История западной живописи представляет собой непрерывную, хотя и прерывистую, традицию от античности до наших дней. [1] До середины 19 века она была в основном связана с изобразительными и традиционными способами производства, после чего более современные , абстрактные и концептуальные формы приобрели популярность. [2]
Первоначально обслуживая императорское, частное, гражданское и религиозное покровительство, западная живопись позже нашла аудиторию в аристократии и среднем классе. Со Средних веков до эпохи Возрождения художники работали для церкви и богатой аристократии. [3] Начиная с эпохи барокко художники получали частные заказы от более образованного и преуспевающего среднего класса. [4] Идея « искусства ради искусства » [5] начала находить выражение в творчестве таких романтических художников, как Франсиско де Гойя , Джон Констебл и Дж. М. У. Тернер . [6] В 19 веке появились коммерческие галереи , которые продолжали оказывать покровительство в 20 веке. [7] [8]
Западная живопись достигла своего апогея в Европе в эпоху Возрождения, в сочетании с утонченностью рисунка, использованием перспективы , амбициозной архитектурой, гобеленами , витражами , скульптурой и периодом до и после появления печатного станка . [9] После глубины открытий и сложности инноваций эпохи Возрождения, богатое наследие западной живописи продолжилось от периода барокко до современного искусства . [10]
История живописи восходит к артефактам доисторических художников и охватывает все культуры. Самые древние известные картины находятся в пещере Шове во Франции, некоторые историки утверждают, что им около 32 000 лет. Они выгравированы и расписаны красной охрой и черным пигментом и изображают лошадей, носорогов, львов, буйволов, мамонтов или людей, часто охотящихся.
Доисторические европейские пещерные рисунки имеют общие темы с другими доисторическими рисунками, которые были найдены по всему миру; это подразумевает универсальность цели и сходство импульсов, которые могли вдохновить художников на создание изображений. [ необходима цитата ] Были высказаны различные предположения относительно значения этих картин для художников, которые их создали. Доисторические люди могли рисовать животных, чтобы «поймать» их душу или дух, чтобы легче было на них охотиться, или картины могут представлять анимистическое видение и дань уважения окружающей природе , или они могут быть результатом базовой потребности в выражении , которая является врожденной для людей, или они могут быть записями жизненного опыта художников и связанных с ними историй от членов их круга.
Минойская живопись — это искусство, созданное Эгейской минойской цивилизацией бронзового века примерно с 3000 по 1100 год до нашей эры, хотя самые обширные и лучшие сохранившиеся образцы датируются примерно 2300–1400 годами до нашей эры. Она является частью более широкой группы эгейского искусства , а в более поздние периоды на некоторое время стала оказывать доминирующее влияние на кикладское искусство . Поскольку дерево и текстиль разложились, наиболее сохранившимися (и наиболее поучительными) из сохранившихся примеров минойского искусства являются керамика , дворцовая архитектура (с фресками , которые включают «самые ранние чистые пейзажи где-либо»), [12] небольшие скульптуры из различных материалов, ювелирные изделия, металлические сосуды и искусно вырезанные печати .
На него оказали влияние соседние культуры Древнего Египта и древнего Ближнего Востока , которые создавали сложное городское искусство гораздо дольше, но характер небольших, но богатых торговых минойских городов был совсем иным, с небольшим количеством свидетельств большой храмовой религии, монархов или войн, и «всей творческой силой и детской свежестью очень молодой культуры». [13] Все эти аспекты минойской культуры остаются довольно загадочными. Синклер Худ описал «неотъемлемое качество лучшего минойского искусства, способность создавать атмосферу движения и жизни, хотя и следуя набору весьма формальных условностей». [14]
Самая большая и лучшая коллекция минойского искусства находится в Археологическом музее Ираклиона («AMH») около Кносса , на северном побережье Крита. Минойское искусство и другие остатки материальной культуры , особенно последовательность керамических стилей, использовались археологами для определения трех основных фаз минойской культуры (EM, MM, LM) и их многочисленных подфаз. Даты, которые следует приложить к ним, остаются предметом многочисленных дискуссий, хотя и в сужающихся пределах. [15]
Связь минойского искусства с другими современными культурами и более поздним древнегреческим искусством была предметом многочисленных обсуждений. Оно явно доминировало над микенским и кикладским искусством тех же периодов, [16] даже после того, как Крит был занят микенцами, но только некоторые аспекты традиции пережили греческие Темные века после распада микенской Греции . [17]
Около 1100 г. до н. э. племена с севера Греции завоевали Грецию, и ее искусство приняло новое направление. Культура Древней Греции примечательна своим выдающимся вкладом в изобразительное искусство. Роспись на керамике и гончарных изделиях Древней Греции дает особенно информативный взгляд на то, как функционировало общество в Древней Греции. Многие прекрасные образцы чернофигурной вазописи и краснофигурной вазописи сохранились до сих пор.
Некоторые известные греческие художники, работавшие на деревянных панелях и упомянутые в текстах, — это Апеллес , Зевксис и Паррасий ; однако, за исключением панелей Пица , не сохранилось ни одного примера древнегреческой панельной живописи, сохранились только письменные описания их современников или более поздних римлян. Зевксис жил в V веке до нашей эры и, как говорят, был первым, кто использовал сфумато . По словам Плиния Старшего , реализм его картин был таков, что птицы пытались съесть нарисованный виноград. Апеллес описывается как величайший художник древности и известен совершенной техникой рисунка, блестящим цветом и лепкой.
Римское искусство находилось под влиянием Греции и может быть отчасти принято считать потомком древнегреческой живописи. Однако римская живопись имеет важные уникальные характеристики. Сохранившиеся римские картины включают настенные росписи и фрески , многие из вилл в Кампании , в Южной Италии, в таких местах, как Помпеи и Геркуланум . Такая живопись может быть сгруппирована в 4 основных «стиля» или периода [18] и может содержать первые примеры trompe-l'œil , псевдоперспективы и чистого пейзажа. [19]
Почти единственные сохранившиеся из древнего мира живописные портреты — это большое количество портретов в форме бюста, найденных на египетском кладбище Эль-Файюм . Хотя они не были ни лучшим периодом, ни наивысшим качеством, они сами по себе впечатляют и дают представление о качестве, которое должно было иметь лучшее древнее произведение. Сохранилось также очень небольшое количество миниатюр из иллюстрированных книг поздней античности и довольно большое количество их копий из раннего средневекового периода.
Подъем христианства придал иной дух и цель стилям живописи. Византийское искусство , как только его стиль был установлен в VI веке, уделяло большое внимание сохранению традиционной иконографии и стиля и постепенно развивалось в течение тысячи лет Византийской империи и живых традиций греческой и русской православной иконописи . Византийская живопись имеет иератическое чувство, и иконы были и до сих пор считаются представлением божественного откровения. Было много фресок , но их сохранилось меньше, чем мозаик . Византийское искусство сравнивали с современной абстракцией по своей плоскостности и высоко стилизованным изображениям фигур и пейзажей. Некоторые периоды византийского искусства, особенно так называемое македонское искусство около X века, более гибки в подходе. Фрески эпохи палеологовского возрождения начала XIV века сохранились в церкви Хора в Стамбуле.
В постантичной католической Европе первым самобытным художественным стилем, включавшим живопись, было островное искусство Британских островов, единственными сохранившимися образцами которого являются миниатюры в иллюминированных рукописях , таких как Келлская книга . [20] Они наиболее известны своим абстрактным декором, хотя фигуры, а иногда и сцены, также изображались, особенно на портретах евангелистов . Каролингское и Оттоновское искусство также сохранилось в основном в рукописях, хотя сохранилось некоторое количество настенной живописи, и еще больше задокументировано. Искусство этого периода сочетает островные и «варварские» влияния с сильным византийским влиянием и стремлением восстановить классическую монументальность и уравновешенность.
Стены романских и готических церквей были украшены фресками, а также скульптурой, и многие из немногих сохранившихся фресок имеют большую интенсивность и сочетают декоративную энергию островного искусства с новой монументальностью в трактовке фигур. Гораздо больше миниатюр в иллюминированных рукописях сохранилось от этого периода, демонстрируя те же характеристики, которые продолжаются и в готический период .
Панно становится более распространенным в романский период под сильным влиянием византийских икон. К середине XIII века средневековое искусство и готическая живопись становятся более реалистичными, с началом интереса к изображению объема и перспективы в Италии у Чимабуэ , а затем у его ученика Джотто . Начиная с Джотто, трактовка композиции лучшими художниками также становится гораздо более свободной и новаторской. Они считаются двумя великими средневековыми мастерами живописи в западной культуре. Чимабуэ, в рамках византийской традиции, использовал более реалистичный и драматичный подход к своему искусству. Его ученик Джотто вывел эти новшества на более высокий уровень, что, в свою очередь, заложило основы для западной традиции живописи. Оба художника были пионерами в движении к натурализму.
Церкви строились со все большим количеством окон, а использование цветных витражей стало основным элементом декора. Один из самых известных примеров этого можно найти в соборе Нотр-Дам де Пари . К 14 веку западные общества стали и богаче, и более культурными, и художники нашли новых покровителей среди знати и даже буржуазии . Иллюстрированные рукописи приобрели новый характер, и на их пейзажах изображались стройные, модно одетые придворные женщины. Этот стиль вскоре стал известен как международный готический стиль и доминировал с 1375 по 1425 год, а также приобретали значение темперные панели и алтарные образы.
Ренессанс (фр. Renaissance, «возрождение») — культурное движение, охватывающее примерно период с XIV по середину XVII века, было обусловлено гуманизмом эпохи Возрождения и изучением классических источников. В живописи в 1420–1430-х годах ведущие художники Италии и Нидерландов по отдельности разработали новые способы живописи, которые позволили картинам выглядеть более реалистично, чем в работах признанных художников, чей стиль называют интернациональной готикой или в некоторых случаях проторенессансом (в основном в Италии). Этот период, продолжавшийся примерно до 1495 года, стал известен как Раннее Возрождение .
В районе Фландрии в Нидерландах, после достижений в иллюминации рукописей , особенно братьев Лимбург , которые умерли в 1416 году, художники были очарованы осязаемым в видимом мире и начали представлять объекты чрезвычайно натуралистичным образом. [21] Принятие масляной живописи , первое использование которой на панельных картинах традиционно, но ошибочно, приписывалось Яну ван Эйку , сделало возможным новое правдоподобие в изображении этого натурализма. Средство масляной краски уже присутствовало в работах Мельхиора Брёдерлама (который умер в 1409 году), но Робер Кампен (ранее известный как Мастер Флемаля ) и ван Эйк вывели его использование на новые высоты и использовали его для представления натурализма, к которому они стремились. С помощью этого нового средства художники этого периода смогли создавать более насыщенные цвета с глубокой интенсивной тональностью. Иллюзия сияющего света с фарфороподобной отделкой была характерна для ранней нидерландской живописи и была основным отличием от матовой поверхности темперной краски, используемой в Италии. [21]
В отличие от итальянцев, чье творчество во многом опиралось на искусство Древнего Рима, северяне сохранили стилистический остаток скульптуры и иллюминированных рукописей Средневековья (особенно их натурализм). Другим важным нидерландским художником этого периода был Рогир ван дер Вейден , ученик Кампена, чьи композиции подчеркивали человеческие эмоции и драму, что было продемонстрировано, например, в его «Снятии с креста» , которое входит в число самых известных произведений XV века и было самой влиятельной нидерландской картиной распятия Христа. Другими важными художниками были Хуго ван дер Гус (чьи работы были очень влиятельны в Италии), Диерик Боутс (который был одним из первых северных художников, продемонстрировавших использование единой точки схода), [21] Петрус Кристус , Ганс Мемлинг и Герард Давид . В совокупности достижения в живописи в Европе к северу от Альп известны как Северное Возрождение .
В итальянской живописи эпохи Возрождения искусство классической античности вдохновило стиль живописи, подчеркивающий идеал. Мазаччо приписывают достижения в линейной перспективе, изображении объема в его фигурах и изображении эмоций на лицах его фигур в 1420-х годах. Затем такие художники, как Паоло Уччелло , Фра Анджелико , Пьеро делла Франческа , Андреа Мантенья , Филиппо Липпи и Сандро Боттичелли , в период Раннего Возрождения, длившийся примерно до 1495 года, а затем Леонардо да Винчи , Микеланджело Буонарроти и Рафаэль в период Высокого Возрождения примерно с 1495 по 1520 год, вывели живопись на более высокий уровень благодаря использованию перспективы , изучению анатомии человека и пропорций, а также благодаря развитию беспрецедентной утонченности в технике рисунка и живописи. Несколько более натуралистичный стиль Высокого Возрождения возник в Венеции . Художники венецианской школы , такие как Джованни Беллини , Джорджоне , Тициан и Веронезе , были меньше озабочены точностью рисунка, чем богатством цвета и единством эффекта, которых можно было достичь с помощью более непосредственного подхода к живописи.
Фламандские, голландские и немецкие художники Северного Высокого Возрождения, такие как Альбрехт Дюрер , Лукас Кранах , Маттиас Грюневальд и Ганс Гольбейн Младший, имели иной подход, чем их итальянские коллеги, более реалистичный и менее идеализированный. Некоторые северные художники, начиная с Дюрера в 1490-х годах, путешествовали в Италию, чтобы увидеть работы итальянского Высокого Возрождения, и они в разной степени включили черты итальянского искусства в свое собственное. Поколение спустя начало жанровой живописи как темы для больших произведений началось с Петера Артсена и Питера Брейгеля . Более позднее поколение художников Северного Возрождения, которые путешествовали в Рим и переняли большую часть идеализированного подхода итальянского Возрождения, стали известны как романисты .
Живопись эпохи Возрождения отражает революцию идей и науки ( астрономии , географии ), произошедшую в этот период, Реформацию и изобретение печатного станка . Гравюра становилась все более важной и практиковалась многими художниками. Дюрер, считающийся одним из величайших граверов, утверждает, что художники не просто ремесленники, но и мыслители . С развитием станковой живописи в эпоху Возрождения живопись обрела независимость от архитектуры. Станковая живопись — подвижные картины, которые можно было легко повесить на стены — стала популярной альтернативой картинам, прикрепленным к мебели, стенам или другим конструкциям. После столетий, в которых доминировали религиозные образы, в западную живопись постепенно вернулась светская тематика. Художники включали в свои картины видения окружающего мира или продукты собственного воображения. Те, кто мог себе позволить расходы, могли стать покровителями и заказать портреты себя или своей семьи.
Высокое Возрождение в Италии породило стилизованное искусство, известное как маньеризм, после 1520 года, хотя некоторые художники, такие как Тициан и Паоло Веронезе , продолжали писать в стиле Высокого Возрождения в конце века. Вместо сбалансированных композиций и рационального подхода к перспективе, которые характеризовали искусство на заре XVI века, маньеристы искали нестабильность, искусственность и сомнение. Спокойные Девы Рафаэля и безмятежные выражения персонажей Леонардо да Винчи заменяются беспокойными выражениями Понтормо и эмоциональной интенсивностью Эль Греко . Беспокойные и нестабильные композиции, часто экстремальные или дизъюнктивные эффекты перспективы и стилизованные позы характерны для итальянских маньеристов, таких как Тинторетто , Понтормо и Бронзино , и появились позже в творчестве северных маньеристов, таких как Хендрик Гольциус , Бартоломеус Шпрангер и Иоахим Втевал .
Живопись барокко связана с культурным движением барокко , которое часто отождествляют с абсолютизмом и контрреформацией или католическим возрождением; [22] [23] Однако существование важной живописи барокко в неабсолютистских и протестантских государствах также подчеркивает ее популярность, поскольку стиль распространился по всей Западной Европе. [24]
Живопись барокко характеризуется большой драмой, богатым, глубоким цветом и интенсивным светом и темными тенями, при этом целью искусства было вызвать эмоции и страсть вместо спокойной рациональности, которая ценилась в эпоху Возрождения. Самыми ранними художниками барокко были братья Караччи, Аннибале и Агостино , в последнем десятке 16-го века, и Караваджо в последнем десятилетии века. Караваджо признан одним из величайших художников барокко и наследником гуманистической живописи Высокого Возрождения . Его реалистический подход к человеческой фигуре, написанной непосредственно с натуры и драматически освещенной на темном фоне, шокировал его современников и открыл новую главу в истории живописи. Барокко было доминирующим стилем живописи, начавшимся около 1600 года и продолжавшимся в течение всего 17-го века. Среди величайших художников барокко — Рубенс , Веласкес , Рембрандт , Франс Хальс , Иоганн Вермеер , Ленен , Хусепе де Рибера , Пуссен , Тур и Клод Лоррен , которые сосредоточились на пейзажной живописи. Пуссен, Клод и Латур, все французы, приняли «классический» стиль барокко, уделяя меньше внимания эмоциям и больше внимания контуру фигур на картине, чем цвету. Большинство из этих художников путешествовали по Италии в рамках своего обучения, а затем привозили стиль барокко обратно на родину, хотя в некоторых случаях они оставались в Италии на протяжении большей части своей карьеры (Клод и Пуссен). В Италии стиль барокко олицетворяют религиозные и мифологические картины в стиле Гранд Маннер таких художников, как Карраччи , Гвидо Рени и Лука Джордано . Иллюзионистические фрески на потолке церкви работы Пьетро да Кортона словно открывают вид на небо.
Гораздо более тихий тип барокко появился в Голландской республике , где станковые картины повседневных сюжетов были популярны среди коллекционеров среднего класса, и многие художники стали специалистами по жанру , другие — по пейзажу, морскому пейзажу или натюрморту. Вермеер, Герард терборх и Питер де Хох привнесли большую техническую утонченность в живопись домашних сцен, как и Виллем Клас. Хеда — в натюрморт. Напротив, Рембрандт преуспел в живописи каждого типа сюжета и разработал индивидуальный живописный стиль, в котором светотень и темный фон, заимствованные у Караваджо и утрехтских караваджистов, теряют свое театральное качество. Голландскую барочную живопись часто называют голландской живописью Золотого века .
В XVIII веке живопись рококо последовала за барокко как более легкое продолжение, часто легкомысленное и эротичное, с использованием светлых пастельных тонов. Рококо сначала развивалось в декоративном искусстве и дизайне интерьера во Франции. Наследование Людовика XV принесло изменения в придворных художниках и общей художественной моде. 1730-е годы стали пиком развития рококо во Франции, примером которого стали работы Антуана Ватто и Франсуа Буше . Рококо по-прежнему сохраняло барочный вкус к сложным формам и замысловатым узорам, но к этому моменту оно начало интегрировать множество разнообразных характеристик, включая вкус к восточным дизайнам и асимметричным композициям.
Стиль рококо распространился с французскими художниками и гравированными изданиями. Он был охотно принят в католических частях Германии, Богемии и Австрии, где он слился с живыми немецкими барочными традициями. Немецкое рококо с энтузиазмом применялось к церквям и дворцам, особенно на юге, в то время как фридриховское рококо развивалось в королевстве Пруссия .
Французские мастера Ватто , Буше и Фрагонар представляют этот стиль, как и Джованни Баттиста Тьеполо и Жан-Батист-Симеон Шарден, которого некоторые считали лучшим французским художником 18 века — Антирококо . Портретная живопись была важной составляющей живописи во всех странах, но особенно в Англии, где лидерами были Уильям Хогарт , работавший в грубом реалистическом стиле, и Фрэнсис Хейман , Анжелика Кауфман (которая была швейцаркой), Томас Гейнсборо и Джошуа Рейнольдс, работавшие в более лестных стилях, на которые повлиял Антонис ван Дейк . Во Франции в эпоху рококо Жан-Батист Грез (любимый художник Дени Дидро ) [25] преуспел в портретах и исторических картинах , а Морис Кантен де Латур и Элизабет Виже-Лебрен были высококвалифицированными портретистами . Ла Тур специализировался на пастельной живописи, которая стала популярной в этот период.
Уильям Хогарт помог разработать теоретическую основу красоты рококо. Хотя он и не ссылался на это движение намеренно, в своем «Анализе красоты» (1753) он утверждал, что волнообразные линии и S-образные изгибы, характерные для рококо, были основой изящества и красоты в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в классицизме ). Начало конца рококо наступило в начале 1760-х годов, когда такие деятели, как Вольтер и Жак-Франсуа Блондель, начали высказывать свою критику поверхностности и вырождения искусства. Блондель осуждал «нелепую мешанину ракушек, драконов, тростника, пальм и растений» в современных интерьерах. [26]
К 1785 году рококо вышло из моды во Франции, уступив место порядку и серьезности художников -неоклассиков , таких как Жак-Луи Давид , чьи впечатляющие исторические картины, изображавшие как исторические, так и современные события, воплощали идеалы Французской революции .
После рококо в конце XVIII века в архитектуре, а затем и в живописи возник суровый неоклассицизм , наиболее ярко представленный такими художниками, как Давид и его наследник Энгр . Творчество Энгра уже содержит много чувственности, но совсем не содержит той непосредственности, которая должна была характеризовать романтизм .
К середине 19 века художники освободились от требований своего покровительства изображать только сцены из религии, мифологии, портреты или историю. Искусство стало более чисто средством личного выражения в работах таких художников, как Франсиско де Гойя , Джон Констебл и Дж. М. У. Тёрнер . Художники-романтики превратили пейзажную живопись в крупный жанр, который до этого считался второстепенным жанром или декоративным фоном для фигуративных композиций. Некоторые из крупнейших художников этого периода — Эжен Делакруа , Теодор Жерико , Дж. М. У. Тёрнер, Каспар Давид Фридрих и Джон Констебл. Поздние работы Франсиско Гойи демонстрируют романтический интерес к иррациональному, работы Арнольда Бёклина вызывают тайну, работы Братства прерафаэлитов в Англии сочетают усердную преданность природе с ностальгией по средневековой культуре, а картины художника эстетического движения Джеймса Эббота Макнила Уистлера вызывают утонченность, декаданс и философию «искусства ради искусства». В Соединенных Штатах романтическая традиция пейзажной живописи была известна как Школа реки Гудзон : [27] представители включают Томаса Коула , Фредерика Эдвина Чёрча , Альберта Бирштадта , Томаса Морана и Джона Фредерика Кенсетта . Люминизм был движением в американской пейзажной живописи, связанным со Школой реки Гудзон.
Главной силой поворота к реализму в середине века был Гюстав Курбе , чьи неидеализированные картины простых людей оскорбляли зрителей, привыкших к общепринятым сюжетам и вылизанной отделке академического искусства , но вдохновляли многих молодых художников. Ведущий художник Барбизонской школы Жан-Франсуа Милле также писал пейзажи и сцены из жизни крестьян. Слабо связан с Барбизонской школой Камиль Коро , который писал как в романтическом, так и в реалистическом ключе; его работы предвосхищают импрессионизм , как и картины Йохана Йонгкинда и Эжена Будена (который был одним из первых французских пейзажистов, писавших на открытом воздухе). Буден оказал важное влияние на молодого Клода Моне , которого в 1857 году он познакомил с пленэрной живописью.
Во второй трети века импрессионисты, такие как Эдуард Мане , Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар , Камиль Писсарро , Альфред Сислей , Берта Моризо , Мэри Кассат и Эдгар Дега, работали в более прямолинейном подходе, чем это было ранее представлено публике. Они избегали аллегории и повествования в пользу индивидуальных ответов на современный мир, иногда написанных с небольшим или без предварительного изучения, полагаясь на ловкость рисунка и высокохроматическую палитру. Моне, Писсарро и Сислей использовали пейзаж в качестве своего основного мотива, быстротечность света и погоды играли главную роль в их работе. Следуя практике, которая становилась все более популярной к середине века, они часто отправлялись вместе в сельскую местность, чтобы рисовать на открытом воздухе, но не для традиционной цели делать наброски, которые затем превращались в тщательно законченные работы в студии. [28] Рисуя при солнечном свете прямо с натуры и смело используя яркие синтетические пигменты, которые стали доступны с начала века, они разработали более легкую и яркую манеру живописи.
Мане, Дега, Ренуар, Моризо и Кассат сосредоточились в первую очередь на человеческом субъекте. И Мане, и Дега переосмыслили классические каноны образности в современных ситуациях; в случае Мане переосмысления были встречены враждебно публикой. Ренуар, Моризо и Кассат обратились к домашней жизни за вдохновением, причем Ренуар сосредоточился на женской обнаженной натуре. В то время как Сислей наиболее тесно придерживался изначальных принципов импрессионистского восприятия пейзажа, Моне искал вызовы во все более хроматических и изменчивых условиях, достигнув кульминации в своей серии монументальных работ « Водяные лилии», написанных в Живерни .
Постимпрессионисты, такие как Поль Сезанн и немного более молодой Винсент Ван Гог , Поль Гоген и Жорж-Пьер Сёра, привели искусство к границе модернизма . Для Гогена импрессионизм уступил место личному символизму. Сёра преобразовал ломаный цвет импрессионизма в научное оптическое исследование, структурированное на фризоподобных композициях. Разработанная им техника живописи, называемая дивизионизмом , привлекла многих последователей, таких как Поль Синьяк , и в течение нескольких лет в конце 1880-х годов Писсарро перенял некоторые из его методов. Бурный метод нанесения краски Ван Гога в сочетании со звучным использованием цвета предсказал экспрессионизм и фовизм , а Сезанн, желая объединить классическую композицию с революционной абстракцией природных форм, стал рассматриваться как предшественник искусства 20-го века.
Чары импрессионизма ощущались во всем мире, в том числе в Соединенных Штатах, где он стал неотъемлемой частью живописи американских импрессионистов, таких как Чайльд Гассам , Джон Генри Твахтман и Теодор Робинсон . Он также оказал влияние на художников, которые не были изначально импрессионистами по своей теории, например, портретист и пейзажист Джон Сингер Сарджент . В то же время в Америке на рубеже 20-го века существовал собственный и почти изолированный реализм, богато воплощенный в фигуративных работах Томаса Икинса , школы Ашкана , а также пейзажах и морских пейзажах Уинслоу Хомера , все картины которого были глубоко вложены в основательность природных форм. Визионерский пейзаж, мотив, в значительной степени зависящий от двусмысленности ноктюрна, нашел своих сторонников в лице Альберта Пинкхэма Райдера и Ральфа Альберта Блейклока .
В конце 19 века также существовало несколько, довольно непохожих друг на друга, групп художников-символистов, чьи работы нашли отклик у молодых художников 20 века, особенно у фовистов и сюрреалистов . Среди них были Гюстав Моро , Одилон Редон , Пьер Пюви де Шаванн , Анри Фантен-Латур , Арнольд Бёклин , Фердинанд Ходлер , Эдвард Мунк , Фелисьен Ропс , Ян Тороп и Густав Климт , а также русские символисты , такие как Михаил Врубель .
Символисты-художники добывали мифологию и образы сновидений для визуального языка души, ища вызывающие воспоминания картины, которые вызывали в памяти статичный мир тишины. Символы, используемые в символизме, не являются привычными эмблемами основной иконографии , а являются крайне личными, частными, неясными и двусмысленными отсылками. Скорее философия, чем фактический стиль искусства, художники-символисты оказали влияние на современное движение ар-нуво и Les Nabis . В своем исследовании сказочных сюжетов художники-символисты встречаются на протяжении веков и культур, как и сегодня; Бернар Дельвайль описал сюрреализм Рене Магритта как «Символизм плюс Фрейд ». [29]
Наследие таких художников, как Ван Гог , Сезанн , Гоген и Сёра, имело важное значение для развития современного искусства. В начале 20-го века Анри Матисс и несколько других молодых художников, включая прекубистов Жоржа Брака , Андре Дерена , Рауля Дюфи и Мориса де Вламинка, произвели революцию в парижском мире искусства «дикими», многоцветными, экспрессивными пейзажами и фигуративными картинами, которые критики назвали фовизмом . Вторая версия « Танца» Анри Матисса знаменует собой ключевой момент в его карьере и в развитии современной живописи. [30] Она отражает зарождающееся увлечение Матисса примитивным искусством : интенсивные теплые цвета на холодном сине-зеленом фоне и ритмичная последовательность танцующих обнаженных фигур передают чувства эмоционального освобождения и гедонизма . Пабло Пикассо создал свои первые кубистские картины, основанные на идее Сезанна о том, что все изображения природы можно свести к трем телам: кубу , сфере и конусу . С картиной Les Demoiselles d'Avignon (1907) Пикассо создал новую и радикальную картину, изображающую сцену в борделе с пятью проститутками, жестоко раскрашенными женщинами, напоминающими маски африканских племен и его собственные кубистские изобретения. Кубизм совместно развивался примерно с 1908 по 1912 год Пабло Пикассо и Жоржем Браком , чья Скрипка и подсвечник, Париж (1910) показана здесь. Первое явное проявление кубизма практиковали Брак, Пикассо, Жан Метценже , Альбер Глез , Фернан Леже , Анри Ле Фоконье и Робер Делоне . Вскоре к ним присоединились Хуан Грис , Марсель Дюшан , Александр Архипенко , Йозеф Чаки и другие. [31] Синтетический кубизм , практикуемый Браком и Пикассо, характеризуется введением различных фактур, поверхностей, элементов коллажа , папье-колле и большого разнообразия объединенных сюжетов. [31]
Осенний салон 1905 года принёс известность и внимание работам Анри Матисса и фовизма . Группа получила своё название после того, как критик Луи Воксель описал их работу фразой « Donatello chez les fauves» («Донателло среди диких зверей»), [32] противопоставив картины скульптуре в стиле эпохи Возрождения , которая делила с ними комнату. [33] Сцена в джунглях «Голодный лев бросается на антилопу» Анри Руссо (который не был фовистом) висела рядом с работами Матисса и, возможно, вдохновила саркастический термин, используемый в прессе. [34] Комментарий Вокселя был напечатан 17 октября 1905 года в ежедневной газете Gil Blas и вошёл в обиход. [33] [35]
В первые два десятилетия 20-го века и после кубизма возникло несколько других важных движений: футуризм ( Балла ), абстрактное искусство ( Кандинский ), Der Blaue Reiter (Кандинский и Франц Марк ), Bauhaus (Кандинский и Клее ), орфизм ( Делоне и Купка ), синхромизм ( Рассел ), De Stijl ( ван Дусбург и Мондриан ), супрематизм ( Малевич ), конструктивизм ( Татлин ), дадаизм ( Дюшан , Пикабиа и Арп ) и сюрреализм ( де Кирико , Андре Бретон , Миро , Магритт , Дали и Эрнст ). Современная живопись повлияла на все изобразительное искусство, от модернистской архитектуры и дизайна до авангардного кино, театра и современного танца , и стала экспериментальной лабораторией для выражения визуального опыта, от фотографии и конкретной поэзии до рекламного искусства и моды.
Фовизм был свободной группой художников начала 20-го века, чьи работы подчеркивали живописные качества и творческое использование глубокого цвета вместо изобразительных ценностей. Лидерами движения были Анри Матисс и Андре Дерен — своего рода дружеские соперники, у каждого из которых были свои последователи. В конечном итоге Матисс стал янь для инь Пикассо в 20-м веке. Среди художников-фовистов были Альбер Марке , Шарль Камуан , Морис де Вламинк , Рауль Дюфи , Отон Фриез , голландский художник Кес ван Донген и партнер Пикассо по кубизму Жорж Брак среди других. [36]
Фовизм не имел конкретных теорий и просуществовал недолго, начавшись в 1905 и закончившись в 1907 году. У них было всего три выставки. Матисс считался лидером движения из-за своего старшинства по возрасту и предшествующего самостоятельного утверждения в академическом мире искусства. Его портрет мадам Матисс 1905 года, «Зеленая полоса» , произвел сенсацию в Париже, когда был впервые выставлен. Он сказал, что хотел создавать искусство, которое будет радовать, и можно сказать, что его использование ярких цветов пытается сохранить спокойствие композиции. В 1906 году по предложению своего дилера Амбруаза Воллара Андре Дерен отправился в Лондон и создал серию картин, включая «Мост Чаринг-Кросс, Лондон» в стиле фовизма , перефразируя знаменитую серию художника - импрессиониста Клода Моне .
К 1907 году фовизм уже не был новым шокирующим движением, и Апполинер сказал о Матиссе в статье, опубликованной в La Falange : «Мы не имеем дела с экстравагантным или экстремистским начинанием: искусство Матисса в высшей степени разумно». [37]
Die Brücke — группа немецких художников- экспрессионистов , образованная в Дрездене в 1905 году. Основателями были Фриц Блейль , Эрих Хеккель , Эрнст Людвиг Кирхнер и Карл Шмидт-Ротлуфф . Позднее к ним присоединились Макс Пехштейн и Отто Мюллер . Эта основополагающая группа оказала большое влияние на эволюцию современного искусства в 20 веке и создала стиль экспрессионизма . [38]
Der Blaue Reiter — немецкое движение, существовавшее с 1911 по 1914 год и ставшее основополагающим для экспрессионизма. Василий Кандинский , Франц Марк , Август Маке , Алексей фон Явленский , чья психически экспрессивная картина русского танцора «Портрет Александра Сахарова» (1909) представлена здесь, Марианна Веревкина , Лионель Фейнингер и другие основали группу Der Blaue Reiter в ответ на отклонение картины Кандинского « Страшный суд» с выставки. У Der Blaue Reiter не было центрального художественного манифеста, но она была сосредоточена вокруг Кандинского и Марка. Художники Габриэле Мюнтер и Пауль Клее также были вовлечены. Название движения происходит от картины Кандинского 1903 года . Для Кандинского синий — цвет духовности: чем темнее синий, тем больше он пробуждает в человеке стремление к вечному. [39]
Экспрессионизм и символизм — это широкие рубрики, которые включают в себя несколько связанных движений в живописи 20-го века, которые доминировали во многих авангардных искусствах, созданных в Западной, Восточной и Северной Европе. Работы экспрессионистов были написаны в основном между Первой и Второй мировыми войнами, в основном во Франции, Германии, Норвегии, России, Бельгии и Австрии. Фовизм , Die Brücke и Der Blaue Reiter — три из самых известных групп художников-экспрессионистов и символистов. Картина Марка Шагала «Я и деревня» рассказывает автобиографическую историю, которая исследует связь между художником и его происхождением, с помощью лексикона художественного символизма. Густав Климт , Эгон Шиле , Эдвард Мунк , Эмиль Нольде , Хаим Сутин , Джеймс Энсор , Оскар Кокошка , Эрнст Людвиг Кирхнер , Макс Бекман , Франц Марк , Жорж Руо , Амедео Модильяни и некоторые американцы за рубежом, такие как Марсден Хартли и Стюарт Дэвис , считались влиятельными художниками-экспрессионистами. Хотя Альберто Джакометти в первую очередь считается скульптором-сюрреалистом, он также создавал интенсивные экспрессионистские картины.
Американские художники в период между Первой и Второй мировыми войнами, как правило, отправлялись в Европу за признанием. Художники -модернисты, такие как Марсден Хартли, Патрик Генри Брюс , Джеральд Мерфи и Стюарт Дэвис, создали себе репутацию за рубежом. В то время как Патрик Генри Брюс [40] создавал в Европе картины, связанные с кубизмом , и Стюарт Дэвис, и Джеральд Мерфи создавали картины, которые стали ранним вдохновением для американского поп-арта [41] [42] [43], а Марсден Хартли экспериментировал с экспрессионизмом. В 1920-х годах фотограф Альфред Стиглиц выставлял работы Джорджии О'Киф , Артура Дава , Альфреда Генри Маурера , Чарльза Демута , Джона Марина и других художников, включая европейских мастеров Анри Матисса, Огюста Родена, Анри Руссо, Поля Сезанна и Пикассо, в своей нью-йоркской галерее 291 . [44] В Европе такие мастера, как Анри Матисс и Пьер Боннар, продолжали развивать свои повествовательные стили независимо от какого-либо течения.
Василий Кандинский, как правило, считается одним из первых важных художников современного абстрактного искусства . Будучи ранним модернистом , он, как и современные оккультисты и теософы , теоретизировал, что чистая визуальная абстракция имеет сопутствующие вибрации со звуком и музыкой. Они утверждали, что чистая абстракция может выражать чистую духовность. Его самые ранние абстракции, как правило, назывались как пример в Композиции VII , что устанавливало связь с работой композиторов музыки. Кандинский включил многие из своих теорий об абстрактном искусстве в свою книгу «О духовном в искусстве» . Другими крупными пионерами ранней абстракции являются шведская художница Хильма аф Клинт , русский художник Казимир Малевич и швейцарский художник Пауль Клее . Робер Делоне был французским художником, которого связывают с орфизмом (что напоминает о связи между чистой абстракцией и кубизмом). Его ключевой вклад в абстрактную живопись относится к его смелому использованию цвета и его экспериментам как с глубиной, так и с тоном.
Marcel Duchamp came to international prominence in the wake of the New York City Armory Show in 1913 where his Nude Descending a Staircase, No. 2 became a cause célèbre. He subsequently created The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even, Large Glass. The Large Glass pushed the art of painting to radical new limits being part painting, part collage, part construction. Duchamp (who was soon to renounce artmaking for chess) became closely associated with the Dada movement that began in neutral Zürich, Switzerland, during World War I and peaked from 1916 to 1920. The movement primarily involved visual arts, literature (poetry, art manifestoes, art theory), theatre, and graphic design to advance its antiwar politic and rejection of the prevailing standards in art through anti-art cultural works. Other artists associated with the Dada movement include Francis Picabia, Man Ray, Kurt Schwitters, Hannah Höch, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp, and Sophie Taeuber-Arp. Duchamp and several Dadaists are also associated with Surrealism, the movement that dominated European painting in the 1920s and 1930s.
In 1924 André Breton published the Surrealist Manifesto. The Surrealist movement in painting became synonymous with the avant-garde and featured artists whose works varied from the abstract to the super-realist. With works on paper like Machine Turn Quickly, Francis Picabia continued his involvement in the Dada movement through 1919 in Zürich and Paris, before breaking away from it after developing an interest in Surrealist art. Yves Tanguy, René Magritte and Salvador Dalí are particularly known for their realistic depictions of dream imagery and fantastic manifestations of the imagination. During the 1920s André Masson's work was decisive in helping the young artist Joan Miró find his roots in Surrealist painting. Miró's The Tilled Field (1923–1924) verges on abstraction while suggesting a complex of objects and figures and arrangements of sexually active characters; it was Miró's first Surrealist masterpiece.[45] Joan Miró, Jean Arp, André Masson, and Max Ernst were very influential, especially in the United States during the 1940s.
Max Ernst, whose 1920 painting Murdering Airplane is seen here, studied philosophy and psychology in Bonn and was interested in the alternative realities experienced by the insane. His paintings may have been inspired by the psychoanalyst Sigmund Freud's study of the delusions of a paranoiac, Daniel Paul Schreber. Freud identified Schreber's fantasy of becoming a woman as a castration complex. The central image of two pairs of legs refers to Schreber's hermaphroditic desires. Ernst's inscription on the back of the painting reads: The picture is curious because of its symmetry. The two sexes balance one another.[46]
Throughout the 1930s, Surrealism continued to become more visible to the public at large. A Surrealist group developed in Britain and, according to Breton, their 1936 London International Surrealist Exhibition was a high-water mark of the period and became the model for international exhibitions. Surrealist groups in Japan, and especially in Latin America, the Caribbean and in Mexico produced innovative and original works. Other prominent surrealist artists include Giorgio de Chirico, Méret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning, and Leonor Fini.
During the 1920s and the 1930s and the Great Depression, the European art scene was characterized by Surrealism, late Cubism, the Bauhaus, De Stijl, Dada, Neue Sachlichkeit, and Expressionism; and was occupied by masterful modernist color painters like Henri Matisse and Pierre Bonnard.
,_oil_on_canvas,_133_x_154_cm,_Kunstsammlung_Nordrhein-Westfalen,_D%C3%BCsseldorf.jpg/1280px-Max_Beckmann,_1918-19,_The_Night_(Die_Nacht),_oil_on_canvas,_133_x_154_cm,_Kunstsammlung_Nordrhein-Westfalen,_D%C3%BCsseldorf.jpg)
In Germany Neue Sachlichkeit ("New Objectivity") emerged as Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz and others politicized their paintings. The work of these artists grew out of expressionism, and was a response to the political tensions of the Weimar Republic, and was often sharply satirical.
During the 1930s radical leftist politics characterized many of the artists connected to Surrealism, including Pablo Picasso.[47] On 26 April 1937, during the Spanish Civil War, the Basque town of Gernika was the scene of the "Bombing of Gernika" by the Condor Legion of Nazi Germany's Luftwaffe. The Germans were attacking to support the efforts of Francisco Franco to overthrow the Basque Government and the Spanish Republican government. Pablo Picasso painted his mural sized Guernica to commemorate the horrors of the bombing.
Guernica is an immense black-and-white, 3.5-metre (11 ft) tall and 7.8-metre (23 ft) wide mural painted in oil. The mural presents a scene of death, violence, brutality, suffering, and helplessness without portraying their immediate causes. The choice to paint in black and white invokes the immediacy of a newspaper photograph.[48]The painting was first exhibited in Paris in 1937, then Scandinavia and London, and in 1939 at Picasso's request the painting was sent to the United States in an extended loan (for safekeeping) at MoMA. Finally in accord with Picasso's wish to give the painting to the people of Spain as a gift, it was sent to Spain in 1981.
From the Great Depression of the 1930s through the years of World War II, American art was characterized by Social Realism and American Scene Painting. Regionalism movements that contained both political and social commentary dominated the art world in the USA. Artists such as Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh, and others became prominent.
American Gothic is a painting by Grant Wood from 1930. Portraying a pitchfork-holding farmer and a younger woman in front of a house of Carpenter Gothic style, it is one of the most familiar images in 20th-century American art. Art critics assumed it was satirical in intent; it was thought to be part of the trend towards increasingly critical depictions of rural America exemplified by Sherwood Anderson's 1919 Winesburg, Ohio, Sinclair Lewis' 1920 Main Street, and Carl Van Vechten's The Tattooed Countess in literature.[49] However, with the onset of the Great Depression, the painting came to be seen as a depiction of steadfast American pioneer spirit.
A renaissance of the arts in Latin America included the Uruguayan painter Joaquín Torres García, the Mexican painter Rufino Tamayo, artists of the Mexican muralist movement such as Diego Rivera, David Siqueiros, José Orozco, Pedro Nel Gómez and Santiago Martinez Delgado, and the Symbolist painter Frida Kahlo. The muralists conveyed historic and political messages. Diego Rivera is perhaps best known by the public world for his 1933 mural, Man at the Crossroads, in the lobby of the RCA Building at Rockefeller Center. When his patron Nelson Rockefeller discovered that the mural included a portrait of Lenin and other communist imagery, he fired Rivera, and the unfinished work was eventually destroyed by Rockefeller's staff.
Frida Kahlo's works relate to Surrealism and to the Magic Realism movement in literature. Her works are often characterized by their stark portrayals of pain. Of her 143 paintings 55 are self-portraits, which frequently incorporate symbolic portrayals of her physical and psychological wounds.[50]
The 1940s in New York City heralded the triumph of American abstract expressionism, a movement that combined lessons learned from European Modernists via great teachers in America like Hans Hofmann and John D. Graham. American artists benefited from the presence of Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst and the André Breton group, Pierre Matisse's gallery, and Peggy Guggenheim's gallery The Art of This Century, as well as other factors.
Post-Second World War American painting called Abstract expressionism included artists like Jackson Pollock, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Mark Rothko, Hans Hofmann, Clyfford Still, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Mark Tobey, James Brooks, Philip Guston, Robert Motherwell, Conrad Marca-Relli, Jack Tworkov, Esteban Vicente, William Baziotes, Richard Pousette-Dart, Ad Reinhardt, Hedda Sterne, Jimmy Ernst, Bradley Walker Tomlin, and Theodoros Stamos, among others. American Abstract expressionism got its name in 1946 from the art critic Robert Coates.[51][52]Abstract expressionism, Action painting, and Color Field painting are synonymous with the New York School.[53]
Technically Surrealism was an important predecessor for Abstract expressionism with its emphasis on spontaneous, automatic or subconscious creation. Jackson Pollock's dripping paint onto a canvas laid on the floor is a technique that has its roots in the work of André Masson. Another important early manifestation of what came to be abstract expressionism is the work of American Northwest artist Mark Tobey, especially his "white writing" canvases, which, though generally not large in scale, anticipate the "all over" look of Pollock's drip paintings.
Additionally, Abstract expressionism has an image of being rebellious, anarchic, highly idiosyncratic and, some feel, rather nihilistic. In practice, the term is applied to any number of artists working (mostly) in New York who had quite different styles, and even applied to work which is not especially abstract nor expressionist. Pollock's energetic "action paintings", with their "busy" feel, are different both technically and aesthetically, to the violent and grotesque Women series of Willem de Kooning. Woman V is one of a series of six paintings made by de Kooning between 1950 and 1953 that depict a three-quarter-length female figure. He began the first of these paintings, Woman I, in June 1950, repeatedly changing and painting out the image until January or February 1952, when the painting was abandoned unfinished. The art historian Meyer Schapiro saw the painting in de Kooning's studio and encouraged the artist to persist. De Kooning's response was to begin three other paintings on the same theme; Woman II, Woman III, and Woman IV. During the summer of 1952, spent at East Hampton, de Kooning further explored the theme through drawings and pastels. He finished work on Woman I by November 1952, and probably the other three women pictures were concluded at much the same time.[54] The Woman series are decidedly figurative paintings. Another important artist is Franz Kline, as demonstrated by his painting High Street (1950), who was labelled an action painter because of his seemingly spontaneous and intense style, focusing less, or not at all, on figures or imagery, but on the actual brush strokes and use of canvas.
Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, and the serenely shimmering blocks of color in Mark Rothko's work (which is not what would usually be called expressionist and which Rothko denied was abstract), are classified as abstract expressionists, albeit from what Clement Greenberg termed the Color field direction of abstract expressionism. Both Hans Hofmann and Robert Motherwell can be described as practitioners of action painting and Color field painting.
During the 1950s Color Field painting initially referred to a particular type of abstract expressionism, especially the work of Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell and Adolph Gottlieb. It essentially involved abstract paintings with large, flat expanses of color that expressed the sensual, and visual feelings and properties of large areas of nuanced surface. Art critic Clement Greenberg perceived Color Field painting as related to but different from Action painting. The overall expanse and gestalt of the work of the early color field painters speaks of an almost religious experience, awestruck in the face of an expanding universe of sensuality, color and surface. During the early-to-mid-1960s Color Field painting came to refer to the styles of artists like Jules Olitski, Kenneth Noland, and Helen Frankenthaler, whose works were related to second-generation abstract expressionism, and to younger artists like Larry Zox, and Frank Stella – all moving in a new direction.
During the 1930s through the 1960s as abstract painting in America and Europe evolved into movements such as abstract expressionism, Color Field painting, Post-painterly Abstraction, Op art, hard-edge painting, Minimal art, shaped canvas painting, and Lyrical Abstraction. Other artists reacted as a response to the tendency toward abstraction allowing imagery to continue through various new contexts like the Bay Area Figurative Movement in the 1950s and new forms of expressionism from the 1940s through the 1960s. Throughout the 20th century many painters practiced Realism and used expressive imagery in landscape and figurative painting with contemporary subjects. They include artists as varied as Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr., and Elaine de Kooning.
In Italy during this time, Giorgio Morandi was the foremost still-life painter, exploring a wide variety of approaches to depicting everyday bottles and kitchen implements.[55]
.jpg/1280px-Frida_Kahlo_(self_portrait).jpg)
Arshile Gorky's portrait of Willem de Kooning is an example of the evolution of abstract expressionism from the context of figure painting, cubism and surrealism. Along with his friends de Kooning and John D. Graham Gorky created bio-morphically shaped and abstracted figurative compositions that by the 1940s evolved into totally abstract paintings. Gorky's work seems to be a careful analysis of memory, emotion and shape, using line and color to express feeling and nature.[56][57]
Study after Velázquez's Portrait of Pope Innocent X, 1953 is a painting by the Irish-born artist Francis Bacon and is an example of Post World War II European Expressionism. The work shows a distorted version of the Portrait of Innocent X painted by the Spanish artist Diego Velázquez in 1650. The work is one of a series of variants of the Velázquez painting which Bacon executed throughout the 1950s and early 1960s, over a total of forty-five works.[58] When asked why he was compelled to revisit the subject so often, Bacon replied that he had nothing against the Popes, that he merely "wanted an excuse to use these colours, and you can't give ordinary clothes that purple colour without getting into a sort of false fauve manner."[59] The Pope in this version seethes with anger and aggression, and the dark colors give the image a grotesque and nightmarish appearance.[60] The pleated curtains of the backdrop are rendered transparent, and seem to fall through the Pope's face.[61]
The figurative work of Francis Bacon, Frida Kahlo, Edward Hopper, Lucian Freud, Andrew Wyeth and others served as a kind of alternative to abstract expressionism. Nighthawks (1942) is a realist painting by Edward Hopper that portrays people sitting in a downtown diner late at night. It is not only Hopper's most famous painting, but one of the most recognizable in American art. The urban street is empty outside the diner, and inside none of the three patrons is apparently looking or talking to the others but instead is lost in their own thoughts. This portrayal of modern urban life as empty or lonely is a common theme throughout Hopper's work. One of the most well-known images in 20th-century American art is Wyeth's tempera painting, Christina's World, in the collection of the Museum of Modern Art in New York City. It depicts a woman lying on the ground in a treeless, mostly tawny field, looking up at and crawling towards a gray house on the horizon; a barn and various other small outbuildings are adjacent to the house.[62]
After World War II the term School of Paris often referred to Tachisme, the European equivalent of American Abstract expressionism and those artists are also related to Cobra. Important proponents being Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicolas de Staël, Hans Hartung, Serge Poliakoff, and Georges Mathieu, among several others. During the early 1950s Dubuffet (who was always a figurative artist) and de Staël abandoned abstraction, and returned to imagery via figuration and landscape. De Staël's return to representation (seascapes, footballers, jazz musicians, seagulls) during the early 1950s can be seen as an influential precedent for the American Bay Area Figurative Movement, as many of those abstract painters like Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown and others made a similar move; returning to imagery during the mid-1950s. Much of de Staël's late work – in particular his abstract landscapes of the mid-1950s – predicts Color Field painting and Lyrical Abstraction of the 1960s and 1970s. Milton Avery as well through his use of color and his interest in seascape and landscape paintings connected with the Color field aspect of Abstract expressionism as manifested by Adolph Gottlieb and Mark Rothko as well as the lessons American painters took from the work of Henri Matisse.[63][64]
Pop art in America was to a large degree initially inspired by the works of Jasper Johns, Larry Rivers, and Robert Rauschenberg, although the paintings of Gerald Murphy, Stuart Davis and Charles Demuth during the 1920s and 1930s foreshadow the style and subject matter of Pop art.
In New York City during the mid-1950s, Rauschenberg and Johns created works of art that at first seemed to be continuations of Abstract expressionist painting. Actually their works, and the work of Larry Rivers, were radical departures from abstract expressionism especially in the use of banal and literal imagery and the inclusion of mundane materials into their work. Johns' use of various images and objects like chairs, numbers, targets, beer cans and the American Flag; Rivers' paintings of subjects drawn from popular culture such as George Washington crossing the Delaware, and his inclusions of images from advertisements like the camel from Camel cigarettes; and Rauschenberg's surprising constructions using inclusions of objects and pictures taken from popular culture, hardware stores, junkyards, the city streets, and taxidermy, gave rise to a radical new movement in American art. Eventually by 1963 the movement came to be known worldwide as Pop art.
Pop art is exemplified by the artists Andy Warhol, Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann and Roy Lichtenstein among others. Lichtenstein used oil and Magna paint in works such as Drowning Girl (1963; Museum of Modern Art, New York), which was appropriated from the lead story in DC Comics' Secret Hearts #83.[65]) Thick outlines, bold colors and Ben-Day dots reproduce the appearance of commercial printing. Lichtenstein would say of his own work: Abstract Expressionists "put things down on the canvas and responded to what they had done, to the color positions and sizes. My style looks completely different, but the nature of putting down lines pretty much is the same; mine just don't come out looking calligraphic, like Pollock's or Kline's."[66] Pop art merges popular and mass culture with fine art, while injecting humor, irony, and recognizable imagery and content into the mix. In October 1962 the Sidney Janis Gallery mounted The New Realists, the first major Pop art group exhibition in an uptown art gallery in New York City. The show sent shockwaves through the New York School and reverberated worldwide. Campbell's Soup Cans (sometimes referred to as 32 Campbell's Soup Cans) is the title of an Andy Warhol work of art that was produced in 1962. It consists of thirty-two canvases of equal size, each consisting of a painting of a Campbell's Soup can—one of each canned soup variety the company offered at the time. The individual paintings were produced with a semi-mechanised silkscreen process, using a non-painterly style. They helped usher in Pop art as a major art movement that relied on themes from popular culture.
Earlier in England in 1956 the term Pop Art was used by Lawrence Alloway for paintings that celebrated consumerism of the post World War II era. This movement rejected Abstract expressionism and its focus on the hermeneutic and psychological interior, in favor of art which depicted material consumer culture, advertising, and iconography of the mass production age.[67] The early works of English artist David Hockney, such as A Bigger Splash, and the works of Richard Hamilton, Peter Blake, and Eduardo Paolozzi, are considered seminal examples in the movement. In New York's East Village 10th Street galleries artists were formulating an American version of Pop art. Claes Oldenburg had his storefront, and the Green Gallery on 57th Street began to show Tom Wesselmann and James Rosenquist. There is a connection between the radical works of Duchamp, and Man Ray, the rebellious Dadaists – with a sense of humor; and Pop Artists like Alex Katz, Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein and the others.
During the 1950s and 1960s as abstract painting in America and Europe evolved into movements such as Color Field painting, Post painterly abstraction, Op art, hard-edge painting, Minimal art, shaped canvas painting, Lyrical Abstraction, and the continuation of Abstract expressionism. Other artists reacted as a response to the tendency toward abstraction with Art brut,[68] as seen in Court les rues, 1962, by Jean Dubuffet, Fluxus, Neo-Dada, New Realism, Photorealism, allowing imagery to re-emerge through various new contexts like Pop art, the Bay Area Figurative Movement (a prime example is Diebenkorn's Cityscape I,(Landscape No. 1) (1963), and later in the 1970s Neo-expressionism. The Bay Area Figurative Movement of whom David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira and Richard Diebenkorn whose painting Cityscape 1 (1963) is a typical example, were influential members flourished during the 1950s and 1960s in California. Younger painters practiced the use of imagery in new and radical ways. Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo, Niki de Saint Phalle, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl, and Vija Celmins were a few who became prominent between the 1960s and the 1980s. Fairfield Porter was largely self-taught, and produced representational work in the midst of the Abstract Expressionist movement. His subjects were primarily landscapes, domestic interiors and portraits of family, friends and fellow artists.
Also during the 1960s and 1970s, there was a reaction against painting. Critics like Douglas Crimp viewed the work of artists like Ad Reinhardt, and declared the "death of painting". Artists began to practice new ways of making art. New movements gained prominence some of which are: Fluxus, Happening, Video art, Installation art Mail art, the situationists, Conceptual art, Postminimalism, Earth art, arte povera, performance art and body art among others.[69][70]
Neo-Dada is also a movement that started in the 1950s and 1960s and was related to Abstract expressionism only with imagery. This trend, in which manufactured items are combined with artist materials, is exemplified by the work of Jasper Johns and Robert Rauschenberg. Rauschenberg's "combines" in the 1950s were forerunners of Pop Art and Installation art, and made use of the assemblage of large physical objects, including stuffed animals, birds and commercial photography. Rauschenberg, Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine, and Edward Kienholz among others created new conventions of art-making; they made acceptable in serious contemporary art circles the radical inclusion of unlikely materials as parts of their works of art.[71][72]
During the 1960s and 1970s abstract painting continued to develop in America through varied styles. Geometric abstraction, Op art, hard-edge painting, Color Field painting and minimal painting, were some interrelated directions for advanced abstract painting as well as some other new movements. Morris Louis was an important pioneer in advanced Colorfield painting, his work can serve as a bridge between Abstract expressionism, Colorfield painting, and Minimal Art. Two influential teachers, Josef Albers and Hans Hofmann, introduced a new generation of American artists to their advanced theories of color and space. Albers is best remembered for his work as a Geometric abstractionist painter and theorist. Most famous of all are the hundreds of paintings and prints that make up the series Homage to the Square. In this rigorous series, begun in 1949, Albers explored chromatic interactions with flat colored squares arranged concentrically on the canvas. Albers' theories on art and education were formative for the next generation of artists. His own paintings form the foundation of both hard-edge painting and Op art.
Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky, Burgoyne Diller, Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Frank Stella, Morris Louis, Kenneth Noland,[73] Ellsworth Kelly, John McLaughlin, Barnett Newman, Larry Poons, Ronald Davis, John Hoyland, Larry Zox, Al Held, Mino Argento[74] are artists closely associated with Geometric abstraction, Op art, Color Field painting, and in the case of Hofmann and Newman Abstract expressionism as well. Agnes Martin, Robert Mangold, Brice Marden, Jo Baer, Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, are examples of artists associated with Minimalism and (exceptions of Martin, Baer and Marden) the use of the shaped canvas also during the period beginning in the early 1960s. Many Geometric abstract artists, minimalists, and Hard-edge painters elected to use the edges of the image to define the shape of the painting rather than accepting the rectangular format. In fact, the use of the shaped canvas is primarily associated with paintings of the 1960s and 1970s that are coolly abstract, formalistic, geometrical, objective, rationalistic, clean-lined, brashly sharp-edged, or minimalist in character. The Bykert Gallery, and the Park Place Gallery were important showcases for Minimalism and shaped canvas painting in New York City during the 1960s.
Color Field painting pointed toward a new direction in American painting, away from abstract expressionism. Related to Post-painterly abstraction, Suprematism, Abstract Expressionism, Hard-edge painting and Lyrical Abstraction,[75] Color Field painting sought to rid art of superfluous rhetoric. Artists like Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, and others painted with a highly articulated and psychological use of color. In general these artists eliminated recognizable imagery. Certain artists made references to past or present art, but in general color field painting presents abstraction as an end in itself. In pursuing this direction of modern art, artists wanted to present each painting as one cohesive, monolithic image. Gene Davis along with Kenneth Noland, Morris Louis and several others was a member of the Washington Color School painters who began to create Color Field paintings in Washington, D.C. during the 1950s and 1960s, Black, Grey, Beat is a large vertical stripe painting and typical of Gene Davis's work.Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros, and Al Loving are examples of artists associated with the use of the shaped canvas during the period beginning in the early 1960s.
From 1960 Frank Stella produced paintings in aluminum and copper paint and his first works using shaped canvases (canvases in a shape other than the traditional rectangle or square), often being in L, N, U or T-shapes. These later developed into more elaborate designs, in the Irregular Polygon series (1967), for example. Later he began his Protractor Series (1971) of paintings, in which arcs, sometimes overlapping, within square borders are arranged side by side to produce full and half circles painted in rings of concentric color. Harran II, 1967, is an example of the Protractor Series.
The Andre Emmerich Gallery, the Leo Castelli Gallery, the Richard Feigen Gallery, and the Park Place Gallery were important showcases for Color Field painting, shaped canvas painting and Lyrical Abstraction in New York City during the 1960s. There is a connection with post-painterly abstraction, which reacted against abstract expressionisms' mysticism, hyper-subjectivity, and emphasis on making the act of painting itself dramatically visible – as well as the solemn acceptance of the flat rectangle as an almost ritual prerequisite for serious painting. During the 1960s Color Field painting and Minimal art were often closely associated with each other. In actuality by the early 1970s both movements became decidedly diverse.
Lyrical Abstraction (the term being coined by Larry Aldrich, the founder of the Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield Connecticut), encompassed what Aldrich said he saw in the studios of many artists at that time.[76] It is also the name of an exhibition that originated in the Aldrich Museum and traveled to the Whitney Museum of American Art and other museums throughout the United States between 1969 and 1971.[77] Lyrical Abstraction is a type of freewheeling abstract painting that emerged in the mid-1960s when abstract painters returned to various forms of painterly, pictorial, expressionism with a predominate focus on process, gestalt and repetitive compositional strategies in general.[78][79] In contrast to Action Painting, where emphasis is on brushstrokes and high compositional drama, in Lyrical Abstraction—as exemplified by the 1971 Ronnie Landfield painting Garden of Delight—there is a sense of compositional randomness, relaxed compositional drama and an emphasis on process, repetition, and an all over sensibility. Lyrical Abstraction in the late 1960s is characterized by the paintings of Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young and others, and along with the Fluxus movement and Postminimalism (a term first coined by Robert Pincus-Witten in the pages of Artforum in 1969)[80] sought to expand the boundaries of abstract painting and Minimalism by focusing on process, new materials and new ways of expression. Postminimalism often incorporating industrial materials, raw materials, fabrications, found objects, installation, serial repetition, and often with references to Dada and Surrealism is best exemplified in the sculptures of Eva Hesse.[80] Lyrical Abstraction, Conceptual Art, Postminimalism, Earth Art, Video, Performance art, Installation art, along with the continuation of Fluxus, Abstract Expressionism, Color Field painting, Hard-edge painting, Minimal Art, Op art, Pop art, Photorealism and New Realism extended the boundaries of Contemporary Art in the mid-1960s through the 1970s.[81]
One of the first artists specifically associated with Minimalism was Frank Stella, whose early "stripe" paintings were highlighted in the 1959 show, "16 Americans", organized by Dorothy Miller at the Museum of Modern Art in New York. The widths of the stripes in Stella's stripe paintings were not entirely subjective, but were determined by the dimensions of the lumber used to construct the supportive chassis upon which the canvas was stretched. In the show catalog, Carl Andre noted, "Art excludes the unnecessary. Frank Stella has found it necessary to paint stripes. There is nothing else in his painting." These reductive works were in sharp contrast to the energy-filled and apparently emotionally charged paintings of Willem de Kooning or Franz Kline and leaned more toward less gestural coloristic field paintings of Barnett Newman and Mark Rothko.
Artists such as Larry Poons—whose work related to Op Art with his emphasis on dots, ovals and after-images bouncing across color fields—Kenneth Noland, Ralph Humphrey, Robert Motherwell and Robert Ryman had also begun to explore stripes, monochromatic and Hard-edge formats from the late 1950s through the 1960s.[82]
Because of a tendency in Minimalism to exclude the pictorial, illusionistic and fictive in favor of the literal—as demonstrated by Robert Mangold, who understood the concept of the shape of the canvas and its relationship to objecthood—there was a movement away from painterly and toward sculptural concerns. Donald Judd had started as a painter, and ended as a creator of objects. His seminal essay, "Specific Objects" (published in Arts Yearbook 8, 1965), was a touchstone of theory for the formation of Minimalist aesthetics. In this essay, Judd found a starting point for a new territory for American art, and a simultaneous rejection of residual inherited European artistic values. He pointed to evidence of this development in the works of an array of artists active in New York at the time, including Jasper Johns, Dan Flavin and Lee Bontecou. Of "preliminary" importance for Judd was the work of George Earl Ortman [2], who had concretized and distilled painting's forms into blunt, tough, philosophically charged geometries. These Specific Objects inhabited a space not then comfortably classifiable as either painting or sculpture. That the categorical identity of such objects was itself in question, and that they avoided easy association with well-worn and over-familiar conventions, was a part of their value for Judd.
In a much more general sense, one might find European roots of Minimalism in the geometric abstractions painters in the Bauhaus, in the works of Piet Mondrian and other artists associated with the movement DeStijl, in Russian Constructivists and in the work of the Romanian sculptor Constantin Brâncuși. American painters such as Brice Marden and Cy Twombly show a clear European influence in their pure abstraction, minimalist painting of the 1960s. Ronald Davis polyurethane works from the late 1960s pay homage to the Broken Glass of Marcel Duchamp. This movement was heavily criticised by high modernist formalist art critics and historians. Some anxious critics thought Minimalist art represented a misunderstanding of the modern dialectic of painting and sculpture as defined by critic Clement Greenberg, arguably the dominant American critic of painting in the period leading up to the 1960s. The most notable critique of Minimalism was produced by Michael Fried, a Greenbergian critic, who objected to the work on the basis of its "theatricality". In Art and Objecthood (published in Artforum in June 1967) he declared that the Minimalist work of art, particularly Minimalist sculpture, was based on an engagement with the physicality of the spectator. He argued that work like Robert Morris's transformed the act of viewing into a type of spectacle, in which the artifice of the act observation and the viewer's participation in the work were unveiled. Fried saw this displacement of the viewer's experience from an aesthetic engagement within, to an event outside of the artwork as a failure of Minimal art.
Ad Reinhardt, actually an artist of the Abstract Expressionist generation, but one whose reductive all-black paintings seemed to anticipate minimalism, had this to say about the value of a reductive approach to art: "The more stuff in it, the busier the work of art, the worse it is. More is less. Less is more. The eye is a menace to clear sight. The laying bare of oneself is obscene. Art begins with the getting rid of nature."[83]
During the 1960s and 1970s artists as powerful and influential as Adolph Gottlieb, Phillip Guston, Lee Krasner, Richard Diebenkorn, Elmer Bischoff, Agnes Martin, Sam Francis, Gene Davis, Joan Mitchell, Friedel Dzubas, and younger artists like Sam Gilliam, Sean Scully, Pat Steir, Elizabeth Murray, Walter Darby Bannard, Dan Christensen, Joan Snyder, Richard Tuttle, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile, and dozens of others produced vital and influential paintings.
Still other important innovations in abstract painting took place during the 1960s and the 1970s characterized by Monochrome painting and Hard-edge painting inspired by Ad Reinhardt, Barnett Newman, Milton Resnick, and Ellsworth Kelly. Artists as diversified as Al Held, Larry Zox, Frank Stella, Larry Poons, Brice Marden and others explored the power of simplification. The convergence of Color Field painting, Minimal art, Hard-edge painting, Lyrical Abstraction, and Postminimalism blurred the distinction between movements that became more apparent in the 1980s and 1990s. The Neo-expressionism movement is related to earlier developments in Abstract expressionism, Neo-Dada, Lyrical Abstraction and Postminimal painting.
In the late 1960s the abstract expressionist painter Philip Guston helped to lead a transition from abstract expressionism to Neo-expressionism in painting, abandoning the so-called "pure abstraction" of abstract expressionism in favor of more cartoonish renderings of various personal symbols and objects. These works were inspirational to a new generation of painters interested in a revival of expressive imagery.[84] His painting Painting, Smoking, Eating is an example of Guston's return to representation.
In the late 1970s and early 1980s, there was also a return to painting that occurred almost simultaneously in Italy, Germany, France and Britain. These movements were called Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre,[85] Neo-expressionism, the school of London, and in the late 80s the Stuckists respectively. These painting were characterized by large formats, free expressive mark making, figuration, myth and imagination. All work in this genre came to be labeled neo-expressionism.
Neo-expressionism was a style of modern painting that became popular in the late 1970s and dominated the art market until the mid-1980s. It developed in Europe as a reaction against the conceptual and minimalistic art of the 1960s and 1970s. Neo-expressionists returned to portraying recognizable objects, such as the human body (although sometimes in a virtually abstract manner) in a rough and violently emotional way using vivid colors and banal color harmonies. The veteran painters Philip Guston, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Gerhard Richter, A. R. Penck and Georg Baselitz, along with the slightly younger artists Damien Hirst, Anselm Kiefer, the Americans Eric Fischl, Susan Rothenberg, David Salle, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, and Keith Haring, the Italians Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Sandro Chia, and Enzo Cucchi, and many others became known for working in this intense expressionist vein of painting. Critical reaction was divided. Some critics regarded it as driven by profit motivations by large commercial galleries.[84]
Anselm Kiefer is a leading figure in European Neo-expressionism.[86] By the 1980s, Kiefer's themes widened from a focus on Germany's role in civilization to the fate of art and culture in general. His work became more sculptural and involves not only national identity and collective memory, but also occult symbolism, theology and mysticism.[87] The theme of all the work is the trauma experienced by entire societies, and the continual rebirth and renewal in life.
Painting still holds a respected position in contemporary art. Art is an open field no longer divided by the objective versus non-objective dichotomy. Artists can achieve critical success whether their images are representational or abstract. What has currency is content, exploring the boundaries of the medium, and a refusal to recapitulate the works of the past as an end goal.[88][89][90]
Throughout the 20th century and into the 21st century, with the advent of Modern and Postmodern art forms, distinctions between what is generally regarded as the fine arts and the low arts have started to fade,[91] as contemporary high art continues to challenge these concepts by mixing with popular culture.[92]
Mainstream painting has been rejected by artists of the postmodern era in favor of artistic pluralism.[93] According to art critic Arthur Danto there is an anything goes attitude that prevails; an "everything going on", and consequently "nothing going on" syndrome; this creates an aesthetic traffic jam with no firm and clear direction and with every lane on the artistic superhighway filled to capacity.[94]
On the effects of Gutenberg's printing
_being_suckled_by_a_doe_in_the_tem_Wellcome_V0015047.jpg/1280px-Telephus_(son_of_Hercules)_being_suckled_by_a_doe_in_the_tem_Wellcome_V0015047.jpg)
![Римское стекло с нарисованной фигурой гладиатора, найденное в Беграме, Афганистан (когда-то часть Греко-Бактрийского царства, затем Кушанской империи), 52–125 гг. н.э.[11]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/df/Gladiateur_Begram_Guimet_18117.jpg/1280px-Gladiateur_Begram_Guimet_18117.jpg)
.jpg/1280px-Ascension_from_Vasilyevskiy_chin_(15th_c.,_GTG).jpg)
_Altare_Monforte_-_Adorazione_dei_Magi_(1470_circa)_-_Tecnica_olio_su_tavola_Dimensioni_147%C3%97242_cm_-_Gem%C3%A4ldegalerie,_Berlin.jpg/1280px-thumbnail.jpg)
.jpg/1280px-Das_J%C3%BCngste_Gericht_(Memling).jpg)
.jpg/1280px-Madonna_and_Child_(Filippo_Lippi).jpg)
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Sir_Anthony_Van_Dyck_-_Charles_I_(1600-49)_-_Google_Art_Project.jpg)
_-_Museo_Nacional_Thyssen-Bornemisza_Madrid.jpg/1280px-Giambattista_Tiepolo_-_La_morte_di_Giacinto_(1752-53)_-_Museo_Nacional_Thyssen-Bornemisza_Madrid.jpg)
.jpg/1280px-Fran%C3%A7ois_Boucher,_Ruhendes_M%C3%A4dchen_(1751,_Wallraf-Richartz_Museum).jpg)
.jpg/1280px-JEAN_LOUIS_TH%C3%89ODORE_G%C3%89RICAULT_-_La_Balsa_de_la_Medusa_(Museo_del_Louvre,_1818-19).jpg)
![[Анри Руссо, 1905, причина возникновения термина «фовизм»] и оригинальный «Дикий зверь»](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/25/Rousseau-Hungry-Lion.jpg/1280px-Rousseau-Hungry-Lion.jpg)
,_oil_on_canvas,_52.1_x_54.6_cm,_Stiftung_Sammlung_E.G._B%C3%BChrle,_Zurich.jpg/1280px-Wassily_Kandinsky,_1903,_The_Blue_Rider_(Der_Blaue_Reiter),_oil_on_canvas,_52.1_x_54.6_cm,_Stiftung_Sammlung_E.G._B%C3%BChrle,_Zurich.jpg)
.jpg/1280px-The_dining_room_in_the_country_by_Pierre_Bonnard_(1913).jpg)
,_40_x_46_cm,_Kunsthalle_Hamburg.jpg/1280px-Robert_Delaunay,_1912,_Les_Fen%C3%AAtres_simultan%C3%A9e_sur_la_ville_(Simultaneous_Windows_on_the_City),_40_x_46_cm,_Kunsthalle_Hamburg.jpg)
