Классическое голливудское кино — это термин, используемый в кинокритике для описания как повествовательного, так и визуального стиля кинопроизводства, который впервые развился в 1910-1920-х годах, в последние годы эпохи немого кино . Затем он стал характерным для американского кино во время Золотого века Голливуда , примерно между 1927 (с появлением звукового кино ) и 1960 годами . [1] В конечном итоге он стал самым мощным и распространенным стилем кинопроизводства во всем мире. [2]
Подобные или связанные термины включают классическое голливудское повествование , Золотой век Голливуда , Старый Голливуд и классическую преемственность . [3] Этот период также называют студийной эрой , которая также может включать в себя фильмы поздней немой эпохи. [1]
На протяжении тысячелетий единственным визуальным эталоном повествовательного искусства повествования был театр . Начиная с первых повествовательных фильмов в середине-конце 1890-х годов, кинематографисты стремились передать силу живого театра на экране кинотеатра. Большинство из этих режиссеров начинали как режиссеры на сцене конца XIX века, и аналогичным образом большинство киноактеров имели корни в водевиле (например, « Братья Маркс» [4] ) или театральных мелодрамах. Визуально ранние повествовательные фильмы мало адаптировались со сцены, а их повествования очень мало адаптировались из водевиля и мелодрамы. До появления визуального стиля, который стал известен как «классическая непрерывность», сцены снимались полностью и использовали тщательно поставленную постановку для изображения сюжета и отношений персонажей. Техника редактирования была крайне ограничена и в основном состояла из написания объектов крупным планом для их разборчивости.
_2.jpg/1280px-The_Birth_of_a_Nation_(1915)_2.jpg)
Несмотря на отсутствие реальности, присущей сцене, фильм (в отличие от сцены) предлагает свободу манипулировать видимым временем и пространством и, таким образом, создавать иллюзию реализма – то есть временной линейности и пространственной непрерывности. К началу 1910-х годов, когда «потерянное поколение» достигло совершеннолетия, кинопроизводство начало реализовывать свой художественный потенциал. В Швеции и Дании этот период позже будет известен как «Золотой век» фильма; В Америке этот художественный сдвиг приписывается таким режиссерам, как Д. У. Гриффит, который наконец разорвал хватку Edison Trust и стал снимать фильмы независимыми от производственной монополии. Фильмы во всем мире начали заметно перенимать визуальные и повествовательные элементы, которые можно найти в классическом голливудском кино. 1913 год был особенно плодотворным для этого жанра, поскольку режиссеры-новаторы из нескольких стран сняли такие фильмы, как « Материнское сердце» (Д. У. Гриффит), «Ингеборг Хольм» ( Виктор Шёстрём ) и «Парижский ребенок» ( Леонс Перре ), которые установили новые стандарты для киноиндустрии. фильм как форма повествования. Это был также год, когда Евгений Бауэр (первый настоящий кинохудожник, по мнению Жоржа Садуля [5] ) начал свою короткую, но плодотворную карьеру. [6]
В мире в целом и в Америке в частности влияние Гриффита на кинопроизводство было непревзойденным. Не менее влиятельными были его актеры, адаптировавшие свои выступления к новой среде. Лилиан Гиш , звезда короткометражного фильма «Материнское сердце» , особенно известна своим влиянием на технику исполнения на экране. Эпос Гриффита 1915 года «Рождение нации», в котором также снимался Гиш, стал новаторским для кино как средства повествования – шедевр литературного повествования с многочисленными инновационными визуальными приемами. [7] Этот фильм положил начало столь большим достижениям в американском кино, что через несколько лет он устарел. [8] Хотя 1913 год стал мировой вехой в кинопроизводстве, 1917 год был в первую очередь американским; Эпоха «классического голливудского кино» отличается повествовательным и визуальным стилем, который начал доминировать в киноиндустрии Америки к 1917 году .
The narrative and visual style of classical Hollywood style developed further after the transition to sound-film production. The primary changes in American filmmaking came from the film industry itself, with the height of the studio system. This mode of production, with its reigning star system promoted by several key studios,[10] had preceded sound by several years. By mid-1920, most of the prominent American directors and actors, who had worked independently since the early 1910s, had to become a part of the new studio system to continue to work.
The beginning of the sound era itself is ambiguously defined. To some, it began with The Jazz Singer, which was released in 1927, when the Interbellum Generationers became of age and increased box-office profits for films as sound was introduced to feature films.[11] To others, the era began in 1929, when the silent age had definitively ended.[12][better source needed] Most Hollywood pictures from the late 1920s to 1960s adhered closely to a genre — Western, slapstick comedy, musical, animated cartoon, and biopic (biographical picture) — and the same creative teams often worked on films made by the same studio. For instance, Cedric Gibbons and Herbert Stothart always worked on MGM films; Alfred Newman worked at 20th Century Fox for twenty years; Cecil B. DeMille's films were almost all made at Paramount Pictures;[13] and director Henry King's films were mostly made for Twentieth Century Fox. Similarly, actors were mostly contract players. Film historians and critics note that it took about a decade for films to adapt to sound and return to the level of artistic quality of the silents, which they did in the late 1930s when the Greatest Generationers became of age.[citation needed]
Многие великие произведения кино, появившиеся в этот период, представляли собой строго регламентированное кинопроизводство. Одна из причин, по которой это стало возможным, заключается в том, что, поскольку было снято так много фильмов, не каждый из них должен был иметь большой успех. Студия могла бы сделать ставку на среднебюджетный фильм с хорошим сценарием и относительно неизвестными актерами. Так было с «Гражданином Кейном» (1941), снятым Орсоном Уэллсом и считающимся одним из величайших фильмов всех времен . Другие волевые режиссеры, такие как Говард Хоукс , Альфред Хичкок и Фрэнк Капра , боролись со студиями, чтобы реализовать свои художественные замыслы. Апогеем студийной системы, возможно, стал 1939 год, когда были выпущены такие классические произведения, как « Волшебник страны Оз» ; Унесенные ветром ; Горбун из Нотр-Дама ; Дилижанс ; Г-н Смит едет в Вашингтон ; Дестри снова едет ; Молодой мистер Линкольн ; Грозовой перевал ; Только у ангелов есть крылья ; Ниночка ; Бо Жесте ; Малышки на руках ; Гунга Дин ; Женщина ; До свидания, мистер Чипс ; и «Ревущие двадцатые» . [14]
Визуально-повествовательный стиль классического голливудского кино, разработанный Дэвидом Бордуэллом , [15] находился под сильным влиянием идей Возрождения и его возрождения человечества в качестве фокуса. Его выделяют на трех общих уровнях: устройства, системы и отношения систем.
Приемы, наиболее присущие классическому голливудскому кино, — это приемы непрерывного монтажа . Сюда входит правило 180 градусов , один из основных визуально-пространственных элементов монтажа непрерывности. Правило 180 градусов соответствует стилю «сфотографированной игры», создавая воображаемую ось в 180 градусов между зрителем и кадром, что позволяет зрителям четко ориентироваться в положении и направлении действия в сцене. Согласно правилу 30 градусов , сокращение угла, под которым просматривается сцена, должно быть достаточно значительным, чтобы зритель мог понять цель изменения перспективы. Монтажные работы, не соответствующие правилу 30 градусов, известные как монтажные работы в прыжке , разрушают иллюзию временной непрерывности между кадрами. Правила 180 и 30 градусов — это элементарные рекомендации в кинопроизводстве, которые более чем на десять лет предшествовали официальному началу классической эры, как это видно из новаторского французского фильма 1902 года « Путешествие на Луну ». Техники вырезания в классическом монтаже непрерывности служат для того, чтобы помочь установить или сохранить непрерывность, как в поперечном монтаже , который устанавливает совпадение действий в разных местах. Допускаются переходные монтажи в виде осевого разреза , который вообще не меняет угол съемки, но имеет четкую цель показать перспективу ближе или дальше от объекта съемки и, следовательно, не нарушает временную непрерывность. [16]
Классическое повествование всегда идет посредством психологической мотивации, т. е. воли человеческого персонажа и его борьбы с препятствиями на пути к определенной цели. Этот элемент повествования обычно состоит из основного повествования (например, любовного романа), переплетенного со вторичным повествованием или повествованиями. Это повествование имеет четко выраженное начало, середину и конец, и, как правило, имеет четко выраженную развязку. Использование действующих лиц, событий, причинно-следственных связей, основных и второстепенных моментов — основные характеристики этого типа повествования. Персонажи классического голливудского кино обладают ярко выраженными чертами характера, активны и очень целеустремленны. Они являются причинными агентами, движимыми скорее психологическими, чем социальными проблемами. [2] Повествование представляет собой причинно-следственную цепочку с причинными агентами – в классическом стиле события не происходят случайно.
Время в классическом Голливуде непрерывно, линейно и однородно, поскольку нелинейность привлекает внимание к иллюзорной работе среды. Единственная допустимая манипуляция временем в этом формате — флэшбэк . Чаще всего он используется для представления последовательности символов в памяти, например , Касабланка . [17]
Величайшим правилом классической непрерывности пространства является постоянство объекта: зритель должен верить, что сцена существует вне кадра кинематографического кадра, чтобы сохранить реалистичность картины. Обработка пространства в классическом Голливуде стремится преодолеть или скрыть двумерность фильма («невидимый стиль») и в значительной степени сосредоточена на человеческом теле. Большинство кадров в классическом фильме сосредоточено на жестах или мимике (средне-длинные и средние планы ). Андре Базен однажды сравнил классический фильм с сфотографированной пьесой в том смысле, что события кажутся существующими объективно, а камеры дают нам только лучшее представление о всей пьесе. [18]
Такая трактовка пространства состоит из четырех основных аспектов: центрирование, балансировка, фронтальность и глубина. Значимые люди или объекты находятся в основном в центральной части кадра и никогда не выходят за рамки фокуса. Балансировка относится к визуальной композиции, т. е. персонажи равномерно распределены по кадру. Действие тонко обращено к зрителю (фронтальность) и декорации , освещение (преимущественно трехточечное освещение , особенно светотеневое ), а костюмы призваны отделить передний план от заднего (глубина).
Новый Голливуд середины 1960-х - начала 1980-х годов находился под влиянием романтизма классической эпохи [19] , как и французская Новая волна . [20]
Они были включены в список Американского института кино, включающий 25 величайших легенд кино среди мужчин и 25 женщин в истории американского кино. [21] По состоянию на 2024 год Софи Лорен (89) является единственной живой звездой в списке.
Кинопортал
Портал 1920-х годов
Портал 1930-х годов_burning_after_the_Japanese_attack_on_Pearl_Harbor_-_NARA_195617_-_Edit.jpg/1280px-The_USS_Arizona_(BB-39)_burning_after_the_Japanese_attack_on_Pearl_Harbor_-_NARA_195617_-_Edit.jpg){kind=small}
Портал 1940-х годов
Портал 1950-х годов
Портал 1960-х годов