Живопись — это изобразительное искусство , для которого характерна практика нанесения краски , пигмента , цвета или другого носителя на твердую поверхность (называемую «матрицей» [1] или « подложкой »). [2] Средство обычно наносится на основу с помощью кисти , но можно использовать и другие инструменты, такие как ножи, губки и аэрографы .
В искусстве термин «живопись» описывает как акт, так и результат действия (конечная работа называется «живопись»). Основа для картин включает в себя такие поверхности, как стены, бумага, холст, дерево, стекло, лак , керамика, лист , медь и бетон , а картина может включать в себя множество других материалов, включая песок, глину , бумагу, штукатурку , сусальное золото и даже целые предметы.
Живопись является важной формой изобразительного искусства , в которой используются такие элементы, как рисунок , композиция , жест , повествование и абстракция . [3] Картины могут быть натуралистическими и репрезентативными (как в натюрмортах и пейзажах ), фотографическими , абстрактными, повествовательными, символическими (как в символистском искусстве ), эмоциональными (как в экспрессионизме ) или политическими по своей природе (как в артивизме ).
Часть истории живописи как в восточном, так и в западном искусстве связана с религиозным искусством . Примеры такого рода живописи варьируются от произведений искусства, изображающих мифологические фигуры на керамике , до библейских сцен на потолке Сикстинской капеллы и сцен из жизни Будды (или других изображений восточного религиозного происхождения ).
Самым старым известным картинам возрастом около 40 000 лет, они найдены как во Франко-Кантабрийском регионе в Западной Европе, так и в пещерах района Марос ( Сулавеси , Индонезия ). Однако в ноябре 2018 года ученые сообщили об обнаружении древнейшей на тот момент известной фигуративной картины неизвестного животного возрастом более 40 000 (возможно, 52 000) лет в пещере Лубанг Джериджи Салех на индонезийском острове Борнео . ( Калимантан ). [4] [5] В декабре 2019 года фигуративные наскальные рисунки, изображающие охоту на свиней в карсте Марос-Пангкеп в Сулавеси , оценивались еще старше, по меньшей мере, в 43 900 лет. Находка была отмечена как «старейшая иллюстрированная запись повествования и самое раннее изобразительное произведение искусства в мире». [6] [7] Совсем недавно, в 2021 году, сообщалось о наскальном изображении свиньи, найденном на индонезийском острове и датированном возрастом более 45 500 лет. [8] [9] Однако самые ранние свидетельства живописи были обнаружены в двух каменных убежищах в Арнемленде , на севере Австралии. В самом нижнем слое материала на этих стоянках используются куски охры, возраст которых оценивается в 60 000 лет. Археологи также нашли фрагмент наскальной живописи, сохранившийся в известняковой скале в районе Кимберли на северо-западе Австралии, возраст которого составляет 40 000 лет. [10] Есть примеры наскальных рисунков по всему миру — в Индонезии , Франции , Испании , Португалии , Италии , Китае , Индии , Австралии , Мексике и т . д. В западных культурах живопись маслом и акварелью имеет богатый и сложные традиции в стиле и тематике. На Востоке чернила и цветные чернила исторически преобладали в выборе средств массовой информации, имея столь же богатые и сложные традиции.
Изобретение фотографии оказало большое влияние на живопись. Спустя десятилетия после того, как в 1829 году была сделана первая фотография , фотографические процессы улучшились и стали более широко практиковаться, лишив живопись большей части своей исторической цели — обеспечить точную запись наблюдаемого мира. Ряд художественных движений конца 19-го и начала 20-го веков, в частности импрессионизм , постимпрессионизм , фовизм , экспрессионизм , кубизм и дадаизм , бросили вызов взгляду на мир эпохи Возрождения . Однако восточная и африканская живопись продолжила долгую историю стилизации и не претерпела при этом эквивалентной трансформации. [ нужна цитата ]
Современное искусство отошло от исторической ценности ремесла и документации в пользу концепции . Это не помешало большинству ныне живущих художников продолжать заниматься живописью целиком или частью своей работы. Жизнеспособность и универсальность живописи XXI века бросают вызов предыдущим «заявлениям» о ее кончине. В эпоху, характеризующуюся идеей плюрализма , не существует единого мнения относительно репрезентативного стиля эпохи. Художники продолжают создавать важные произведения искусства в самых разных стилях и эстетических темпераментах — их достоинства оставлены на суд публики и рынка.
Феминистское художественное движение [12] зародилось в 1960-х годах во время второй волны феминизма. Движение стремилось получить равные права и равные возможности для женщин-художниц на международном уровне.
Цвет , состоящий из оттенка , насыщенности и насыщенности , рассеянный по поверхности, является сутью живописи, точно так же, как высота и ритм являются сутью музыки . Цвет очень субъективен, но имеет заметные психологические эффекты, хотя они могут различаться в зависимости от культуры. На Западе черный ассоциируется с трауром, а на Востоке – белый. Некоторые художники, теоретики, писатели и ученые, в том числе Гете , [13] , Кандинский , [14] и Ньютон , [15] написали свою собственную теорию цвета .
Более того, использование языка — это всего лишь абстракция цветового эквивалента. Слово « красный », например, может охватывать широкий диапазон вариаций от чистого красного цвета видимого спектра света. Не существует формализованного регистра разных цветов, аналогичного тому, как согласовываются разные ноты в музыке, такие как F или C♯ . Для художника цвет не просто делится на основные (первичные) и производные (дополнительные или смешанные) цвета (например, красный, синий, зеленый, коричневый и т. д.).
Художники имеют дело практически с пигментами , [16] поэтому « синим » для художника может быть любой из синих оттенков: фталоцианиновая синь , берлинская лазурь , индиго , кобальтовый синий , ультрамарин и так далее. Психологические и символические значения цвета, строго говоря, не являются средствами живописи. Цвета лишь дополняют потенциальный, производный контекст значений, и из-за этого восприятие картины очень субъективно. Аналогия с музыкой вполне ясна: звук в музыке (как нота «до») аналогичен «свету» в живописи, «оттенки» — динамике , а «окраска» — живописи, как специфический тембр музыкальных инструментов — музыке. Эти элементы не обязательно сами по себе образуют мелодию (в музыке); скорее, они могут добавлять к нему разные контексты.
Современные художники значительно расширили практику живописи, включив, например, коллаж , который начался с кубизма и не является живописью в строгом смысле этого слова. Некоторые современные художники используют для создания текстуры различные материалы, такие как металл, пластик, песок , цемент , солома , листья или дерево . Примерами тому являются работы Жана Дюбюффе и Ансельма Кифера . Растет сообщество художников, которые используют компьютеры для «рисования» цвета на цифровом «холсте» с помощью таких программ, как Adobe Photoshop , Corel Painter и многих других. При необходимости эти изображения можно распечатать на традиционном холсте.
,_oil_on_canvas,_73_x_54_cm_DSC05359...jpg/1280px-Jean_Metzinger,_1906,_La_dance_(Bacchante),_oil_on_canvas,_73_x_54_cm_DSC05359...jpg)
Мозаичная техника дивизионизма Жана Метцингера имела свою параллель в литературе; характеристика союза писателей -символистов и художников-неоимпрессионистов:
Я требую от разделенной кисти не объективной передачи света, а переливов и некоторых аспектов цвета, все еще чуждых живописи. Я делаю своего рода хроматическое стихосложение, а для слогов использую штрихи, которые, варьируясь по количеству, не могут различаться по размеру без изменения ритма изобразительной фразеологии, предназначенной для передачи разнообразных эмоций, вызываемых природой. (Жан Метцингер, ок. 1907 г. ) [17]
Ритм для таких художников, как Пит Мондриан , [18] [19] важен в живописи, как и в музыке. Если определить ритм как «паузу, включенную в последовательность», то в картинах может быть ритм. Эти паузы позволяют творческой силе вмешаться и добавить новые творения — форму, мелодию, окраску. Распределение формы или любого рода информации имеет решающее значение в данном произведении искусства и напрямую влияет на эстетическую ценность этого произведения. Это связано с тем, что эстетическая ценность зависит от функциональности, т.е. свобода (движения) восприятия воспринимается как красота. Свободное течение энергии, как в искусстве, так и в других формах « техне », напрямую способствует повышению эстетической ценности. [18]
Музыка сыграла важную роль в зарождении абстрактного искусства, поскольку музыка абстрактна по своей природе — она не пытается изобразить внешний мир, а непосредственно выражает внутренние чувства души. Василий Кандинский часто использовал музыкальные термины для обозначения своих произведений; он называл свои самые спонтанные картины «импровизациями», а более сложные произведения называл «композициями». Кандинский предположил, что «музыка — главный учитель» [20] , и впоследствии приступил к созданию первых семи из десяти своих композиций . Слушая тона и аккорды во время рисования, Кандинский предположил, что (например) желтый — это цвет средней до на медной трубе; черный — цвет завершения и конца вещей; и что комбинации цветов создают вибрационные частоты, подобные аккордам, играемым на фортепиано. В 1871 году юный Кандинский научился играть на фортепиано и виолончели. [21] [22] Сценография Кандинского к спектаклю « Картинки с выставки» Мусоргского иллюстрирует его «синестетическую» концепцию универсального соответствия форм, цветов и музыкальных звуков. [23]
Музыка во многом определяет модернистскую абстрактную живопись. Джексон Поллок подчеркивает этот интерес своей картиной 1950 года «Осенний ритм» (номер 30) . [24]
Эстетика – это изучение искусства и красоты ; это был важный вопрос для философов 18 и 19 веков, таких как Кант и Гегель . Классические философы, такие как Платон и Аристотель, также теоретизировали об искусстве и живописи в частности. Платон игнорировал художников (а также скульпторов) в своей философской системе; он утверждал, что живопись не может изображать истину — она есть копия действительности (тень мира идей) и есть не что иное, как ремесло , подобное сапожному делу или литью чугуна. [25] Ко времени Леонардо живопись стала более близким представлением истины, чем живопись в Древней Греции . Леонардо да Винчи , напротив, говорил, что « по-итальянски : La Pittura è cosa mentale » («по-английски: живопись — это дело ума »). [26] Кант проводил различие между Красотой и Возвышенным , явно отдавая приоритет первому. [ нужна цитация ] Хотя он не имел в виду живопись в частности, эта концепция была подхвачена такими художниками, как Дж. М. У. Тернер и Каспар Давид Фридрих .
Гегель признал неудачу в достижении универсального понятия красоты и в своем эстетическом эссе написал, что живопись является одним из трех «романтических» искусств, наряду с поэзией и музыкой , по ее символической , высокоинтеллектуальной цели. [27] [28] Среди художников, написавших теоретические работы по живописи, Кандинский и Пауль Клее . [29] [30] В своем эссе Кандинский утверждает, что живопись имеет духовную ценность, и он придает основные цвета основным чувствам или концепциям, что уже пытались сделать Гете и другие писатели.
Иконография – это изучение содержания картин, а не их стиля. Эрвин Панофски и другие историки искусства сначала стремятся понять изображенные вещи, прежде чем взглянуть на их значение для зрителя в данный момент и, наконец, проанализировать их более широкое культурное, религиозное и социальное значение. [31]
В 1890 году парижский художник Морис Дени заявил: «Помните, что картина — прежде чем она станет боевым конем, обнаженной женщиной или какой-нибудь историей — по существу представляет собой плоскую поверхность, покрытую цветами, собранными в определенном порядке». [32] Таким образом, многие события в живописи 20-го века, такие как кубизм , были размышлениями о средствах живописи, а не о внешнем мире - природе - который ранее был ее основным предметом. Недавний вклад в размышления о живописи внес художник и писатель Джулиан Белл. В своей книге «Что такое живопись?» Белл обсуждает историческое развитие представления о том, что картины могут выражать чувства и идеи. [33] В «Зеркале мира» Белл пишет:
Произведение искусства стремится удержать ваше внимание и удержать его: история искусства подталкивает его вперед, прокладывая бульдозером шоссе через дома воображения. [34]
Различные типы красок обычно идентифицируются по среде, в которой суспендирован или внедрен пигмент, что определяет общие рабочие характеристики краски, такие как вязкость , смешиваемость , растворимость , время высыхания и т. д.
Энкаустическая живопись , также известная как живопись горячим воском, предполагает использование нагретого пчелиного воска , к которому добавляются цветные пигменты. Затем жидкость/паста наносится на поверхность — обычно на подготовленную древесину, хотя часто используются холст и другие материалы. Простейшую смесь для энкаустики можно приготовить, добавив пигменты в пчелиный воск, но можно использовать и несколько других рецептов, некоторые из которых содержат другие типы восков , дамаровую смолу , льняное масло или другие ингредиенты. Можно купить и использовать чистые порошкообразные пигменты, хотя в некоторых смесях используются масляные краски или другие формы пигментов. Металлические инструменты и специальные кисти можно использовать для придания формы краске до того, как она остынет, или можно использовать нагретые металлические инструменты для манипуляций с воском, когда он остынет на поверхности. Другие материалы можно поместить в оболочку или коллаж на поверхность или наложить слоями, используя энкаустик для приклеивания их к поверхности.
Эта техника была обычной для древнегреческих и римских панно и продолжала использоваться в восточно-православной иконописной традиции.
.jpg/1280px-John_Martin_-_Manfred_on_the_Jungfrau_(1837).jpg)
Акварель — это метод рисования, при котором краски состоят из пигментов, суспендированных в водорастворимой среде. Традиционной и наиболее распространенной основой для акварельных картин является бумага; другие подставки включают папирус , кору, пластик, пергамент или кожу , ткань , дерево и холст . В Восточной Азии акварельная живопись тушью называется рисованием кистью или свитком. В китайской , корейской и японской живописи он был доминирующим средством, часто монохромным черным или коричневым. Индия, Эфиопия и другие страны также имеют давние традиции. Пальчиковая роспись акварельными красками зародилась в Китае . Художники используют различные виды акварели. Некоторыми примерами являются акварельные краски, жидкие акварели, акварельные ручки-кисти и акварельные карандаши . Акварельные карандаши (водорастворимые цветные карандаши) можно использовать как влажными, так и сухими.
Гуашь — это краска на водной основе, состоящая из пигмента и других материалов, предназначенная для использования в непрозрачном методе рисования. Гуашь отличается от акварели тем, что частицы крупнее, соотношение пигмента и воды намного выше, а также присутствует дополнительный инертный белый пигмент, например мел . Это делает гуашь более тяжелой и непрозрачной, с большей светоотражающей способностью. Как и все водные среды, он разбавляется водой. [35]
Картины тушью выполняются с помощью жидкости, которая содержит пигменты или красители и используется для окрашивания поверхности для создания изображения, текста или дизайна . Чернила используются для рисования пером , кистью или пером . Чернила могут представлять собой сложную среду, состоящую из растворителей , пигментов, красителей, смол , смазок , солюбилизаторов, поверхностно -активных веществ , твердых частиц , флуоресцентных веществ и других материалов. Компоненты чернил служат многим целям; носитель чернил, красители и другие добавки контролируют растекание и толщину чернил, а также их внешний вид после высыхания.
Эмали изготавливаются путем окраски подложки, обычно металлической, порошковым стеклом; минералы, называемые цветными оксидами, обеспечивают окраску. После обжига при температуре 750–850 градусов Цельсия (1380–1560 градусов по Фаренгейту) в результате получается сплавленное многослойное стекло и металл. В отличие от большинства техник окраски, с поверхностью можно обращаться и смачивать. Эмали традиционно использовались для украшения драгоценных предметов [36] , но также использовались и для других целей. Лиможская эмаль была ведущим центром эмалевой живописи эпохи Возрождения, с небольшими религиозными и мифологическими сценами в декорированном пространстве, на мемориальных досках или таких предметах, как соли или шкатулки. В 18 веке эмалевая живопись пользовалась популярностью в Европе, особенно как средство для портретных миниатюр . [37] В конце 20-го века техника фарфоровой эмали по металлу использовалась в качестве прочного носителя для наружных фресок. [38]
Темпера , также известная как яичная темпера, представляет собой перманентный, быстросохнущий материал для рисования, состоящий из цветного пигмента, смешанного с водорастворимым связующим веществом (обычно клейким материалом, таким как яичный желток или какой-либо другой размер ). Темпера также относится к картинам, выполненным в этой технике. Картины темперой очень долговечны, и образцы первых веков нашей эры все еще существуют. Яичная темпера была основным методом живописи до тех пор, пока после 1500 года она не была заменена изобретением масляной живописи . Краска, обычно называемая темперой (хотя это не так), состоящая из пигмента и клея, обычно используется и называется некоторыми производителями в Америке краской для плакатов .
Фреска — это любой из нескольких родственных типов настенной живописи, выполняемой по штукатурке на стенах или потолках. Слово «фреска» происходит от итальянского слова affresco [afˈfresːko] , которое происходит от латинского слова « свежий» . Фрески часто создавались в эпоху Возрождения и в другие ранние периоды времени. Техника фрески Буон заключается в рисовании пигментом, смешанным с водой, на тонком слое влажного свежего известкового раствора или штукатурки , для обозначения которой используется итальянское слово «штукатурка» интонако . Картина секко , напротив, написана на сухой штукатурке ( secco по-итальянски «сухой»). Пигменты требуют связующего вещества, такого как яйцо ( темпера ), клей или масло , чтобы прикрепить пигмент к стене.
Масляная живопись — это процесс рисования пигментами , связанными с олифой , например льняным маслом , которое широко использовалось в Европе раннего Нового времени. Часто масло варили со смолой, например сосновой смолой или даже ладаном ; их называли «лаками» и ценили за их консистенцию и блеск. Масляная краска со временем стала основным средством создания произведений искусства, поскольку ее преимущества стали широко известны. Переход начался с ранней нидерландской живописи в Северной Европе, и к пику эпохи Возрождения техники масляной живописи почти полностью заменили темперные краски в большей части Европы.
Пастель – это красящий материал в виде палочки, состоящий из чистого порошкообразного пигмента и связующего вещества. [39] Пигменты, используемые в пастели, такие же, как те, которые используются для производства всех цветных художественных материалов, включая масляные краски ; связующее имеет нейтральный оттенок и низкую насыщенность . Цветовой эффект пастели ближе к натуральным сухим пигментам, чем к эффекту любого другого процесса. [40] Поскольку поверхность пастельной картины хрупкая и легко пачкается, ее сохранение требует защитных мер, таких как обрамление под стекло; на него также можно нанести фиксатор . Тем не менее, если пастельная картина выполнена с использованием стойких пигментов и правильно за ней ухаживать, она может сохраняться неизменной на протяжении веков. Пастель, как и картины, выполненные с использованием жидкого носителя, не подвержена растрескиванию и обесцвечиванию, возникающим в результате изменения цвета, непрозрачности или размеров носителя по мере его высыхания.
Акриловая краска – это быстросохнущая краска, содержащая суспензию пигментов в эмульсии акрилового полимера . Акриловые краски можно разбавлять водой, но после высыхания они становятся водостойкими. В зависимости от того, насколько краска разбавлена (водой) или модифицирована акриловыми гелями, носителями или пастами, готовая акриловая картина может напоминать акварель или картину маслом или иметь свои уникальные характеристики, недостижимые с другими материалами. Основное практическое различие между большинством акриловых и масляных красок — это время высыхания. [41] Масла позволяют дольше смешивать цвета и наносить ровную лессировку на подмалевки. Медленное высыхание масла можно рассматривать как преимущество для определенных техник, но оно также может препятствовать способности художника работать быстро. Еще одно отличие состоит в том, что акварелью необходимо рисовать на пористой поверхности, в первую очередь на акварельной бумаге. Акриловые краски можно использовать на самых разных поверхностях. [41] [42] И акрил, и акварель легко смываются водой. Акриловую краску следует мыть водой с мылом сразу после использования. Акварельную краску можно очистить простой водой. [43] [44] [45]
Между 1946 и 1949 годами Леонард Бокур и Сэм Голден изобрели растворную акриловую краску под маркой Magna . Это были краски на основе уайт -спирита. Акриловые краски на водной основе впоследствии продавались как латексные краски для дома. [46] В 1963 году Джордж Роуни (часть Daler-Rowney с 1983 года) был первым производителем, представившим акриловые краски для художников в Европе под торговой маркой «Cryla». [47] Акриловые краски являются наиболее распространенными красками, используемыми в граттаже , сюрреалистической технике, которая начала использоваться с появлением этого типа красок. Для этой цели используют акрил, поскольку он легко царапается или отслаивается от поверхности. [48]
Аэрозольная краска (также называемая аэрозольной краской) [49] представляет собой тип краски, которая поставляется в герметичном контейнере под давлением и выделяется в виде мелкого распыленного тумана при нажатии кнопки клапана . Аэрозольная краска , форма окраски распылением , оставляет гладкую, равномерно покрытую поверхность. Банки стандартного размера портативны, недороги и удобны в хранении. Аэрозольную грунтовку можно наносить непосредственно на голый металл и многие пластики.
Скорость, портативность и долговечность также делают аэрозольную краску обычным средством для граффити . В конце 1970-х годов подписи и фрески уличных граффити стали более сложными, а уникальный стиль развился как фактор аэрозольной среды и скорости, необходимой для незаконной работы. Многие теперь признают граффити и уличное искусство уникальным видом искусства, и для художников-граффити производятся специально изготовленные аэрозольные краски. Трафарет защищает поверхность , за исключением окрашиваемой формы. Трафареты можно приобрести в виде подвижных букв, заказать в виде профессионально вырезанных логотипов или вырезать вручную художниками.
Водосмешиваемые масляные краски (также называемые «водорастворимыми» или «водосмешиваемыми») — это современная разновидность масляных красок , разработанная для разбавления и очистки водой [50] [51] вместо использования химикатов, таких как скипидар . . Ее можно смешивать и наносить теми же методами, что и традиционную масляную краску, но, пока она еще влажная, ее можно эффективно удалить с кистей, палитр и тряпок обычным мылом и водой. Его растворимость в воде обусловлена использованием масляной среды, в которой один конец молекулы изменен так, чтобы он слабо связывался с молекулами воды, как в растворе .
Песочная живопись — это искусство насыпания на поверхность цветного песка и порошкообразных пигментов из минералов или кристаллов, а также пигментов из других природных или синтетических источников для создания фиксированной или нефиксированной песочной живописи.
Цифровая живопись — это метод создания арт-объекта (картины) в цифровом виде или техника создания цифрового искусства на компьютере. В качестве метода создания арт-объекта он адаптирует традиционные средства рисования, такие как акриловая краска , масло , тушь , акварель и т. д., и наносит пигмент на традиционные носители, такие как тканый холст, бумага, полиэстер и т. д., с помощью программное обеспечение для управления промышленными роботами или офисным оборудованием (принтерами). В качестве техники это относится к программе компьютерной графики , которая использует виртуальный холст и виртуальную коробку для рисования с кистями, красками и другими расходными материалами. Виртуальная коробка содержит множество инструментов, которые не существуют вне компьютера и которые придают цифровому произведению внешний вид, отличный от произведения искусства, созданного традиционным способом. Более того, цифровая живопись не является «компьютерным» искусством, поскольку компьютер не создает изображения на экране автоматически с помощью математических вычислений. С другой стороны, художник использует собственную технику рисования для создания конкретного произведения на компьютере. [52]
Стиль используется в двух смыслах: он может относиться к отличительным визуальным элементам, техникам и методам, которые характеризуют работу отдельного художника. Это также может относиться к движению или школе, с которой связан художник. Это может быть связано с реальной группой, с которой художник был сознательно связан, или это может быть категория, к которой искусствоведы отнесли художника. Слово «стиль» в последнем смысле вышло из употребления в академических дискуссиях о современной живописи, хотя оно продолжает использоваться в популярных контекстах. Такие движения или классификации включают следующее:
Модернизм описывает как набор культурных тенденций, так и множество связанных с ними культурных движений , первоначально возникших в результате широкомасштабных и далеко идущих изменений в западном обществе в конце 19-го и начале 20-го веков. Модернизм был бунтом против консервативных ценностей реализма . [53] [54] Этот термин охватывает деятельность и результаты тех, кто чувствовал, что «традиционные» формы искусства, архитектуры, литературы, религиозной веры, социальной организации и повседневной жизни устаревают в новых экономических, социальных и политических условиях. условиях формирующегося полностью индустриализированного мира. Характерной чертой модернизма является самосознание. Это часто приводило к экспериментам с формой и работам, привлекающим внимание к используемым процессам и материалам (и к дальнейшей тенденции к абстракции). [55]
Первым примером модернизма в живописи был импрессионизм , школа живописи, изначально ориентированная на работу, выполняемую не в студиях, а на открытом воздухе ( на пленэре ). Картины импрессионистов продемонстрировали, что люди не видят предметы, а видят сам свет. Школа собрала приверженцев, несмотря на внутренние разногласия среди ее ведущих практиков, и стала все более влиятельной. Первоначально отвергнутые самой важной коммерческой выставкой того времени, спонсируемым правительством Парижским Салоном , импрессионисты организовали ежегодные групповые выставки в коммерческих площадках в 1870-х и 1880-х годах, приурочив их к официальному Салону. Значимым событием 1863 года стал Салон отказников , созданный императором Наполеоном III для демонстрации всех картин, отвергнутых Парижским салоном.
Абстрактная живопись использует визуальный язык формы, цвета и линий для создания композиции, которая может существовать с некоторой степенью независимости от визуальных ориентиров в мире. [56] [57] Абстрактный экспрессионизм — американское художественное движение после Второй мировой войны , которое сочетало в себе эмоциональную интенсивность и самоотречение немецких экспрессионистов с антифигуративной эстетикой европейских абстрактных школ, таких как футуризм , Баухаус и кубизм . и образ мятежного, анархического, весьма своеобразного и, по мнению некоторых, нигилистического человека. [58]
Живопись действия , иногда называемая жестовой абстракцией , представляет собой стиль живописи, в котором краска спонтанно капает, разбрызгивается или размазывается по холсту, а не наносится аккуратно. [59] В результате работа часто подчеркивает сам физический акт рисования как важный аспект готовой работы или заботы ее художника. Этот стиль был широко распространен с 1940-х до начала 1960-х годов и тесно связан с абстрактным экспрессионизмом (некоторые критики использовали термины «живопись действия» и «абстрактный экспрессионизм» как синонимы).
Другие модернистские стили включают:
Термин «искусство аутсайдеров» был придуман искусствоведом Роджером Кардиналом в 1972 году как английский синоним арт-брюта ( французский: [aʁ bʁyt] , «необработанное искусство» или «грубое искусство»), ярлыка, созданного французским художником Жаном Дюбюффе для описания искусства . созданные вне границ официальной культуры; Дюбюффе уделял особое внимание искусству заключенных психиатрических лечебниц. [60] Аутсайдерское искусство стало успешной категорией арт-маркетинга (с 1992 года в Нью-Йорке проводится ежегодная ярмарка аутсайдерского искусства). Этот термин иногда неправильно применяется как всеобъемлющий маркетинговый ярлык для искусства, созданного людьми, не входящими в основной «мир искусства», независимо от их обстоятельств или содержания их работ.
Фотореализм — это жанр живописи, основанный на использовании камеры и фотографий для сбора информации, а затем на основе этой информации создается картина, которая выглядит очень реалистично, как фотография . Этот термин в первую очередь применяется к картинам художественного движения США , зародившегося в конце 1960-х - начале 1970-х годов. Как полноценное художественное движение, фотореализм развился из поп-арта [61] [62] [63] и как противовес абстрактному экспрессионизму .
Гиперреализм — жанр живописи и скульптуры, напоминающий фотографию высокого разрешения . Гиперреализм — это полноценная школа искусства , и его можно считать развитием фотореализма по методам, используемым для создания картин или скульптур. Этот термин в первую очередь применяется к независимому художественному движению и художественному стилю в США и Европе, которые развиваются с начала 2000-х годов. [64]
Сюрреализм — культурное движение, зародившееся в начале 1920-х годов и наиболее известное художественными и литературными произведениями тех, кто связан с сюрреалистическим движением . В произведениях сюрреализма присутствует элемент неожиданности, сверхъестественного, бессознательного, неожиданных сопоставлений и непоследовательности ; однако многие художники и писатели-сюрреалисты рассматривают свои работы в первую очередь как выражение философского движения, а произведения являются артефактом. Лидер Андре Бретон прямо заявил, что сюрреализм был прежде всего революционным движением.
Сюрреализм развился из деятельности дадаизма во время Первой мировой войны , и наиболее важным центром движения был Париж . Начиная с 1920-х годов, движение распространилось по всему миру, в конечном итоге затронув изобразительное искусство , литературу , кино и музыку многих стран, а также политическую мысль и практику, философию и социальную теорию .
Миниатюрные картины были основной формой живописи в доколониальной Индии. Они были сделаны на специальной бумаге (известной как васли) с использованием минеральных и натуральных красок. Миниатюрная живопись — это не один стиль, а группа нескольких стилей школ живописи, таких как Великие Моголов, Пахари, Раджастхани, стиль Компании и т. д.
Миниатюрная живопись Великих Моголов — это особый стиль Южной Азии , особенно Северной Индии (точнее, современной Индии и Пакистана), живопись ограничивается миниатюрами либо в виде книжных иллюстраций, либо в виде отдельных работ, которые следует хранить в альбомах ( муракка ). Оно возникло [65] из персидской миниатюрной живописи (сама частично китайского происхождения ) и развивалось при дворе Империи Великих Моголов в 16-18 веках. Живопись Великих Моголов сразу же проявила гораздо больший интерес к реалистической портретной живописи, чем это было типично для персидских миниатюр. Животные и растения были основной темой многих миниатюр для альбомов и изображались более реалистично. [66] [67] [68]
Живопись Раджастана развивалась и процветала при королевских дворах Раджпутаны [69] на севере Индии, главным образом в 17 веке. Художники, обучавшиеся традициям миниатюры Великих Моголов , были изгнаны из
Императорский двор Великих Моголов и разработал стили, также опирающиеся на местные традиции живописи, особенно те, которые иллюстрируют санскритские эпопеи, Махабхарату и Рамаяну . Сюжеты были разнообразны, но в целом были популярны портреты правящей семьи, часто занимавшейся охотой или своей повседневной деятельностью, а также повествовательные сцены из эпоса или индуистской мифологии , а также некоторые жанровые сцены с пейзажами и людьми. [70] [71] [72] Холмы Пенджаба или живопись Пахари , основными подстилями которых были Кангра, Гуллер, Башоли. Живопись Кангры — изобразительное искусство Кангры , названное в честь Кангры , штат Химачал-Прадеш , бывшего княжеского государства , покровительствовавшего этому искусству. Он стал распространенным с упадком школы живописи Басохли в середине 18 века. [73] [74] Центральной темой живописи Кангры является Шрингар (эротическое чувство). Сюжеты картин Кангры демонстрируют вкус и черты образа жизни общества того периода. [75] Художники переняли темы из любовной поэзии Джаядевы и Кешава Даса , которые в экстазе писали о любви Радхи и Кришны , движущей силой которой была Бхакти . [76] [77]
_cropped.jpg/1280px-Khan_Bahadur_Khan_with_men_of_his_clan_(6125079998)_cropped.jpg)
Фирменный стиль — это термин, обозначающий гибридный индоевропейский стиль картин, созданных в Индии индийскими художниками, многие из которых работали на европейских покровителей в Британской Ост-Индской компании или других иностранных компаниях в 18 и 19 веках. [78] Три различных стиля корпоративной живописи возникли в трех британских центрах власти – Дели , Калькутте и Мадрасе . Тематика картин компании, созданных для западных покровителей, часто была документальной, а не творческой, и, как следствие, индийским художникам приходилось применять более натуралистический подход к живописи, чем это было традиционно. [79] [80]
Сикхский стиль и стиль Декана — другие известные стили миниатюрной живописи Индии.
Картины Пичваи — это картины на текстиле, обычно изображающие истории из жизни Господа Кришны. [81] Они были сделаны в большом формате и часто использовались в качестве фона для главного идола в храмах или домах. Картины Пичваи создавались и производятся в основном в Раджастане, Индия. Однако очень немногие из них были изготовлены в регионе Декан, но они крайне редки. Цель пичхвай, помимо художественной привлекательности, состоит в том, чтобы рассказывать истории о Кришне неграмотным. В храмах имеются комплекты с разными изображениями, которые меняются в соответствии с календарем праздников, прославляющих божество . [82]
Паттачитра — это общий термин для традиционной живописи в виде свитков на тканевой основе , происходящей в восточных индийских штатах Одиша и Западная Бенгалия . [83] Традиция живописи Паттачитры тесно связана с поклонением Господу Джаганнатхе в Одише. [84] Тематика Паттачитры ограничивается религиозными темами. Художественная форма Патачитры известна своими замысловатыми деталями, а также вписанными в нее мифологическими повествованиями и народными сказками. Все цвета, использованные в картинах, являются натуральными, а картины созданы полностью старым традиционным способом Читракарасом, то есть художником Одия. Стиль живописи Паттачитра — один из старейших и самых популярных видов искусства Одиши . Патачитры — компонент древнего бенгальского повествовательного искусства, первоначально служивший визуальным средством во время исполнения песни. [85] [86] [87]
Искусство Мадхубани — стиль индийской живописи , практикуемый в регионе Митхила в Индии и Непале. Стиль характеризуется сложными геометрическими узорами, эти картины известны тем, что представляют ритуальное содержание, используемое для определенных случаев, таких как фестивали, религиозные ритуалы и т. д. [88]
Варли — еще одна форма народного племенного искусства Индии.
Бенгальская школа [89] — художественное движение и стиль индийской живописи , зародившийся в Бенгалии , прежде всего в Калькутте и Шантиникетане , и процветавший по всему Индийскому субконтиненту во времена британского владычества в начале 20 века. [90] Бенгальская школа возникла как авангардное и националистическое движение, выступающее против стилей академического искусства , ранее пропагандируемых в Индии как индийскими художниками, такими как Раджа Рави Варма , так и в британских художественных школах. Школа хотела создать особый индийский стиль, прославляющий культурное наследие коренных народов. Пытаясь отвергнуть колониальную эстетику, Абаниндранат Тагор также обратился к Китаю и Японии с намерением продвигать паназиатскую эстетику и включить элементы дальневосточного искусства, такие как японская техника стирки . [91] [92] [93]
.jpg/1280px-Bodeg%C3%B3n_de_recipientes_(Zurbar%C3%A1n).jpg)
Аллегория – это образный способ изображения, передающий смысл, отличный от буквального. Аллегория передает свое послание посредством символических фигур, действий или символического изображения. Аллегорию обычно рассматривают как риторический образ , но аллегория не обязательно должна быть выражена языком : она может быть обращена к глазу и часто встречается в реалистической живописи. Примером простой визуальной аллегории является образ мрачного жнеца . Зрители понимают, что образ мрачного жнеца является символическим изображением смерти.
.jpg/1280px-Reza_Abbasi_-_Two_Lovers_(1630).jpg)
В испанском искусстве бодэгон — это натюрморт , изображающий предметы кладовой, такие как продукты питания, дичь и напитки, часто расположенные на простой каменной плите, а также картина с одной или несколькими фигурами, но значимыми элементами натюрморта, обычно установленными на кухне или в таверне. Начиная с периода барокко , такие картины стали популярны в Испании во второй четверти 17 века. Традиция рисования натюрмортов, похоже, зародилась и была гораздо более популярной в современных Нидерландах , сегодня в Бельгии и Нидерландах (тогда фламандских и голландских художниках), чем когда-либо в южной Европе . Северные натюрморты имели множество поджанров: кусок завтрака дополнялся обманкой , цветочным букетом и ванитас . В Испании таких блюд было гораздо меньше, но такой тип завтрака стал популярным, когда на столе стояло несколько предметов еды и столовой посуды.
Фигурная живопись — это произведение искусства в любом из средств живописи, основным предметом которого является человеческая фигура, одетая или обнаженная . Фигурная живопись также может относиться к деятельности по созданию такого произведения. Человеческая фигура была одним из контрастных предметов искусства со времен первых наскальных рисунков каменного века и на протяжении всей истории интерпретировалась в различных стилях. [96] Некоторые художники, хорошо известные благодаря фигурной живописи, - это Питер Пауль Рубенс , Эдгар Дега и Эдуард Мане .
Картины -иллюстрации — это те, которые используются в качестве иллюстраций в книгах, журналах, а также на афишах театров или фильмов и комиксах. Сегодня растет интерес к коллекционированию и восхищению оригинальными произведениями искусства. Различные музейные выставки, журналы и художественные галереи отвели места иллюстраторам прошлого. В мире визуального искусства иллюстраторы иногда считаются менее важными по сравнению с прекрасными художниками и графическими дизайнерами . Но в результате роста индустрии компьютерных игр и комиксов иллюстрации начинают цениться как популярные и прибыльные произведения искусства, которые могут занять более широкий рынок, чем два других, особенно в Корее , Японии, Гонконге и США.
Иллюстрации средневековых кодексов были известны как иллюстрации и индивидуально рисовались и раскрашивались вручную. С изобретением печатного станка в 15 веке книги стали более широко распространяться и часто иллюстрировались гравюрами на дереве . [97] [98] В Америке это привело к «золотому веку иллюстрации» с 1880-х годов до начала 20-го века. Небольшая группа иллюстраторов добилась большого успеха, а созданные ими изображения считались портретом американских устремлений того времени. [99] Среди самых известных иллюстраторов того периода были Н. К. Уайет и Говард Пайл из школы Брендивайн , Джеймс Монтгомери Флэгг , Элизабет Шиппен Грин , Дж. К. Лейендекер , Вайолет Окли , Максфилд Пэрриш , Джесси Уиллкокс Смит и Джон Ри Нил . Во Франции в 1905 году Общество современной книги поручило Полю Жуву проиллюстрировать «Книгу джунглей» Редьярда Киплинга . Поль Жув посвятит десять лет созданию 130 иллюстраций этой книги, которая останется одним из шедевров библиофилии. [100]
Пейзажная живопись — это термин, который охватывает изображение природных пейзажей, таких как горы, долины, деревья, реки, озера и леса, и особенно искусство, где основным предметом является широкий вид, элементы которого объединены в последовательную композицию. В других работах пейзажный фон для фигур по-прежнему может составлять важную часть работы. Небо почти всегда включено в изображение, а погода часто является элементом композиции. Детализированные пейзажи как отдельный сюжет встречаются не во всех художественных традициях и развиваются тогда, когда уже существует сложная традиция изображения других сюжетов. Две основные традиции берут начало в западной живописи и китайском искусстве , насчитывая в обоих случаях более тысячи лет.
Портретные картины – это изображения человека, в которых преобладает лицо и его выражение. Цель состоит в том, чтобы отобразить сходство, индивидуальность и даже настроение человека. Искусство портрета процветало в древнегреческой и особенно римской скульптуре , где натурщики требовали индивидуализированных и реалистичных портретов, даже нелестных. Одним из самых известных портретов в западном мире является картина Леонардо да Винчи «Мона Лиза» , которая считается портретом Лизы Герардини , жены Франческо дель Джокондо. [103]
Уорхол был одним из самых плодовитых художников-портретистов 20 века. Картина Уорхола «Оранжевый выстрел Мэрилин из Мэрилин Монро» является культовым ранним примером его работ 1960-х годов, а « Оранжевый принц» (1984) поп-певца Принса является более поздним примером, оба демонстрируют уникальный графический стиль портретной живописи Уорхола. [104] [105] [106]
Натюрморт — это произведение искусства , изображающее в основном неодушевленные предметы, обычно обычные предметы, которые могут быть как природными (еда, цветы, растения, камни или ракушки), так и искусственными (стаканы, книги, вазы, украшения, монеты) . , трубы и так далее). Натюрморты, зародившиеся в средневековье и древнегреческом/римском искусстве, дают художнику больше свободы в расположении элементов дизайна в композиции, чем картины других типов сюжетов, таких как пейзаж или портрет . Натюрморты, особенно до 1700 года, часто содержали религиозную и аллегорическую символику, связанную с изображенными предметами. Некоторые современные натюрморты преодолевают двухмерный барьер и используют трехмерную смешанную технику, а также найденные предметы, фотографии, компьютерную графику, а также видео и звук.
Ведута — это очень детальное, обычно крупномасштабное изображение городского пейзажа или другого вида. Этот жанр пейзажа зародился во Фландрии , где такие художники, как Поль Бриль, писали ведуте еще в 16 веке. Поскольку маршрут Гранд-тура стал в некоторой степени стандартизированным, ведение знакомых сцен, таких как Римский форум или Большой канал, напоминало ранние путешествия на континент для аристократических англичан. В конце 19 века более личные впечатления от городских пейзажей заменили стремление к топографической точности, которое вместо этого удовлетворялось нарисованными панорамами .
Живопись и музыка — особо романтические искусства. Наконец, из союза живописи и музыки возникает поэзия, где чувственный элемент более чем когда-либо подчинен духу.
