Фильм , также называемый кинофильмом , движущейся картиной , фотографией , фотопьесой или флик — это произведение визуального искусства , которое имитирует переживания и иным образом передает идеи, истории, восприятия, эмоции или атмосферу посредством использования движущихся изображений, которые обычно сопровождаются звуком и (реже) другими сенсорными стимуляциями. [ 1] Слово «кино» является сокращением от слова « кинематография » и используется для обозначения либо кинопроизводства , либо киноиндустрии , либо общей формы искусства, либо кинотеатра .
Движущиеся изображения в фильме создаются путем фотографирования реальных сцен с помощью кинокамеры , путем фотографирования рисунков или миниатюрных моделей с использованием традиционных методов анимации , с помощью CGI и компьютерной анимации или путем сочетания некоторых или всех этих методов и других визуальных эффектов .
До внедрения цифрового производства серия неподвижных изображений записывалась на полосу химически сенсибилизированного целлулоида ( фотопленка ), обычно со скоростью 24 кадра в секунду. Изображения передаются через кинопроектор с той же скоростью, с которой они были записаны, с женевским приводом, гарантирующим, что каждый кадр остается неподвижным в течение короткого времени проецирования. Вращающийся затвор вызывает стробоскопические интервалы темноты, но зритель не замечает перерывов из-за слияния мерцаний . Видимое движение на экране является результатом того, что зрительное чувство не может различать отдельные изображения на высоких скоростях, поэтому впечатления от изображений смешиваются с темными интервалами и, таким образом, связываются вместе, создавая иллюзию одного движущегося изображения. Аналоговая оптическая звуковая дорожка (графическая запись произнесенных слов, музыки и других звуков ) проходит вдоль части фильма, зарезервированной исключительно для нее, и не проецируется.
Современные фильмы, как правило, полностью цифровые на протяжении всего процесса производства, распространения и показа.
Первоначально название «пленка» относилось к тонкому слою фотохимической эмульсии [2] на целлулоидной ленте, которая использовалась в качестве фактического носителя для записи и показа кинофильмов.
Существует много других терминов для обозначения отдельного фильма, включая «picture», «picture show», «moving picture», «photoplay» и «flick». Наиболее распространенным термином в Соединенных Штатах является «movie», в то время как в Европе предпочитают «film». Архаичные термины включают «animated pictures» и «animated photography».
«Flick» — это, в общем-то, жаргонный термин, впервые зафиксированный в 1926 году. Он происходит от глагола flicker, что связано с мерцающим внешним видом ранних фильмов. [3]
Общие термины для этой области, в целом, включают "большой экран", "фильмы", "серебряный экран" и "кино"; последний из них обычно используется как всеобъемлющий термин в научных текстах и критических эссе. В ранние годы слово "sheet" иногда использовалось вместо "screen".
Искусство кино опирается на несколько более ранних традиций в таких областях, как устное повествование , литература , театр и изобразительное искусство . Формы искусства и развлечений , которые уже включали движущиеся или проецируемые изображения, включают:
Принцип стробоскопической анимации был представлен в 1833 году вместе с стробоскопическим диском (более известным как фенакистикопа ) и позднее применялся в зоотропе (с 1866 года), перекидной книге (с 1868 года) и праксиноскопе (с 1877 года), прежде чем стал основным принципом кинематографии.
Эксперименты с ранними анимационными проекторами на основе фенакистикопа проводились по крайней мере еще в 1843 году и были публично показаны в 1847 году. Жюль Дюбоск занимался продажей проекционных систем на основе фенакистикопа во Франции примерно с 1853 года до 1890-х годов.
Фотография была представлена в 1839 году, но изначально фотографические эмульсии требовали таких длительных выдержек , что запись движущихся объектов казалась невозможной. По крайней мере, уже в 1844 году были созданы фотографические серии объектов, расположенных в разных положениях, чтобы либо предложить последовательность движения, либо документировать ряд различных углов обзора. Появление стереоскопической фотографии с ранними экспериментами в 1840-х годах и коммерческим успехом с начала 1850-х годов вызвало интерес к дополнению фотографической среды добавлением средств для фиксации цвета и движения. В 1849 году Жозеф Плато опубликовал идею объединить свое изобретение фенакистикопа со стереоскопом, как ему предложил изобретатель стереоскопа Чарльз Уитстон , и использовать фотографии гипсовых скульптур в разных положениях для анимации в комбинированном устройстве. В 1852 году Жюль Дюбоск запатентовал такой инструмент, как «Стереоскоп-фантаскоп, или Биоскоп», но он продавал его очень недолго, безуспешно. Один диск Bïoscope со стереоскопическими фотографиями машины находится в коллекции Plateau Гентского университета, но никаких инструментов или других дисков пока не обнаружено.
К концу 1850-х годов появились первые примеры мгновенной фотографии , которые дали надежду на то, что фотография движения скоро станет возможной, но потребовалось несколько десятилетий, прежде чем ее успешно объединили с методом записи серии последовательных изображений в реальном времени. В 1878 году Эдвард Мейбридж в конце концов сумел сделать серию фотографий бегущей лошади с помощью батареи камер, выстроенных в линию вдоль трассы, и опубликовал результаты под названием «Лошадь в движении» на карточках кабинета . Мейбридж, а также Этьен-Жюль Марей , Оттомар Аншютц и многие другие создадут еще множество хронофотографических исследований. Мейбридж начертил контуры десятков своих хронофотографических серий на стеклянных дисках и спроецировал их с помощью своего зоопраксископа на своих лекциях с 1880 по 1895 год.
Аншютц сделал свои первые мгновенные фотографии в 1881 году. В 1882 году он разработал портативную камеру, которая позволяла делать выдержки со скоростью всего 1/1000 секунды. Качество его снимков в целом считалось намного выше, чем у хронофотографических работ Мейбриджа и Этьена-Жюля Маре . [4] В 1886 году Аншютц разработал электротахоскоп , раннее устройство, которое отображало короткие циклы движущихся изображений с 24 фотографиями на стеклянных пластинах на вращающемся колесе шириной 1,5 метра, которое вручную приводилось в движение со скоростью около 30 кадров в секунду. Различные версии демонстрировались на многих международных выставках, ярмарках, конгрессах и игровых автоматах с 1887 по 1894 год. Начиная с 1891 года, около 152 экземпляров модели электротахископа с монетоприемником были изготовлены компанией Siemens & Halske в Берлине и продавались по всему миру. [5] [4] Около 34 000 человек заплатили, чтобы увидеть его в Берлинском выставочном парке летом 1892 года. Другие видели его в Лондоне или на Всемирной выставке в Чикаго в 1893 году . 25 ноября 1894 года Аншютц представил проектор электротахископа с экраном 6x8 метров в Берлине. В период с 22 февраля по 30 марта 1895 года около 7000 платных зрителей пришли посмотреть 1,5-часовое шоу из примерно 40 сцен в зале на 300 мест в старом здании Рейхстага в Берлине. [6]
Эмиль Рейно уже упоминал о возможности проецирования изображений Праксиноскопа в своей патентной заявке 1877 года. Он представил проекционное устройство праксиноскопа на Французском фотографическом обществе 4 июня 1880 года, но не продавал свой праксиноскоп в качестве проекции до 1882 года. Затем он усовершенствовал устройство в Théâtre Optique , который мог проецировать более длинные последовательности с отдельными фонами, запатентованный в 1888 году. Он создал несколько фильмов для машины, рисуя изображения на сотнях желатиновых пластин, которые были вмонтированы в картонные рамки и прикреплены к тканевой ленте. С 28 октября 1892 года по март 1900 года Рейно дал более 12 800 показов для более чем 500 000 посетителей в Музее Гревен в Париже.
К концу 1880-х годов появление длинной целлулоидной фотопленки и изобретение кинокамер , которые могли снимать быструю последовательность изображений, используя всего один объектив, позволило фиксировать и сохранять действие на одной компактной катушке пленки.
Фильмы изначально демонстрировались публично одному человеку за раз с помощью устройств «peep show», таких как Electrotachyscope , Kinetoscope и Mutoscope . Немного позже экспонентам удалось проецировать фильмы на большие экраны для театральной аудитории.
Первые публичные показы фильмов, на которые взималась плата, были проведены в 1895 году американцем Вудвиллом Латамом и его сыновьями, использовавшими фильмы, произведенные их компанией Eidoloscope , [7] братьями Складановски и — возможно, более известными — французскими братьями Огюстом и Луи Люмьер с десятью собственными постановками. [ необходима цитата ] Частные показы предшествовали этим на несколько месяцев, причем Латам показал их немного раньше остальных. [ необходима цитата ]
Самые ранние фильмы представляли собой просто один статичный кадр , показывающий событие или действие без монтажа или других кинематографических приемов . Типичные фильмы показывали сотрудников, выходящих из ворот фабрики, людей, идущих по улице, и вид спереди трамвая, движущегося по главной улице города. Согласно легенде, когда в фильме показывали локомотив, на большой скорости приближающийся к зрителям, зрители паниковали и выбегали из кинотеатра. На рубеже 20-го века фильмы начали связывать несколько сцен вместе, чтобы рассказать историю. (Кинематографисты, которые впервые поместили несколько кадров или сцен, обнаружили, что когда один кадр следует за другим, этот акт устанавливает связь между содержанием в отдельных кадрах в сознании зрителя. Именно эта связь делает возможным все повествование в кино. В простом примере, если человек показан смотрящим в окно, то что бы ни было показано в следующем кадре, это будет считаться видом, который видел человек.) Каждая сцена представляла собой один статичный кадр с действием, происходящим до него. Позже сцены были разбиты на несколько кадров, снятых с разных расстояний и углов. Другие приемы, такие как движение камеры, были разработаны как эффективные способы рассказать историю с помощью фильма. Пока звуковое кино не стало коммерчески практичным в конце 1920-х годов, кинофильмы были чисто визуальным искусством , но эти новаторские немые фильмы завоевали общественное воображение. Вместо того чтобы оставлять зрителей только с шумом проектора в качестве аккомпанемента, владельцы кинотеатров нанимали пианиста или органиста , а в крупных городских театрах — целый оркестр , чтобы играть музыку, которая соответствовала настроению фильма в любой момент. К началу 1920-х годов большинство фильмов поставлялись с готовым списком нот, которые использовались для этой цели, и для крупных постановок были написаны полные партитуры фильмов .
Подъем европейского кино был прерван началом Первой мировой войны , в то время как киноиндустрия в Соединенных Штатах процветала с подъемом Голливуда , наиболее ярким примером чего являются новаторские работы Д. У. Гриффита в фильмах «Рождение нации» (1915) и «Нетерпимость» (1916). Однако в 1920-х годах европейские режиссеры, такие как Эйзенштейн , Ф. В. Мурнау и Фриц Ланг , во многом вдохновленные стремительным прогрессом военного времени в кинематографе благодаря Гриффиту, а также вкладом Чарльза Чаплина , Бастера Китона и других, быстро догнали американское кинопроизводство и продолжили развивать эту среду.
В 1920-х годах развитие технологий электронной звукозаписи сделало возможным включение звуковой дорожки речи, музыки и звуковых эффектов, синхронизированных с действием на экране. [ требуется цитата ] Полученные звуковые фильмы изначально отличались от обычных немых «движущихся картин» или «фильмов», называя их «говорящими картинами» или «токио». [ требуется цитата ] Революция, которую они совершили, была быстрой. К 1930 году немое кино практически исчезло в США и уже называлось «старым средством массовой информации». [ требуется цитата ]
Эволюция звука в кино началась с идеи объединения движущихся изображений с существующей технологией фонографического звука. Ранние звуковые киносистемы, такие как кинетоскоп Томаса Эдисона и Vitaphone, используемые Warner Bros. , заложили основу для синхронизированного звука в кино. Система Vitaphone, созданная совместно с Bell Telephone Company и Western Electric , столкнулась с первоначальным сопротивлением из-за высоких затрат на оборудование, но звук в кино получил признание после таких фильмов, как «Дон Жуан» (1926) и «Певец джаза» (1927). [8]
Американские киностудии, в то время как Европа стандартизировала системы Tobis-Klangfilm и Tri-Ergon. Эта новая технология обеспечила большую текучесть в кино, что привело к появлению более сложных и эпических фильмов, таких как «Кинг-Конг» (1933). [9]
С появлением телевизионной угрозы в 1940-х и 1950-х годах киноиндустрии потребовались инновации, чтобы привлечь аудиторию. С точки зрения звуковых технологий это означало разработку объемного звука и более сложных аудиосистем, таких как семиканальная система Cinerama . Однако эти достижения требовали большого количества персонала для работы с оборудованием и поддержания качества звука в кинотеатрах. [9]
В 1966 году Dolby Laboratories представила систему шумоподавления Dolby A, которая стала стандартом в индустрии звукозаписи и устранила шипящий звук, связанный с более ранними попытками стандартизации. Dolby Stereo , революционная система объемного звучания, последовала за ней и позволила проектировщикам кинотеатров учитывать акустику при проектировании театров. Это нововведение позволило зрителям в небольших помещениях наслаждаться сравнимыми звуковыми впечатлениями с теми, что были в крупных городских театрах. [10]
Сегодня будущее звука в кино остается неопределенным, поскольку на его развитие могут влиять искусственный интеллект , ремастеринг звука и личный опыт просмотра. [11] [12] Однако очевидно, что эволюция звука в кино отмечена постоянными инновациями и желанием создать более захватывающие и увлекательные впечатления для зрителей.
Значительным технологическим достижением в области кино стало введение «естественного цвета», когда цвет был получен непосредственно с натуры посредством фотографии, а не вручную добавлялся к черно-белым отпечаткам с использованием таких методов, как ручная раскраска или трафаретная раскраска. [13] [14] Ранние цветовые процессы часто создавали цвета, которые казались далекими от «естественных». [15] В отличие от быстрого перехода от немого кино к звуковому, замена черно-белого на цветное происходила более постепенно. [16]
Решающим нововведением стала трехполосная версия процесса Technicolor, впервые использованная в анимационных мультфильмах в 1932 году. [17] [18] Позднее этот процесс был применен к короткометражным фильмам с живыми актерами, определенным эпизодам в художественных фильмах и, наконец, к полному художественному фильму «Бекки Шарп» в 1935 году. [19] Хотя процесс был дорогим, положительный отклик публики, о чем свидетельствует рост кассовых сборов, в целом оправдывал дополнительные затраты. [13] Следовательно, количество фильмов, снятых в цвете, постепенно увеличивалось из года в год. [20] [21]
В начале 1950-х годов распространение черно-белого телевидения начало серьезно снижать посещаемость кинотеатров в Северной Америке. [ требуется цитата ] В попытке заманить зрителей обратно в кинотеатры были установлены большие экраны, внедрены широкоэкранные процессы, поляризованная 3D-проекция и стереофонический звук , и больше фильмов снималось в цвете, что вскоре стало правилом, а не исключением. Некоторые важные мейнстримные голливудские фильмы все еще снимались в черно-белом цвете вплоть до середины 1960-х годов, но они ознаменовали конец эпохи. Цветные телевизионные приемники были доступны в США с середины 1950-х годов, но поначалу они были очень дорогими, и лишь немногие трансляции были цветными. В 1960-х годах цены постепенно снизились, цветные трансляции стали обычным явлением, а продажи резко возросли. Подавляющее общественное мнение в пользу цвета было очевидным. После того, как в середине десятилетия вышел последний шквал черно-белых фильмов, все голливудские студийные фильмы снимались в цвете, за исключением случаев, когда на этом настаивали «звездные» режиссеры, такие как Питер Богданович и Мартин Скорсезе . [ необходима цитата ]
Десятилетия после упадка студийной системы в 1960-х годах ознаменовались изменениями в производстве и стиле фильмов. Различные движения Новой волны (включая Французскую новую волну , Новую немецкую киноволну , Индийскую новую волну , Японскую новую волну , Новый Голливуд и Египетскую новую волну ) и рост числа независимых режиссеров, получивших образование в киношколах, способствовали изменениям, которые претерпела среда во второй половине 20-го века. Цифровые технологии были движущей силой изменений на протяжении 1990-х и в 2000-х годах. Цифровая 3D-проекция в значительной степени заменила более ранние, подверженные проблемам 3D-системы кино и стала популярной в начале 2010-х годов. [ необходима цитата ]
« Теория кино » стремится разработать краткие и систематические концепции, которые применимы к изучению фильма как искусства . Концепция фильма как формы искусства началась в 1911 году с манифеста Риччотто Канудо «Рождение шестого искусства» . Московская киношкола , старейшая киношкола в мире, была основана в 1919 году для того, чтобы преподавать и исследовать теорию кино. Формалистическая теория кино , возглавляемая Рудольфом Арнгеймом , Белой Балажем и Зигфридом Кракауэром , подчеркивала, как фильм отличается от реальности и, таким образом, может считаться действительным изящным искусством . Андре Базен выступил против этой теории, утверждая, что художественная сущность фильма заключается в его способности механически воспроизводить реальность, а не в его отличиях от реальности, и это дало начало реалистической теории . Более поздний анализ, вызванный психоанализом Жака Лакана и семиотикой Фердинанда де Соссюра , среди прочего, привел к появлению психоаналитической теории кино , структуралистской теории кино , феминистской теории кино и др. С другой стороны, критики из аналитической философской традиции, находящиеся под влиянием Витгенштейна , пытаются прояснить заблуждения, используемые в теоретических исследованиях, и провести анализ словаря фильма и его связи с формой жизни .
Считается, что у кино есть свой собственный язык . Джеймс Монако написал классический текст по теории кино под названием «Как читать фильм», в котором рассматривается этот вопрос. Режиссер Ингмар Бергман сказал: « Андрей Тарковский для меня величайший режиссер , тот, кто изобрел новый язык , верный природе кино, поскольку он захватывает жизнь как отражение, жизнь как сон». Примером языка является последовательность изображений вперед и назад левого профиля одного говорящего актера, за которым следует правый профиль другого говорящего актера, затем повторение этого, что является языком, понятным зрителям, чтобы обозначить разговор. Это описывает другую теорию кино, правило 180 градусов , как визуальное устройство повествования со способностью помещать зрителя в контекст психологического присутствия посредством использования визуальной композиции и монтажа. « Голливудский стиль » включает эту повествовательную теорию из-за подавляющей практики правила киностудиями, базирующимися в Голливуде, Калифорния, в классическую эпоху кино. Другим примером кинематографического языка является кадр, в котором крупный план делается на лбу актера с выражением молчаливого раздумья, а затем кадр с более молодым актером, который отдаленно напоминает первого актера, указывая на то, что первый человек вспоминает себя в прошлом, — монтаж композиций, вызывающий временной переход.
Монтаж — это метод редактирования фильмов, при котором отдельные части фильма выбираются, редактируются и собираются для создания нового раздела или последовательности в фильме. Этот метод может использоваться для передачи повествования или создания эмоционального или интеллектуального эффекта путем сопоставления различных кадров, часто с целью уплотнения времени, пространства или информации. Монтаж может включать флэшбэки , параллельное действие или взаимодействие различных визуальных элементов для улучшения повествования или создания символического значения . [22]
Понятие монтажа возникло в 1920-х годах, когда такие советские кинематографисты-новаторы, как Сергей Эйзенштейн и Лев Кулешов, разработали теорию монтажа. Фильм Эйзенштейна «Броненосец «Потемкин»» (1925) является ярким примером новаторского использования монтажа, где он использовал сложные сопоставления изображений для создания интуитивного воздействия на аудиторию. [23]
По мере развития искусства монтажа кинематографисты начали включать музыкальный и визуальный контрапункт, чтобы создать более динамичный и захватывающий опыт для зрителя. Развитие конструкции сцены посредством мизансцены , монтажа и спецэффектов привело к появлению более сложных методов, которые можно сравнить с теми, которые используются в опере и балете. [24]
Французское движение «Новая волна» конца 1950-х и 1960-х годов также приняло технику монтажа, и такие режиссеры, как Жан-Люк Годар и Франсуа Трюффо, использовали монтаж для создания отличительных и инновационных фильмов. Этот подход продолжает оказывать влияние на современный кинематограф, и режиссеры используют монтаж для создания запоминающихся эпизодов в своих фильмах. [25]
В современном кино монтаж продолжает играть важную роль в формировании повествования и создании эмоционального резонанса. Кинорежиссеры адаптировали традиционную технику монтажа, чтобы она соответствовала развивающейся эстетике и стилям повествования современного кино.
По мере того, как киноиндустрия продолжает развиваться, монтаж остается неотъемлемым аспектом визуального повествования, и кинематографисты находят новые и инновационные способы использования этого мощного приема.
Если фильм может пролить свет на жизнь других людей, живущих с нами на этой планете, и показать нам не только то, насколько они разные, но и то, что у них общие мечты и боли, то он заслуживает того, чтобы его называли великим.
— Роджер Эберт (1986) [30]
Кинокритика — это анализ и оценка фильмов. В целом, эти работы можно разделить на две категории: академическая критика киноведов и журналистская кинокритика, которая регулярно появляется в газетах и других средствах массовой информации. Кинокритики, работающие в газетах, журналах и вещательных СМИ, в основном рецензируют новые релизы. Обычно они видят любой фильм только один раз и имеют всего день или два, чтобы сформулировать свое мнение. Несмотря на это, критики оказывают важное влияние на реакцию аудитории и посещаемость фильмов, особенно определенных жанров . Массовые боевики , фильмы ужасов и комедии, как правило, не сильно зависят от общей оценки фильма критиками. Краткое содержание и описание фильма, а также оценка работы режиссера и сценаристов, которые составляют большую часть большинства обзоров фильмов, все еще могут иметь важное влияние на то, решат ли люди посмотреть фильм. Для престижных фильмов, таких как большинство драм и арт-хаусных фильмов , влияние обзоров важно. Плохие обзоры ведущих критиков в крупных газетах и журналах часто снижают интерес аудитории и посещаемость.
Влияние рецензента на кассовые сборы конкретного фильма является предметом споров. Некоторые обозреватели утверждают, что маркетинг фильмов в 2000-х годах был настолько интенсивным, хорошо скоординированным и хорошо финансируемым, что рецензенты не могли помешать плохо написанному или снятому блокбастеру достичь успеха на рынке. Однако катастрофический провал некоторых сильно разрекламированных фильмов, которые были подвергнуты резкой критике, а также неожиданный успех независимых фильмов, получивших высокую оценку критиков, указывают на то, что экстремальные критические реакции могут иметь значительное влияние. Другие обозреватели отмечают, что положительные рецензии на фильмы, как было показано, вызывают интерес к малоизвестным фильмам. И наоборот, было несколько фильмов, в которых кинокомпании были настолько мало уверены, что отказывались давать рецензентам предварительный просмотр, чтобы избежать повсеместной критики фильма. Однако это обычно имеет обратный эффект, поскольку рецензенты мудро относятся к этой тактике и предупреждают публику, что фильм может не заслуживать просмотра, и в результате фильмы часто оказываются плохими. Журналистов-кинокритиков иногда называют кинорецензентами. Критики, которые подходят к фильмам более академически, публикуясь в киножурналах и сочиняя книги о фильмах с использованием подходов теории кино или киноведения , изучают, как работают кино и методы съемок, и какое влияние они оказывают на людей. Вместо того, чтобы публиковать свои обзоры в газетах или появляться на телевидении, их статьи публикуются в научных журналах или престижных журналах. Они также, как правило, связаны с колледжами или университетами в качестве профессоров или инструкторов.
Производство и демонстрация кинофильмов стали источником прибыли почти сразу после изобретения этого процесса. Увидев, насколько успешным было их новое изобретение и его продукт в их родной Франции, Люмьеры быстро отправились в турне по континенту, чтобы демонстрировать первые фильмы в частном порядке королевской семье и публично массам. В каждой стране они обычно добавляли новые местные сцены в свой каталог и достаточно быстро находили местных предпринимателей в разных странах Европы, которые покупали их оборудование и фотографировали, экспортировали, импортировали и демонстрировали дополнительный продукт на коммерческой основе. « Страсти Христовы» в Обераммергау 1898 года [31] стали первым коммерческим кинофильмом, когда-либо произведенным. Вскоре последовали и другие картины, и кино превратилось в отдельную отрасль, затмившую мир водевиля. Были созданы специализированные театры и компании, специально предназначенные для производства и распространения фильмов, в то время как киноактеры стали крупными знаменитостями и получали огромные гонорары за свои выступления. К 1917 году у Чарли Чаплина был контракт, предусматривавший годовую зарплату в один миллион долларов. С 1931 по 1956 год кинопленка была единственной системой хранения и воспроизведения изображений для телевизионных программ до появления видеомагнитофонов .
В Соединенных Штатах большая часть киноиндустрии сосредоточена вокруг Голливуда, Калифорния . Другие региональные центры существуют во многих частях мира, например, сосредоточенный в Мумбаи Болливуд , индийская киноиндустрия на хинди , которая производит наибольшее количество фильмов в мире. [32] Хотя расходы, связанные с производством фильмов, привели к тому, что кинопроизводство сосредоточилось под эгидой киностудий , недавние достижения в области доступного оборудования для кинопроизводства позволили независимому кинопроизводству процветать.
Прибыль является ключевой силой в отрасли из-за дорогостоящего и рискованного характера кинопроизводства; многие фильмы имеют большой перерасход средств , примером чего является «Водный мир » Кевина Костнера . Тем не менее, многие режиссеры стремятся создавать работы, имеющие долгосрочное социальное значение. Премия «Оскар» (также известная как «Оскар») является самой важной кинопремией в Соединенных Штатах, ежегодно предоставляющей признание фильмам на основе их художественных достоинств. Существует также большая индустрия образовательных и обучающих фильмов, снятых вместо или в дополнение к лекциям и текстам. Доходы в отрасли иногда нестабильны из-за зависимости от блокбастеров, выпущенных в кинотеатрах . Рост альтернативных домашних развлечений поднял вопросы о будущем киноиндустрии, и занятость в Голливуде стала менее надежной, особенно для средне- и малобюджетных фильмов. [33]
Производные академические области изучения могут как взаимодействовать с кинопроизводством, так и развиваться независимо от него, как в теории и анализе кино. Были созданы области академического изучения, которые являются производными или зависят от существования кино, такие как кинокритика , история кино , подразделения пропаганды фильмов в авторитарных правительствах или психологические на подсознательных эффектах (например, мигающая банка газировки во время показа). Эти области могут в дальнейшем создавать производные области, такие как раздел обзоров фильмов в газете или телевизионном гиде. Подотрасли могут отделиться от кино, такие как производители попкорна и игрушки, связанные с фильмами (например, фигурки «Звездных войн» ). Подотрасли уже существующих отраслей могут иметь дело конкретно с кино, такие как размещение продукта и другая реклама в фильмах.
Терминология, используемая для описания кинофильмов, значительно различается в британском и американском английском . В британском использовании название средства массовой информации — film . Слово movie понятно, но используется редко. [34] [35] Кроме того, the pictures (множественное число) довольно часто используется для обозначения места, где демонстрируются фильмы; в американском английском это может называться the movies , но этот термин устаревает. В других странах место, где демонстрируются фильмы, может называться cinema или movie theatre .
Напротив, в Соединенных Штатах преобладающим термином для обозначения средства массовой информации является слово «фильм» . Хотя слова «фильм» и «кино» иногда используются взаимозаменяемо, слово «фильм» чаще используется при рассмотрении художественных , теоретических или технических аспектов. Термин «фильмы» чаще относится к развлекательным или коммерческим аспектам, например, куда пойти на свидание для веселого вечера. Например, книга под названием « Как понять фильм» будет, вероятно, посвящена эстетике или теории кино, в то время как книга под названием « Пойдем в кино» будет, вероятно, посвящена истории развлекательных фильмов и блокбастеров .
Дальнейшая терминология используется для различения различных форм и носителей, используемых в киноиндустрии. Кинофильмы и движущиеся изображения часто используются для обозначения фильмов и кинопродукции, специально предназначенных для театрального показа, например, «Звездные войны» . DVD , Blu-ray Disc и видеокассета — это видеоформаты, которые могут воспроизводить фотохимическую пленку. Воспроизведение, основанное на таком, называется переносом . После появления театрального фильма как отрасли, телевизионная индустрия начала использовать видеокассету в качестве носителя записи. В течение многих десятилетий лента была исключительно аналоговым носителем, на который можно было либо записывать, либо переносить движущиеся изображения. Фильм и киносъемка относятся к фотохимическому носителю, который химически записывает визуальное изображение, и к процессу записи соответственно. Однако процесс съемки изображений с помощью других визуальных носителей, например, цифровой камеры, по-прежнему называется киносъемкой , а полученные работы часто называют фильмами , поскольку они взаимозаменяемы с фильмами , несмотря на то, что они не были сняты на пленку. Немые фильмы не обязательно должны быть полностью немыми, но представляют собой фильмы и кинофильмы без слышимого диалога, включая те, которые имеют музыкальное сопровождение. Слово talkies относится к самым ранним звуковым фильмам, созданным для записи звукового диалога для воспроизведения вместе с фильмом, независимо от музыкального сопровождения. Кино либо в широком смысле охватывает как фильмы, так и кинофильмы, либо является синонимом кино и театральной выставки, и оба слова пишутся с заглавной буквы, когда речь идет о категории искусства. Silver screen относится к проекционному экрану, используемому для показа фильмов, и, в более широком смысле, также используется как метоним для всей киноиндустрии.
Широкоэкранный относится к большей ширине к высоте в кадре , по сравнению с более ранними историческими соотношениями сторон . [36] Полнометражный фильм , или художественный фильм , имеет обычную полную длину, обычно 60 минут или более, и может коммерчески стоять сам по себе без других фильмов в билетном показе. [37] Короткометражный фильм — это фильм, который не такой длинный, как полнометражный фильм, часто демонстрируется вместе с другими короткометражками или предшествует полнометражному фильму. Независимый фильм — это фильм, снятый вне традиционной киноиндустрии.
В американском использовании говорят о показе или проекции фильма или видео на экране в общественном или частном театре . В британском английском показ фильма происходит в кинотеатре (никогда в театре , который является совершенно другим средством и местом). [35] Кино обычно относится к арене, специально предназначенной для показа фильмов, где экран прикреплен к стене, в то время как театр обычно относится к месту, где живое, незаписанное действие или их комбинация происходят с подиума или другого типа сцены, включая амфитеатр. Театры по-прежнему могут показывать фильмы в них, хотя театр будет модернизирован для этого. Можно было бы предложить пойти в кино, имея в виду деятельность или иногда изображения в британском английском, тогда как выражение в США обычно идет в кино . Кинотеатр обычно показывает массовый фильм, используя процесс фронтальной проекции экрана либо с помощью кинопроектора, либо, в последнее время, с помощью цифрового проектора. Но кинотеатры также могут показывать театральные фильмы с домашних видеотрансляций, включая Blu-ray Disc, DVD и видеокассеты, когда они обладают достаточным качеством проекции или в зависимости от необходимости, например, фильмы, которые существуют только в перенесенном состоянии, что может быть связано с потерей или ухудшением качества мастер-пленки и копий, с которых изначально существовал фильм. Из-за появления цифрового кинопроизводства и распространения , физическая пленка может полностью отсутствовать.
Двойной показ — это показ двух независимо продаваемых, отдельных художественных фильмов. Просмотр — это просмотр фильма. Продажи и касса относятся к билетам, проданным в кинотеатре, или, в настоящее время, к правам, проданным на отдельные показы. Релиз — это распространение и часто одновременный показ фильма. Предварительный просмотр — это показ перед основным релизом.
У любого фильма также может быть сиквел , который изображает события, следующие за событиями в фильме. Невеста Франкенштейна является ранним примером. Когда существует больше одного фильма с теми же персонажами, сюжетными линиями или темами, эти фильмы становятся серией , например, серия о Джеймсе Бонде . Существование вне определенной временной шкалы истории обычно не исключает фильм из того, чтобы быть частью серии. Фильм, который изображает события, происходящие ранее во временной шкале с событиями в другом фильме, но выпущенный после этого фильма, иногда называют приквелом , примером является Butch and Sundance: The Early Days .
Титры или финальные титры — это список, в котором упоминаются люди, участвовавшие в создании фильма. Фильмы до 1970-х годов обычно начинаются с титров, часто заканчиваясь только титрами с надписью «Конец» или каким-либо эквивалентом, часто эквивалентом, который зависит от языка производства. [ требуется ссылка ] С этого момента титры фильма обычно появляются в конце большинства фильмов. Однако фильмы с титрами, которые заканчивают фильм, часто повторяют некоторые титры в начале фильма или около него и поэтому появляются дважды, например, главные актеры этого фильма, в то время как реже некоторые, появляющиеся около или в начале, появляются только там, а не в конце, что часто случается с титрами режиссера. Титры, появляющиеся в начале фильма или около него, обычно называются титрами или начальными титрами . Сцена после титров — это сцена, показанная после окончания титров. В фильме «Выходной день Ферриса Бьюллера» есть сцена после титров, в которой Феррис говорит зрителям, что фильм окончен и им пора идти домой.
Актерский состав фильма относится к совокупности актеров и актрис, которые появляются, или играют главную роль , в фильме. Звезда — это актер или актриса, часто популярный, и во многих случаях знаменитость , которая играет центрального персонажа в фильме. Иногда это слово может также использоваться для обозначения известности других членов съемочной группы, таких как режиссер или другая личность, например, Мартин Скорсезе . Съемочная группа обычно интерпретируется как люди, участвующие в физическом построении фильма за пределами участия актеров, и она может включать режиссеров, монтажеров, фотографов, операторов, осветителей, декораторов, реквизиторов и художников по костюмам. Человек может быть как частью актерского состава, так и съемочной группы фильма, например, Вуди Аллен , который был режиссером и сыграл главную роль в фильме «Хватай деньги и беги» .
Киноман , кинозритель или киноман — это человек, который любит или часто посещает фильмы и кинофильмы, и любой из них, хотя чаще последнее, может также считать себя учеником фильмов и кино или кинематографического процесса. Интенсивный интерес к фильмам, теории кино и кинокритике известен как синефилия . Кинолюбитель известен как синефил или синеастер .
Предварительный показ относится к показу фильма избранной аудитории, обычно в целях корпоративного продвижения, перед самой публичной премьерой фильма. Предварительные просмотры иногда используются для оценки реакции аудитории, которая, если она неожиданно отрицательная, может привести к перемонтажу или даже повторной съемке определенных разделов на основе реакции аудитории . Одним из примеров фильма, который был изменен после отрицательного отклика от тестового показа, является «Первая кровь» 1982 года . После того, как тестовая аудитория очень негативно отреагировала на смерть главного героя Джона Рэмбо , ветерана Вьетнама , в конце фильма, компания написала и пересняла новую концовку, в которой персонаж выживает. [38]
Трейлеры или анонсы — это реклама фильмов, которые будут показаны в кинотеатре через 1–3 месяца. На заре кинематографа, когда в кинотеатрах было всего один или два экрана, показывались только определенные трейлеры к фильмам, которые там собирались показывать. Позже, когда в кинотеатрах добавили больше экранов или построили новые кинотеатры с большим количеством экранов, показывались все разные трейлеры, даже если в этом кинотеатре не собирались показывать этот фильм. Киностудии поняли, что чем больше трейлеров будет показано (даже если его не будут показывать в этом конкретном кинотеатре), тем больше зрителей пойдут в другой кинотеатр, чтобы посмотреть фильм, когда он выйдет. Термин « трейлер» происходит от того, что изначально их показывали в конце кинопрограммы. Такая практика просуществовала недолго, потому что зрители, как правило, уходили из кинотеатра после окончания фильмов, но название прижилось. Теперь трейлеры показывают перед началом фильма (или «фильма А» в двухсерийной программе). Трейлеры к фильмам также распространены на DVD и Blu-ray дисках, а также в Интернете и на мобильных устройствах. Трейлеры создаются, чтобы быть интересными и захватывающими для зрителей. В результате, в эпоху Интернета зрители часто ищут трейлеры, чтобы посмотреть их. Из десяти миллиардов видеороликов, просмотренных онлайн ежегодно в 2008 году, трейлеры к фильмам заняли третье место после новостей и созданных пользователями видеороликов. [39] Тизер — это гораздо более короткий анонс или реклама, которая длится всего 10–30 секунд. Тизеры используются, чтобы заинтересовать зрителей фильмом, который выйдет в ближайшие шесть–двенадцать месяцев. Тизеры могут быть созданы даже до завершения производства фильма.
Фильмы — это культурные артефакты, созданные определенными культурами , способствующие межкультурному диалогу. Они считаются важной формой искусства, которая обеспечивает развлечение и историческую ценность, часто визуально документируя период времени. Визуальная основа средства массовой информации придает ему универсальную силу коммуникации, часто расширяемую за счет использования дубляжа или субтитров для перевода диалога на другие языки. [42] Простое наблюдение места в фильме связано с более высоким уровнем туризма в этом месте, демонстрируя, насколько мощной может быть суггестивная природа средства массовой информации. [43]
Фильм используется для различных целей, включая образование и пропаганду, благодаря своей способности эффективно вести межкультурный диалог. Когда цель в первую очередь образовательная, фильм называется « образовательным фильмом ». Примерами являются записи академических лекций и экспериментов или фильм, основанный на классическом романе. Фильм может быть пропагандистским , полностью или частично, например, фильмы, снятые Лени Рифеншталь в нацистской Германии, трейлеры к американским военным фильмам во время Второй мировой войны или художественные фильмы, снятые при Сталине Сергеем Эйзенштейном . Они также могут быть произведениями политического протеста, как в фильмах Анджея Вайды , или, что более тонко, фильмы Андрея Тарковского . Один и тот же фильм может считаться одними образовательным, а другими пропагандистским, поскольку категоризация фильма может быть субъективной.
По своей сути, средства создания фильма зависят от содержания, которое режиссер хочет показать, и от аппарата для его демонстрации: зоотропу требуется всего лишь серия изображений на полоске бумаги. Таким образом, для производства фильма может потребоваться всего один человек с камерой (или даже без камеры, как в фильме Стэна Брэкиджа 1963 года «Мотылёк »), или тысячи актёров, статистов и членов съёмочной группы для полнометражного эпоса с живыми актёрами. Необходимые шаги для почти любого фильма можно свести к концепции, планированию, исполнению, доработке и распространению. Чем сложнее производство, тем значительнее становится каждый из шагов. В типичном производственном цикле фильма в голливудском стиле эти основные этапы определяются как разработка , предварительная подготовка , производство , пост-продакшн и распространение .
Этот производственный цикл обычно занимает три года. Первый год занимает разработка . Второй год включает в себя предпроизводство и производство . Третий год — постпроизводство и распространение . Чем больше производство, тем больше ресурсов оно требует, и тем важнее становится финансирование ; большинство художественных фильмов являются художественными произведениями с точки зрения создателей (например, режиссера , оператора , сценариста ) и коммерческих предприятий для производственных компаний.
Съемочная группа — это группа людей, нанятых кинокомпанией на этапе «производства» или «фотосъемки» с целью производства фильма или кинокартины. Съемочная группа отличается от актеров , которые появляются перед камерой или озвучивают персонажей в фильме. Съемочная группа взаимодействует с производственным персоналом , но также отличается от него , состоящего из продюсеров, менеджеров, представителей компании, их помощников и тех, чья основная ответственность приходится на этапы до или после производства, таких как сценаристы и монтажеры . Коммуникация между производством и съемочной группой обычно осуществляется через режиссера и его/ее штат помощников. Средние и большие съемочные группы обычно делятся на отделы с четко определенными иерархиями и стандартами взаимодействия и сотрудничества между отделами. Помимо актерской работы, съемочная группа занимается всем на этапе фотографии: реквизитом и костюмами, съемкой, звуком, электрикой (т. е. светом), декорациями и производственными спецэффектами. Поставщики провизии (известные в киноиндустрии как «услуги ремесла») обычно не считаются частью съемочной группы.
Кинопленка состоит из прозрачной целлулоидной , ацетатной или полиэфирной основы , покрытой эмульсией, содержащей светочувствительные химикаты. Нитрат целлюлозы был первым типом основы пленки, используемой для записи кинофильмов, но из-за своей воспламеняемости был в конечном итоге заменен более безопасными материалами. Ширина пленки и формат пленки для изображений на катушке имеют богатую историю, хотя большинство крупных коммерческих фильмов по-прежнему снимаются (и распространяются в кинотеатрах) в виде 35-миллиметровых отпечатков. Первоначально кинопленка снималась и проецировалась с различной скоростью с помощью ручных камер и проекторов ; хотя 1000 кадров в минуту (16 2/3 кадр/с) обычно упоминается как стандартная скорость немого видео, исследования показывают, что большинство фильмов снимались со скоростью от 16 до 23 кадров/с и проецировались со скоростью от 18 кадров/с и выше (часто катушки включали инструкции о том, как быстро должна демонстрироваться каждая сцена). [44] Когда в конце 1920-х годов появилось синхронизированное звуковое кино , для звуковой головки требовалась постоянная скорость. Было выбрано значение 24 кадра в секунду, поскольку это была самая медленная (и, следовательно, самая дешевая) скорость, которая обеспечивала достаточное качество звука. [45] Стандарт был установлен с фильмом Warner Bros. The Jazz Singer и их системой Vitaphone в 1927 году. [46] [47] Улучшения с конца 19 века включают механизацию камер, позволяющую им записывать с постоянной скоростью, бесшумную конструкцию камеры, позволяющую использовать записанный на съемочной площадке звук без необходимости использования больших «дирижаблей» для покрытия камеры, изобретение более сложных пленок и объективов , позволяющих режиссерам снимать в условиях все более слабого освещения, и разработку синхронизированного звука, позволяющего записывать звук с той же скоростью, что и соответствующее действие. Звуковая дорожка может быть записана отдельно от съемки фильма, но для фильмов с живыми актерами многие части звуковой дорожки обычно записываются одновременно.
Как средство, пленка не ограничивается кинофильмами, поскольку технология развилась как основа для фотографии . Ее можно использовать для представления прогрессивной последовательности неподвижных изображений в виде слайд-шоу. Пленка также была включена в мультимедийные презентации и часто имеет значение как первичная историческая документация. Однако исторические фильмы имеют проблемы с точки зрения сохранения и хранения, и киноиндустрия изучает множество альтернатив. Большинство пленок на основе нитрата целлюлозы были скопированы на современные безопасные пленки. Некоторые студии сохраняют цветные пленки с помощью мастер-разделителей : трех черно-белых негативов, каждый из которых экспонирован через красный, зеленый или синий фильтры (по сути, обратный процесс Technicolor ). Цифровые методы также использовались для восстановления пленок, хотя их постоянный цикл устаревания делает их (по состоянию на 2006 год) плохим выбором для долгосрочного сохранения. Сохранение пленки из разрушающегося киноматериала является предметом беспокойства как для историков кино и архивистов, так и для компаний, заинтересованных в сохранении своей существующей продукции, чтобы сделать ее доступной для будущих поколений (и тем самым увеличить доход). Сохранность, как правило, вызывает большую озабоченность в отношении нитратных и однополосных цветных пленок из-за их высокой скорости распада; черно-белые пленки на безопасных основах и цветные пленки, сохраненные на отпечатках Technicolor, как правило, сохраняются гораздо лучше при условии надлежащего обращения и хранения.
Некоторые фильмы в последние десятилетия были записаны с использованием аналоговой видеотехнологии, похожей на ту, что используется в телевизионном производстве . Современные цифровые видеокамеры и цифровые проекторы также набирают популярность. Эти подходы предпочитают некоторые кинематографисты, особенно потому, что кадры, снятые с помощью цифрового кино, можно оценивать и редактировать с помощью систем нелинейного монтажа (NLE), не дожидаясь обработки кинопленки. Переход был постепенным, и по состоянию на 2005 год большинство крупных кинофильмов все еще снимались на пленку. [ требуется обновление ]
Независимое кинопроизводство часто происходит за пределами Голливуда или других крупных студийных систем . Независимый фильм (или инди-фильм) — это фильм, изначально снятый без финансирования или распространения со стороны крупной киностудии . Творческие, деловые и технологические причины способствовали росту инди-киносцены в конце 20-го и начале 21-го века. С деловой стороны, стоимость высокобюджетных студийных фильмов также приводит к консервативному выбору актеров и съемочной группы. В Голливуде наблюдается тенденция к совместному финансированию (более двух третей фильмов, выпущенных Warner Bros. в 2000 году, были совместными предприятиями, по сравнению с 10% в 1987 году). [48] Подающему надежды режиссеру почти никогда не предоставляется возможность получить работу в высокобюджетном студийном фильме, если у него или нее нет значительного опыта работы в кино или на телевидении. Кроме того, студии редко выпускают фильмы с неизвестными актерами, особенно в главных ролях.
До появления цифровых альтернатив стоимость профессионального кинооборудования и материалов также была препятствием для возможности производить, режиссировать или сниматься в традиционных студийных фильмах. Но появление потребительских камкордеров в 1985 году и, что еще важнее, появление цифрового видео высокого разрешения в начале 1990-х годов значительно снизили технологический барьер для кинопроизводства. Стоимость как производства, так и постпроизводства была значительно снижена; в 2000-х годах оборудование и программное обеспечение для постпроизводства можно было установить на персональный компьютер на основе потребительских товаров . Такие технологии, как DVD , соединения FireWire и широкий спектр профессионального и потребительского программного обеспечения для редактирования видео, делают кинопроизводство относительно доступным.
С момента внедрения технологии цифрового видео DV средства производства стали более демократичными. Кинорежиссеры, вероятно, могут снимать фильм на цифровую видеокамеру и монтировать фильм, создавать и монтировать звук и музыку, а также микшировать окончательный монтаж на высокопроизводительном домашнем компьютере. Однако, хотя средства производства могут быть демократизированы, финансирование, распространение и маркетинг по-прежнему труднодостижимы вне традиционной системы. Большинство независимых кинематографистов полагаются на кинофестивали , чтобы их фильмы заметили и продали для распространения. Появление интернет-видеосайтов, таких как YouTube и Veoh, еще больше изменило ландшафт кинопроизводства, позволив независимым кинематографистам сделать свои фильмы доступными для публики.
Фильм с открытым контентом во многом похож на независимый фильм, но он производится посредством открытого сотрудничества; его исходный материал доступен по лицензии , которая достаточно разрешительна, чтобы позволить другим сторонам создавать фанфики или производные работы, а не традиционное авторское право. Как и независимое кинопроизводство, кинопроизводство с открытым исходным кодом происходит за пределами Голливуда и других крупных студийных систем . Например, фильм Balloon был основан на реальном событии во время Холодной войны . [49]
Фан-фильм — это фильм или видео, вдохновлённое фильмом, телепрограммой , комиксом или аналогичным источником, созданное фанатами , а не владельцами авторских прав или создателями источника. Фан-фильммейкеры традиционно были любителями , но некоторые из самых известных фильмов на самом деле были сняты профессиональными кинематографистами в качестве проектов для занятий в киношколах или в качестве демонстрационных роликов. Фан-фильмы сильно различаются по длине: от коротких фальшивых тизерных трейлеров для несуществующих фильмов до более редких полнометражных фильмов.
Кинопрокат — это процесс, посредством которого фильм становится доступным для просмотра зрителями . Обычно это задача профессионального кинопрокатчика , который определяет маркетинговую стратегию фильма, средства массовой информации, с помощью которых фильм будет демонстрироваться или предоставляться для просмотра, и может устанавливать дату выпуска и другие вопросы. Фильм может быть показан непосредственно публике либо через кинотеатр (исторически основной способ распространения фильмов), либо по телевидению для личного домашнего просмотра (в том числе на DVD-Video или Blu-ray Disc , видео по запросу , онлайн- загрузка , телевизионные программы через вещательную синдикацию и т. д.). Другие способы распространения фильма включают прокат или личную покупку фильма на различных носителях и в различных форматах, таких как кассета VHS или DVD , или загрузку через Интернет или потоковую передачу с помощью компьютера.
Анимация — это техника, при которой каждый кадр фильма создается индивидуально, будь то сгенерированный в виде компьютерной графики, фотографирование нарисованного изображения или многократное внесение небольших изменений в модельную единицу (см. пластилиновую анимацию и покадровую съемку ), а затем фотографирование результата специальной анимационной камерой . Когда кадры нанизываются вместе и полученный фильм просматривается со скоростью 16 или более кадров в секунду, возникает иллюзия непрерывного движения (из-за феномена фи ). Создание такого фильма очень трудоемко и утомительно, хотя развитие компьютерной анимации значительно ускорило этот процесс. Поскольку анимация занимает очень много времени и часто очень дорога в производстве, большая часть анимации для телевидения и фильмов поступает из профессиональных анимационных студий. Однако область независимой анимации существует по крайней мере с 1950-х годов, причем анимация производится независимыми студиями (а иногда и одним человеком). Несколько независимых продюсеров анимации перешли в профессиональную индустрию анимации.
Ограниченная анимация — это способ увеличения производства и снижения затрат на анимацию за счет использования «сокращений» в процессе анимации. Этот метод был впервые предложен UPA и популяризирован Hanna-Barbera в Соединенных Штатах и Osamu Tezuka в Японии, а также адаптирован другими студиями по мере того, как мультфильмы переходили из кинотеатров на телевидение . [50] Хотя большинство анимационных студий теперь используют цифровые технологии в своих постановках, существует определенный стиль анимации, который зависит от пленки. Анимация без камеры, прославившаяся такими режиссерами, как Norman McLaren , Len Lye и Stan Brakhage , рисуется и рисуется непосредственно на кусках пленки, а затем пропускается через проектор.
{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
Определения из Викисловаря
Медиа из Commons
Новости из Викиновостей
Цитаты из Викицитатника
Тексты из Викиресурса
Учебники из Wikibooks
Ресурсы из Викиверситета