Электронная музыка — это жанр музыки, в создании которого используются электронные музыкальные инструменты , цифровые инструменты или музыкальные технологии на основе схем . Сюда входит как музыка, созданная с помощью электронных, так и электромеханических средств ( электроакустическая музыка ). Чисто электронные инструменты полностью зависели от генерации звука на основе схем, например, с использованием таких устройств, как электронный генератор , терменвокс или синтезатор . Электромеханические инструменты могут иметь механические части, такие как струны, молоточки и электрические элементы, включая магнитные звукосниматели , усилители мощности и громкоговорители . К таким электромеханическим устройствам относятся телармониум , орган Хаммонда , электрическое пианино и электрогитара . [3] [4]
Первые электронные музыкальные устройства были разработаны в конце 19 века. В 1920-х и 1930-х годах были представлены некоторые электронные инструменты и написаны первые композиции с их участием. К 1940-м годам магнитная аудиокассета позволила музыкантам записывать звуки, а затем изменять их, изменяя скорость или направление ленты, что привело к развитию электроакустической магнитной ленты в 1940-х годах в Египте и Франции. Musique concrète , созданная в Париже в 1948 году, была основана на редактировании вместе записанных фрагментов естественных и индустриальных звуков. Музыка, созданная исключительно с помощью электронных генераторов, была впервые произведена в Германии в 1953 году Карлхайнцом Штокхаузеном . Электронная музыка также создавалась в Японии и США, начиная с 1950-х годов, и в том же десятилетии впервые была продемонстрирована алгоритмическая композиция с помощью компьютеров.
В 1960-е годы была изобретена цифровая компьютерная музыка , произошли инновации в области концертной электроники , и японские электронные музыкальные инструменты начали оказывать влияние на музыкальную индустрию . В начале 1970-х синтезаторы и драм-машины Moog помогли популяризировать синтезированную электронную музыку. В 1970-е годы электронная музыка также начала оказывать значительное влияние на популярную музыку с появлением полифонических синтезаторов , электронных барабанов , драм-машин и проигрывателей , благодаря появлению таких жанров, как дискотека , краут-рок , новая волна , синти-поп и т. д. хип-хоп и EDM . В начале 1980-х годов стали популярными цифровые синтезаторы массового производства , такие как Yamaha DX7 , и был разработан MIDI (цифровой интерфейс музыкальных инструментов). В том же десятилетии, с увеличением использования синтезаторов и внедрением программируемых драм-машин, на первый план вышла электронная популярная музыка. В 1990-е годы, с распространением все более доступных музыкальных технологий, производство электронной музыки стало неотъемлемой частью популярной культуры. [5] В Берлине, начиная с 1989 года, Парад любви стал крупнейшей уличной вечеринкой, которую посетило более 1 миллиона человек, вдохновив другие такие же популярные праздники электронной музыки. [6]
Современная электронная музыка включает в себя множество разновидностей и варьируется от экспериментальной художественной музыки до популярных форм, таких как электронная танцевальная музыка . Поп-электронная музыка наиболее узнаваема в своей форме 4/4 и более связана с мейнстримом, чем предыдущие формы, которые были популярны на нишевых рынках. [7]
.jpg/1280px-Telharmonium_-_Scientific_American_1907_(zoomed_400%,_brightened).jpg)
На рубеже 20-го века эксперименты с новой электроникой привели к созданию первых электронных музыкальных инструментов . [8] Эти первоначальные изобретения не были проданы, а вместо этого использовались в демонстрациях и публичных выступлениях. Вместо новых произведений для инструментов зрителям были представлены репродукции существующей музыки. [9] Хотя некоторые из них считались новинкой и воспроизводили простые тона, Телгармониум синтезировал звук нескольких оркестровых инструментов с достаточной точностью. Он добился реального общественного интереса и добился коммерческого прогресса в потоковой передаче музыки через телефонные сети . [10]
Критики музыкальных традиций того времени видели в этих событиях многообещающие перспективы. Ферруччо Бузони поощрял создание микротональной музыки, допускаемой электронными инструментами. Он предсказал использование машин в музыке будущего, написав влиятельный « Очерк новой эстетики музыки» (1907). [11] [12] Футуристы , такие как Франческо Балилла Прателла и Луиджи Руссоло, начали сочинять музыку с акустическим шумом , чтобы вызвать звук машин . Они предсказали расширение тембра , допускаемое электроникой, во влиятельном манифесте «Искусство шумов» (1913). [13] [14]
Развитие электронных ламп привело к созданию электронных инструментов, которые были меньше по размеру, имели усиление и более практичны по производительности. [15] В частности, к началу 1930-х годов коммерчески производились терменвокс , волны Мартено и траутоний . [16] [17]
С конца 1920-х годов возросшая практичность электронных инструментов побудила таких композиторов, как Йозеф Шиллингер и Мария Шуппель , принять их на вооружение. Обычно они использовались в оркестрах, и большинство композиторов писали для терменвокса партии, которые в противном случае можно было бы исполнить на струнных инструментах . [16]
Композиторы-авангардисты критиковали преимущественное использование электронных инструментов в обычных целях. [16] Инструменты предлагали расширение ресурсов высоты звука [18] , которые использовались сторонниками микротональной музыки, такими как Чарльз Айвз , Димитриос Левидис , Оливье Мессиан и Эдгар Варез . [19] [20] [21] Кроме того, Перси Грейнджер использовал терменвокс, чтобы полностью отказаться от фиксированной тональности, [22] в то время как русские композиторы, такие как Гавриил Попов , рассматривали его как источник шума в акустической шумовой музыке . [23]
Развитие ранних технологий записи шло параллельно с развитием электронных инструментов. Первое средство записи и воспроизведения звука было изобретено в конце 19 века с помощью механического фонографа . [24] Проигрыватели стали обычным предметом домашнего обихода, и к 1920-м годам композиторы использовали их для проигрывания коротких записей в выступлениях. [25]
За появлением электрической записи в 1925 году последовало увеличение экспериментов с проигрывателями. Пауль Хиндемит и Эрнст Тох сочинили несколько пьес в 1930 году, накладывая записи инструментов и вокала на определенной скорости. Под влиянием этих техник Джон Кейдж в 1939 году составил «Воображаемый пейзаж № 1» , регулируя скорость записываемых тонов. [26]
Композиторы начали экспериментировать с недавно разработанной технологией звука на кинопленке . Записи можно было соединить вместе для создания звуковых коллажей , таких как работы Тристана Цары , Курта Швиттерса , Филиппо Томмазо Маринетти , Уолтера Руттмана и Дзиги Вертова . Кроме того, технология позволила создавать и изменять звук графически . Эти приемы были использованы при написании саундтреков к нескольким фильмам в Германии и России, помимо популярных в США «Доктор Джекилл» и «Мистер Хайд» . Эксперименты с графическим звуком продолжил Норман Макларен с конца 1930-х годов. [27]
Первый практический аудиомагнитофон был представлен в 1935 году. [28] Усовершенствования технологии были сделаны с использованием метода смещения переменного тока , что значительно улучшило точность записи. [29] [30] Еще в 1942 году тестовые записи делались в стереофоническом режиме. [31] Хотя эти разработки первоначально ограничивались Германией, после окончания Второй мировой войны магнитофоны и кассеты были доставлены в Соединенные Штаты. [32] Они легли в основу первого коммерческого магнитофона, выпущенного в 1948 году. [33]
В 1944 году, до использования магнитной ленты в композиционных целях, египетский композитор Халим Эль-Дабх , еще будучи студентом в Каире , использовал громоздкий проволочный магнитофон для записи звуков древней церемонии заар . Используя оборудование студии Middle East Radio, Эль-Дабх обработал записанный материал, используя реверберацию, эхо, регулировку напряжения и перезапись. Результат считается самой ранней музыкальной композицией на магнитной ленте. [34] Получившаяся работа называлась «Выражение Заара» и была представлена в 1944 году на мероприятии в художественной галерее в Каире. Хотя его первоначальные эксперименты с записью на пленку композиции в то время не были широко известны за пределами Египта, Эль-Даб также известен своими более поздними работами в области электронной музыки в Центре электронной музыки Колумбии-Принстона в конце 1950-х годов. [35]
После работы в Studio d'Essai в Radiodiffusion Française (RDF) в начале 1940-х годов Пьеру Шефферу приписывают создание теории и практики конкретной музыки. В конце 1940-х годов Шеффер впервые провел эксперименты по звуковой композиции с использованием проигрывателей из шеллака . В 1950 году методы конкретной музыки были расширены, когда машины с магнитной лентой были использованы для изучения методов манипулирования звуком, таких как изменение скорости ( сдвиг высоты тона ) и сращивание ленты . [36] [37]
5 октября 1948 года RDF транслировал «Этюд о chemins defer» Шеффера . Это была первая « часть » Cinq études de bruits , ознаменовавшая начало студийных реализаций [38] и конкретной музыки (или акустического искусства). Шеффер использовал токарный станок для резки дисков , четыре проигрывателя, четырехканальный микшер, фильтры, эхо-камеру и мобильное записывающее устройство. Вскоре после этого Пьер Анри начал сотрудничать с Шеффером, и это партнерство оказало глубокое и долгосрочное влияние на направление электронной музыки. Другой соратник Шеффера, Эдгар Варез , начал работу над «Дезертами» , произведением для камерного оркестра и кассеты. Части ленты были созданы в студии Пьера Шеффера и позже отредактированы в Колумбийском университете.
В 1950 году Шеффер дал первый публичный (нетранслируемый) концерт конкретной музыки в Парижской нормальной школе музыки . «Шеффер использовал систему громкой связи , несколько проигрывателей и микшеров. Выступление прошло не очень хорошо, поскольку создание живого монтажа с помощью проигрывателей никогда раньше не делалось». [39] Позже в том же году Пьер Анри сотрудничал с Шеффером над «Симфонией для человека» (1950), первым крупным произведением конкретной музыки. [40] В Париже в 1951 году, что стало важной мировой тенденцией, RTF основал первую студию по производству электронной музыки. Также в 1951 году Шеффер и Генри поставили оперу « Орфей» с конкретными звуками и голосами.
К 1951 году работы Шеффера, композитора-перкуссиониста Пьера Анри и звукорежиссера Жака Пуллена получили официальное признание, и в RTF в Париже была основана Группа исследований бетонной музыки и Клуб эссе де ла Радиодиффузия-Телевидение Франсез. ОРТФ . _ [41]
Карлхайнц Штокхаузен некоторое время работал в студии Шеффера в 1952 году, а затем в течение многих лет в студии электронной музыки WDR Cologne .
В 1954 году появилось то, что сейчас можно было бы считать аутентичными электрическими и акустическими композициями — акустические инструменты, дополненные/сопровождаемые записями обработанного или сгенерированного электроникой звука. В том же году состоялись премьеры трех основных произведений: « Дезерты » Вареза для камерного ансамбля и звуков кассеты, а также два произведения Отто Люнинга и Владимира Усачевского : «Рапсодические вариации для симфонии Луисвилля» и «Поэма в циклах и колоколах » для оркестра и кассеты. Поскольку он работал в студии Шеффера, кассетная часть работ Вареза содержит гораздо больше конкретных звуков, чем электронных. «Группа, состоящая из духовых инструментов, перкуссии и фортепиано, чередуется с видоизмененными звуками фабричных шумов, корабельных сирен и моторов, доносящимися из двух громкоговорителей». [42]
На немецкой премьере «Десертов» в Гамбурге, которую дирижировал Бруно Мадерна , управлением лентой управлял Карлхайнц Штокхаузен. [42] Название « Пустыни» предложило Варезу не только «все физические пустыни (песка, моря, снега, космического пространства, пустых улиц), но и пустыни в сознании человека; не только те лишенные аспекты природы, которые предполагают наготу, отстраненность, вневременность, но также и то отдаленное внутреннее пространство, которого не может достичь ни один телескоп, где человек одинок, мир тайны и существенного одиночества». [43]
В Кёльне в 1953 году на базе радиостудии NWDR была официально открыта самая известная студия электронной музыки в мире, хотя ещё в 1950 году она находилась на стадии планирования, а первые композиции были созданы и транслировались в 1951 году. [44] К детищу Вернера Мейера-Эпплера , Роберта Бейера и Герберта Эймерта (который стал ее первым директором), к студии вскоре присоединились Карлхайнц Штокхаузен и Готфрид Михаэль Кениг . В своей диссертации 1949 года Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache Мейер-Эпплер задумал синтезировать музыку полностью из сигналов, производимых электроникой; таким образом, электронная музыка резко отличалась от французской конкретной музыки , в которой использовались звуки, записанные из акустических источников. [45] [46]
В 1953 году Штокхаузен написал свое «Этюд I» , а в 1954 году — «Электронное исследование II» — первое электронное произведение, опубликованное в виде партитуры. В 1955 году стало появляться больше экспериментальных и электронных студий. Примечательными были создание Studio di fonologia musice di Radio Milano , студии NHK в Токио, основанной Тоширо Маюзуми , и студии Philips в Эйндховене , Нидерланды, которая в 1960 году переехала в Утрехтский университет в качестве Института сонологии. .
«С участием Штокхаузена и Маурисио Кагеля [Кёльн] стал круглогодичным улей харизматического авангардизма». [47] дважды комбинировал звуки, генерируемые электроникой, с относительно традиционными оркестрами — в Mixtur (1964) и Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967). [48] Штокхаузен заявил, что его слушатели сказали ему, что его электронная музыка дала им опыт «космического пространства», ощущения полета или пребывания в «фантастическом мире грез». [49]
В Соединенных Штатах электронная музыка создавалась еще в 1939 году, когда Джон Кейдж опубликовал « Воображаемый пейзаж, № 1» , используя две вертушки с регулируемой скоростью, частотные записи, приглушенное фортепиано и тарелки, но без электронных средств производства. В период с 1942 по 1952 год Кейдж сочинил еще пять «Воображаемых пейзажей» (один снят), в основном для ансамбля ударных инструментов, хотя № 4 предназначен для двенадцати радиоприемников, а № 5, написанный в 1952 году, использует 42 записи и должен быть реализован как магнитный альбом. лента. По словам Отто Люнингена, Кейдж также исполнил Williams Mix в Донауэшингене в 1954 году, используя восемь громкоговорителей, через три года после своего предполагаемого сотрудничества. [ нужны разъяснения ] Williams Mix имел успех на фестивале в Донауэшингене , где произвел «сильное впечатление». [50]
Проект «Музыка для магнитной ленты» был сформирован членами Нью-Йоркской школы ( Джоном Кейджем , Эрлом Брауном , Кристианом Вольфом , Дэвидом Тюдором и Мортоном Фельдманом ) [51] и просуществовал три года до 1954 года. Кейдж писал об этом сотрудничестве: « Таким образом, в этой социальной тьме работы Эрла Брауна, Мортона Фельдмана и Кристиана Вольфа продолжают представлять яркий свет по той причине, что в некоторых моментах записи, исполнения и прослушивания действие является провокационным». [52]
Кейдж закончил Williams Mix в 1953 году, работая над проектом «Музыка для магнитной ленты». [53] У группы не было постоянного помещения, и ей приходилось использовать время в коммерческих звуковых студиях, включая студию Бебе и Луи Бэррона .
В том же году Колумбийский университет приобрел свой первый магнитофон — профессиональный аппарат Ampex — для записи концертов. Руководителем устройства был назначен Владимир Усачевский, который учился на музыкальном факультете Колумбийского университета, и почти сразу начал с ним экспериментировать.
Герберт Русскол пишет: «Вскоре он был заинтригован новыми звучаниями, которых он мог достичь, записывая музыкальные инструменты и затем накладывая их друг на друга». [54] Усачевский позже говорил: «Я вдруг понял, что к магнитофону можно относиться как к инструменту преобразования звука». [54] В четверг, 8 мая 1952 года, Усачевский представил несколько демонстраций магнитофонной музыки/эффектов, которые он создал, на своем Форуме композиторов в Театре Макмиллина в Колумбийском университете. К ним относятся транспозиция, реверберация, эксперимент, композиция и подводный вальс . В интервью он заявил: «Я представил несколько примеров своего открытия на публичном концерте в Нью-Йорке вместе с другими композициями, которые я написал для обычных инструментов». [54] Отто Люнинг, посетивший этот концерт, заметил: «Оборудование, имевшееся в его распоряжении, состояло из магнитофона Ampex... и простого коробчатого устройства, разработанного блестящим молодым инженером Питером Маузи для создания обратной связи. форма механической реверберации. Остальное оборудование было одолжено или куплено на личные средства». [55]
Всего три месяца спустя, в августе 1952 года, Усачевский по приглашению Люнинга отправился в Беннингтон, штат Вермонт, чтобы представить свои эксперименты. Там они вместе работали над различными произведениями. Люнинг описал это событие: «Оборудованный наушниками и флейтой, я начал разрабатывать свою первую композицию для магнитофона. Мы оба свободно импровизировали, и эта среда разожгла наше воображение». [55] Некоторые ранние произведения они сыграли неофициально на вечеринке, где «ряд композиторов почти торжественно поздравили нас, сказав: «Вот оно» («оно» означает музыку будущего)». [55]
Весть быстро дошла до Нью-Йорка. Оливер Дэниел позвонил и предложил паре «продюсировать группу коротких композиций для октябрьского концерта, спонсируемого Американским союзом композиторов и Broadcast Music, Inc., под руководством Леопольда Стоковского в Музее современного искусства в Нью-Йорке. долго колеблясь, мы согласились... Генри Коуэлл предоставил в наше распоряжение свой дом и студию в Вудстоке, штат Нью-Йорк. С одолженным оборудованием в кузове автомобиля Усачевского мы уехали из Беннингтона в Вудсток и пробыли там две недели... В конце сентября 1952 года передвижная лаборатория добралась до гостиной Усачевского в Нью-Йорке, где мы в конце концов завершили композиции». [55]
Два месяца спустя, 28 октября, Владимир Усачевский и Отто Люнинг представили первый концерт Tape Music в США. Концерт включал в себя «Фантазию в космосе» Люенинга (1952) — «импрессионистическую виртуозную пьесу» [55] , в которой использовались обработанные записи флейты, — и « Low Speed» (1952), «экзотическую композицию, которая вывела флейту намного ниже ее естественного диапазона». [55] Обе пьесы были созданы в доме Генри Коуэлла в Вудстоке, штат Нью-Йорк. После того, как несколько концертов произвели фурор в Нью-Йорке, Усачевский и Люнинг были приглашены на прямую трансляцию Today Show на канале NBC, чтобы провести демонстрацию интервью - первое электроакустическое выступление, транслируемое по телевидению. Люнинг описал это событие: «Я импровизировал несколько [флейтовых] последовательностей для магнитофона. Усачевский тут же подверг их электронной трансформации». [56]
Партитура к фильму «Запретная планета» Луи и Бебе Бэррон [57] была полностью написана с использованием изготовленных на заказ электронных схем и магнитофонов в 1956 году (но без синтезаторов в современном смысле этого слова). [ нужны разъяснения ]
В 1929 году Николай Обухов изобрел «звучащий крест» (la croix sonore), сравнимый по принципу действия терменвокса . [58] В 1930-е годы Николай Ананьев изобрел «гидролокатор», а инженер Александр Гуров — неовиолена, И. Ильсаров — ильстон., [59] А. Римский-Корсаков и А. Иванов — эмиритон . [58] Композитор и изобретатель Арсений Авраамов занимался научной работой по синтезу звука и провел ряд экспериментов, которые впоследствии легли в основу советских электромузыкальных инструментов. [60]
В 1956 году Вячеслав Мещерин создал Ансамбль электромузыкальных инструментов , который использовал терменвоксы, электрические арфы, электроорганы, первый в СССР синтезатор «Экводин», [58] , а также создал первую советскую реверберационную машину. Стиль, в котором играл ансамбль Мещерина, известен как « поп космической эры ». [60] В 1957 году инженер Игорь Симонов собрал действующую модель шумозаписывающего устройства (электролифона), с помощью которого можно было извлекать различные тембры и созвучия шумового характера. [58] В 1958 году Евгений Мурзин сконструировал синтезатор АНС — один из первых в мире полифонических музыкальных синтезаторов.
Основанная Мурзиным в 1966 году, Московская студия экспериментальной электронной музыки стала базой для нового поколения экспериментаторов — Эдуарда Артемьева , Александра Немтина , Шандора Каллоша , Софьи Губайдулиной , Альфреда Шнитке и Владимира Мартынова . [58] [60] К концу 1960-х годов в СССР появились музыкальные коллективы, исполняющие легкую электронную музыку. На государственном уровне эту музыку стали использовать для привлечения иностранных туристов в страну и для вещания на зарубежные страны. [61] В середине 1970-х годов композитор Александр Зацепин сконструировал «оркестролу» – модификацию меллотрона. [62]
В Прибалтийских советских республиках тоже были свои пионеры: в Эстонской ССР — Свен Грюнберг , в Литовской ССР — Гедрус Куприявичюс, в Латвийской ССР — Опус и Зодиак . [60]
Первым в мире компьютером, воспроизводящим музыку, был CSIRAC , который был спроектирован и построен Тревором Пирси и Мастоном Бирдом. Математик Джефф Хилл запрограммировал CSIRAC на воспроизведение популярных музыкальных мелодий самого начала 1950-х годов. В 1951 году он публично исполнил « Марш полковника Боги» , известных записей которого не существует, а только точная реконструкция. [63] Однако CSIRAC играл стандартный репертуар и не использовался для расширения музыкального мышления или композиторской практики. CSIRAC никогда не записывался, но исполняемая музыка была точно реконструирована. Самые старые известные записи компьютерной музыки были воспроизведены на компьютере Ferranti Mark 1 , коммерческой версии Baby Machine из Манчестерского университета, осенью 1951 года. Музыкальная программа была написана Кристофером Стрейчи .
Самая ранняя группа электронных музыкальных инструментов в Японии, Yamaha Magna Organ, была создана в 1935 году . [65] однако после Второй мировой войны японские композиторы, такие как Минао Сибата , знали о разработке электронных музыкальных инструментов. К концу 1940-х годов японские композиторы начали экспериментировать с электронной музыкой, а институциональная спонсорская поддержка позволила им экспериментировать с современным оборудованием. Их вливание азиатской музыки в новый жанр в конечном итоге поддержало популярность Японии в развитии музыкальных технологий несколько десятилетий спустя. [66]
После основания компании по производству электроники Sony в 1946 году композиторы Тору Такемицу и Минао Сибата независимо исследовали возможные варианты использования электронных технологий для создания музыки. [67] У Такемицу были идеи, похожие на конкретную музыку , о которых он не подозревал, в то время как Сибата предвидел развитие синтезаторов и предсказал радикальные изменения в музыке. [68] Sony начала производство популярных магнитных магнитофонов для государственного и общественного использования. [66] [69]
Авангардный коллектив Jikken Kōbō (Экспериментальная мастерская), основанный в 1950 году, получил от Sony доступ к новейшим аудиотехнологиям. Компания наняла Тору Такемицу для демонстрации своих магнитофонов с композициями и исполнением электронной музыки. [70] Первыми электронными кассетными произведениями группы были «Toraware no Onna» («Заключенная женщина») и «Piece B», написанные в 1951 году Кунихару Акиямой. [71] Многие из произведенных ими электроакустических лент использовались в качестве музыкального сопровождения для радио, кино и театра. Они также проводили концерты с использованием слайд-шоу , синхронизированного с записанным саундтреком. [72] Композиторы за пределами Дзиккен Кобо, такие как Ясуси Акутагава , Сабуро Томинага и Сиро Фукаи , также экспериментировали с радиофонической магнитной музыкой в период с 1952 по 1953 год. [69]
Musique concrète был представлен в Японии Тоширо Маюзуми , на которого повлиял концерт Пьера Шеффера. С 1952 года он сочинял музыкальные произведения для комедийного фильма, радиопередачи и радиодрамы. [71] [73] Однако концепция Шеффера звукового объекта не оказала влияния на японских композиторов, которые были в основном заинтересованы в преодолении ограничений человеческой деятельности. [74] Это привело к тому, что несколько японских электроакустических музыкантов стали использовать сериализм и двенадцатитоновые техники , [74] это очевидно в додекафонической пьесе Ёширо Ирино 1951 года «Concerto da Camera», [73] в организации электронных звуков в «Маюдзуми» X, Y, Z для Musique Concrète», а затем в электронной музыке Сибаты к 1956 году .
Смоделировав студию NWDR в Кёльне, в 1954 году в Токио была основана студия электронной музыки NHK, которая стала одним из ведущих в мире предприятий электронной музыки. Студия электронной музыки NHK была оснащена такими технологиями, как оборудование для генерации тона и обработки звука, записывающее и радиофоническое оборудование, волны Мартено, Монохорд и Мелохорд , синусоидальные генераторы , магнитофоны, кольцевые модуляторы , полосовые фильтры , а также четырех- и восьмиканальные микшеры . Среди музыкантов, связанных со студией, были Тоширо Маюзуми, Минао Сибата, Джоджи Юаса, Тоши Итиянаги и Тору Такемицу. Первые электронные композиции студии были завершены в 1955 году, в том числе пятиминутные пьесы Маюзуми «Этюд I: Музыка для синусоидальной волны по пропорции простого числа», «Музыка для модулированной волны по пропорции простого числа» и «Изобретение прямоугольной волны и пилообразного сигнала». Wave», созданный с использованием различных возможностей студии по генерации тонов, и 20-минутная стерео пьеса Шибаты «Musique Concrète for Stereophonic Broadcast». [76] [77]
Влияние компьютеров продолжилось и в 1956 году. Лехарен Хиллер и Леонард Исааксон сочинили «Иллиак-сюиту» для струнного квартета , первое полное произведение компьютерной композиции с использованием алгоритмической композиции. «... Хиллер постулировал, что компьютер можно обучить правилам определенного стиля, а затем попросить его сочинять соответственно». [78] Более поздние разработки включали работу Макса Мэтьюза из Bell Laboratories , который в 1957 году разработал влиятельную программу MUSIC I , одну из первых компьютерных программ для воспроизведения электронной музыки. Технология вокодера также была важным достижением в ту раннюю эпоху. В 1956 году Штокхаузен сочинил Gesang der Jünglinge — первое крупное произведение кёльнской студии, основанное на тексте из Книги Даниила . Важным технологическим достижением того года стало изобретение Раймондом Скоттом синтезатора Clavivox с сборкой Робертом Мугом .
В 1957 году Кид Балтан ( Дик Рэймейкерс ) и Том Диссевельт выпустили свой дебютный альбом Song Of The Second Moon , записанный на студии Philips в Нидерландах. [79] Публика по-прежнему интересовалась новыми звуками, создаваемыми во всем мире, о чем можно судить по включению « Электронной поэмы» Вареза , которая прозвучала на более чем четырехстах громкоговорителях в павильоне Philips на Всемирной выставке в Брюсселе 1958 года . В том же году аргентинский композитор Маурисио Кагель написал Transición II . Работа реализована в студии WDR в Кёльне. На фортепиано играли два музыканта: один в традиционной манере, другой - на струнах, раме и футляре. Двое других исполнителей использовали кассету, чтобы объединить представление живых звуков с будущим заранее записанных материалов, сделанных позже, и прошлыми записями, сделанными ранее во время выступления.
В 1958 году компания Columbia-Princeton разработала синтезатор звука RCA Mark II , первый программируемый синтезатор. [80] Выдающиеся композиторы, такие как Владимир Усачевский, Отто Люенинг, Милтон Бэббит , Чарльз Вуоринен , Халим Эль-Дабх, Бюлент Арель и Марио Давидовский широко использовали синтезатор RCA в различных композициях. [81] Одним из самых влиятельных композиторов, связанных с первыми годами существования студии, был Халим Эль-Дабх из Египта , который, [82] после того, как в 1944 году разработал самую раннюю известную электронную музыку на магнитных лентах, [34] стал более известным благодаря Лейиле и Poet — серия электронных композиций 1959 года, которая выделялась погружением и плавным слиянием электронной и народной музыки , в отличие от более математического подхода, используемого серийными композиторами того времени, такими как Бэббит. Песня Эль-Даба «Leiyla and the Poet» , выпущенная как часть альбома Columbia-Princeton Electronic Music Center в 1961 году, будет названа оказавшей сильное влияние со стороны ряда музыкантов, от Нила Рольника , Чарльза Амирханяна и Элис Шилдс до рок-музыкантов Фрэнка. Заппа и экспериментальная группа поп-арта Западного побережья . [83]
После возникновения разногласий внутри GRMC (Groupe de Recherche de Musique Concrète) Пьер Анри, Филипп Артюи и несколько их коллег ушли в отставку в апреле 1958 года. Шеффер создал новый коллектив под названием Groupe de Recherches Musicales (GRM) и приступил к работе. набор новых членов, включая Люка Феррари , Беатрис Феррейру , Франсуа-Бернара Маша , Янниса Ксенакиса , Бернара Пармеджани и Мирей Шамасс-Киру. Позже сюда прибыли Иво Малек , Филипп Карсон, Ромуальд Вандель, Эдгардо Кантон и Франсуа Бэйль . [84]
Это были плодотворные годы для электронной музыки – не только для академических кругов, но и для независимых артистов, поскольку технология синтезаторов стала более доступной. К этому времени сформировалось и разросло сильное сообщество композиторов и музыкантов, работающих с новыми звуками и инструментами. В 1960 году была написана композиция « Горгульи » Люнинга для скрипки и кассеты, а также состоялась премьера « Контакте» Штокхаузена для электронных звуков, фортепиано и ударных. Это произведение существовало в двух версиях — одна для 4-канальной ленты, а другая — для ленты с участием людей. «В «Контакте» Штокхаузен отказался от традиционной музыкальной формы, основанной на линейном развитии и драматической кульминации. Этот новый подход, который он назвал «моментной формой», напоминает технику «кинематографического сращивания» в кино начала двадцатого века». [85]
Терменвокс использовался с 1920-х годов, но он получил известность благодаря использованию в саундтреках к научно-фантастическим фильмам в 1950-х годах (например, в классической партитуре Бернарда Херрмана к фильму « День, когда Земля остановилась »). [86]
В Великобритании в этот период радиофоническая мастерская BBC (основанная в 1958 году) приобрела известность во многом благодаря их работе над научно-фантастическим сериалом BBC « Доктор Кто» . Одним из самых влиятельных британских исполнителей электронной музыки в этот период [87] была сотрудница Workshop Делия Дербишир , которая сейчас известна своей электронной реализацией в 1963 году культовой темы «Доктора Кто» , сочиненной Роном Грейнером .
Во время получения стипендии ЮНЕСКО для изучения электронной музыки (1958) Йозеф Таль совершил ознакомительную поездку в США и Канаду. [88] Он обобщил свои выводы в двух статьях, которые он представил в ЮНЕСКО. [89] В 1961 году он основал Центр электронной музыки в Израиле при Еврейском университете в Иерусалиме. В 1962 году Хью Ле Кейн прибыл в Иерусалим, чтобы установить в центре свой магнитофон Creative . [90] В 1990-х годах Таль вместе с доктором Шломо Маркелем в сотрудничестве с Израильским технологическим институтом Технион и Фондом Фольксваген провел исследовательский проект («Тальмарк»), направленный на разработку новой системы нотной записи для электронная музыка. [91]
Милтон Бэббит сочинил свою первую электронную работу с использованием синтезатора — «Композицию для синтезатора» (1961), которую он создал с использованием синтезатора RCA в Центре электронной музыки Колумбии-Принстона.
Для Бэббита синтезатор RCA стал мечтой по трем причинам. Во-первых, способность точно определять и контролировать каждый музыкальный элемент. Во-вторых, время, необходимое для реализации его сложных серийных структур, стало практически достижимым. В-третьих, вопрос больше не звучал так: «Каковы пределы возможностей человека-исполнителя?» а скорее «Каковы пределы человеческого слуха?» [92]
Сотрудничество также происходило через океаны и континенты. В 1961 году Усачевский пригласил Вареза в студию Колумбия-Принстон (CPEMC). По прибытии Варезе приступил к пересмотру Дезерта . Ему помогали Марио Давидовский и Бюлент Арел . [93]
Интенсивная деятельность, происходящая в CPEMC и других местах, вдохновила Мортона Суботника на создание в 1963 году Центра магнитофонной музыки в Сан-Франциско с дополнительными участниками Полиной Оливерос , Рамоном Сендером , Энтони Мартином и Терри Райли . [94]
Позже Центр переехал в Миллс-Колледж , которым руководила Полин Оливерос , и с тех пор был переименован в Центр современной музыки. [95] Пьетро Гросси был итальянским пионером компьютерной композиции и магнитофонной музыки, который впервые экспериментировал с электронными методами в начале шестидесятых. Гросси был виолончелистом и композитором, родившимся в Венеции в 1917 году. В 1963 году он основал S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze), чтобы экспериментировать с электронным звуком и композицией.
Одновременно в Сан-Франциско композитор Стэн Шафф и дизайнер оборудования Дуг МакИчерн представили первый концерт «Аудиум» в Государственном колледже Сан-Франциско (1962), за которым последовала работа в Музее современного искусства Сан-Франциско (1963), задуманная как в свое время. , управляемое движение звука в пространстве. Аудиторию окружали двенадцать динамиков, четыре динамика были установлены на вращающейся подвижной конструкции сверху. [96] В следующем году (1964) на выступлении SFMOMA музыкальный критик San Francisco Chronicle Альфред Франкенштейн прокомментировал: «Возможности пространственно-звукового континуума редко исследовались так широко». [96] В 1967 году открылся первый Аудиум , «звуково-пространственный континуум», в котором еженедельно проводились представления до 1970 года. В 1975 году, благодаря стартовому капиталу Национального фонда искусств , открылся новый Аудиум, спроектированный от пола до потолка для пространственная звуковая композиция и исполнение. [97] «Напротив, есть композиторы, которые манипулируют звуковым пространством, размещая несколько динамиков в разных местах пространства исполнения, а затем переключая или панорамируя звук между источниками. В этом подходе композиция пространственных манипуляций зависит от местоположения. динамиков и обычно использует акустические свойства корпуса. Примеры включают Poeme Electronique Варезе (музыкальная лента, исполненная в павильоне Philips на Всемирной выставке 1958 года в Брюсселе) и инсталляцию Audium Стэна Шаффа , в настоящее время действующую в Сан-Франциско». [98] [99] Посредством еженедельных программ (более 4500 за 40 лет) Шафф «лепит» звук, исполняя теперь оцифрованные пространственные произведения вживую через 176 динамиков. [100]
Жан-Жак Перри экспериментировал с методами Шеффера на ленточных петлях и был одним из первых, кто использовал недавно выпущенный синтезатор Moog, разработанный Робертом Мугом. На этом инструменте он написал несколько произведений с Гершоном Кингсли и соло. [101] Хорошо известным примером использования полноразмерного модульного синтезатора Moog от Moog является альбом Венди Карлос Switched-On Bach 1968 года , который вызвал повальное увлечение синтезаторной музыкой. [102] В 1969 году Дэвид Тюдор привез модульный синтезатор Moog и магнитофоны Ampex в Национальный институт дизайна в Ахмадабаде при поддержке семьи Сарабхай , сформировав основу первой в Индии студии электронной музыки. Здесь группа композиторов Джинрадж Джошипура, Гита Сарабхай, С. К. Шарма, И. С. Матур и Атул Десаи в период с 1969 по 1973 год разработали экспериментальные звуковые композиции. [103]
Музыкальные мелодии были впервые созданы компьютером CSIRAC в Австралии в 1950 году. В газетах Америки и Англии (в начале и в последнее время) появились сообщения о том, что компьютеры, возможно, воспроизводили музыку и раньше, но тщательные исследования опровергли эти истории, поскольку нет никаких доказательств, подтверждающих эту теорию. газетные сообщения (некоторые из которых были явно спекулятивными). Исследования показали, что люди размышляли о том, что компьютеры могут воспроизводить музыку, возможно, потому, что компьютеры издают шум, [104] но нет никаких доказательств того, что они действительно это делали. [105] [106]
Первым в мире компьютером, воспроизводящим музыку, был CSIRAC , который был спроектирован и построен Тревором Пирси и Мастоном Бирдом в 1950-х годах. Математик Джефф Хилл запрограммировал CSIRAC на воспроизведение популярных музыкальных мелодий самого начала 1950-х годов. В 1951 году он публично исполнил « Марш полковника Богги » [107] , записи которого не сохранились. Однако CSIRAC играл стандартный репертуар и не использовался для расширения музыкального мышления или композиторской практики, которая является современной практикой компьютерной музыки.
Первой музыкой, которая была исполнена в Англии, было исполнение британского национального гимна , которое было запрограммировано Кристофером Стрейчи на Ferranti Mark I в конце 1951 года. Позже в том же году короткие отрывки из трех пьес были записаны там внешним вещательным подразделением BBC . : Государственный гимн, « Ба, Ба, черная овца » и « В настроении », и это признано самой ранней записью компьютера для воспроизведения музыки. Эту запись можно послушать на сайте Манчестерского университета. Исследователи из Кентерберийского университета в Крайстчерче удалили и восстановили эту запись в 2016 году, и результаты можно услышать на SoundCloud . [108] [109] [64]
В конце 1950-х, 1960-х и 1970-х годах также наблюдалось развитие синтеза больших ЭВМ. Начиная с 1957 года Макс Мэтьюз из Bell Labs разрабатывал программы MUSIC, кульминацией которых стал MUSIC V , язык прямого цифрового синтеза. [110] Лори Шпигель разработала программное обеспечение для алгоритмической музыкальной композиции « Music Mouse » (1986) для компьютеров Macintosh , Amiga и Atari .
Важным новым событием стало появление компьютеров для сочинения музыки, а не для управления звуками или их создания. Яннис Ксенакис положил начало так называемой musique stochastique , или стохастической музыке , — методу сочинения музыки, использующему математические вероятностные системы. Для создания детали по набору параметров использовались разные вероятностные алгоритмы. Ксенакис использовал компьютеры для сочинения таких произведений, как ST/4 для струнного квартета и ST/48 для оркестра (оба 1962 года), [111] Morsima-Amorsima , ST/10 и Atrées . Он разработал компьютерную систему UPIC для преобразования графических изображений в музыкальные результаты и с ее помощью написал Mycènes Alpha (1978).
В Европе в 1964 году Карлхайнц Штокхаузен сочинил Mikrophonie I для там-тама , ручных микрофонов, фильтров и потенциометров, а также Mixtur для оркестра, четырех генераторов синусоидальных волн и четырех кольцевых модуляторов . В 1965 году он сочинил Mikrophonie II для хора, органа Хаммонда и кольцевых модуляторов. [112]
В 1966–1967 годах Рид Газала открыл и начал преподавать « изгиб цепи » — применение творческого короткого замыкания, процесса случайного короткого замыкания, создание экспериментальных электронных инструментов, исследование звуковых элементов преимущественно тембра и с меньшим учетом высоты тона. или ритм, и на него повлияла концепция алеаторической музыки Джона Кейджа [ sic ]. [113]
Исполнительское искусство и музыкальная карьера Кози Фанни Тутти исследовали концепцию «приемлемой» музыки, и она продолжила исследование использования звука как средства удовлетворения желания или дискомфорта. [114] [ не удалось проверить ]
Венди Карлос исполнила отрывки из своего альбома Switched-On Bach на сцене с синтезатором вместе с Симфоническим оркестром Сент-Луиса ; Еще одно живое выступление было с ансамблем Kurzweil Baroque Ensemble для "Bach at the Beacon" в 1997 году . В июне 2018 года Сюзанна Чиани выпустила LIVE Quadraphonic , концертный альбом, документирующий ее первое сольное выступление на синтезаторе Buchla за 40 лет. Это был один из первых релизов на квадрафоническом виниле за более чем 30 лет. [116]
В 1950-х годах [117] [118] японские электронные музыкальные инструменты начали оказывать влияние на международную музыкальную индустрию . [119] [120] Икутаро Какехаси , основавший Ace Tone в 1960 году, разработал свою собственную версию электронной перкуссии, которая уже была популярна на зарубежном электронном органе. [121] На выставке NAMM 1964 года он представил его как R-1 Rhythm Ace, перкуссионное устройство с ручным управлением, которое воспроизводило звуки электронных барабанов вручную, когда пользователь нажимал кнопки, аналогично современным электронным барабанным пэдам. [121] [122] [123]
_clip1.jpg/1280px-KORG_Donca_Matic_DA-20_(1963)_clip1.jpg)
В 1963 году Korg выпустила Donca-Matic DA-20 , электромеханическую драм-машину . [124] В 1965 году компания Nippon Columbia запатентовала полностью электронную драм-машину. [125] В 1966 году компания Korg выпустила электронную драм-машину Donca-Matic DC-11, за которой последовала модель Korg Mini Pops , которая была разработана как опция для электрооргана Yamaha Electone . [124] Серии Korg Stageman и Mini Pops отличались «натуральными металлическими перкуссионными» звуками и включали элементы управления для барабанных « брейков и вставок ». [120]
В 1967 году основатель Ace Tone Икутаро Какехаши запатентовал заранее установленный генератор ритм-паттернов с использованием диодной матричной схемы [126], аналогичный предыдущему патенту США Seeburg № 3,358,068, поданному в 1964 году (см. Драм-машина#История ), который он выпустил как FR- 1 драм-машина Rhythm Ace в том же году. [121] Он предлагал 16 предустановленных шаблонов и четыре кнопки для ручного воспроизведения звука каждого инструмента ( тарелки , клавы , колокольчик и большой барабан ). Ритм-паттерны также можно было объединять каскадом, одновременно нажимая несколько ритм-кнопок, а возможных комбинаций ритм-паттернов было более сотни. [121] Драм-машины Rhythm Ace от Ace Tone нашли свое применение в популярной музыке с конца 1960-х годов, а в 1970-х годах последовали драм-машины Korg. [120] Позже Какехаси покинул Ace Tone и в 1972 году основал Roland Corporation , где синтезаторы и драм-машины Roland стали очень влиятельными в течение следующих нескольких десятилетий. [121] В дальнейшем компания окажет большое влияние на популярную музыку и сделает больше для формирования популярной электронной музыки, чем любая другая компания. [123]
Тернтаблизм берет свое начало с изобретения проигрывателей с прямым приводом . Ранние проигрыватели с ременным приводом были непригодны для проигрывания проигрывателей, поскольку у них было медленное время запуска, и они были склонны к износу и поломке, поскольку ремень ломался из-за обратного вращения или царапин. [127] Первый проигрыватель с прямым приводом был изобретен Шуичи Обата, инженером компании Matsushita (ныне Panasonic ), [128] из Осаки , Япония. В нем отказались от ремней и вместо этого использовали двигатель, приводящий в движение диск, на котором лежит виниловая пластинка. [129] В 1969 году компания Matsushita выпустила его как SP-10 , [129] первый проигрыватель с прямым приводом на рынке, [130] и первый в их влиятельной серии проигрывателей Technics . [129] На смену ему пришли Technics SL-1100 и SL-1200 в начале 1970-х годов, и они получили широкое распространение среди хип-хоп музыкантов , [129] при этом SL-1200 оставался наиболее широко используемым проигрывателем в диджейской культуре на протяжении нескольких лет. десятилетия. [131]
На Ямайке в 1960-х годах возникла форма популярной электронной музыки — даб-музыка , уходящая корнями в культуру звуковой системы . Даб-музыка была впервые разработана студийными инженерами, такими как Сильван Моррис, Кинг Табби , Эррол Томпсон , Ли «Скретч» Перри и Ученый , создавшие экспериментальную музыку с влиянием регги с использованием электронных звуковых технологий в студиях звукозаписи и на вечеринках со звуковой системой. [132] Их эксперименты включали в себя формы композиции, основанной на пленках , сравнимой с аспектами musique concrète , акцент на повторяющихся ритмических структурах (часто лишенных их гармонических элементов), сравнимых с минимализмом , электронную манипуляцию пространственностью, звуковую электронную манипуляцию пре- записанные музыкальные материалы из средств массовой информации, диджеи, выпивающие заранее записанную музыку, сравнимую с живой электронной музыкой , [132] ремиксы на музыку, [133] вертушки , [134] а также сведение и скретчинг винила. [135]
Несмотря на ограниченное электронное оборудование, доступное пионерам дубляжа, таким как Кинг Табби и Ли «Скретч» Перри, их эксперименты в культуре ремиксов были передовыми в музыкальном плане. [133] Кинг Табби, например, был владельцем звуковой системы и техником по электронике, чья небольшая студия в гостиной в гетто Уотерхаус в западном Кингстоне была ключевым местом для создания даб-музыки. [136]
В конце 1960-х годов поп- и рок-музыканты, в том числе Beach Boys и The Beatles , начали использовать электронные инструменты, такие как терменвокс и меллотрон , чтобы дополнить и определить свое звучание. Первыми группами, использовавшими синтезатор Moog, были Doors on Strange Days [137] , а также Monkees on Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. В своей книге «Электронная и экспериментальная музыка» Том Холмс признает запись Битлз « Tomorrow Never Knows » 1966 года как песню, которая «открыла новую эру использования электронной музыки в рок- и поп-музыке» благодаря использованию группой кассет. петли, а также перевернутые и регулируемые по скорости звуки ленты. [138]
Также в конце 1960-х музыкальные дуэты Silver Apples , Beaver и Krause и экспериментальные рок-группы, такие как White Noise , United States of America , Fifty Foot Hose и Gong , за свою работу считались пионерами жанров электронного рока и электроники . в сочетании психоделического рока с генераторами и синтезаторами. [139] [140] [141] [142] [143] [144] Инструментальная композиция « Popcorn » 1969 года, написанная Гершоном Кингсли для Music To Moog By, имела всемирный успех благодаря версии 1972 года, выпущенной Hot Butter . [145] [146]
Синтезатор Moog стал мейнстримом в 1968 году благодаря альбому-бестселлеру Switched-On Bach , состоящему из композиций Баха в аранжировке для синтезатора Moog американского композитора Венди Карлос . Альбом добился критического и коммерческого успеха, выиграв в 1970 году премию «Грэмми» за лучший классический альбом , лучшее классическое исполнение — инструментальный солист или солисты (с оркестром или без него) и лучшую инженерную классическую запись .
В 1969 году Дэвид Борден сформировал первый в мире ансамбль синтезаторов под названием Mother Mallard's Portable Masterpiece Company в Итаке, штат Нью-Йорк. [147]
К концу 1960-х годов синтезатор Moog занял ведущее место в звучании зарождающегося прогрессив-рока, и такие группы, как Pink Floyd , Yes , Emerson, Lake & Palmer и Genesis , сделали их частью своего звучания. Инструментальный прог-рок имел особое значение в континентальной Европе, позволив таким группам, как Kraftwerk , Tangerine Dream , Cluster , Can , Neu! , и Фауст , чтобы обойти языковой барьер. [148] Их тяжелый синтезаторный « краут-рок », наряду с творчеством Брайана Ино (какое-то время клавишника в Roxy Music ), оказали большое влияние на последующий электронный рок . [149]
Эмбиент-даб был впервые разработан Кингом Табби и другими ямайскими звукорежиссерами с использованием эмбиент - электроники, вдохновленной ди-джеями, дополненной дропаутами, эхом, эквалайзером и психоделическими электронными эффектами. В нем использовались техники наложения слоев и элементы мировой музыки , глубокие басовые партии и гармонические звуки. [150] Также использовались такие методы, как длительная задержка эха. [151] Среди других известных исполнителей этого жанра — Dreadzone , Higher Intelligence Agency , The Orb , Ott , Loop Guru , Woob и Transglobal Underground . [152]
Даб-музыка повлияла на электронные музыкальные методы, которые позже были приняты в хип-хоп музыке , когда ямайский иммигрант диджей Кул Херк в начале 1970-х годов познакомил Америку с культурой звуковой системы Ямайки и методами даб-музыки. Одним из таких приемов, который стал популярным в культуре хип-хопа , было поочередное воспроизведение двух копий одной и той же пластинки на двух проигрывателях, расширяя любимую часть би-танцоров . [153] В конечном итоге проигрыватель стал самым заметным электронным музыкальным инструментом, а иногда и самым виртуозным в 1980-х и 1990-х годах. [134]
Электронный рок также был спродюсирован несколькими японскими музыкантами, в том числе « Electric Samurai: Switched on Rock» Исао Томиты (1972), в котором использовались синтезаторные исполнения Moog современных поп- и рок-песен, [154] и альбом прогрессивного рока Осаму Китадзимы « Benzaiten» ( 1972). 1974). [155] В середине 1970-х годов наблюдался подъем таких музыкантов электронной арт-музыки, как Жан-Мишель Жарр , Вангелис , Томита и Клаус Шульце , которые оказали значительное влияние на развитие музыки нью-эйдж . [150] Высокотехнологичная привлекательность этих работ в течение нескольких лет создала тенденцию указывать электронное музыкальное оборудование, используемое на обложках альбомов, в качестве отличительной особенности . Электронная музыка стала регулярно появляться в радиопрограммах и чартах бестселлеров, как, например, французская группа Space со своим дебютным студийным альбомом Magic Fly [156] или Жарр с Oxygène . [157] Между 1977 и 1981 годами Kraftwerk выпустили такие альбомы, как Trans-Europe Express , The Man-Machine или Computer World , которые повлияли на поджанры электронной музыки. [158]
В ту эпоху звучание рок-музыкантов, таких как Майк Олдфилд и The Alan Parsons Project (которому приписывают первую рок-песню The Raven 1975 года с цифровым вокодером ), обычно аранжировалось и смешивалось с электронными эффектами и/или музыкой, как ну, что стало гораздо более заметным в середине 1980-х годов. Джефф Уэйн добился длительного успеха [159] со своей электронной рок-музыкальной версией «Войны миров» 1978 года .
Музыка к фильмам также выигрывает от электронного звука. В 1970-х и 1980-х годах Венди Карлос написала музыку к фильмам «Заводной апельсин» , «Сияние» и «Трон» . [160] В 1977 году Джин Пейдж записал диско-версию популярной темы Джона Уильямса из фильма Стивена Спилберга «Близкие контакты третьего рода ». Версия Пейджа достигла 30-го места в чарте R&B . Музыка к фильму 1978 года « Полуночный экспресс» , написанная итальянским пионером синтезаторов Джорджио Мородером , получила премию « Оскар» за лучший оригинальный саундтрек в 1979 году , как и снова в 1981 году музыка Вангелиса к « Огненным колесницам» . [161] После появления панк-рока возникла форма базового электронного рока, все чаще использующая новые цифровые технологии для замены других инструментов. Американский дуэт Suicide , возникший на панк-сцене Нью-Йорка, использовал драм-машины и синтезаторы в гибриде электроники и панка в своем одноименном альбоме 1977 года . [162]
Среди новаторов синти-попа , пользовавшихся успехом на протяжении многих лет, — Ultravox с треком 1977 года "Hiroshima Mon Amour" на альбоме Ha!-Ha!-Ha! , [163] Yellow Magic Orchestra с одноименным альбомом (1978), The Buggles с выдающимся дебютным синглом 1979 года Video Killed the Radio Star , [164] Гэри Ньюман со своим сольным дебютным альбомом The Pleasure Principal и синглом Cars в 1979 году, [165] Orchestral Maneuvers in the Dark со своим синглом Electricity 1979 года вошли в их одноименный дебютный альбом Depeche Mode с их первым синглом Dreaming of Me , записанным в 1980 году и выпущенным в 1981 году альбомом Speak & Spell , [166] A Flock of Seagulls с их сингл Talking 1981 года , [167] New Order с Ceremony [168] в 1981 году и The Human League с хитом 1981 года Don't You Want Me из их третьего альбома Dare . [169]
.jpg/1280px-New_Order,_Chile_2019_(39751785423).jpg)
Определение MIDI и развитие цифрового звука значительно облегчили разработку чисто электронного звука, [170] благодаря тому, что звукоинженеры , продюсеры и композиторы часто исследовали возможности практически каждой новой модели электронного звукового оборудования, выпускаемого производителями. Синти-поп иногда использовал синтезаторы для замены всех других инструментов, но чаще в составе групп был один или несколько клавишников, а также гитаристы, басисты и/или барабанщики. Эти разработки привели к росту синти-попа, который после того, как он был принят движением « Новый романтик », позволил синтезаторам доминировать в поп- и рок-музыке начала 1980-х годов, пока в середине и конце концов этот стиль не начал терять популярность. десятилетия. [169] Наряду с вышеупомянутыми успешными пионерами, ключевыми артистами были Yazoo , Duran Duran , Spandau Ballet , Culture Club , Talk Talk , Japan и Eurythmics .
Синти-поп был популярен во всем мире, с такими международными хитами, как Men Without Hats , Trans-X и Lime из Канады, Telex из Бельгии, Peter Schilling , Sandra , Modern Talking , Propaganda и Alphaville из Германии, Yello из Швейцарии и Азул и Негр из Испании. Также синтезаторное звучание является ключевой особенностью итало-диско .
Некоторые синти-поп-группы создали для себя футуристические визуальные стили, чтобы укрепить идею электронного звучания, связанного прежде всего с технологиями, как, например, американцы Devo и испанцы Aviador Dro .
Клавишные синтезаторы стали настолько распространены, что даже хэви-метал- рок-группы, жанр, который поклонники обеих сторон часто считают противоположным по эстетике, звучанию и образу жизни исполнителям электронной поп-музыки, добились мирового успеха с такими темами, как Jump 1983 [171] Вана . Halen и 1986 The Final Countdown [172] от Europe , в которых заметное место занимают синтезаторы.
Elektronmusikstudio [sv] (EMS), ранее известная в Швеции как Electroacoustic Music, — шведский национальный центр электронной музыки и саунд-арта . Исследовательская организация была основана в 1964 году и базируется в Стокгольме.
.jpg/1280px-L'%C3%A9t%C3%A9_%C3%A0_Paris_(9276072323).jpg)
STEIM — центр исследований и разработок новых музыкальных инструментов в электронном исполнительском искусстве, расположенный в Амстердаме, Нидерланды. STEIM существует с 1969 года. Ее основали Миша Менгельберг , Луис Андриссен , Питер Шат , Дик Рэаймейкерс , Ян ван Влеймен [nl] , Рейнберт де Леу и Конрад Бемер . Эта группа голландских композиторов боролась за реформацию феодальных музыкальных структур Амстердама; они настояли на назначении Бруно Мадерны музыкальным руководителем оркестра Концертгебау и добились первого государственного финансирования экспериментальной и импровизированной электронной музыки в Нидерландах.
IRCAM в Париже стал крупным центром исследований компьютерной музыки, а также реализации и разработки компьютерной системы Sogitec 4X , [173] с революционной на тот момент цифровой обработкой сигналов в реальном времени. В «Répons » Пьера Булеза (1981) для 24 музыкантов и 6 солистов 4X использовался для преобразования и направления солистов на акустическую систему.
Барри Верко описывает один из своих опытов с ранними компьютерными звуками:
На выставке IRCAM в Париже в 1982 году флейтист Ларри Борегар подключил свою флейту к аудиопроцессору 4X ДиДжюньо, что позволило отслеживать высоту звука в реальном времени. В то время на Гуггенхайме я расширил эту концепцию до отслеживания партитуры в реальном времени с автоматическим синхронизированным аккомпанементом, и в течение следующих двух лет мы с Ларри неоднократно демонстрировали работу компьютера в качестве камерного музыканта, играя сонаты Генделя для флейты, Булеза . Сонатина для флейты и фортепиано, а в 1984 году — мой собственный Synapse II для флейты и компьютера — первое произведение, когда-либо написанное специально для такой установки . Основной проблемой был поиск правильных программных конструкций для поддержки высокочувствительного и оперативного аккомпанемента. Все это было до MIDI, но результаты были впечатляющими, даже несмотря на то, что большие дозы темпа рубато постоянно удивляли моего Synthetic Performer . В 1985 году мы решили проблему темпа рубато, включив обучение на репетициях (каждый раз, когда вы играли таким образом, машина становилась лучше). Мы также теперь следили за скрипкой, поскольку наш блестящий молодой флейтист заболел смертельным раком. Более того, в этой версии использовался новый стандарт под названием MIDI, и здесь мне умело помог бывший студент Миллер Пакетт, чьи первоначальные концепции для этой задачи он позже расширил в программу под названием MAX . [175]
Выпущенный в 1970 году компанией Moog Music , Mini-Moog был одним из первых широко доступных, портативных и относительно доступных синтезаторов. Когда-то он стал наиболее широко используемым синтезатором в то время как в популярной, так и в электронной музыке. [176] Патрик Глисон , выступая вживую с Херби Хэнкоком в начале 1970-х годов, был пионером в использовании синтезаторов в гастрольном контексте, где они подвергались стрессам, для которых ранние машины не были предназначены. [177] [178]
В 1974 году студия WDR в Кёльне приобрела синтезатор EMS Synthi 100 , который многие композиторы использовали для создания выдающихся электронных произведений, в том числе « Fünf deutsche Tänze » Рольфа Гельхаара (1975), «Sirius» Карлхайнца Штокхаузена (1975–1976) и Джона Макгуайра . с Pulse Music III (1978). [179]
Благодаря миниатюризации электроники в 1970-х, к началу 1980-х клавишные синтезаторы стали легче и доступнее, объединив в одном тонком блоке всю необходимую электронику для синтеза звука и саму клавиатуру фортепианного типа, что резко контрастировало с громоздкими механизмами. и « кабельные спагетти », использовавшиеся в 1960-х и 1970-х годах. Во-первых, с аналоговыми синтезаторами эта же тенденция последовала и в цифровых синтезаторах и сэмплерах (см. ниже).
В 1975 году японская компания Yamaha лицензировала алгоритмы синтеза частотной модуляции (FM-синтез) у Джона Чоунинга , который экспериментировал с ним в Стэнфордском университете с 1971 года. [180] [181] Инженеры Yamaha начали адаптировать алгоритм Чоунинга для использования в цифровой технике. синтезатор, добавив такие улучшения, как метод «ключевого масштабирования», чтобы избежать внесения искажений, которые обычно возникают в аналоговых системах во время частотной модуляции . [182]
В 1980 году Yamaha выпустила первый цифровой FM-синтезатор Yamaha GS-1, но по дорогой цене. [183] В 1983 году Yamaha представила первый автономный цифровой синтезатор DX7 , который также использовал FM-синтез и стал одним из самых продаваемых синтезаторов всех времен. [180] DX7 был известен своими узнаваемыми яркими тонами, что отчасти было связано с чрезвычайно высокой частотой дискретизации 57 кГц. [184]
Korg Poly-800 — синтезатор, выпущенный компанией Korg в 1983 году. Его первоначальная цена в 795 долларов сделала его первым полностью программируемым синтезатором, который продавался менее чем за 1000 долларов. Он имел 8-голосную полифонию с одним генератором с цифровым управлением (DCO) на голос.
Casio CZ-101 был первым и самым продаваемым синтезатором фазовых искажений в линейке Casio CZ . Выпущенный в ноябре 1984 года, он был одним из первых (если не первым) полностью программируемых полифонических синтезаторов, которые можно было купить менее чем за 500 долларов.
Roland D-50 — цифровой синтезатор, произведенный Roland и выпущенный в апреле 1987 года. Его функции включают субтрактивный синтез , встроенные эффекты, джойстик для манипулирования данными и дизайн макета в стиле аналогового синтеза. Внешний программатор Roland PG-1000 (1987–1990) также можно было подключить к D-50 для более сложных манипуляций с его звуками.
Сэмплер — это электронный или цифровой музыкальный инструмент , в котором используются звукозаписи (или « сэмплы ») звуков реальных инструментов (например, фортепиано, скрипки или трубы), отрывков из записанных песен (например, пятисекундного риффа бас-гитары из фанк- песня) или найденные звуки (например, сирены и океанские волны). Сэмплы загружаются или записываются пользователем или производителем. Эти звуки затем воспроизводятся с использованием самой программы сэмплера, MIDI-клавиатуры , секвенсора или другого запускающего устройства (например, электронных барабанов ) для исполнения или сочинения музыки. Поскольку эти образцы обычно хранятся в цифровой памяти, к информации можно быстро получить доступ. Один семпл часто может быть сдвинут по высоте на разные высоты для создания музыкальных гамм и аккордов .
До появления сэмплеров на базе компьютерной памяти музыканты использовали клавиатуры с воспроизведением ленты, которые хранят записи на аналоговой ленте. При нажатии клавиши головка ленты контактирует с движущейся лентой и воспроизводит звук. Меллотрон был самой известной моделью, использовавшейся многими группами в конце 1960-х и 1970-х годах, но такие системы были дорогими и тяжелыми из-за использования нескольких ленточных механизмов, а диапазон инструмента был ограничен максимум тремя октавами. Для изменения звука в инструмент пришлось установить новый комплект кассет. Появление цифрового сэмплера сделало сэмплирование гораздо более практичным.
Самая ранняя цифровая выборка была сделана в системе EMS Musys, разработанной Питером Грогоно (программное обеспечение), Дэвидом Кокереллом (аппаратное обеспечение и интерфейс) и Питером Зиновьевым (проектирование и эксплуатация системы) в их лондонской (Путни) студии c. 1969.
Первым коммерчески доступным сэмплерным синтезатором был Computer Music Melodian Гарри Менделла ( 1976).
Впервые выпущенный в 1977–1978 годах, [185] Synclavier I с использованием FM-синтезатора , повторно лицензированный у Yamaha , [186] и проданный в основном университетам, оказался очень влиятельным как среди композиторов электронной музыки, так и среди музыкальных продюсеров, включая Майка Торна . один из первых пользователей коммерческого мира благодаря своей универсальности, передовым технологиям и отличительному звуку.
Первым полифоническим цифровым семплирующим синтезатором был произведенный в Австралии Fairlight CMI , впервые доступный в 1979 году. Эти ранние синтезаторы сэмплирования использовали синтез на основе волновой таблицы . [187]
В 1980 году группа музыкантов и торговцев музыкой встретилась, чтобы стандартизировать интерфейс, который новые инструменты могли бы использовать для передачи команд управления другим инструментам и компьютерам. Этот стандарт получил название Musical Instrument Digital Interface ( MIDI ) и стал результатом сотрудничества ведущих производителей, первоначально Sequential Circuits , Oberheim , Roland , а позже и других участников, включая Yamaha , Korg и Kawai . [188] Статья была написана Дэйвом Смитом из Sequential Circuits и предложена Обществу аудиоинженеров в 1981 году. Затем, в августе 1983 года, Спецификация MIDI 1.0 была завершена.
Технология MIDI позволяет одним нажатием клавиши, движением колеса управления, движением педали или командой микрокомпьютера удаленно и синхронно активировать все устройства в студии, при этом каждое устройство реагирует в соответствии с условиями, заранее определенными композитором.
MIDI-инструменты и программное обеспечение сделали мощное управление сложными инструментами доступным для многих студий и частных лиц. Акустические звуки были реинтегрированы в студии посредством сэмплирования и инструментов на основе сэмплированных ПЗУ.
Миллер Пакетт разработал программное обеспечение для графической обработки сигналов для 4X под названием Max (в честь Макса Мэтьюза ), а затем портировал его на Macintosh (а Дэйв Зикарелли расширил его для Opcode ) [189] для управления MIDI в реальном времени, что сделало алгоритмическую композицию доступной большинству композиторов с скромный опыт компьютерного программирования.
В начале 1980-х годов наблюдался подъем басовых синтезаторов , наиболее влиятельным из которых стал Roland TB-303 , басовый синтезатор и секвенсор , выпущенный в конце 1981 года и позже ставший неотъемлемой частью электронной танцевальной музыки , [190] особенно кислотного хауса . [191] Одним из первых, кто его использовал, был Чаранджит Сингх в 1982 году, хотя он не получил популяризации до выхода Phuture « Acid Tracks » в 1987 году . [191] Музыкальные секвенсоры начали использоваться примерно в середине 20-го века, а альбомы Томиты в середине 1970-х годов являются более поздними примерами. [154] В 1978 году Yellow Magic Orchestra использовали компьютерные технологии в сочетании с синтезатором для создания популярной музыки, [ 192] впервые использовали микропроцессорный секвенсор Roland MC-8 Microcomposer . [193] [194] [ не удалось проверить ]
Драм-машины , также известные как ритм-машины, также начали использоваться примерно в конце 1950-х годов, более поздним примером стал прогрессивный рок-альбом Осаму Китадзимы Benzaiten (1974), в котором ритм-машина использовалась вместе с электронными барабанами и синтезатором. [155] В 1977 году песня Ultravox « Hiroshima Mon Amour » стала одним из первых синглов, в которых использовалась похожая на метроном перкуссия драм -машины Roland TR-77 . [163] В 1980 году корпорация Roland выпустила TR-808 , одну из первых и самых популярных программируемых драм-машин . Первой группой, которая использовала его, была Yellow Magic Orchestra в 1980 году, а позже он приобрел широкую популярность с выпуском « Sexual Healing » Марвина Гэя и « Planet Rock » Африки Бамбаатаа в 1982 году . 808 была фундаментальным инструментом на позднейшей техно-сцене Детройта в конце 1980-х годов и была выбрана драм-машиной Деррика Мэя и Хуана Аткинса . [196]
Характерный lo-fi звук чиповой музыки изначально был результатом технических ограничений звуковых чипов ранних компьютеров и звуковых карт ; однако с тех пор этот звук сам по себе стал востребованным.
Обычные дешевые популярные звуковые чипы первых домашних компьютеров 1980-х годов включают SID серий Commodore 64 и General Instrument AY, а также их клоны (например, Yamaha YM2149), используемые в ZX Spectrum , Amstrad CPC , MSX- совместимых моделях и моделях Atari ST , среди другие.
Синти-поп продолжался и в конце 1980-х, в формате, который приблизился к танцевальной музыке, включая работы таких групп, как британские дуэты Pet Shop Boys , Erasure и The Communards , добившиеся успеха на протяжении большей части 1990-х.
Эта тенденция сохраняется и по сей день: современные ночные клубы по всему миру регулярно играют электронную танцевальную музыку (EDM). Сегодня электронная танцевальная музыка имеет радиостанции, [197] веб-сайты, [198] и такие издания, как Mixmag , посвященные исключительно этому жанру. Несмотря на попытку индустрии создать особый бренд EDM, инициализм по-прежнему используется как общий термин для нескольких жанров, включая танцевальную поп-музыку , хаус , техно , электро и транс , а также их соответствующие поджанры. [199] [200] [201] Более того, этот жанр обрел коммерческое и культурное значение в Соединенных Штатах и Северной Америке благодаря бешено популярному звуку big room house /EDM, который был включен в поп-музыку США [202] и рост масштабных коммерческих рейвов , таких как Electric Daisy Carnival , Tomorrowland и Ultra Music Festival .
С другой стороны, широкая группа музыкальных стилей, основанных на электронной музыке, предназначенных для прослушивания, а не только для танцев, стала известна под эгидой « электроника » [203] [204] , которая также была музыкальной сценой в начале 1990-х годов в Соединенном Королевстве. . [204] Согласно статье Billboard 1997 года , «союз клубного сообщества и независимых лейблов » обеспечил экспериментальную и определяющую тенденции среду, в которой электроника развивалась и в конечном итоге достигла мейнстрима, ссылаясь на такие американские лейблы, как Astralwerks ( The Chemical Brothers). , Fatboy Slim , The Future Sound of London , Fluke ), Moonshine ( DJ Keoki ), Sims и City of Angels ( The Crystal Method ) за популяризацию последней версии электронной музыки. [ нужна цитата ]
Категория «инди-электроника» (или «индитроника») [205] использовалась для обозначения волны групп, уходящих корнями в независимый рок , которые использовали электронные элементы (такие как синтезаторы, сэмплеры, драм-машины и компьютерные программы) и влияли на такие как ранние электронные композиции, краут-рок, синти-поп и танцевальная музыка. [206] Записи обычно производятся на ноутбуках с использованием цифровых аудио рабочих станций . [205]
Первая волна инди-исполнителей электронной музыки началась в 1990-х годах с таких групп, как Stereolab (которые использовали винтажное оборудование) и Disco Inferno (которые использовали современную технологию сэмплирования), а в 2000-х жанр расширился, когда домашняя запись и программные синтезаторы стали широко использоваться. . [206] Другие действия включали Broadcast , Lali Puna , Múm , The Postal Service , Skeletons и School of Seven Bells . [206] Независимые лейблы, связанные со стилем, включают Warp , Morr Music , Sub Pop и Ghostly International . [206]
Поскольку компьютерные технологии стали более доступными, а музыкальное программное обеспечение продвинулось вперед, взаимодействие с технологией производства музыки теперь возможно с использованием средств, не имеющих никакого отношения к традиционным практикам музыкального исполнения : [207] например, исполнение на ноутбуке ( laptronica ), [208] живое кодирование . [209] [210] и Альгораве . В общем, термин Live PA относится к любому живому исполнению электронной музыки, будь то на ноутбуках, синтезаторах или других устройствах.
Примерно с 2000 года появилось несколько программных виртуальных студийных сред, и такие продукты, как Reason Propellerhead и Ableton Live, стали популярными. [211] Такие инструменты представляют собой жизнеспособную и экономически эффективную альтернативу типичным аппаратным производственным студиям, а благодаря достижениям в области микропроцессорных технологий теперь можно создавать высококачественную музыку, используя чуть больше, чем один портативный компьютер. Такие достижения демократизировали создание музыки, [212] что привело к массовому увеличению количества домашней электронной музыки, доступной широкой публике через Интернет. Программные инструменты и блоки эффектов (так называемые «плагины») могут быть встроены в компьютерную студию с использованием платформы VST. Некоторые из этих инструментов являются более или менее точными копиями существующего оборудования (например, Roland D-50, ARP Odyssey, Yamaha DX7 или Korg M1). [ нужна цитата ]
Изгиб цепи — это модификация игрушек и синтезаторов с батарейным питанием для создания новых непреднамеренных звуковых эффектов. Впервые этот метод был предложен Ридом Газалой в 1960-х годах, а Рид придумал название «изгиб цепи» в 1992 году. [213]
Следуя культуре изгибания схем, музыканты также начали создавать свои собственные модульные синтезаторы, что вызвало новый интерес к разработкам начала 1960-х годов. Eurorack стал популярной системой.
.
史のあいだに自社製造のクロダトーン...の販売、設置をおこなってきましたが、[2007 ]クロダオルガン株式会社廃業...[Kuroda Organ Co., Ltd. (основанная в 1955 году, распущенная в 2007 году) продавала и устанавливала Kurodatone собственного производства... в течение примерно 50 лет истории, но [в 2007 году] Croda Organ закрыла дело...]
[JVC] Разработан первый в Японии электронный орган, 1958 год.. Примечание . Первой моделью JVC была «EO-4420» в 1958 году. См. также статью в японской Википедии: «w:ja:ビクトロン#機種».
разработка [и выпуск] в 1959 году полностью транзисторного электронного органа Electone, первого в успешной серии электронных инструментов Yamaha. Это стало важной вехой для музыкальной индустрии Японии.. Примечание : первой моделью Yamaha была D-1, выпущенная в 1959 году».
Да, как в случае с доктором Берни Краузе, наиболее известным сегодня как декан развивающейся области экологии звукового ландшафта и один из главных хранителей собственной музыки природы. Мало кто сегодня помнит, что он также сыграл важную роль в открытии эпохи синтезаторов. Краузе и его музыкальный партнер Пол Бивер оказались пионерами музыкального жанра, который мы сейчас называем «электроникой».
Певица и поэтесса Джилли Смит, скончавшаяся в возрасте 83 лет, вместе со своим партнером Дэвидом Алленом в 1967 году основала группу Gong. Скачкообразный, свободный, часто атональный вокальный стиль Смит, который она описала как «музыкальный ландшафт», стал неотъемлемым компонентом космического звучания Гонга и со временем оказал влияние на электронику и техно-музыку.
L'ordinateur nous permet de franchir une nouvelle étape quant à la définition et au codage des sons, et permet de créer des groups qui dépassent en complexité et en précision les possibilités d'antan. Метод композиции, который я предлагаю, включает в себя дополнительные этапы и необходимую терминологию, простую, которую мы определяем по меху и размеру: трамваи, брусчатка, брикеты и модули.
Техника синтеза электронной музыки, изобретенная профессором музыки Джоном Чоунингом, принесла более 20 миллионов долларов благодаря эксклюзивной лицензии японской корпорации Yamaha, которая использовала эту технологию в своем синтезаторе DX-7, чрезвычайно популярном в 1980-х годах.
{{citation}}: CS1 maint: location missing publisher (link)
СМИ, связанные с электронной музыкой, на Викискладе?