Балет ( французский: [balɛ] ) — это тип танцевального представления , возникший в эпоху итальянского Возрождения в пятнадцатом веке и позднее развившийся в форму концертного танца во Франции и России. С тех пор он стал широко распространенной и высокотехничной формой танца со своим собственным словарем . Балет оказал влияние во всем мире и определил основополагающие приемы , которые используются во многих других танцевальных жанрах и культурах. Различные школы по всему миру включили свои собственные культуры. В результате балет развивался по-разному.
Балет как единое произведение включает в себя хореографию и музыку для балетной постановки. Балет ставится и исполняется обученными артистами балета . Традиционные классические балеты обычно исполняются под классическую музыку и используют сложные костюмы и постановку, тогда как современные балеты часто исполняются в простых костюмах и без сложных декораций или декораций.
Балет — французское слово, которое произошло от итальянского balletto , уменьшительного от ballo (танец), которое происходит от латинского ballo , ballare , что означает «танцевать», [1] [2] которое, в свою очередь, происходит от греческого «βαλλίζω» ( ballizo ), «танцевать, прыгать». [2] [3] Слово пришло в английский язык из французского около 1630 года.
Во французском языке это слово относится к балетному спектаклю, балетному произведению и, возможно, к самому танцевальному жанру, хотя выражение danse classique также существует для последнего значения, оно менее двусмысленно и чаще используется применительно к обучению этому танцу.
Балет возник при итальянских дворах эпохи Возрождения пятнадцатого и шестнадцатого веков. Под влиянием Екатерины Медичи как королевы он распространился во Францию, где развился еще больше. [4] Танцоры в этих ранних придворных балетах были в основном знатными любителями. Украшенные костюмы должны были производить впечатление на зрителей, но они ограничивали свободу движений исполнителей. [5]
Балеты исполнялись в больших залах со зрителями с трех сторон. Внедрение арки просцениума с 1618 года на расстоянии исполнителей от зрителей, которые могли лучше видеть и оценивать технические подвиги профессиональных танцоров в постановках. [6] [7]
Французский придворный балет достиг своего расцвета во времена правления короля Людовика XIV . Людовик основал Académie Royale de Danse (Королевскую академию танца) в 1661 году для установления стандартов и сертификации преподавателей танцев. [8] В 1672 году Людовик XIV назначил Жана-Батиста Люлли директором Académie Royale de Musique ( Парижская опера ), из которой возникла первая профессиональная балетная компания , Парижский оперный балет . [9] Пьер Бошан был балетмейстером Люлли . Их партнерство оказало радикальное влияние на развитие балета, о чем свидетельствует заслуга, приписываемая им за создание пяти основных позиций стоп. К 1681 году первые «балерины» вышли на сцену после многих лет обучения в Академии. [5]
Балет начал приходить в упадок во Франции после 1830 года, но продолжал развиваться в Дании, Италии и России. Прибытие в Европу Ballets Russes во главе с Сергеем Дягилевым накануне Первой мировой войны возродило интерес к балету и положило начало современной эпохе. [10]
В двадцатом веке балет оказал большое влияние на другие танцевальные жанры, [11] Также в двадцатом веке балет вошел в поворот, разделив классический балет и введя современный танец , что привело к модернистским движениям в нескольких странах. [12]
Известные танцоры двадцатого века включают Анну Павлову , Галину Уланову , Рудольфа Нуреева , Майю Плисецкую , Марго Фонтейн , Розеллу Хайтауэр , Марию Толл Чиф , Эрика Бруна , Михаила Барышникова , Сюзанну Фаррелл , Гелси Киркланд , Наталью Макарову , Артура Митчелла и Жанну Деверо . [13]
Стилистические вариации и поджанры развивались с течением времени. Ранние, классические вариации в первую очередь связаны с географическим происхождением. Примерами этого являются русский балет , французский балет и итальянский балет . Более поздние вариации, такие как современный балет и неоклассический балет, включают в себя как классический балет, так и нетрадиционную технику и движение. Возможно, наиболее широко известный и исполняемый стиль балета — поздний романтический балет (или Ballet blanc ). [14]
Классический балет основан на традиционной балетной технике и лексике . [15] В разных странах появились различные стили, такие как французский балет , итальянский балет , английский балет и русский балет . [16] Несколько классических балетных стилей связаны с определенными методами обучения, обычно называемыми в честь их создателей (см. ниже). Метод Королевской академии танца — это балетная техника и система обучения, основанная разнообразной группой артистов балета. Они объединили свои соответствующие танцевальные методы (итальянские, французские, датские и русские), чтобы создать новый стиль балета, который является уникальным для организации и признан на международном уровне как английский стиль балета. [10] Некоторые примеры классических балетных постановок: «Лебединое озеро» , «Спящая красавица» и «Щелкунчик» .
Романтический балет был художественным течением классического балета, и несколько постановок остаются в классическом репертуаре и сегодня. Романтическая эпоха была отмечена появлением работы на пуантах , доминированием женщин-танцовщиц и более длинных, струящихся пачек, которые пытались олицетворять мягкость и нежную ауру. [5] Это движение возникло в начале-середине девятнадцатого века ( романтическая эпоха ) и включало темы, которые подчеркивали сильные эмоции как источник эстетического опыта. Сюжеты многих романтических балетов вращались вокруг духовных женщин (сильфид, вилис и призраков), которые порабощали сердца и чувства смертных мужчин. Балет 1827 года «Сильфида» широко считается первым, а балет 1870 года «Коппелия» считается последним. [4] Известными артистами балета романтической эпохи являются Мария Тальони , Фанни Эльслер и Жюль Перро . Жюль Перро также известен своей хореографией, особенно балета «Жизель» , который часто считают самым знаменитым романтическим балетом. [5]
Неоклассический балет обычно абстрактный, без четкого сюжета, костюмов или декораций. Выбор музыки может быть разнообразным и часто будет включать музыку, которая также является неоклассической (например, Стравинский , Руссель ). Тим Шолл, автор From Petipa to Balanchine , считает Apollo Джорджа Баланчина 1928 года первым неоклассическим балетом. Apollo представлял собой возвращение к форме в ответ на абстрактные балеты Сергея Дягилева . Баланчин работал с хореографом современного танца Мартой Грэм и привлекал в свою компанию современных танцоров, таких как Пол Тейлор , который в 1959 году выступал в Episodes Баланчина . [17]
Хотя Баланчина широко считают лицом неоклассического балета, были и другие, кто внес значительный вклад. «Симфонические вариации » Фредерика Эштона ( 1946) — основополагающая работа для хореографа. Поставленная под одноименную музыку Сезара Франка , она представляет собой чисто танцевальную интерпретацию музыки. [5]
Другая форма, Modern Ballet , также возникла как ответвление неоклассицизма. Среди новаторов в этой форме были Глен Тетли , Роберт Джоффри и Джеральд Арпино . Хотя сложно отделить современный балет от неоклассицизма, работа этих хореографов отдавала предпочтение большему атлетизму, который отходил от деликатности балета. Физическая сторона была более смелой, с более интенсивным настроением, темой и музыкой. Примером этого может служить Astarte Джоффри (1967), в которой присутствовали рок-партитура и сексуальные подтексты в хореографии. [10]
Этот балетный стиль часто исполняется босиком. Современные балеты могут включать пантомиму и актерское мастерство и обычно ставятся под музыку (обычно оркестровую, но иногда вокальную). Может быть трудно отличить эту форму от неоклассического или современного балета. Современный балет также близок к современному танцу , потому что многие современные балетные концепции исходят из идей и инноваций современного танца двадцатого века, включая работу на полу и поворот ног. Главное отличие заключается в том, что для исполнения современного балета необходима балетная техника.
Джордж Баланчин считается пионером современного балета. Другой ранний хореограф современного балета, Твайла Тарп , поставила Push Comes To Shove для Американского балетного театра в 1976 году, а в 1986 году создала In The Upper Room для своей собственной компании. Оба эти произведения считались новаторскими из-за их сочетания отчетливо современных движений с использованием пуантов и классически обученных танцоров.
Сегодня существует множество современных балетных компаний и хореографов. К ним относятся Алонзо Кинг и его компания LINES Ballet ; Мэтью Бурн и его компания New Adventures ; Complexions Contemporary Ballet ; Начо Дуато и его Compañia Nacional de Danza ; Уильям Форсайт и The Forsythe Company ; и Иржи Килиан из Nederlands Dans Theater . Традиционно «классические» компании, такие как Мариинский (Кировский) балет и балет Парижской оперы, также регулярно исполняют современные произведения.
Термин балет эволюционировал, включив в себя все формы, связанные с ним. Теперь от танцора балета будут ожидать исполнения неоклассических, современных и современных работ. От танцора балета ожидают, что он будет величественным и царственным для классических работ, свободным и лиричным для неоклассических работ и непритязательным, резким или прозаичным для современных и современных работ. Кроме того, существует несколько современных разновидностей танца, которые сочетают классическую балетную технику с современным танцем, например, хиплет , который требует от танцоров практики незападных танцевальных стилей. [18]
Существует шесть широко используемых, признанных на международном уровне методов обучения или изучения балета. Эти методы — Французская школа , Метод Вагановой , Метод Чекетти , Метод Бурнонвиля , Метод Королевской академии танца (английский стиль) и Метод Баланчина (американский стиль). [19] [20] В разных странах существует гораздо больше школ техники.
Хотя дети дошкольного возраста являются прибыльным источником дохода для балетной студии, балетное обучение, как правило, не подходит для маленьких детей. [21] [ не удалось проверить ] Начальное обучение требует стоять на месте и концентрироваться на осанке, а не на танцах. Из-за этого многие балетные программы исторически не принимали учеников до возраста около 8 лет. Творческие движения и нетребовательные предбалетные занятия рекомендуются в качестве альтернативы для детей. [22] [23]
Французский метод является основой всего балетного обучения. Когда Людовик XIV создал Королевскую академию танца в 1661 году, он помог создать кодифицированную технику, которая до сих пор используется людьми в этой профессии, независимо от того, какого метода обучения они придерживаются. Французская школа была особенно возрождена при Рудольфе Нурееве в 1980-х годах. Его влияние возродило и обновило признание этого стиля и радикально сформировало балет в целом. [24] Фактически, французскую школу теперь иногда называют школой Нуреева. Французский метод часто характеризуется технической точностью, текучестью и изяществом, а также элегантными, чистыми линиями. Для этого стиля часто используется быстрая работа ног, чтобы создать впечатление, что исполнители легко скользят по сцене. [25] Две важные отличительные черты этой техники — особый способ исполнения port de bras и épaulement, более округлый, чем при танце в русском стиле, но не такой округлый, как в датском стиле. [26]
Метод Вагановой — это стиль балетного обучения, возникший из русского балета , созданный Агриппиной Вагановой . После ухода из танца в 1916 году Ваганова занялась преподаванием в Ленинградском хореографическом училище в 1921 году. Ее метод обучения теперь признан на международном уровне, а ее книга « Основы классического танца» (1934) является классическим справочником. Этот метод отмечен слиянием классического французского стиля, в частности элементов эпохи романтизма, с атлетизмом итальянского метода и душевной страстью русского балета. [25] Она разработала чрезвычайно точный метод обучения в своей книге «Основные принципы русского классического танца» (1948). [27] Это включает в себя описание того, когда следует преподавать технические компоненты студентам в их балетной карьере, как долго на них фокусироваться и правильное количество внимания на каждом этапе карьеры студента. Эти учебники продолжают оставаться чрезвычайно важными для обучения балету сегодня.
Метод подчеркивает развитие силы, гибкости и выносливости для правильного исполнения балета. Она придерживалась убеждения, что одинаковое значение следует придавать рукам и ногам во время исполнения балета, поскольку это принесет гармонию и большую выразительность всему телу в целом. [28]
Разработанный Энрико Чеккетти (1850–1928), этот метод известен во всем мире своей интенсивной опорой на понимание анатомии, поскольку она связана с классическим балетом. Цель этого метода — привить ученикам важные характеристики для исполнения балета, чтобы им не приходилось полагаться на подражание учителям. Важными компонентами этого метода являются акцент на балансе, возвышениях, баллоне , осанке и силе. [29]
Этот метод поддерживает важность признания того, что все части тела движутся вместе, чтобы создавать красивые, изящные линии, и как таковой предостерегает от того, чтобы думать о балете с точки зрения рук, ног, шеи и туловища как отдельных частей. Этот метод хорошо известен восемью port de bras, которые используются. [25]
Метод Бурнонвиля — датский метод, впервые разработанный Августом Бурнонвилем . Бурнонвиль находился под сильным влиянием раннего французского балетного метода из-за его обучения у своего отца, Антуана Бурнонвиля и других важных французских балетмейстеров. Этот метод имеет много отличий по стилю, которые отличают его от других балетных методов, преподаваемых сегодня. [30] Ключевым компонентом является использование диагональных épaulements, при котором верхняя часть тела обычно поворачивается к рабочей ноге. Этот метод также включает в себя очень простое использование рук, пируэты из низкой позиции développé в seconde и использование пятой позиции bras en bas для начала и конца движений.
Метод Бурнонвиля создает танцоров, обладающих прекрасным воздушным шаром («иллюзия невесомой легкости» [31] ).
_exams_held_in_Brisbane_and_Toowoomba,_1938_(7946600826).jpg/1280px-Young_girls_competing_at_the_Royal_Academy_of_Dancing_(London)_exams_held_in_Brisbane_and_Toowoomba,_1938_(7946600826).jpg)
Метод Королевской академии танца , также называемый английским стилем балета, был создан в 1920 году Джени, Карсавиной, Беделлсом, Э. Эспиносой и Ричардсоном. Цель этого метода — содействовать академическому обучению классическому балету по всей Великобритании. Этот стиль также распространился в Соединенных Штатах и широко используется до сих пор. Существуют определенные уровни классов, которые должен пройти ученик, чтобы завершить обучение по этому методу. [32] [33] Ключевой принцип этого метода обучения заключается в том, что базовая техника балета должна преподаваться в медленном темпе, с прогрессированием сложности часто гораздо медленнее, чем в остальных методах. Идея заключается в том, что если ученик должен приложить большие усилия для совершенствования основных шагов, техника, изученная в этих шагах, позволяет ученику использовать более сложные в гораздо более легком темпе. [25]
Разработан Джорджем Баланчиным в New York City Ballet . Его метод во многом опирается на его собственное обучение в качестве танцора в России. Техника известна чрезвычайной скоростью во время выступлений, акцентом на линиях и глубокими плие. Возможно, одним из самых известных отличий этого стиля является нетрадиционное положение тела. [25] Танцоры этого стиля часто имеют согнутые руки и даже ноги и находятся в неравновесных положениях. Важными балетными студиями, обучающими этому методу, являются Miami City Ballet , Ballet Chicago Studio company и School of American Ballet в Нью-Йорке. [34]
Балетные костюмы играют важную роль в балетном сообществе. Они часто являются единственным выживанием постановки, представляя живую воображаемую картину сцены. [35]
Корни балета уходят в эпоху Возрождения во Франции и Италии, когда придворная одежда стала началом балетных костюмов. Балетные костюмы появились в начале 15 века. Хлопок и шелк смешивали со льном, сплетая в полупрозрачную марлю [35] для создания изысканных балетных костюмов.
В XVII веке использовались различные типы тканей и дизайнов, чтобы сделать костюмы более эффектными и привлекающими внимание. Придворное платье все еще оставалось для женщин в этом столетии. Шелк, атлас и ткани, расшитые настоящим золотом и драгоценными камнями, повысили уровень эффектного декора, связанного с балетными костюмами. [35] Женские костюмы также состояли из тяжелой одежды и юбок длиной до колен, что затрудняло для них создание большого количества движений и жестов.
В XVIII веке сценические костюмы все еще были очень похожи на придворные, но со временем претерпели изменения, в основном благодаря французскому танцору и балетмейстеру Жану-Жоржу Новерру (1727–1810), чьи предложения по модернизации балета содержатся в его революционном произведении Lettres sur la danse et les ballets (1760). Книга Новерра изменила акцент в постановке, перенеся его с костюмов на физические движения и эмоции танцоров.
Европейский балет был сосредоточен в Парижской опере . [35] В эту эпоху юбки были подняты на несколько дюймов от пола. Цветы, оборки, ленты и кружева подчеркивали этот роскошный женственный стиль, поскольку мягкие пастельные тона в лимонном, персиковом, розовом и фисташковом цветах доминировали в цветовой гамме. [35]
В начале 19 века использовались облегающие костюмы, цветочные короны, корсажи и драгоценности. Идеалы романтизма отражались в женских движениях. [35]
Костюмы стали намного теснее, когда начали использоваться корсеты, чтобы подчеркнуть изгибы балерины. Драгоценности и ослепительные костюмы стали намного популярнее.
В 20 веке балетные костюмы вернулись к влиянию русского балета. Юбки балерин стали пачками длиной до колена, позже, чтобы продемонстрировать их точную работу на пуантах. Цвета, используемые в сценических костюмах, также стали намного более яркими. Дизайнеры использовали такие цвета, как красный, оранжевый, желтый и т. д., чтобы создать визуальное выражение, когда артисты балета выступают на сцене.
Профессиональные танцоры, как правило, не получают высокую зарплату и зарабатывают меньше, чем типичный работник. [36] По состоянию на 2020 год американские танцоры (включая балет и другие танцевальные направления) получали в среднем 19 долларов США в час, причем зарплата у преподавателей была несколько выше, чем у исполнителей. [36]
Перспективы трудоустройства невелики, а конкуренция за получение работы высока, при этом количество претендентов значительно превышает количество вакансий. [36] Большинство рабочих мест связано с преподаванием в частных танцевальных школах . [36]
Хореографам платят больше, чем танцорам. [36] Музыкантам и певцам платят больше в час, чем танцорам или хореографам, около 30 долларов США в час; однако работа на полный рабочий день для музыкантов необычна. [37]
Балерины-подростки склонны к стрессовым переломам первого ребра . [38] Синдром заднего импинджмента голеностопного сустава (PAIS) чаще всего поражает людей, которые выполняют повторяющиеся подошвенные сгибания , например, балерин. [39] Расстройства пищевого поведения считаются распространенным явлением, и метаанализ 2014 года показывает, что исследования действительно указывают на то, что балерины подвергаются более высокому риску, чем население в целом, по нескольким видам расстройств пищевого поведения. [40] Кроме того, некоторые исследователи отметили, что интенсивные тренировки в балете приводят к снижению минеральной плотности костей в руках. [41]
Большая часть балетной хореографии написана таким образом, что ее может исполнить только относительно молодой танцор. [42] Структура балета, в которой (обычно) мужчина-хореограф или режиссер использует (в основном) женские тела для выражения своего художественного видения, была подвергнута критике как наносящая вред женщинам. [ кем? ] [43]
Именно из этого учреждения, а не из Королевской академии танца, произошел французский балет.
