Живопись — это изобразительное искусство , которое характеризуется практикой нанесения краски , пигмента , цвета или другого средства на твёрдую поверхность (называемую «матрицей» [1] или « подложкой »). [2] Средство обычно наносится на основу кистью , но могут использоваться и другие инструменты, такие как ножи, губки и аэрографы . Того, кто создаёт картины, называют художником .
В искусстве термин «живопись» описывает как действие, так и результат действия (окончательная работа называется «живопись»). Основой для картин являются такие поверхности, как стены, бумага, холст, дерево, стекло, лак , керамика, лист , медь и бетон , а сама картина может включать в себя множество других материалов, включая песок, глину , бумагу, гипс , листовое золото и даже целые объекты.
Живопись является важной формой визуального искусства , включающей такие элементы, как рисунок , композиция , жест , повествование и абстракция . [3] Картины могут быть натуралистическими и репрезентативными (как в натюрморте и пейзажной живописи ), фотографическими , абстрактными, повествовательными, символистскими (как в символистском искусстве ), эмоциональными (как в экспрессионизме ) или политическими по своей природе (как в артивизме ).
Часть истории живописи как в восточном, так и в западном искусстве доминирует религиозное искусство . Примеры этого вида живописи варьируются от произведений искусства, изображающих мифологические фигуры на керамике , до библейских сцен на потолке Сикстинской капеллы , сцен из жизни Будды (или других изображений восточного религиозного происхождения ).
Древнейшие известные картины имеют возраст около 40 000 лет и были найдены как во Франко-Кантабрийском регионе в Западной Европе, так и в пещерах в районе Марос ( Сулавеси , Индонезия ). Однако в ноябре 2018 года ученые сообщили об обнаружении старейшей на тот момент известной фигуративной художественной картины возрастом более 40 000 (возможно, даже 52 000) лет, изображающей неизвестное животное, в пещере Лубанг Джериджи Салех на индонезийском острове Борнео ( Калимантан ) . [4] [5] В декабре 2019 года фигуративные наскальные рисунки, изображающие охоту на свиней в карсте Марос-Пангкеп в Сулавеси, были оценены как еще более древние, по крайней мере, 43 900 лет. Находка была отмечена как «старейшая изобразительная запись повествования и самое раннее образное произведение искусства в мире». [6] [7] Совсем недавно, в 2021 году, было сообщено о пещерном искусстве свиньи, найденном на индонезийском острове и датируемом более чем 45 500 лет назад. [8] [9] Однако самые ранние свидетельства акта живописи были обнаружены в двух скальных убежищах в Арнем-Ленде , на севере Австралии. В самом нижнем слое материала на этих участках находятся использованные куски охры, возраст которых оценивается в 60 000 лет. Археологи также нашли фрагмент наскальной живописи, сохранившийся в известняковом скальном убежище в регионе Кимберли на северо-западе Австралии, возраст которого составляет 40 000 лет. [10] Примеры наскальной живописи есть по всему миру — в Индонезии , Франции , Испании , Португалии , Италии , Китае , Индии , Австралии , Мексике и т. д . [11] В западных культурах масляная живопись и акварельная живопись имеют богатые и сложные традиции по стилю и тематике. На Востоке чернила и цветные чернила исторически были основными средствами печати, имея столь же богатые и сложные традиции.
Изобретение фотографии оказало большое влияние на живопись. В течение десятилетий после того, как в 1829 году была сделана первая фотография , фотографические процессы усовершенствовались и стали более широко применяться, лишив живопись большей части ее исторической цели — обеспечить точную запись наблюдаемого мира. Ряд художественных течений в конце 19-го и начале 20-го веков — в частности, импрессионизм , постимпрессионизм , фовизм , экспрессионизм , кубизм и дадаизм — бросили вызов ренессансному взгляду на мир. Восточная и африканская живопись, однако, продолжили долгую историю стилизации и не претерпели эквивалентной трансформации в то же время. [ необходима цитата ]
Современное искусство отошло от исторической ценности ремесла и документации в пользу концепции . Это не помешало большинству ныне живущих художников продолжать заниматься живописью как целиком, так и в качестве части своей работы. Жизнеспособность и многогранность живописи в 21 веке бросают вызов предыдущим «декларациям» о ее упадке. В эпоху, характеризующуюся идеей плюрализма , нет единого мнения относительно репрезентативного стиля эпохи. Художники продолжают создавать важные произведения искусства в самых разных стилях и эстетических темпераментах — их достоинства оставлены на суд публики и рынка.
Феминистское художественное движение [12] началось в 1960-х годах во время второй волны феминизма. Движение стремилось добиться равных прав и равных возможностей для женщин-художниц на международном уровне.
Цвет , состоящий из оттенка , насыщенности и значения , рассеянный по поверхности, является сущностью живописи, так же как высота тона и ритм являются сущностью музыки . Цвет очень субъективен, но имеет наблюдаемые психологические эффекты, хотя они могут отличаться в разных культурах. Черный цвет ассоциируется с трауром на Западе, но на Востоке белый. Некоторые художники, теоретики, писатели и ученые, включая Гете , [13], Кандинского , [14] и Ньютона , [15], написали свою собственную теорию цвета .
Более того, использование языка является лишь абстракцией для эквивалента цвета. Слово « красный », например, может охватывать широкий диапазон вариаций чистого красного видимого спектра света. Не существует формализованного регистра различных цветов, подобно тому, как существует соглашение о различных нотах в музыке, таких как F или C♯ . Для художника цвет не просто делится на основные (первичные) и производные (дополнительные или смешанные) цвета (например, красный, синий, зеленый, коричневый и т. д.).
Художники практически имеют дело с пигментами , [16] поэтому « синий » для художника может быть любым из синих: фталоцианиновый синий , берлинская лазурь , индиго , кобальтовый синий , ультрамарин и так далее. Психологические и символические значения цвета, строго говоря, не являются средствами живописи. Цвета только дополняют потенциальный, производный контекст значений, и из-за этого восприятие картины весьма субъективно. Аналогия с музыкой довольно ясна — звук в музыке (например, нота C) аналогичен «свету» в живописи, «оттенки» — динамике , а «окрашивание» — живописи, как определенный тембр музыкальных инструментов — музыке. Эти элементы не обязательно образуют мелодию (в музыке) сами по себе; скорее, они могут добавлять к ней различные контексты.
Современные художники значительно расширили практику живописи, включив, например, коллаж , который начался с кубизма и не является живописью в строгом смысле этого слова. Некоторые современные художники используют различные материалы, такие как металл, пластик, песок , цемент , солома , листья или дерево для своей текстуры. Примерами этого являются работы Жана Дюбюффе и Ансельма Кифера . Растет сообщество художников, которые используют компьютеры для «рисования» цветом на цифровом «холсте» с помощью таких программ, как Adobe Photoshop , Corel Painter и многих других. При необходимости эти изображения можно распечатать на традиционном холсте.
,_oil_on_canvas,_73_x_54_cm_DSC05359...jpg/1280px-Jean_Metzinger,_1906,_La_dance_(Bacchante),_oil_on_canvas,_73_x_54_cm_DSC05359...jpg)
Мозаичная дивизионистская техника Жана Метценже имела свою параллель в литературе; она характерна для союза писателей -символистов и художников-неоимпрессионистов:
Я требую от разделенной кисти не объективной передачи света, а переливов и определенных аспектов цвета, все еще чуждых живописи. Я создаю своего рода хроматическое стихосложение, а для слогов я использую штрихи, которые, будучи изменчивы по количеству, не могут отличаться по размеру, не изменяя ритма живописной фразеологии, призванной передавать разнообразные эмоции, вызываемые природой. (Жан Метценже, ок. 1907 г. ) [17]
Ритм , для таких художников, как Пит Мондриан , [18] [19] важен в живописи, как и в музыке. Если определить ритм как «паузу, включенную в последовательность», то в картинах может быть ритм. Эти паузы позволяют творческой силе вмешиваться и добавлять новые творения — форму, мелодию, окраску. Распределение формы или любого вида информации имеет решающее значение в данном произведении искусства, и оно напрямую влияет на эстетическую ценность этого произведения. Это происходит потому, что эстетическая ценность зависит от функциональности, т. е. свобода (движения) восприятия воспринимается как красота. Свободный поток энергии, как в искусстве, так и в других формах « технэ », напрямую способствует эстетической ценности. [18]
Музыка была важна для рождения абстрактного искусства , поскольку музыка абстрактна по своей природе — она не пытается представлять внешний мир, но выражает непосредственным образом внутренние чувства души. Василий Кандинский часто использовал музыкальные термины для обозначения своих работ; он называл свои самые спонтанные картины «импровизациями» и описывал более сложные работы как «композиции». Кандинский предположил, что «музыка — это высший учитель» [20] , и впоследствии приступил к первым семи из своих десяти композиций . Слыша тоны и аккорды во время рисования, Кандинский предположил, что (например), желтый — это цвет средней ноты «до» на медной трубе; черный — цвет завершения и конца вещей; и что комбинации цветов производят вибрационные частоты, сродни аккордам, сыгранным на фортепиано. В 1871 году молодой Кандинский научился играть на фортепиано и виолончели. [21] [22] Сценография Кандинского для постановки « Картинок с выставки» Мусоргского иллюстрирует его «синестетическую» концепцию всеобщего соответствия форм, цветов и музыкальных звуков. [23]
Музыка определяет большую часть модернистской абстрактной живописи. Джексон Поллок подчеркивает этот интерес в своей картине 1950 года «Осенний ритм (номер 30)» . [24]
Эстетика — это изучение искусства и красоты ; это был важный вопрос для философов 18-го и 19-го веков, таких как Кант и Гегель . Классические философы, такие как Платон и Аристотель, также теоретизировали об искусстве и живописи в частности. Платон игнорировал художников (а также скульпторов) в своей философской системе; он утверждал, что живопись не может изображать истину — она является копией реальности (тенью мира идей) и является не чем иным, как ремеслом , подобным сапожному делу или литью чугуна. [25] Ко времени Леонардо живопись стала более близким представлением истины, чем живопись в Древней Греции . Леонардо да Винчи , напротив, сказал, что « итальянский : La Pittura è cosa mentale » («английский: живопись — это дело ума »). [26] Кант различал Красоту и Возвышенное , в терминах, которые явно отдавали приоритет первому. [ необходима цитата ] Хотя он не имел в виду конкретно живопись, эта концепция была подхвачена такими художниками, как Дж. М. У. Тёрнер и Каспар Давид Фридрих .
Гегель осознавал несостоятельность достижения универсальной концепции красоты и в своем эстетическом эссе писал, что живопись является одним из трех «романтических» искусств, наряду с поэзией и музыкой , из-за ее символического , высоко интеллектуального назначения. [27] [28] Среди художников, которые написали теоретические работы о живописи, были Кандинский и Пауль Клее . [29] [30] В своем эссе Кандинский утверждает, что живопись имеет духовную ценность, и он связывает основные цвета с основными чувствами или концепциями, что уже пытались сделать Гете и другие писатели.
Иконография — это изучение содержания картин, а не их стиля. Эрвин Панофски и другие историки искусства сначала стремятся понять изображенные вещи, прежде чем рассматривать их значение для зрителя в то время, и, наконец, анализируют их более широкое культурное, религиозное и социальное значение. [31]
В 1890 году парижский художник Морис Дени заявил: «Помните, что картина — прежде чем стать боевым конем, обнаженной женщиной или какой-то историей — по сути, представляет собой плоскую поверхность, покрытую цветами, собранными в определенном порядке». [32] Таким образом, многие разработки в живописи 20-го века, такие как кубизм , были размышлениями о средствах живописи, а не о внешнем мире — природе — который ранее был ее основным предметом. Недавний вклад в размышления о живописи был предложен художником и писателем Джулианом Беллом. В своей книге « Что такое живопись? » Белл обсуждает развитие на протяжении истории представления о том, что картины могут выражать чувства и идеи. [33] В «Зеркале мира» Белл пишет:
Произведение искусства стремится удерживать ваше внимание и удерживать его на одном месте: история искусства подталкивает его вперед, прокладывая шоссе через дома воображения. [34]
Различные типы красок обычно идентифицируются по среде, в которой находится или внедряется пигмент, что определяет общие рабочие характеристики краски, такие как вязкость , смешиваемость , растворимость , время высыхания и т. д.
Энкаустическая живопись , также известная как живопись горячим воском, подразумевает использование нагретого пчелиного воска , к которому добавляются цветные пигменты. Затем жидкость/паста наносится на поверхность — обычно подготовленное дерево, хотя часто используются холст и другие материалы. Простейшая энкаустическая смесь может быть приготовлена путем добавления пигментов к пчелиному воску, но есть несколько других рецептов, которые можно использовать — некоторые из них содержат другие типы воска , дамара , льняного масла или других ингредиентов. Чистые порошкообразные пигменты можно купить и использовать, хотя в некоторых смесях используются масляные краски или другие формы пигмента. Металлические инструменты и специальные кисти можно использовать для придания краске формы до ее остывания, или нагретые металлические инструменты можно использовать для обработки воска после того, как он остынет на поверхности. Другие материалы можно заключать в оболочку или коллажировать на поверхности или накладывать слоями, используя энкаустическую среду для приклеивания ее к поверхности.
Эта техника была обычной для древнегреческой и древнеримской панно, а также использовалась в восточно-православной иконописи .
.jpg/1280px-John_Martin_-_Manfred_on_the_Jungfrau_(1837).jpg)
Акварель — это метод живописи, при котором краски изготавливаются из пигментов, взвешенных в водорастворимом носителе. Традиционной и наиболее распространенной основой для акварельной живописи является бумага; другие основы включают папирус , кору, пластик, велен или кожу , ткань , дерево и холст . В Восточной Азии акварельная живопись чернилами называется живописью кистью или живописью свитками. В китайской , корейской и японской живописи она была доминирующей средой, часто в монохромных черных или коричневых тонах. Индия, Эфиопия и другие страны также имеют давние традиции. Рисование пальцами акварельными красками зародилось в Китае . Существуют различные типы акварелей, используемые художниками. Вот некоторые примеры: акварельные краски в панелях, жидкая акварель, акварельные ручки-кисти и акварельные карандаши . Акварельные карандаши (водорастворимые цветные карандаши) можно использовать как влажными, так и сухими.
Гуашь — это краска на водной основе, состоящая из пигмента и других материалов, предназначенная для использования в методе непрозрачной живописи. Гуашь отличается от акварели тем, что частицы крупнее, соотношение пигмента к воде намного выше, а также присутствует дополнительный, инертный, белый пигмент, такой как мел . Это делает гуашь более тяжелой и непрозрачной, с большими отражающими свойствами. Как и все водные среды, она разбавляется водой. [35] Гуашь была популярной краской, используемой египтянами, [36] Такие художники, как Франсуа Буше, использовали эту среду. Эту краску лучше всего наносить собольими кистями.
Керамическая глазурь Глазурь обычно известна как предварительно расплавленное жидкое стекло. Эту глазурь можно окунать или наносить кистью. Эта глазурь выглядит меловой, и между начальным и конечным результатом существует огромная разница. Для активации глазурованную керамику необходимо поместить в печь для обжига. Это расплавляет кварцевое стекло в глазури и превращает ее в яркую глянцевую версию самой себя. [37] [38]
Картины тушью выполняются с помощью жидкости, содержащей пигменты или красители , и используются для окрашивания поверхности с целью создания изображения, текста или дизайна . Чернила используются для рисования ручкой , кистью или пером . Чернила могут быть сложным средством, состоящим из растворителей , пигментов, красителей, смол , смазок , солюбилизаторов, поверхностно-активных веществ , твердых частиц , флуоресцентов и других материалов. Компоненты чернил служат многим целям; носитель чернил, красители и другие добавки контролируют текучесть и густоту чернил, а также их внешний вид после высыхания.
Эмали изготавливаются путем окрашивания подложки, как правило, металла, порошкообразным стеклом; минералы, называемые цветными оксидами, обеспечивают окраску. После обжига при температуре 750–850 градусов по Цельсию (1380–1560 градусов по Фаренгейту) получается сплавленная ламинация стекла и металла. В отличие от большинства методов окраски, поверхность можно обрабатывать и смачивать Эмали традиционно использовались для украшения драгоценных предметов, [39] но также использовались для других целей. Лиможская эмаль была ведущим центром эмалевой живописи эпохи Возрождения с небольшими религиозными и мифологическими сценами в декорированном окружении, на табличках или предметах, таких как соли или шкатулки. В 18 веке эмалевая живопись пользовалась популярностью в Европе, особенно как средство для портретных миниатюр . [40] В конце 20 века техника фарфоровой эмали на металле использовалась в качестве долговечного средства для наружных фресок. [41]
Темпера , также известная как яичная темпера, является постоянным, быстросохнущим средством для живописи, состоящим из цветного пигмента, смешанного с водорастворимым связующим средством (обычно это клейкий материал, такой как яичный желток или какой-либо другой клеевой состав ). Темперой также называют картины, выполненные в этой среде. Картины, выполненные темперой, очень долговечны, и примеры из первых веков нашей эры все еще существуют. Яичная темпера была основным методом живописи до 1500 года, когда она была заменена изобретением масляной живописи . Краска, обычно называемая темперой (хотя это не так), состоящая из пигмента и клеевого состава, широко используется и упоминается некоторыми производителями в Америке как плакатная краска .
Фреска — это любой из нескольких родственных видов настенной живописи, выполненной на штукатурке на стенах или потолках. Слово фреска происходит от итальянского слова affresco [afˈfresːko] , которое происходит от латинского слова, означающего «свежий» . Фрески часто создавались в эпоху Возрождения и в другие ранние периоды времени. Техника buon fresco заключается в живописи пигментом, смешанным с водой, на тонком слое влажного свежего известкового раствора или штукатурки , для чего используется итальянское слово intonaco , означающее «штукатурка». Живопись secco , напротив, выполняется на сухой штукатурке ( secco по-итальянски означает «сухой»). Пигментам требуется связующее вещество, такое как яйцо ( tempera ), клей или масло , чтобы прикрепить пигмент к стене.
Масляная живопись — это процесс рисования пигментами , которые связаны с основой из высыхающего масла , например, льняного масла , макового масла , которое широко использовалось в Европе раннего Нового времени. Часто масло кипятили со смолой, например, сосновой смолой или даже ладаном ; их называли «лаками» и ценили за их плотность и блеск. Масляная краска в конечном итоге стала основным средством, используемым для создания произведений искусства, поскольку ее преимущества стали широко известны. Переход начался с ранней нидерландской живописи в Северной Европе, и к расцвету эпохи Возрождения методы масляной живописи почти полностью вытеснили темперные краски в большей части Европы.
Пастель — это средство для живописи в форме палочки, состоящее из чистого порошкообразного пигмента и связующего вещества. [42] Пигменты, используемые в пастели, те же самые, что и для производства всех цветных художественных средств, включая масляные краски ; связующее вещество имеет нейтральный оттенок и низкую насыщенность . Цветовой эффект пастели ближе к натуральным сухим пигментам, чем к эффекту любого другого процесса. [43] Поскольку поверхность пастельной картины хрупкая и легко размазывается, ее сохранение требует защитных мер, таких как обрамление под стеклом; ее также можно опрыскивать фиксатором . Тем не менее, если она сделана с использованием постоянных пигментов и за ней правильно ухаживать, пастельная картина может оставаться неизменной в течение столетий. Пастель не подвержена, как картины, выполненные с использованием жидкой среды, растрескиванию и обесцвечиванию, которые возникают из-за изменений цвета, непрозрачности или размеров среды по мере ее высыхания.
Акриловая краска — это быстросохнущая краска, содержащая суспензию пигмента в акриловой полимерной эмульсии . Акриловые краски можно разбавлять водой, но они становятся водостойкими после высыхания. В зависимости от того, насколько краска разбавлена (водой) или модифицирована акриловыми гелями, средами или пастами, готовая акриловая картина может напоминать акварель или масляную картину или иметь свои собственные уникальные характеристики, недостижимые с другими средами. Главное практическое различие между большинством акриловых и масляных красок — это присущее им время высыхания. [44] Масла дают больше времени для смешивания цветов и нанесения равномерных глазурей на подложки. Этот аспект медленного высыхания масла можно рассматривать как преимущество для определенных техник, но он также может препятствовать способности художника работать быстро. Другое отличие заключается в том, что акварелью нужно рисовать на пористой поверхности, в первую очередь на акварельной бумаге. Акриловые краски можно использовать на самых разных поверхностях. [44] [45] Как акрил, так и акварель легко смываются водой. Акриловую краску следует смывать мылом и водой сразу после использования. Акварельную краску можно смывать просто водой. [46] [47] [48]
Между 1946 и 1949 годами Леонард Бокур и Сэм Голден изобрели акриловую краску на основе раствора под торговой маркой Magna paint . Это были краски на основе минерального спирта . Акриловые краски на водной основе впоследствии продавались как латексные краски для дома. [49] В 1963 году Джордж Роуни (часть Daler-Rowney с 1983 года) был первым производителем, представившим акриловые краски для художников в Европе под торговой маркой «Cryla». [50] Акриловые краски являются наиболее распространенными красками, используемыми в граттаж , сюрреалистической технике, которая начала использоваться с появлением этого типа краски. Акриловые краски используются для этой цели, потому что они легко соскабливаются или отслаиваются от поверхности. [51]
Аэрозольная краска (также называемая распыляемой краской) [52] — это тип краски, которая поставляется в герметичном баллоне под давлением и выпускается в виде мелкодисперсного тумана при нажатии кнопки клапана . Форма распылительной окраски , аэрозольная краска оставляет гладкую, равномерно покрытую поверхность. Баллончики стандартного размера портативны, недороги и удобны в хранении. Аэрозольную грунтовку можно наносить непосредственно на голый металл и многие виды пластика.
Скорость, портативность и долговечность также делают аэрозольную краску распространенным средством граффити . В конце 1970-х годов подписи и фрески уличных граффити-райтеров стали более сложными, и уникальный стиль развился как фактор аэрозольной среды и скорости, необходимой для незаконной работы. Многие теперь признают граффити и уличное искусство уникальной формой искусства, и для граффити-художников производятся специально изготовленные аэрозольные краски. Трафарет защищает поверхность, за исключением конкретной формы, которую нужно нарисовать. Трафареты можно приобрести в виде подвижных букв, заказать в виде профессионально вырезанных логотипов или вырезать вручную художниками.
Водорастворимые масляные краски (также называемые «водорастворимыми» или «смешиваемыми с водой») — это современный вид масляной краски, разработанный для разбавления и очистки водой [53] [54] вместо использования химикатов, таких как скипидар . Его можно смешивать и наносить, используя те же методы, что и традиционную масляную краску, но пока он еще влажный, его можно эффективно удалить с кистей, палитр и тряпок обычным мылом и водой. Его растворимость в воде обусловлена использованием масляной среды , в которой один конец молекулы был изменен для свободной связи с молекулами воды, как в растворе .
Рисование песком — это искусство насыпания цветного песка и порошкообразных пигментов из минералов или кристаллов, а также пигментов из других природных или синтетических источников на поверхность для создания фиксированной или незафиксированной песчаной картины.
Цифровая живопись — это метод создания арт-объекта (картины) в цифровом виде или техника создания цифрового искусства на компьютере. Как метод создания арт-объекта, он адаптирует традиционную среду для рисования, такую как акриловая краска , масло , чернила , акварель и т. д., и наносит пигмент на традиционные носители, такие как тканое полотно, бумага, полиэстер и т. д. с помощью программного обеспечения, управляющего промышленными роботами или офисной техникой (принтерами). Как техника, он относится к программе компьютерной графики , которая использует виртуальный холст и виртуальный ящик для рисования с кистями, красками и другими принадлежностями. Виртуальный ящик содержит множество инструментов, которые не существуют вне компьютера, и которые придают цифровому произведению искусства другой вид и ощущение от произведения искусства, созданного традиционным способом. Кроме того, цифровая живопись не является «компьютерным» искусством, поскольку компьютер не создает автоматически изображения на экране с помощью некоторых математических вычислений. С другой стороны, художник использует свою собственную технику рисования для создания определенной работы на компьютере. [55]
Другое - Непослушные методы живописи. Живопись не ограничивается одним методом над другим. Такие художники, как Энди Уорхол, исследовали пределы живописи. Энди Уорхол использовал окисление [56] , когда рисовал холсты, разложенные на земле. Затем он просил своих помощников и друзей мочиться на еще влажную [57] краску, чтобы наблюдать видимые изменения, которые произойдут.
Менструальная живопись Другие интересные средства живописи помогли женщинам и менструирующим людям обрести свободу и независимость от своих тел. Кровь менструальных периодов использовалась для рисования изображений по всему миру на протяжении столетий. [58] Сара Мейпл, современная художница, использовала свою менструальную кровь для создания портретов, чтобы помочь стереть табу, покрывающее тему менструаций.
Стиль используется в двух смыслах: он может относиться к отличительным визуальным элементам, приемам и методам, которые характеризуют работу отдельного художника. Он также может относиться к движению или школе, с которой связан художник. Это может происходить от реальной группы, в которую художник был сознательно вовлечен, или это может быть категория, в которую историки искусства поместили художника. Слово «стиль» в последнем смысле вышло из моды в академических дискуссиях о современной живописи, хотя оно продолжает использоваться в популярных контекстах. Такие движения или классификации включают следующее:
Модернизм описывает как набор культурных тенденций, так и ряд связанных с ними культурных движений , изначально возникших из широкомасштабных и далеко идущих изменений в западном обществе в конце 19-го и начале 20-го века. Модернизм был восстанием против консервативных ценностей реализма . [59] [60] Термин охватывает деятельность и продукцию тех, кто считал, что «традиционные» формы искусства, архитектуры, литературы, религиозной веры, социальной организации и повседневной жизни устаревают в новых экономических, социальных и политических условиях зарождающегося полностью индустриального мира. Характерной чертой модернизма является самосознание. Это часто приводило к экспериментам с формой и работе, которая привлекает внимание к используемым процессам и материалам (и к дальнейшей тенденции абстракции). [61]
Первым примером модернизма в живописи был импрессионизм , школа живописи, которая изначально сосредоточилась на работе, выполненной не в студиях, а на открытом воздухе ( на пленэре ). Картины импрессионистов показали, что люди видят не предметы, а сам свет. Школа собрала приверженцев, несмотря на внутренние разногласия среди ее ведущих практиков, и стала все более влиятельной. Первоначально отвергнутые самой важной коммерческой выставкой того времени, спонсируемым правительством Парижским салоном , импрессионисты организовывали ежегодные групповые выставки на коммерческих площадках в 1870-х и 1880-х годах, приурочивая их к официальному Салону. Значимым событием 1863 года стал Салон отверженных , созданный императором Наполеоном III для показа всех картин, отклоненных Парижским салоном.
Абстрактная живопись использует визуальный язык формы, цвета и линии для создания композиции, которая может существовать с некоторой степенью независимости от визуальных ссылок в мире. [62] [63] Абстрактный экспрессионизм был американским послевоенным художественным движением , которое сочетало эмоциональную интенсивность и самоотречение немецких экспрессионистов с антифигуративной эстетикой европейских абстрактных школ, таких как футуризм , Баухаус и кубизм , а также образ мятежного, анархичного, крайне своеобразного и, по мнению некоторых, нигилистического существа. [64]
Живопись действия , иногда называемая жестовой абстракцией , — это стиль живописи, в котором краска спонтанно капает, разбрызгивается или размазывается по холсту, а не аккуратно наносится. [65] Полученная работа часто подчеркивает физический акт самой живописи как существенный аспект законченной работы или заботы ее художника. Стиль был широко распространен с 1940-х до начала 1960-х годов и тесно связан с абстрактным экспрессионизмом (некоторые критики использовали термины «живопись действия» и «абстрактный экспрессионизм» как взаимозаменяемые).
Другие модернистские стили включают в себя:
Термин «аутсайдерское искусство» был придуман художественным критиком Роджером Кардиналом в 1972 году как английский синоним art brut ( фр. [aʁ bʁyt] , «сырое искусство» или «грубое искусство»), ярлыка, созданного французским художником Жаном Дюбюффе для описания искусства, созданного за пределами официальной культуры; Дюбюффе сосредоточился в частности на искусстве заключенных психиатрических лечебниц . [66] Аутсайдерское искусство стало успешной категорией маркетинга искусства (ежегодная ярмарка искусства аутсайдеров проводится в Нью-Йорке с 1992 года). Иногда этот термин неправильно применяется как всеобъемлющий маркетинговый ярлык для искусства, созданного людьми, находящимися за пределами основного «мира искусства», независимо от их обстоятельств или содержания их работ.
Фотореализм — жанр живописи, основанный на использовании камеры и фотографий для сбора информации, а затем на основе этой информации, создания картины, которая выглядит очень реалистично, как фотография . Термин в основном применяется к картинам из художественного движения США , которое началось в конце 1960-х и начале 1970-х годов. Как полноценное художественное движение, фотореализм развился из поп-арта [67] [68] [69] и как противовес абстрактному экспрессионизму .
Гиперреализм — жанр живописи и скульптуры, напоминающий фотографию высокого разрешения . Гиперреализм — это полноценная школа искусства , и его можно считать развитием фотореализма по методам, используемым для создания получающихся картин или скульптур. Термин в основном применяется к независимому художественному движению и стилю в США и Европе, которые развивались с начала 2000-х годов. [70]
Сюрреализм — культурное движение, которое началось в начале 1920-х годов и наиболее известно художественной и литературной продукцией тех, кто связан с движением сюрреалистов . Сюрреалистические произведения искусства содержат элемент неожиданности, сверхъестественного, бессознательного, неожиданных сопоставлений и нелогичности ; однако многие художники и писатели-сюрреалисты рассматривают свои работы прежде всего как выражение философского движения, а сами работы — как артефакт. Лидер Андре Бретон был недвусмыслен в своем утверждении, что сюрреализм был прежде всего революционным движением.
Сюрреализм развился из деятельности дадаистов в годы Первой мировой войны , и важнейшим центром движения был Париж . Начиная с 1920-х годов движение распространилось по всему миру, в конечном итоге оказав влияние на изобразительное искусство , литературу , кино и музыку многих стран, а также на политическую мысль и практику, философию и социальную теорию .
Миниатюрные картины были основной формой живописи в доколониальной Индии. Они были выполнены на специальной бумаге (известной как васли) с использованием минеральных и натуральных красок. Миниатюрная живопись — это не один стиль, а группа из нескольких стилей школ живописи, таких как могольская, пахарская, раджастханская, фирменная и т. д.
Миниатюрная живопись Моголов — особый стиль Южной Азии , в частности Северной Индии (точнее, современной Индии и Пакистана), живопись, ограниченная миниатюрами либо как книжными иллюстрациями, либо как отдельными работами, которые хранились в альбомах ( muraqqa ). Она возникла [71] из персидской миниатюрной живописи (которая сама по себе частично китайского происхождения ) и развивалась при дворе Империи Великих Моголов в XVI-XVIII веках. Живопись Моголов сразу же проявила гораздо больший интерес к реалистичной портретной живописи, чем это было типично для персидских миниатюр. Животные и растения были основными темами многих миниатюр для альбомов и были изображены более реалистично. [72] [73] [74]
Раджастханская живопись развивалась и процветала в королевских дворах Раджпутаны [75] на севере Индии, в основном в 17 веке. Художники, обучавшиеся в традициях могольской миниатюры, были разбросаны по
императорский двор Моголов, и разработали стили, также черпая вдохновение из местных традиций живописи, особенно тех, которые иллюстрируют санскритские эпосы, Махабхарату и Рамаяну . Темы были разными, но портреты правящей семьи, часто занятые охотой или их повседневной деятельностью, были в целом популярны, как и повествовательные сцены из эпосов или индуистской мифологии , а также некоторые жанровые сцены пейзажей и людей. [76] [77] Холмы Пенджаба или живопись Пахари , основными подстилями которой были Кангра, Гуллер, Башоли. Живопись Кангра - это изобразительное искусство Кангры , названное в честь Кангры , Химачал-Прадеш , бывшего княжеского государства , которое покровительствовало искусству. Оно стало распространенным с угасанием школы живописи Басоли в середине 18 века. [78] [79] Основная тема живописи Кангры - Шрингар (эротическое чувство). Сюжеты картин Кангры отражают вкус и черты образа жизни общества того периода. [80] Художники заимствовали темы из любовной поэзии Джаядевы и Кешава Даса, которые восторженно писали о любви Радхи и Кришны , а движущей силой была Бхакти . [81] [82]
_cropped.jpg/1280px-Khan_Bahadur_Khan_with_men_of_his_clan_(6125079998)_cropped.jpg)
Стиль компании — это термин для гибридного индоевропейского стиля картин, созданных в Индии индийскими художниками, многие из которых работали для европейских покровителей в Британской Ост-Индской компании или других иностранных компаниях в 18 и 19 веках. [83] Три различных стиля живописи компании возникли в трех британских центрах власти — Дели , Калькутте и Мадрасе . Тематика картин компании, созданных для западных покровителей, часто была документальной, а не творческой, и, как следствие, индийские художники были обязаны принять более натуралистический подход к живописи, чем это было традиционно принято. [84] [85]
Другими известными стилями миниатюрной живописи Индии являются сикхский и деканский .
Картины пичваи — это картины на ткани, обычно изображающие истории из жизни Господа Кришны. [86] Они были сделаны в большом формате и часто использовались в качестве фона для главного идола в храмах или домах. Картины пичваи были сделаны и все еще делаются в основном в Раджастхане, Индия. Однако очень немногие были сделаны в регионе Декан, но они чрезвычайно редки. Целью пичваи, помимо художественной привлекательности, является повествование историй о Кришне неграмотным. Храмы имеют наборы с различными изображениями, которые меняются в соответствии с календарем фестивалей, прославляющих божество . [87]
Паттачитра — это общий термин для традиционной тканевой свитковой живописи, которая базируется в восточноиндийских штатах Одиша и Западная Бенгалия . [88] Традиция живописи Паттачитра тесно связана с поклонением Господу Джаганнатхе в Одише. [89] Тематика Паттачитры ограничена религиозными темами. Художественная форма Патачитра известна своими сложными деталями, а также мифологическими повествованиями и народными сказками, вписанными в нее. Все цвета, используемые в картинах, являются натуральными, и картины выполнены полностью старым традиционным способом Читракарасом, то есть художником Одии. Стиль живописи Паттачитра — одна из старейших и самых популярных форм искусства Одиши . Патачитра — это компонент древнего бенгальского повествовательного искусства, изначально служивший визуальным приемом во время исполнения песни. [90] [91] [92]
Искусство Мадхубани — это стиль индийской живописи , практикуемый в регионе Митхила в Индии и Непале. Стиль характеризуется сложными геометрическими узорами, эти картины известны тем, что представляют ритуальное содержание, используемое для особых случаев, таких как фестивали, религиозные ритуалы и т. д. [93]
Варли — еще одна форма народного племенного искусства Индии.
Бенгальская школа [94] была художественным направлением и стилем индийской живописи , которая возникла в Бенгалии , в первую очередь в Калькутте и Шантиникетане , и процветала по всему индийскому субконтиненту во время британского владычества в начале 20 века. [95] Бенгальская школа возникла как авангардное и националистическое движение, выступающее против академических стилей искусства , ранее продвигаемых в Индии как индийскими художниками, такими как Раджа Рави Варма, так и в британских художественных школах. Школа хотела создать особый индийский стиль, который прославлял бы коренное культурное наследие. В попытке отвергнуть колониальную эстетику Абаниндранат Тагор также обратился к Китаю и Японии с намерением продвигать паназиатскую эстетику и включил элементы из дальневосточного искусства, такие как японская техника стирки . [96] [97] [98]
.jpg/1280px-Bodeg%C3%B3n_de_recipientes_(Zurbar%C3%A1n).jpg)
Аллегория — это образный способ представления, передающий смысл, отличный от буквального. Аллегория передает свое сообщение посредством символических фигур, действий или символического представления. Аллегория обычно рассматривается как риторическая фигура , но аллегория не обязательно должна быть выражена в языке : она может быть адресована глазу и часто встречается в реалистической живописи. Примером простой визуальной аллегории является изображение мрачного жнеца . Зрители понимают, что изображение мрачного жнеца является символическим представлением смерти.
.jpg/1280px-Reza_Abbasi_-_Two_Lovers_(1630).jpg)
В испанском искусстве бодегон — это натюрморт , изображающий предметы из кладовой , такие как еда, дичь и напитки, часто расположенные на простой каменной плите, а также картина с одной или несколькими фигурами, но значительными элементами натюрморта, обычно расположенная на кухне или в таверне. Начиная с эпохи барокко , такие картины стали популярны в Испании во второй четверти XVII века. Традиция натюрморта, по-видимому, зародилась и была гораздо более популярна в современных Нидерландах , сегодня Бельгия и Нидерланды (тогда фламандские и голландские художники), чем когда-либо в Южной Европе . Северные натюрморты имели много поджанров: часть завтрака была дополнена trompe-l'œil , цветочным букетом и vanitas . В Испании было гораздо меньше покровителей для такого рода вещей, но тип части завтрака стал популярным, показывая несколько предметов еды и столовых приборов, разложенных на столе.
Фигурная живопись — это произведение искусства, выполненное в любой из живописных техник, где основным объектом является человеческая фигура, одетая или обнажённая . Фигурная живопись может также относиться к деятельности по созданию такой работы. Человеческая фигура была одним из контрастных предметов искусства со времён первых пещерных рисунков каменного века и на протяжении всей истории переосмысливалась в различных стилях. [100] Некоторые художники, хорошо известные фигурной живописью, — Питер Пауль Рубенс , Эдгар Дега и Эдуард Мане .
Иллюстрационные картины используются в качестве иллюстраций в книгах, журналах, театральных или киноплакатах и комиксах. Сегодня растет интерес к коллекционированию и восхищению оригинальными произведениями искусства. Различные музейные выставки, журналы и художественные галереи посвятили место иллюстраторам прошлого. В мире визуального искусства иллюстраторы иногда считались менее важными по сравнению с прекрасными художниками и графическими дизайнерами . Но в результате роста индустрии компьютерных игр и комиксов иллюстрации стали цениться как популярные и прибыльные произведения искусства, которые могут приобрести более широкий рынок, чем два других, особенно в Корее , Японии, Гонконге и Соединенных Штатах.
Иллюстрации средневековых кодексов были известны как иллюстрированные , и были индивидуально нарисованы и раскрашены вручную. С изобретением печатного станка в 15 веке книги стали более широко распространены и часто иллюстрировались гравюрами на дереве . [101] [102] В Америке это привело к «золотому веку иллюстрации» с периода до 1880-х годов до начала 20 века. Небольшая группа иллюстраторов добилась большого успеха, а созданные ими образы считались портретом американских устремлений того времени. [103] Среди самых известных иллюстраторов того периода были NC Wyeth и Howard Pyle из Brandywine School , James Montgomery Flagg , Elizabeth Shippen Green , JC Leyendecker , Violet Oakley , Maxfield Parrish , Jessie Willcox Smith и John Rea Neill . Во Франции в 1905 году Современное книжное общество поручило Полю Жуву проиллюстрировать «Книгу джунглей» Редьярда Киплинга . Поль Жув посвятит десять лет 130 иллюстрациям этой книги, которая останется одним из шедевров библиофилии. [104]
Пейзажная живопись — это термин, который охватывает изображение природных пейзажей, таких как горы, долины, деревья, реки, озера и леса, и особенно искусство, где основным предметом является широкий вид, с его элементами, организованными в связную композицию. В других работах пейзажные фоны для фигур все еще могут составлять важную часть работы. Небо почти всегда включено в вид, а погода часто является элементом композиции. Подробные пейзажи как отдельный предмет встречаются не во всех художественных традициях и развиваются, когда уже есть сложная традиция представления других предметов. Две основные традиции берут начало в западной живописи и китайском искусстве , насчитывая в обоих случаях более тысячи лет.
Портретные картины — это изображения человека, в которых преобладает лицо и его выражение. Цель состоит в том, чтобы показать сходство, личность и даже настроение человека. Искусство портрета процветало в древнегреческой и особенно римской скульптуре , где модели требовали индивидуальных и реалистичных портретов, даже нелестных. Одним из самых известных портретов в западном мире является картина Леонардо да Винчи под названием «Мона Лиза» , которая, как полагают, является портретом Лизы Герардини , жены Франческо дель Джокондо. [107]
Уорхол был одним из самых плодовитых портретистов 20-го века. Картина Уорхола «Оранжевый снимок Мэрилин» с изображением Мэрилин Монро является ранним знаковым примером его творчества 1960-х годов, а «Оранжевый принц» (1984) с изображением поп-певца Принса — более поздним примером, обе демонстрируют уникальный графический стиль Уорхола в портретной живописи. [108] [109] [110]
Натюрморт — это произведение искусства , изображающее в основном неодушевлённые предметы, как правило, обычные объекты, которые могут быть как естественными (еда, цветы, растения, камни или ракушки), так и созданными человеком (стаканы, книги, вазы, ювелирные изделия, монеты, трубки и т. д.). Возникнув в Средние века и древнегреческом/римском искусстве, натюрморты дают художнику больше свободы в расположении элементов дизайна в композиции, чем картины других типов предметов, таких как пейзаж или портрет . Натюрморты, особенно до 1700 года, часто содержали религиозную и аллегорическую символику, связанную с изображаемыми объектами. Некоторые современные натюрморты разрушают двухмерный барьер и используют трёхмерную смешанную технику, а также используют найденные объекты, фотографию, компьютерную графику, а также видео и звук.
Ведута — это очень подробная, обычно крупномасштабная картина городского пейзажа или какой-либо другой перспективы. Этот жанр пейзажа зародился во Фландрии , где художники, такие как Пол Бриль, рисовали ведуты еще в XVI веке. Поскольку маршрут Гранд-тура стал несколько стандартизированным, ведуты знакомых сцен, таких как Римский форум или Гранд-канал, напомнили ранние путешествия на континент для аристократов-англичан. В конце XIX века более личные впечатления от городских пейзажей заменили стремление к топографической точности, которое было удовлетворено вместо этого нарисованными панорамами .
Живопись и музыка являются особенно романтическими искусствами. Наконец, как союз живописи и музыки появляется поэзия, где чувственный элемент более чем когда-либо подчинен духу
