добавлены новые деревянные духовые инструменты, такие как контрафагот , бас-кларнет и пикколо , а также новые ударные инструменты, в том числе ксилофоны , малые барабаны , челеста (клавишный инструмент, похожий на колокольчик), колокольчики и треугольники , [81] большие оркестровые инструменты. арфы и даже духовые машины для звуковых эффектов . Саксофоны появляются в некоторых партитурах конца XIX века и обычно используются как сольный инструмент, а не как неотъемлемая часть оркестра.
Туба Вагнера , модифицированный представитель семейства валторн, появляется в цикле Рихарда Вагнера «Кольцо Нибелунгов» . Он также играет заметную роль в Симфонии № 7 ми мажор Антона Брукнера , а также используется в нескольких позднеромантических и модернистских произведениях Рихарда Штрауса, Белы Бартока и других [83] . Корнеты регулярно появляются в партитурах XIX века, наряду с трубы, которые считались менее подвижными, по крайней мере, до конца века.
Среди выдающихся композиторов этой эпохи Людвиг ван Бетховен , Петр Ильич Чайковский , Фредерик Шопен , Гектор Берлиоз , Франц Шуберт , Роберт Шуман , Феликс Мендельсон , Ференц Лист , Джузеппе Верди , Рихард Вагнер, Иоганнес Брамс , Александр Скрябин , Николай Метнер , Эдвард Григ , и Иоганн Штраус II . Густава Малера и Рихарда Штрауса обычно считают композиторами переходного периода, чья музыка сочетает в себе элементы позднего романтизма и раннего модернизма.
Модернистская классическая музыка, охватывающая большое разнообразие постромантических стилей, включает в себя поздний романтический, импрессионистический, экспрессионистский и неоклассический стили композиции. Модернизм ознаменовал эпоху, когда многие композиторы отвергли определенные ценности периода общепринятой практики, такие как традиционная тональность, мелодия, инструменты и структура. Некоторые историки музыки считают музыкальный модернизм эпохой, продолжавшейся примерно с 1890 по 1930 годы. [84] [85] Другие считают, что модернизм закончился одной или другой из двух мировых войн. [86] Другие авторитеты утверждают, что модернизм не связан с какой-либо исторической эпохой, а скорее является « отношением композитора; живой конструкцией, которая может развиваться со временем». [87] Несмотря на упадок в последней трети 20 века, в конце века сохранялось активное ядро композиторов, продолжавших продвигать идеи и формы модернизма, таких как Пьер Булез , Полина Оливерос , Тору Такемицу , Джордж Бенджамин , Джейкоб Дракман , Брайан Фернихо , Джордж Перл , Вольфганг Рим , Ричард Верник , Ричард Уилсон и Ральф Шейпи . [88]
Двумя музыкальными течениями, которые доминировали в это время, были импрессионизм , начавшийся примерно в 1890 году, и экспрессионизм , возникший примерно в 1908 году. , мелодические, звуковые и ритмические аспекты музыки, а также изменения в эстетических мировоззрениях в тесной связи с более широким идентифицируемым периодом модернизма в искусстве того времени. Ключевое слово, которое больше всего ассоциируется с этим, — «инновация». [89] Его главной особенностью является «лингвистическое многообразие», то есть ни один музыкальный жанр никогда не занимал доминирующее положение. [90]
Оркестр продолжал расти в первые годы модернистской эпохи, достигнув пика в первые два десятилетия 20-го века. Саксофоны, которые появлялись в XIX веке лишь изредка, стали чаще использоваться в качестве дополнительных инструментов, но так и не стали основными членами оркестра. Саксофон появляется только в качестве сольного инструмента в некоторых произведениях, например, в оркестровке Мориса Равеля «Картинок с выставки » Модеста Мусоргского и «Симфонических танцев » Сергея Рахманинова , саксофон включен в другие произведения, такие как « Ромео » Сергея Прокофьева и «Симфонические танцы». Джульетта-сюиты 1 и 2 и многие другие произведения в составе оркестрового ансамбля. В некоторых композициях, таких как «Болеро » Равеля , два или более саксофона разного размера используются для создания целой секции, подобной другим частям оркестра. Эуфониум присутствует в нескольких произведениях позднего романтизма и 20-го века , обычно исполняя партии с пометкой «теноровая туба», в том числе « Планеты » Густава Холста и «Эйн Хелденлебен » Рихарда Штрауса .
Среди выдающихся композиторов начала 20-го века Игорь Стравинский , Клод Дебюсси , Сергей Рахманинов , Сергей Прокофьев , Арнольд Шенберг , Никос Скалькоттас , Эйтор Вилла-Лобос , Антон Веберн , Альбан Берг , Сесиль Шаминад , Пауль Хиндемит , Арам Хачатурян , Джордж Гершвин , Эми Бич , Бела Барток и Дмитрий Шостакович , а также вышеупомянутые Малер и Штраус как переходные фигуры, перешедшие из XIX века.
Постмодернистская музыка — это период музыки, который, по мнению некоторых авторитетов, начался еще в 1930 году. [84] [85] Он разделяет характеристики постмодернистского искусства , то есть искусства, которое следует за модернизмом и реагирует на него .
Некоторые другие авторитеты более или менее приравнивают постмодернистскую музыку к «современной музыке», написанной значительно позже 1930 года, с конца 20 века до начала 21 века. [91] [92] Некоторые из разнообразных движений постмодернистской/современной эпохи включают неоромантический, неосредневековый, минималистский и пост-минималистский.
Часто считалось , что современная классическая музыка начала 21 века включает в себя все музыкальные формы после 1945 года. [93] Поколение спустя этот термин теперь правильно относится к современной музыке, написанной еще живыми композиторами; музыка, получившая известность в середине 1970-х годов. Он включает в себя различные вариации модернистской , постмодернистской , неоромантической и плюралистической музыки . [88]
Говорят, что исполнители , которые тщательно изучали классическую музыку, имеют «классическое образование». Это обучение может осуществляться на основе частных уроков у преподавателей инструментов или вокала или после завершения формальной программы, предлагаемой консерваторией, колледжем или университетом, например, на получение степени бакалавра музыки или магистра музыки (которая включает индивидуальные занятия с профессорами). В классической музыке требуется «...обширное формальное музыкальное образование и подготовка, часто до уровня последипломного образования [магистратуры]». [94]
Исполнение репертуара классической музыки требует навыков чтения с листа и ансамблевой игры, принципов гармонии , сильной тренировки слуха (чтобы исправлять и регулировать высоту звука на слух), знания практики исполнения (например, орнаментов в стиле барокко) и знания стиля. музыкальная идиома, ожидаемая для данного композитора или музыкального произведения (например, симфонии Брамса или концерта Моцарта). [ нужна цитата ]
Ключевой характеристикой европейской классической музыки, которая отличает ее от популярной музыки , народной музыки и некоторых других традиций классической музыки, таких как индийская классическая музыка , является то, что репертуар имеет тенденцию быть записанным в нотной записи , создавая музыкальную часть или партитуру . Эта партитура обычно определяет детали ритма, высоты тона и, если участвуют два или более музыканта (певцы или инструменталисты), то, как координируются различные части. Качество написания музыки обеспечивает высокий уровень сложности: например, фуги представляют собой замечательное сочетание ярко выраженных мелодических линий, переплетающихся в контрапункте , но создающих последовательную гармоническую логику . Использование письменных обозначений также сохраняет запись произведений и позволяет классическим музыкантам исполнять музыку много веков назад.
Хотя классическая музыка 2000-х годов утратила большую часть своих традиций музыкальной импровизации , от эпохи барокко до эпохи романтизма, есть примеры исполнителей, которые могли импровизировать в стиле своей эпохи. В эпоху барокко исполнители на органе импровизировали прелюдии , исполнители, играющие на клавишных инструментах , импровизировали аккорды из фигурных басовых символов под басовыми нотами партии бассо континуо, а как вокальные, так и инструментальные исполнители импровизировали музыкальные украшения . [95] Иоганн Себастьян Бах был особенно известен своими сложными импровизациями. [96] В классическую эпоху композитор-исполнитель Вольфганг Амадей Моцарт был известен своей способностью импровизировать мелодии в разных стилях. [97] В эпоху классической музыки некоторые солисты-виртуозы импровизировали каденционные части концерта. В эпоху романтизма Людвиг ван Бетховен импровизировал на фортепиано. [98]
Почти все композиторы, описанные в учебниках по классической музыке и произведения которых широко исполняются в рамках стандартного концертного репертуара, являются композиторами-мужчинами, хотя на протяжении всей истории классической музыки было немало женщин-композиторов . Музыковед Марсия Ситрон спросила: «Почему музыка, сочиненная женщинами, настолько маргинальна по отношению к стандартному «классическому» репертуару?» [99] Цитрон «исследует практики и взгляды, которые привели к исключению женщин-композиторов из принятого « канона » исполняемых музыкальных произведений». Она утверждает, что в 1800-х годах женщины-композиторы обычно писали авторские песни для исполнения на небольших концертах, а не симфонии, предназначенные для исполнения с оркестром в большом зале, причем последние произведения считались наиболее важным жанром для композиторов; поскольку женщины-композиторы написали не так много симфоний, их считали не выдающимися композиторами. [99] В «... Краткой оксфордской истории музыки » Клара С[c]хуманн — одна из единственных [ sic ] женщин-композиторов, упомянутых в ней». [100] Эбби Филипс заявляет, что «[в] течение 20-го века женщины, сочинявшие/игравшие, получали гораздо меньше внимания, чем их коллеги-мужчины». [100]
Исторически сложилось так, что крупные профессиональные оркестры в основном или полностью состояли из музыкантов-мужчин. Некоторые из первых случаев, когда женщин нанимали в профессиональные оркестры, были на должность арфистки . Венская филармония , например, не принимала женщин в постоянные члены до 1997 года, намного позже, чем другие оркестры, вошедшие в пятерку лучших в мире по версии Gramophone в 2008 году. [101] [n 14] Последний крупный оркестр, назначивший женщину постоянной должностью была Берлинская филармония . [105] Еще в феврале 1996 года главный флейтист Венской филармонии Дитер Флюри сказал Westdeutscher Rundfunk , что принятие женщин будет «азартной игрой с эмоциональным единством ( emotionelle Geschlossenheit ), которое этот организм в настоящее время имеет». [106] В апреле 1996 года пресс-секретарь оркестра писал, что «компенсация ожидаемых отпусков» по беременности и родам будет проблемой. [107]
В 2013 году в статье в Mother Jones говорилось, что, хотя «[м] во всех престижных оркестрах есть значительное количество женщин (женщин больше, чем мужчин в скрипичной секции Нью-Йоркской филармонии ), а также несколько известных ансамблей, включая Национальный симфонический оркестр , Детройтский симфонический оркестр. и Оркестром Миннесоты возглавляют женщины-скрипачки», секции контрабаса , духовых и ударных инструментов крупных оркестров «...по-прежнему преимущественно мужские». [108] В статье BBC 2014 года говорилось, что «...введение «слепых» прослушиваний , на которых будущий инструменталист выступает за ширмой, чтобы судейская коллегия не могла проявить никаких гендерных или расовых предрассудков, продемонстрировало гендерный баланс традиционно мужских Симфонические оркестры, в которых доминируют, постепенно меняются». [109]
Классическая музыка часто включала в себя элементы или материалы из популярной музыки того времени, когда писал композитор. Примеры включают случайную музыку, такую как использование Брамсом студенческих застольных песен в его « Увертюре к академическому фестивалю» , жанры, представленные в « Трехгрошовой опере» Курта Вейля , и влияние джаза на композиторов начала и середины 20-го века, включая Мориса Равеля , примером которого является часть под названием «Блюз» в его сонате для скрипки и фортепиано. [110] Некоторые постмодернистские , минималистские и постминималистические классические композиторы признают свою ответственность перед популярной музыкой. [111] [ не удалось проверить ]
Многочисленные примеры показывают влияние в противоположном направлении, включая популярные песни, основанные на классической музыке, которые используются в « Каноне Пахельбеля» с 1970-х годов, и феномен музыкального кроссовера , когда классические музыканты добились успеха на арене популярной музыки. [112] В хэви-метале ряд ведущих гитаристов (играющих на электрогитаре ), в том числе Ричи Блэкмор и Рэнди Роадс , [113] моделировали свои стили игры на инструментальной музыке эпохи барокко или классической эпохи. [114]
Композиторы классической музыки часто использовали народную музыку (музыку, созданную музыкантами, обычно не имеющими классического образования, часто основанную на чисто устной традиции). Некоторые композиторы, такие как Дворжак и Сметана , [115] использовали народные темы, чтобы придать своим произведениям националистический оттенок, в то время как другие, такие как Барток , использовали конкретные темы, целиком взятые из их народно-музыкального происхождения. [116] Хачатурян широко включил в свое творчество народную музыку своей родной Армении , а также других этнических групп Ближнего Востока и Восточной Европы. [117] [118]
.png/1280px-WQXR_CD_promotion_ad_(1986).png)
Определенные элементы классической музыки часто используются в коммерческих целях (в рекламе или в саундтреках к фильмам). В телевизионных рекламных роликах некоторые отрывки стали клише , в частности, вступительная часть « И говорил Заратустра » Рихарда Штрауса (прославившаяся благодаря фильму «2001: Космическая одиссея ») и вступительная часть « О Фортуна » из «Кармина Бурана » Карла Орфа ; другие примеры включают « Dies irae » из Реквиема Верди , « В зале горного короля » Эдварда Грига из оперы «Пер Гюнт» , вступительные такты Пятой симфонии Бетховена , « Танец с саблями » Арама Хачатуряна . , « Полёт валькирий » Вагнера из Die Walküre , « Полёт шмеля » Римского-Корсакова и отрывки из « Родео » Аарона Копленда . [ нужна цитация ] Несколько работ Золотого века анимации соответствовали действию классической музыки. Яркими примерами являются « Фантазия » Уолта Диснея , «Иоганн Маус » Тома и Джерри , «Севильский кролик » Warner Bros. и «Что такое опера, Док?»
Точно так же в кино и на телевидении часто используются стандартные, клишированные отрывки из классической музыки, чтобы передать утонченность или богатство: некоторые из наиболее часто слышимых произведений в этой категории включают Сюиту для виолончели № 1 Баха , Eine kleine Nachtmusik Моцарта , Вивальди » . « Времена года » , «Ночь на Лысой горе » Мусоргского (в оркестровке Римского-Корсакова) и « Увертюра к Вильгельму Теллю » Россини . Шон Ванкур утверждает, что коммерциализация классической музыки в 1920-х годах могла нанести вред музыкальной индустрии . [119]
В 1990-е годы в нескольких исследовательских работах и популярных книгах говорилось о так называемом « эффекте Моцарта »: наблюдаемом временном небольшом повышении баллов в тестах на пространственное мышление в результате прослушивания музыки Моцарта. Этот подход был популяризирован в книге Дона Кэмпбелла и основан на эксперименте, опубликованном в журнале Nature , согласно которому прослушивание Моцарта временно повысило IQ учащихся на 8–9 пунктов. [120] Эту популяризированную версию теории кратко выразил музыкальный обозреватель New York Times Алекс Росс : «Исследователи... определили, что прослушивание Моцарта на самом деле делает вас умнее». [121] Промоутеры продавали компакт-диски, утверждая, что они вызывают такой эффект. Флорида приняла закон, обязывающий малышей в государственных школах каждый день слушать классическую музыку, а в 1998 году губернатор Джорджии заложил в бюджет 105 000 долларов в год на обеспечение каждого ребенка, родившегося в Джорджии, кассетой или компакт-диском с классической музыкой. Один из соавторов оригинального исследования эффекта Моцарта прокомментировал: «Я не думаю, что это может навредить. Я за то, чтобы познакомить детей с прекрасным культурным опытом. Но я действительно думаю, что деньги можно было бы лучше потратить на музыкальное образование». программы». [122]
