Классическая музыка хиндустани — это классическая музыка северных регионов индийского субконтинента . Её также можно назвать североиндийской классической музыкой или Уттар Бхартия шастрия сангит . Термин шастрия сангит буквально означает классическую музыку, а также используется для обозначения индийской классической музыки в целом. [1] Она исполняется на таких инструментах, как вина , ситар и сарод . Она отделилась в 12 веке н. э. от музыки карнатик , классической традиции Южной Индии . В то время как музыка карнатик в основном использует композиции, написанные на санскрите , каннада , телугу , тамильском , малаяламе , музыка хиндустани в основном использует композиции, написанные на бенгали , хинди , урду , брадже , авадхи , бходжпури , раджастхани , маратхи и пенджаби . [2]
Знание индуистской классической музыки преподается через сеть школ классической музыки, называемых гхарана . Индуистская классическая музыка является неотъемлемой частью культуры Индии и исполняется по всей стране и за рубежом. Представители индуистской классической музыки, включая Устада Бисмиллаха Хана , Пандита Бхимсена Джоши и Рави Шанкара , были награждены Бхарат Ратна , высшей гражданской наградой Индии, за их вклад в искусство. [3]
Около 12-го века индуистская классическая музыка отделилась от того, что в конечном итоге стало называться карнатической классической музыкой . Центральным понятием в обеих системах является мелодический музыкальный лад или рага , исполняемый в ритмическом цикле или тала . Это мелодичная музыка, без концепции гармонии. Эти принципы были уточнены в музыкальных трактатах Натья Шастра Бхараты (2-й–3-й век н. э.) и Даттилама (вероятно , 3-й–4-й век н. э.). [4]
В средние века мелодические системы были объединены с идеями персидской музыки, в частности, через влияние суфийских композиторов, таких как Амир Хусро , а позже при дворах Моголов процветали известные композиторы, такие как Тансен , наряду с религиозными группами, такими как вайшнавы . Такие исполнители, как Далптарам , Мирабаи , Брахмананд Свами и Премананд Свами, возродили классическую индуистскую музыку в 16-18 веках.
После XVI века стили пения разделились на различные гхараны, покровительствуемые различными княжескими дворами. Около 1900 года Вишну Нараян Бхаткханде объединил музыкальные структуры индуистской классической музыки, называемые рагами , в несколько тхатов на основе их нот. Это очень несовершенная система, но она несколько полезна как эвристика.
К выдающимся музыкантам- индуистам можно обращаться как к пандиту , а к мусульманам как к устаду . Аспектом хиндустанской музыки, восходящей к суфийским временам, является традиция религиозного нейтралитета: мусульманские устады могут петь композиции, восхваляющие индуистских божеств, а индуистские пандиты могут петь похожие исламские композиции.
В 1901 году Вишну Дигамбар Палускар основал Гандхарва Махавидьялая, школу, которая давала формальное обучение классической музыке хиндустани с некоторой исторической индийской музыкой. Это была школа, открытая для всех, и одна из первых в Индии, которая работала на общественную поддержку и пожертвования, а не на королевское покровительство. Многие ученики из первых групп школы стали уважаемыми музыкантами и учителями в Северной Индии. Это принесло уважение музыкантам, к которым раньше относились с презрением. Это также помогло распространению классической музыки хиндустани в массы из королевских дворов.
Равана и Нарада из индуистской традиции являются искусными музыкантами; Сарасвати со своей виной является богиней музыки. Гандхарвы представлены как духи, которые являются мастерами музыки, а стиль гандхарва обращается к музыке в первую очередь для удовольствия, в сопровождении сома- расы. В Вишнудхармоттара-пуране царь нагов Ашватара просит Сарасвати узнать свары [ нужна цитата ] .
Хотя термин рага сформулирован в Натья Шастре (где его значение более буквальное, означающее «цвет» или «настроение»), он находит более ясное выражение в том, что называется Джати в Даттиламе , тексте, написанном вскоре после или примерно в то же время, что и Натья Шастра . Даттилам сосредоточен на музыке гандхарвов и обсуждает гаммы ( свара ), определяя тональную структуру, называемую грама, в терминах 22 микротональных интервалов ( шрути [5] ), составляющих одну октаву. Он также обсуждает различные аранжировки нот ( мурчхана ), перестановки и комбинации нотных последовательностей ( танас ) и аланкара или разработку. Даттилам классифицирует мелодическую структуру на 18 групп, называемых Джати , которые являются фундаментальными мелодическими структурами, похожими на рагу . Названия Джати отражают региональное происхождение, например, Андхри и Удичья [ необходима ссылка ] .
Музыка также упоминается в ряде текстов периода Гуптов ; Калидаса упоминает несколько видов вины (Паривадини, Випанчи ), а также ударные инструменты ( мриданг ), флейту ( Вамши ) и раковину ( Шанкха ). Музыка также упоминается в буддийских и джайнских текстах самых ранних периодов нашей эры [ требуется ссылка ] .
Трактат Нарады « Сангита Макаранда» , датируемый примерно 1100 годом н. э., является самым ранним текстом, в котором можно найти правила, схожие с правилами современной индуистской классической музыки. Нарада фактически называет и классифицирует систему в ее более ранней форме, до того, как персидские влияния внесли изменения в систему. « Гита Говинда » Джаядевы XII века была, возможно, самой ранней музыкальной композицией, исполнявшейся в классической традиции, называемой музыкой Аштапади [ нужна ссылка ] .
В XIII веке Шарангадева составил « Сангита Ратнакара» , которая имеет такие названия, как « Турушка Тоди» («Турецкие Тоди »), раскрывая приток идей из исламской культуры. Этот текст является последним, упоминаемым как в традициях Карнатака, так и в традициях Хиндустани, и часто считается, что именно он датирует расхождение между ними.
,_1660-1670_CE,_Golkonda.png/1280px-Barbed_rubab_(lute),_1660-1670_CE,_Golkonda.png)
Приход исламского правления в Делийском султанате , а затем и в Империи Великих Моголов в северной Индии вызвал значительный культурный обмен. Все чаще музыканты получали покровительство при дворах новых правителей, которые, в свою очередь, начали проявлять все больший интерес к местным музыкальным формам. Хотя первые поколения, возможно, были укоренены в культурных традициях за пределами Индии, они постепенно переняли многие аспекты индуистской культуры из своих королевств. Это помогло подстегнуть слияние индуистских и мусульманских идей, чтобы породить новые формы музыкального синтеза, такие как каввали и кьял .
Самым влиятельным музыкантом периода Делийского султаната был Амир Хусрау (1253–1325), композитор на персидском , турецком и арабском языках , а также Брадж Бхаша . Ему приписывают систематизацию некоторых аспектов музыки хиндустани, а также введение нескольких раг, таких как Яман Калян , Зилаф и Сарпада . Он создал шесть жанров музыки: кьял, тарана , Накш, Гул, Каул и Калбана. В его время также были введены в обиход ряд инструментов (например, ситар ).
Амиру Хусрау иногда приписывают происхождение формы хьяла , но записи его композиций, по-видимому, не подтверждают это. Композиции придворного музыканта Садаранга при дворе Мухаммада Шаха имеют более близкое родство с современным хьялом. Они предполагают, что, хотя хьял уже существовал в какой-то форме, Садаранг, возможно, был отцом современного хьяла.
Многие музыкальные формы, созданные этими пионерами, слились с индуистской традицией, написанной на популярном языке народа (в отличие от санскрита) в работах таких композиторов, как Кабир или Нанак . Это можно рассматривать как часть более крупной традиции бхакти (тесно связанной с движением вайшнавов ), которая оставалась влиятельной на протяжении нескольких столетий; выдающиеся фигуры включают Джаядеву (XI век), Видьяпати (ок. 1375 г. н. э.), Чандидаса (XIV–XV века) и Мирабаи (1555–1603 гг. н. э.).
По мере того, как империя Моголов вступала в более тесные контакты с индуистами, особенно при Джалал-уд-Дине Акбаре , музыка и танцы также процветали. В частности, музыкант Тансен ввел ряд новшеств, включая раги и отдельные композиции. Легенда гласит, что после его исполнения ночной раги утром весь город погрузился в тишину, а на небе собрались облака, чтобы он мог разжечь огни, напевая рагу «Дипак».
В королевском доме Гвалиора раджа Мансингх Томар (1486–1516 гг. н. э.) также участвовал в переходе с санскрита на местный язык ( хинди ) как язык классических песен. Он сам написал несколько томов композиций на религиозные и светские темы, а также был ответственным за крупную компиляцию, Mankutuhal («Книга диковин»), в которой были изложены основные формы музыки, распространенные в то время. В частности, музыкальная форма, известная как дхрупад, получила значительное развитие при его дворе и оставалась сильной стороной гхараны Гвалиора на протяжении многих столетий.
После распада империи Моголов покровительство музыке продолжалось в меньших княжеских королевствах, таких как Авад , Патиала и Бенарес , что привело к разнообразию стилей, которое сегодня известно как гхараны . Многие семьи музыкантов получили большие земельные наделы, которые сделали их самодостаточными, по крайней мере, на несколько поколений (например, гхарана Шам Чаурасия ). Между тем, традиции бхакти и суфиев продолжали развиваться и взаимодействовать с различными гхаранами и группами.
До конца 19 века индуистская классическая музыка передавалась индивидуально через традицию гуру-шишья («наставник-ученик»). Эта система имела много преимуществ, но также и несколько недостатков. Во многих случаях шишья должен был проводить большую часть своего времени, служа своему гуру в надежде, что гуру может научить его одному или двум « чизам » (пьесе или нюансу). Кроме того, система вынуждала ограничивать музыку небольшой частью индийского сообщества. В значительной степени она была ограничена дворцами и танцевальными залами. Ее сторонились интеллектуалы, ее избегал образованный средний класс, и в целом на нее смотрели свысока как на легкомысленную практику. [6]
Во-первых, поскольку власть махараджей и навабов в начале 20-го века пошла на убыль, то же самое произошло и с их покровительством. С изгнанием Ваджида Али-шаха в Калькутту после 1857 года музыкальная традиция Лакхнави стала оказывать влияние на музыку эпохи Возрождения в Бенгалии , что привело к возникновению традиции Рагпрадхан-ган на рубеже веков. Раджа Чакрадхар Сингх из Райгарха был последним из современных махараджей, покровительствовавших индуистским классическим музыкантам, певцам и танцорам. [7] [8]
Кроме того, на рубеже веков Вишну Дигамбар Палускар и Вишну Нараян Бхаткханде распространяли индуистскую классическую музыку среди масс, организуя музыкальные конференции, открывая школы, преподавая музыку в классах, разрабатывая стандартизированную систему оценок и тестирования, а также стандартизируя систему нотации. [9]
Вишну Дигамбар Палускар проявил себя как талантливый музыкант и организатор, несмотря на то, что ослеп в 12 лет. Его книги о музыке, а также музыкальная школа Гандхарва Махавидьялая , которую он открыл в Лахоре в 1901 году, способствовали отходу от закрытой системы гхарана.
Современник Палускара (и иногда соперник) Вишну Нараян Бхатканде распознал множество разломов, которые появились в структуре индийской классической музыки. Он предпринял обширные исследовательские визиты в большое количество гхаран, как хиндустанских, так и карнатикских, собирая и сравнивая композиции. Между 1909 и 1932 годами он создал монументальный четырехтомный труд Hindustani Sangeeta Paddhati [10] , в котором предлагалась транскрипция индийской музыки и описывались многие традиции в этой нотации. Наконец, он предлагал возможную категоризацию раг на основе их нот в ряд таатов (ладов), последовавшую за системой Мелакарты , которая реорганизовала карнатикскую традицию в 17 веке. Раги, которые существуют сегодня, были классифицированы в соответствии с этой схемой, хотя в системе Бхатканде есть некоторые несоответствия и двусмысленности.
В наше время правительственные Всеиндийское радио , Бангладеш Бетар и Радио Пакистана помогли привлечь внимание общественности к артистам, противодействуя потере системы покровительства. Первой звездой была Гаухар Джан , чья карьера зародилась из первых записей индийской музыки Фреда Гайсберга в 1902 году. С развитием фильмов и других общественных СМИ музыканты начали зарабатывать на жизнь публичными выступлениями. Ряд гурукулов , таких как гурукул Алауддина Кхана в Майхаре , процветали. В более современное время также появилась корпоративная поддержка, как в Исследовательской академии ITC Sangeet . Между тем, классическая музыка хиндустани стала популярной во всем мире благодаря влиянию таких артистов, как Рави Шанкар и Али Акбар Хан .
Индийская классическая музыка имеет семь основных нот с пятью вкрапленными половинными нотами, что приводит к 12-нотной гамме. В отличие от 12-нотной гаммы в западной музыке, базовая частота гаммы не фиксирована, и межтональные промежутки ( темперация ) также могут варьироваться. Исполнение настроено на мелодический рисунок, называемый рага, который частично характеризуется определенными последовательностями восхождения ( ароха ) и нисхождения ( авароха ), нотами «короля» ( вади ) и «королевы» ( самавади ) и характерными фразами ( пакад ). [ необходима цитата ]
Раги могут происходить из любого источника, включая религиозные гимны, народные мелодии и музыку из-за пределов индийского субконтинента [ требуется ссылка ] . Например, рага Кхамадж и ее варианты были классифицированы из народной музыки, в то время как раги, такие как Хиджаз (также называемые Басант Мукхари), произошли из персидских макамов.
Гандхарваведа — это санскритское писание, описывающее теорию музыки и ее применение не только в музыкальной форме и системах, но также в физике, медицине и магии. [11] Говорят, что существует два типа звука: ахата (ударяемый/слышимый) и анахата (неударяемый/неслышимый). [11] Говорят, что неслышимый звук является принципом всего проявления, основой всего существования. [11]
Существует три основных «Саптака», которые напоминают «Октавы» в западной музыке, за исключением того, что они характеризуют всего семь нот или «свар» вместо восьми. Это — низкая ( мандра), средняя ( мадхья) и высокая ( тара ) . [11] Каждая октава резонирует с определенной частью тела, низкая октава в сердце, средняя октава в горле и высокая октава в голове. [11]
Ритмическая организация основана на ритмических рисунках, называемых тала . Мелодические основы называются раги. Одна из возможных классификаций раг — это «мелодические лады» или «родительские гаммы», известные как тхааты , в соответствии с которыми большинство раг можно классифицировать на основе используемых в них нот.
Thaats может состоять из семи ступеней гаммы, или swara . Музыканты-индуисты называют эти высоты, используя систему Sargam , эквивалентную западному movable do solfege :
Обе системы повторяются в октаве. Разница между саргамом и сольфеджио в том, что ре, га, ма, дха и ни могут относиться либо к «натуральным» ( шуддха ), либо к измененным «бемольным» ( комал ) или «диезным» ( тивра ) версиям соответствующих ступеней гаммы. Как и в случае с подвижным сольфеджио до, ноты слышны относительно произвольной тоники, которая меняется от исполнения к исполнению, а не фиксированных частот, как на ксилофоне. Тонкие интонационные различия между различными экземплярами одной и той же свары называются шрути . Три основных регистра индийской классической музыки — мандра (нижний), мадхья (средний) и таар (верхний). Поскольку местоположение октавы не фиксировано, для определенных раг также возможно использовать источники в среднем регистре (например, мандра-мадхья или мадхья-таар). Типичное исполнение индийской раги включает в себя два этапа:
Таны бывают нескольких типов: Шуддха, Кут, Мишра, Вакра, Сапаат, Сарал, Чхут, Халак, Джабда, Мурки.
Классическая музыка хиндустани в первую очередь ориентирована на вокал, поскольку музыкальные формы были разработаны в первую очередь для вокального исполнения, и многие инструменты были разработаны и оценены с точки зрения того, насколько хорошо они имитируют человеческий голос.
Основные вокальные формы или стили, связанные с индуистской классической музыкой, это дхрупад , кьял и тарана . Легкие классические формы включают дхамар , триват, чаити , каджари , таппа , тап-кьял, тхумри , дадра , газаль и бхаджан ; они не придерживаются строгих правил классической музыки. [ требуется разъяснение ]
Дхрупад — это старый стиль пения, традиционно исполняемый певцами-мужчинами. Он исполняется с тамбурой и пакхаваджем в качестве инструментального сопровождения. Тексты песен, некоторые из которых были написаны на санскрите столетия назад, в настоящее время часто поются на браджбхаше , средневековой форме северо- и восточно-индийских языков, на которых говорили в Восточной Индии. Рудра вина , древний струнный инструмент, используется в инструментальной музыке в дхрупаде.
Музыка Dhrupad в основном религиозна по теме и содержанию. Она содержит декламации в честь определенных божеств. Композиции Dhrupad начинаются с относительно длинного и ациклического алапа, где читаются слоги следующей мантры:
« Ом Анант там Таран Тарини Твам Хари Ом Нараян, Анант Хари Ом Нараян ».
Алап постепенно разворачивается в более ритмичные разделы джод и джхала. За этими разделами следует исполнение бандиша с пакхаваджем в качестве аккомпанемента. Великий индийский музыкант Тансен пел в стиле дхрупад. Более легкая форма дхрупада, называемая дхамар , поется в основном во время весеннего фестиваля Холи .
Dhrupad был основной формой североиндийской классической музыки до тех пор, пока два столетия назад он не уступил место несколько менее строгому khyal, более свободному стилю пения. После потери своих главных покровителей среди королевской семьи в индийских княжествах, dhrupad рисковал исчезнуть в первой половине двадцатого века. Однако усилия нескольких сторонников, особенно из семьи Дагар , привели к его возрождению.
Некоторые из самых известных вокалистов, которые поют в стиле Dhrupad, являются членами линии Dagar, включая старших братьев Dagar, Nasir Moinuddin и Nasir Aminuddin Dagar ; младших братьев Dagar, Nasir Zahiruddin и Nasir Faiyazuddin Dagar; и Wasifuddin , Fariduddin и Sayeeduddin Dagar. Другие ведущие представители включают братьев Gundecha и Uday Bhawalkar , которые прошли обучение у некоторых из Dagars. Ведущие вокалисты за пределами линии Dagar включают семью Mallik традиции музыкантов Darbhanga ; некоторые из ведущих представителей этой традиции были Ram Chatur Mallick, Siyaram Tiwari и Vidur Mallick. В настоящее время Prem Kumar Mallick, Prashant и Nishant Mallick являются вокалистами Dhrupad этой традиции. Очень древняя 500-летняя Дхрупад Гхарана из Бихара - Думраон Гхарана, пат Тилак Чанд Дубей, пат Гханаранг Баба был основателем этой престижной Гхараны. Думраон Гхарана Дист-Буксар - это древняя традиция музыки Дхрупад, которой почти 500 лет. Эта Гхарана процветала под покровительством короля Думраон Раджа. Стиль дхрупад (ванис) гхараны - Гаухар, Кхандар и Наухарвани. Живые легенды этой гхараны - пат Рамджи Мишра
Часть певцов дхрупад Делийской гхараны из двора императора Великих Моголов Шах-Джахана переселилась в Беттиа под покровительством Беттиа Раджа , что дало начало Беттиа Гхаране. [12]
Khyal — это современная индуистская форма вокальной музыки. Khyal, буквально означающая «мысль» или «воображение» на хиндустани и происходящая от персидско-арабского термина, представляет собой лирическую поэму из двух-восьми строк, положенную на мелодию. Khyal содержит большее разнообразие украшений и орнаментов по сравнению с dhrupad . Такие особенности Khyal , как sargam и taan , а также движения, включающие alap в стиле dhrupad , привели к тому, что он стал популярным.
Важность содержания кьяла заключается в том, чтобы певец изобразил посредством музыки в установленной раге эмоциональное значение кьяла. Певец импровизирует и находит вдохновение в раге, чтобы изобразить кьял.
Происхождение Khyal является спорным, хотя принято считать, что этот стиль был основан на dhrupad и находился под влиянием других музыкальных традиций. Многие утверждают, что стиль создал Амир Хосров в конце 14 века. Эта форма была популяризирована императором Великих Моголов Мухаммедом Шахом через его придворных музыкантов; некоторые известные композиторы этого периода были Садаранг , Адаранг и Манранг.
Другая вокальная форма, тараны, — это песни в среднем или быстром темпе, которые используются для передачи настроения восторга и обычно исполняются ближе к концу концерта. Они состоят из нескольких строк болс из ритмического языка танца Табла , Пакхавадж или Катхак , положенных на мелодию. Певец использует эти несколько строк как основу для быстрой импровизации. Тиллана музыки Карнатака основана на таране, хотя первая в первую очередь ассоциируется с танцем.
Таппа — это форма индийской полуклассической вокальной музыки, особенностью которой является ее плавный темп, основанный на быстрой, тонкой, узловатой конструкции. Она возникла из народных песен наездников верблюдов Пенджаба и была развита как форма классической музыки Мианом Гуламом Наби Шори или Шори Мианом, придворным певцом Асафа-Уд-Доулаха , наваба Авадха . «Нидхубабур Таппа», или таппы, исполняемые Нидху Бабу, были очень популярны в Бенгалии 18 и 19 веков.
Thumri — это полуклассическая вокальная форма, которая, как говорят, зародилась в Уттар-Прадеше при дворе Наваба Ваджида Али Шаха (р. 1847–1856). Существует три типа thumri: пураб анг, лакхнави и пенджабский thumri. Тексты песен в основном на старых, более сельских диалектах хинди, таких как бридж-бхаша , авадхи и бходжпури . Охватываемые темы обычно романтичны по своей природе, поэтому большее значение придается текстам, а не рагу, и выявляются повествовательные качества музыки. Необходимость выражения этой сильной эмоциональной эстетики делает thumri и катхак идеальным сочетанием, которые до того, как thumri стал сольной формой, исполнялись вместе.
Некоторыми недавними исполнителями этого жанра являются Абдул Карим Хан , братья Баркат Али Хан и Баде Гулам Али Хан , Бегум Ахтар , Нирмала Деви , Гириджа Деви , Прабха Атре , Сиддхешвари Деви , Шобха Гурту и Чханнулал Мишра .
На индийском субконтиненте во время правления Моголов персидская газель стала самой распространенной поэтической формой на языке урду и была популяризирована такими классическими поэтами, как Мир Таки Мир , Галиб , Дааг , Заук и Сауда среди североиндийской литературной элиты. Жанр газели характеризуется своей романтикой и рассуждениями о различных оттенках любви. Вокальная музыка, положенная на этот способ поэзии, популярна в многочисленных вариациях по всей Центральной Азии , на Ближнем Востоке , а также в других странах и регионах мира.
Хотя музыка хиндустани явно ориентирована на вокальное исполнение, инструментальные формы существовали с древних времен. Фактически, в последние десятилетия, особенно за пределами Южной Азии, инструментальная музыка хиндустани более популярна, чем вокальная музыка, отчасти из-за несколько иного стиля и более быстрого темпа, а отчасти из-за языкового барьера для текстов вокальной музыки.
Многие музыкальные инструменты связаны с хиндустанской классической музыкой. Вина , струнный инструмент, традиционно считался самым важным, но сегодня на нем играют немногие, и он был в значительной степени вытеснен своими кузенами ситаром и сародом , оба из которых обязаны своим происхождением персидскому влиянию. Тамбура также считается одним из самых важных инструментов из-за его функционирования в качестве основного слоя, которого остальные инструменты придерживаются на протяжении всего выступления. Среди смычковых инструментов популярны саранги и скрипка . Бансури , шехнаи и фисгармония являются важными духовыми инструментами. В ансамбле ударных инструментов наиболее популярны табла и пакхавадж . Редко используемые щипковые или ударные струнные инструменты включают сурбахар , сурсрингар , сантур и различные версии слайд-гитары . Различные другие инструменты также использовались в разной степени.
Одним из самых ранних современных музыкальных фестивалей, посвященных индуистской классической музыке, был Harballabh Sangeet Sammelan , основанный в 1875 году в Джалландхаре . Музыкальная конференция Dover Lane, в частности, дебютировала в 1952 году в Калькутте , а фестиваль Sawai Gandharva Bhimsen в 1953 году в Пуне , в то время как такие фестивали, как ITC SRA Sangeet Sammelan, появились в начале 1970-х годов. Общество по продвижению индийской классической музыки и культуры среди молодежи SPIC MACAY с 1977 года является добровольным молодежным движением, которое продвигает нематериальные аспекты индийского культурного наследия путем продвижения индийской классической музыки и других традиционных форм искусства Индии.
{{cite book}}: CS1 maint: numeric names: authors list (link)Первоначально эта книга была написана на языке маратхи и переведена на многие языки.