_2.jpg/1280px-Albrecht_D%C3%BCrer_-_Adam_and_Eve_(Prado)_2.jpg)
.jpg/1280px-Tiziano_-_Amor_Sacro_y_Amor_Profano_(Galer%C3%ADa_Borghese,_Roma,_1514).jpg)
Искусство эпохи Возрождения (1350–1620 [1] ) — это живопись, скульптура и декоративно-прикладное искусство периода европейской истории, известного как Ренессанс , который возник как отдельный стиль в Италии около 1400 г. н. э. параллельно с событиями, которые происходили в философии , литературе , музыке , науке и технике . [2] Искусство эпохи Возрождения взяло за основу искусство античности , воспринимаемое как благороднейшая из древних традиций, но трансформировало эту традицию, впитав в себя недавние события в искусстве Северной Европы и применив современные научные знания. Вместе с гуманистической философией эпохи Возрождения оно распространилось по всей Европе, влияя как на художников, так и на их покровителей развитием новых техник и новых художественных восприятий. Для историков искусства искусство эпохи Возрождения знаменует собой переход Европы от средневекового периода к раннему Новому времени.
Корпус искусства, включая живопись, скульптуру, архитектуру, музыку и литературу, определяемый как «искусство эпохи Возрождения», в основном создавался в XIV, XV и XVI веках в Европе под совместным влиянием возросшего осознания природы, возрождения классического обучения и более индивидуалистического взгляда на человека. [3] Ученые больше не считают, что Ренессанс ознаменовал резкий разрыв со средневековыми ценностями, как предполагает французское слово renaissance , буквально означающее «возрождение». Во многих частях Европы искусство раннего Возрождения создавалось параллельно с искусством позднего Средневековья .
Многие влияния на развитие мужчин и женщин эпохи Возрождения в начале 15 века были приписаны возникновению искусства эпохи Возрождения; они те же, что повлияли на философию, литературу, архитектуру, теологию, науку, правительство и другие аспекты общества. Следующий список представляет собой сводку изменений социальных и культурных условий, которые были определены как факторы, способствовавшие развитию искусства эпохи Возрождения. Каждый из них более подробно рассматривается в основных статьях, цитируемых выше. Ученые периода Возрождения сосредоточились на современной жизни и способах улучшения человеческой жизни. Они не уделяли особого внимания средневековой философии или религии. В этот период ученые и гуманисты, такие как Эразм, Данте и Петрарка, критиковали суеверные верования, а также подвергали их сомнению. [4] Концепция образования также расширила свой спектр и больше сосредоточилась на создании «идеального человека», который имел бы справедливое понимание искусств, музыки, поэзии и литературы и был бы способен ценить эти аспекты жизни.
_adj.jpg/1280px-Giotto_-_Scrovegni_-_-36-_-_Lamentation_(The_Mourning_of_Christ)_adj.jpg)
В Италии в конце XIII и начале XIV веков скульптура Николы Пизано и его сына Джованни Пизано , работавших в Пизе , Сиене и Пистойе, демонстрирует ярко выраженные тенденции классицизма, вероятно, под влиянием знакомства этих художников с древнеримскими саркофагами . Их шедеврами являются кафедры Баптистерия и Пизанского собора .
Современник Джованни Пизано, флорентийский художник Джотто разработал манеру фигуративной живописи, которая была беспрецедентно натуралистической, трехмерной, реалистичной и классицистской по сравнению с манерой его современников и учителя Чимабуэ . Джотто, величайшим произведением которого является цикл «Жизнь Христа в капелле Арена в Падуе », рассматривался биографом XVI века Джорджо Вазари как «спаситель и реставратор искусства» от «грубого, традиционного, византийского стиля», распространенного в Италии в XIII веке.
Хотя и у Пизано, и у Джотто были ученики и последователи, первые по-настоящему художники эпохи Возрождения появились во Флоренции только в 1401 году, когда состоялся конкурс на создание набора бронзовых дверей баптистерия Флорентийского собора , в котором приняли участие семь молодых скульпторов, включая Брунеллески , Донателло и победителя Лоренцо Гиберти . Брунеллески, наиболее известный как архитектор купола Флорентийского собора и церкви Сан-Лоренцо , создал ряд скульптурных работ, в том числе распятие в натуральную величину в Санта-Мария-Новелла , известное своим натурализмом . Считается, что его исследования перспективы оказали влияние на художника Мазаччо . Донателло стал известен как величайший скульптор Раннего Возрождения, его шедеврами стали гуманистическая и необычайно эротичная статуя Давида , одна из икон Флорентийской республики , и его великий памятник Гаттамелате , первая большая конная бронзовая скульптура, созданная со времен Римской империи.
Современник Донателло, Мазаччо, был живописным потомком Джотто и начал Раннее Возрождение в итальянской живописи в 1425 году, продвигая тенденцию к основательности формы и натурализму лица и жеста, которую Джотто начал столетием ранее. С 1425 по 1428 год Мазаччо выполнил несколько картин на панелях, но наиболее известен циклом фресок, который он начал в капелле Бранкаччи со старшим художником Мазолино и который оказал глубокое влияние на более поздних художников, включая Микеланджело . Развитие Мазаччо было продолжено в картинах Фра Анджелико , особенно в его фресках в монастыре Сан Марко во Флоренции.
Обработка элементов перспективы и света в живописи была предметом особого интереса для флорентийских художников XV века. Уччелло был настолько одержим попытками добиться видимости перспективы, что, по словам Джорджо Вазари , это мешало ему спать. Его решения можно увидеть в его шедевральном цикле из трех картин, Битва при Сан-Романо , который, как полагают, был завершен к 1460 году. Пьеро делла Франческа провел систематические и научные исследования как световой, так и линейной перспективы, результаты которых можно увидеть в его цикле фресок История Истинного Креста в Сан-Франческо, Ареццо .
В Неаполе художник Антонелло да Мессина начал использовать масляные краски для портретов и религиозных картин в то время, когда это делали другие итальянские художники, возможно, около 1450 года. Он перенес эту технику на север и оказал влияние на художников Венеции . Одним из самых значительных художников Северной Италии был Андреа Мантенья , который украсил интерьер комнаты, Камеры дельи Спози, для своего покровителя Лодовико Гонзага , поместив портреты семьи и двора в иллюзорное архитектурное пространство.
Конец периода Раннего Возрождения в итальянском искусстве отмечен, как и его начало, особым заказом, который объединил художников, на этот раз в сотрудничестве, а не в конкуренции. Папа Сикст IV перестроил Папскую капеллу, назвал ее в свою честь Сикстинской и поручил группе художников, Сандро Боттичелли , Пьетро Перуджино , Доменико Гирландайо и Козимо Росселли, украсить ее стены циклами фресок, изображающими Жизнь Христа и Жизнь Моисея. В шестнадцати больших картинах художники, хотя каждый работал в своем индивидуальном стиле, пришли к согласию относительно принципов формата и использовали приемы освещения, линейной и воздушной перспективы, анатомии, ракурса и характеристики, которые были доведены до высшей точки в крупных флорентийских студиях Гиберти, Верроккьо, Гирландайо и Перуджино.
Художниками Нидерландов в этот период были Ян ван Эйк , его брат Хуберт ван Эйк , Роберт Кампен , Ганс Мемлинг , Рогир ван дер Вейден и Гуго ван дер Гус . Их живопись развивалась отчасти независимо от живописи раннего итальянского Возрождения и без влияния преднамеренного и осознанного стремления возродить античность.
Стиль живописи вырос непосредственно из средневековой живописи темперой , на панелях и иллюминированных рукописях , а также других форм, таких как витражи ; среда фрески была менее распространена в Северной Европе. Используемой средой была масляная краска , которая долгое время использовалась для росписи кожаных церемониальных щитов и амуниции, поскольку она была гибкой и относительно долговечной. Самые ранние нидерландские масляные картины скрупулезны и подробны, как картины темперой. Материал подходил для изображения тональных изменений и текстуры, что облегчало наблюдение за природой в мельчайших подробностях.
Голландские художники не подходили к созданию картины через рамки линейной перспективы и правильных пропорций. Они сохраняли средневековый взгляд на иерархическую пропорцию и религиозный символизм, наслаждаясь при этом реалистичной трактовкой материальных элементов, как природных, так и созданных человеком. Ян ван Эйк, со своим братом Хубертом, написал Алтарь Мистического Агнца . Вероятно, что Антонелло да Мессина познакомился с работой Ван Эйка, находясь в Неаполе или на Сицилии. В 1475 году Алтарь Портинари Хуго ван дер Гуса прибыл во Флоренцию, где он оказал глубокое влияние на многих художников, прежде всего на Доменико Гирландайо , который написал алтарь, имитирующий его элементы.
Весьма значительным нидерландским художником конца периода был Иероним Босх , который использовал тип причудливых форм, которые часто использовались для украшения границ и букв в иллюминированных рукописях, сочетая растительные и животные формы с архитектурными. Будучи взятыми из контекста иллюминации и населенными людьми, эти формы придают картинам Босха сюрреалистическое качество, не имеющее аналогов в творчестве любого другого художника эпохи Возрождения. Его шедевр — триптих « Сад земных наслаждений» .
Художники Франции (включая герцогства, такие как Бургундское ) часто были связаны с дворами, предоставляя иллюминированные рукописи и портреты для знати, а также религиозные картины и алтарные образы. Среди самых известных были братья Лимбург , фламандские иллюминаторы и создатели иллюминации рукописей Великолепного часослова герцога Беррийского . Жан Фуке , художник королевского двора, посетил Италию в 1437 году и отражает влияние флорентийских художников, таких как Паоло Уччелло. Хотя Фуке наиболее известен своими портретами, такими как портрет Карла VII Французского , он также создавал иллюминации и считается изобретателем портретной миниатюры .
В то время было несколько художников, которые писали известные алтарные образы, стилистически весьма отличающиеся как от итальянских, так и от фламандских. Среди них две загадочные фигуры: Энгерран Картон , которому приписывают Пьету Вильнёв-лез-Авиньон , и Жан Эй , также известный как «Мастер Мулена» после его самой известной работы — Алтаря Мулена. В этих работах реализм и пристальное наблюдение за человеческой фигурой, эмоциями и освещением сочетаются со средневековой формальностью, включающей позолоченные фоны.
«Универсальный гений» Леонардо да Винчи еще больше усовершенствовал аспекты изобразительного искусства (освещение, линейная и атмосферная перспектива, анатомия, ракурс и характеристика), которые занимали художников Раннего Возрождения в течение всей жизни, изучая и тщательно записывая свои наблюдения за природным миром. Его принятие масляной краски в качестве основного средства означало, что он мог изображать свет и его воздействие на ландшафт и объекты более естественно и с большим драматическим эффектом, чем когда-либо прежде, как это было продемонстрировано в « Моне Лизе» (1503–1506). Его вскрытие трупов продвинуло понимание скелетной и мышечной анатомии, как это видно в незаконченном «Святом Иерониме в пустыне» (ок. 1480). Его изображение человеческих эмоций в «Тайной вечере» , завершенной в 1495–1498 годах, установило эталон религиозной живописи.
Искусство младшего современника Леонардо, Микеланджело, приняло совершенно иное направление. Микеланджело ни в своей живописи, ни в своей скульптуре не проявляет никакого интереса к наблюдению за каким-либо природным объектом, кроме человеческого тела. Он усовершенствовал свою технику его изображения, когда ему было около двадцати лет, создав огромную мраморную статую Давида и группу Пьета в соборе Святого Петра в Риме. Затем он приступил к исследованию выразительных возможностей человеческой анатомии. Его заказ от папы Юлия II на роспись потолка Сикстинской капеллы привел к созданию величайшего шедевра фигуративной композиции, который оказал глубокое влияние на каждое последующее поколение европейских художников. [8] Его более поздняя работа, Страшный суд , написанная на алтарной стене Сикстинской капеллы между 1534 и 1541 годами, демонстрирует стиль маньеризма (также называемый Поздним Возрождением) с в целом удлиненными телами, который пришел на смену стилю Высокого Возрождения между 1520 и 1530 годами.
Наряду с Леонардо и Микеланджело третьим великим художником Высокого Возрождения был младший Рафаэль , который за короткую жизнь написал большое количество реалистичных и интересных портретов, включая портреты папы Юлия II и его преемника папы Льва X , а также многочисленные изображения Мадонны с младенцем Христом, включая « Сикстинскую Мадонну» . Его смерть в 1520 году в возрасте 37 лет многие историки искусства считают концом периода Высокого Возрождения, хотя некоторые отдельные художники продолжали работать в стиле Высокого Возрождения в течение многих лет после этого.
В Северной Италии Высокое Возрождение представлено в основном представителями венецианской школы, особенно поздними работами Джованни Беллини , особенно религиозными картинами, которые включают несколько больших алтарных образов типа, известного как « Священная беседа », на которых изображена группа святых вокруг восседающей на троне Мадонны. Его современник Джорджоне , который умер в возрасте около 32 лет в 1510 году, оставил небольшое количество загадочных работ, включая «Бурю» , тема которой осталась предметом спекуляций. Самые ранние работы Тициана датируются эпохой Высокого Возрождения, включая массивный алтарный образ « Успение Богородицы» , который сочетает в себе человеческие действия и драму с захватывающим цветом и атмосферой. Тициан продолжал писать в общем стиле Высокого Возрождения почти до конца своей карьеры в 1570-х годах, хотя он все чаще использовал цвет и свет над линией, чтобы обозначить свои фигуры.
Искусство немецкого Возрождения попадает в более широкую категорию Возрождения в Северной Европе, также известную как Северное Возрождение . Влияние Ренессанса начало проявляться в немецком искусстве в 15 веке, но эта тенденция не была широко распространена. Искусство Гарднера сквозь века определяет Михаэля Пахера , художника и скульптора, как первого немецкого художника, в творчестве которого начинают проявляться влияния итальянского Возрождения. Согласно этому источнику, картина Пахера « Святой Вольфганг заставляет дьявола держать его молитвенник» (ок. 1481 г.) выполнена в стиле поздней готики, но также демонстрирует влияние итальянского художника Мантеньи . [9]
В 1500-х годах искусство эпохи Возрождения в Германии стало более распространенным, поскольку, по словам Гарднера, «искусство Северной Европы в течение шестнадцатого века характеризуется внезапным осознанием достижений итальянского Возрождения и желанием как можно быстрее усвоить этот новый стиль». [10] Одним из самых известных практиков немецкого искусства эпохи Возрождения был Альбрехт Дюрер (1471–1528), чье увлечение классическими идеями привело его в Италию для изучения искусства. И Гарднер, и Рассел признавали важность вклада Дюрера в немецкое искусство, принеся итальянские стили и идеи Возрождения в Германию. [11] [12] Рассел называет это «открытием готических окон немецкого искусства», [11] в то время как Гарднер называет это «жизненной миссией» Дюрера. [12] Важно отметить, что, как указывает Гарднер, Дюрер «был первым северным художником, который полностью понял основные цели южного Возрождения» [12] , хотя его стиль не всегда отражал это. Тот же источник говорит, что Ганс Гольбейн Младший (1497–1543) успешно ассимилировал итальянские идеи, сохраняя при этом «северные традиции близкого реализма». [13] Это контрастирует с тенденцией Дюрера работать в «своем собственном родном немецком стиле» [12] вместо того, чтобы объединять немецкий и итальянский стили. Другими важными художниками немецкого Возрождения были Маттиас Грюневальд , Альбрехт Альтдорфер и Лукас Кранах Старший . [14]
Такие ремесленники, как гравёры, стали больше заботиться об эстетике, а не просто совершенствовать своё мастерство. В Германии были мастера-граверы, такие как Мартин Шонгауэр , который делал гравюры по металлу в конце 1400-х годов. Гарднер связывает это мастерство графического искусства с достижениями в области печати , которые произошли в Германии, и говорит, что гравюра по металлу начала заменять гравюру на дереве в эпоху Возрождения. [15] Однако некоторые художники, такие как Альбрехт Дюрер, продолжали делать гравюры на дереве. И Гарднер, и Рассел описывают прекрасное качество гравюр Дюрера на дереве, причем Рассел утверждает в «Мире Дюрера» , что Дюрер «возвысил их до высоких произведений искусства». [11]
Британия очень поздно разработала особый стиль эпохи Возрождения, и большинство художников тюдоровского двора были привезенными иностранцами, как правило, из Нидерландов , включая Ганса Гольбейна Младшего , который умер в Англии. Исключением была портретная миниатюра , которую художники, включая Николаса Хиллиарда, развили в отдельный жанр задолго до того, как она стала популярной в остальной Европе. Искусство эпохи Возрождения в Шотландии также зависело от привозных художников и в значительной степени ограничивалось двором.
Художники эпохи Возрождения писали картины на самые разные темы. Религиозные алтари , циклы фресок и небольшие работы для личного поклонения были очень популярны. За вдохновением художники как в Италии, так и в Северной Европе часто обращались к « Золотой легенде » Якоба Ворагинского (1260), весьма влиятельному источнику житий святых , который уже оказал сильное влияние на художников Средневековья. Возрождение классической античности и гуманизма эпохи Возрождения также привело к появлению множества мифологических и исторических картин . Например, очень популярны были истории Овидия . Декоративный орнамент , часто используемый в расписанных архитектурных элементах, был особенно вдохновлен классическими римскими мотивами.
