Драма — особый вид художественного произведения , представленного в спектакле : пьесе , опере , пантомиме , балете и т. д., исполняемом в театре , по радио или телевидению . [1] Рассматриваемый как жанр поэзии в целом, драматический модус противопоставляется эпическому и лирическому модусам со времен «Поэтики » Аристотеля ( ок . 335 г. до н.э. ) — самой ранней работы по теории драматургии . [2]
Термин «драма» происходит от греческого слова, означающего «поступок» или « поступок » ( классический греческий : δρᾶμα , драма ), которое происходит от слова «я делаю» ( классический греческий : δράω , dráō ). Две маски , связанные с драмой, представляют собой традиционное родовое разделение между комедией и трагедией .
В английском языке (как и во многих других европейских языках) слово « игра » или «игра » (перевод англосаксонского pleġan или латинского ludus ) было стандартным термином для обозначения драм до времен Уильяма Шекспира – точно так же, как его создателем был драматург , а не драматург , а здание было скорее театром , чем театром . [3]
Использование слова «драма» в более узком смысле для обозначения определенного типа пьесы относится к современной эпохе. «Драма» в этом смысле относится к пьесе, которая не является ни комедией, ни трагедией, например, « Тереза Ракен» Золя (1873) или « Иванов » Чехова (1887). Именно в этом более узком смысле кино- и телеиндустрия , а также киноведение , стали описывать « драму » как жанр в своих средствах массовой информации. Термин « радиодрама » использовался в обоих смыслах — первоначально он транслировался в живом исполнении. Его также можно использовать для обозначения более высокомерного и серьезного конца драматической продукции радио . [4]
Разыгрывание драмы в театре , исполняемой актерами на сцене перед публикой , предполагает совместные способы производства и коллективную форму восприятия. Структура драматических текстов , в отличие от других видов литературы , находится под прямым влиянием этого совместного производства и коллективного приема. [5]
Мим – это форма драмы, в которой действие истории рассказывается только посредством движения тела. Драма может сочетаться с музыкой : драматический текст в опере обычно поется повсюду; что касается некоторых балетов, танец «выражает или имитирует эмоции, характер и повествовательное действие». [6] Мюзиклы включают как разговорные диалоги , так и песни ; а в некоторых формах драмы есть музыкальное сопровождение или музыкальное сопровождение, подчеркивающее диалог ( например, мелодрама и японское Но ). [7] Закрытая драма – это форма, предназначенная для чтения, а не для исполнения. [8] В импровизации драма не предшествует моменту представления; исполнители спонтанно придумывают драматический сценарий перед публикой. [9]
Западная драма берет свое начало в классической Греции . [10] Театральная культура города -государства Афин породила три жанра драмы: трагедию , комедию и сатировскую пьесу . Их происхождение остается неясным, хотя к V веку до нашей эры они были официально закреплены в соревнованиях , проводимых в рамках праздников в честь бога Диониса . [11] Историкам известны имена многих древнегреческих драматургов, и не в последнюю очередь Теспида , которому приписывают новаторство актера (« лицемита »), который говорит (а не поет) и изображает персонажа (а не говорит от своего лица). ), при взаимодействии с хором и его руководителем (« корифеем »), которые были традиционной частью исполнения недраматической поэзии ( дифирамбической , лирической и эпической ). [12]
Однако до наших дней сохранилась лишь небольшая часть произведений пяти драматургов: мы имеем небольшое количество полных текстов трагиков Эсхила , Софокла и Еврипида , а также комиков Аристофана и, с конца IV века, Менандра . . [13] Историческая трагедия Эсхила « Персы» — старейшая из сохранившихся драм, хотя, когда она получила первую премию на конкурсе Города Дионисия в 472 г. до н. э., он писал пьесы уже более 25 лет. [14] Соревнование (« агон ») трагедий, возможно, началось еще в 534 г. до н. э.; официальные записи (« дидаскалиай ») начинаются с 501 г. до н. э., когда была введена пьеса сатиров . [15] Трагические драматурги должны были представить тетралогию пьес (хотя отдельные произведения не обязательно были связаны сюжетом или темой), которая обычно состояла из трех трагедий и одной сатирской пьесы (хотя были и исключения, как в случае с « Алкестидой » Еврипида в 438 г. до н. э.). Комедия была официально отмечена премией на состязании с 487 по 486 год до нашей эры.
Пять комических драматургов соревновались в Городе Дионисии (хотя во время Пелопоннесской войны их количество могло быть сокращено до трех), каждый из которых предлагал одну комедию. [16] Древнегреческую комедию традиционно делят на «старую комедию» (5 век до н.э.), «среднюю комедию» (4 век до н.э.) и «новую комедию» (конец 4-го века до 2-го века до н.э.). [17]
После расширения Римской республики (527–509 гг. до н. э.) на несколько греческих территорий между 270 и 240 гг. до н. э. Рим столкнулся с греческой драмой . [18] В последние годы республики и посредством Римской империи (27 г. до н.э. – 476 г. н.э.) театр распространился на запад по Европе, вокруг Средиземноморья и достиг Англии; Римский театр был более разнообразным, обширным и сложным, чем театр любой другой культуры до него. [19]
Хотя греческая драматургия продолжала исполняться на протяжении всего римского периода, 240 год до н. э. знаменует собой начало регулярной римской драмы . [20] Однако с самого начала империи интерес к полнометражным драмам снизился в пользу более широкого спектра театральных развлечений. [21] Первыми важными произведениями римской литературы были трагедии и комедии , которые Ливий Андроник написал с 240 г. до н.э. [22] Пять лет спустя Гней Невий также начал писать драму. [22] Ни одна пьеса ни одного писателя не сохранилась. Хотя оба драматурга писали в обоих жанрах , Андроник больше всего ценился за свои трагедии, а Невий - за комедии; их преемники имели тенденцию специализироваться на том или другом, что привело к разделению дальнейшего развития каждого вида драмы. [22]
К началу II века до нашей эры в Риме прочно утвердилась драматургия и образовалась гильдия писателей ( collegium poetarum ). [23] Все римские комедии, которые сохранились, представляют собой fabula palliata (комедии на греческие сюжеты) и созданы двумя драматургами: Титом Макцием Плавтом (Плавтом) и Публием Терентием Афером (Теренцией). [24] Римские комические драматурги, перерабатывая греческие оригиналы, упразднили роль хора в делении драмы на эпизоды и ввели музыкальное сопровождение ее диалогов (от одной трети диалога в комедиях Плавта до двух- трети у Теренция). [25] Действие всех сцен происходит на внешней стороне улицы, и его осложнения часто возникают из-за подслушивания . [25]
Плавт, более популярный из них, писал между 205 и 184 годами до нашей эры, и сохранилось двадцать его комедий, из которых наиболее известны его фарсы ; им восхищались остроумие его диалогов и использование разнообразных поэтических размеров . [26] Все шесть комедий, написанных Теренцией между 166 и 160 годами до нашей эры, сохранились; сложность его сюжетов, в которых он часто объединял несколько греческих оригиналов, иногда осуждалась, но его двойные сюжеты позволяли изощренно представить контрастное человеческое поведение. [26] Ни одна ранняя римская трагедия не сохранилась, хотя в свое время она высоко ценилась; историкам известны три ранних трагика — Квинт Энний , Марк Пакувий и Луций Аций . [25]
Со времен империи сохранилось творчество двух трагиков — одного неизвестного автора, а другого — философа-стоика Сенеки . [27] Сохранились девять трагедий Сенеки, все из которых представляют собой fabula crepidata (трагедии, адаптированные из греческих оригиналов); его «Федра» , например, была основана на «Ипполите » Еврипида . [28] Историки не знают, кто написал единственный дошедший до нас образец fabula praetexta (трагедий, основанных на римских сюжетах), «Октавия» , но в прежние времена его ошибочно приписывали Сенеке из-за его появления в качестве персонажа трагедии . [27]
Начиная с раннего средневековья , церкви устраивали театрализованные версии библейских событий, известные как литургические драмы , чтобы оживить ежегодные торжества. [29] Самый ранний пример — пасхальный образ «Кого ты ищешь?» (Кем-Кверитис) ( ок. 925 ). [30] Две группы отзывчиво пели на латыни , хотя никакого подражания персонажам не было. К 11 веку он распространился по Европе в Россию , Скандинавию и Италию ; за исключением Испании исламской эпохи .
В X веке Хросвита написал шесть пьес на латыни по образцу комедий Теренция , но в которых затрагивались религиозные темы. [31] Ее пьесы — первые известные произведения, написанные женщиной-драматургом, и первая известная западная драма постклассической эпохи. [31] Позже Хильдегард Бингенская написала музыкальную драму «Ordo Virtutum» ( ок. 1155 ). [31]
Одной из самых известных из ранних светских пьес является куртуазная пастораль «Робин и Марион» , написанная в 13 веке на французском языке Адамом де ла Галем . [32] «Интерлюдия студента и девушки» ( ок. 1300 г. ), одна из самых ранних известных на английском языке, кажется, наиболее близка по тону и форме к современным французским фарсам , таким как «Мальчик и слепой» . [33]
Многие пьесы сохранились во Франции и Германии в эпоху позднего средневековья , когда тот или иной тип религиозной драмы разыгрывался почти в каждой европейской стране. Многие из этих пьес содержали комедию , чертей , злодеев и клоунов . [34] В Англии торговые гильдии начали ставить народные « мистерические пьесы », которые состояли из длинных циклов множества пьес или «конкурсов», из которых сохранились четыре : Йорк ( 48 пьес), Честер (24), Уэйкфилд ( 32) и так называемый « N-Town » (42). «Вторая пьеса пастухов» из цикла «Уэйкфилд» — фарсовая история об украденной овце, которую ее главный герой Мак пытается выдать за своего новорожденного ребенка, спящего в кроватке; оно кончается, когда на Рождество Иисуса вызывают пастырей, у которых он украл . [35]
Моральные пьесы (современный термин) возникли как отдельная драматическая форма около 1400 года и процветали в раннюю елизаветинскую эпоху в Англии. Персонажи часто использовались для представления различных этических идеалов. Обыватель , например, включает в себя такие фигуры, как Добрые дела, Знания и Сила, и эта характеристика усиливает для зрителя конфликт между добром и злом. Замок Настойчивости ( ок. 1400–1425 ) изображает путь архетипической фигуры от рождения до смерти. Хорест ( ок. 1567 ), поздняя «гибридная мораль» и один из самых ранних примеров английской пьесы о мести , объединяет классическую историю Ореста с пороком из средневековой аллегорической традиции, чередуя комические, фарсовые сцены с серьезными, трагическими. те. [36] Также важным в этот период были народные драмы « Игры ряженых» , исполнявшиеся во время рождественского сезона. Придворные маски были особенно популярны во времена правления Генриха VIII . [37]
Один из величайших расцветов драматургии в Англии пришелся на XVI и XVII века. Многие из этих пьес были написаны в стихах, особенно пятистопным ямбом . Помимо Шекспира, выдающимися драматургами этого периода были такие авторы, как Кристофер Марлоу , Томас Миддлтон и Бен Джонсон . Как и в средневековый период , исторические пьесы прославляли жизнь прошлых королей, усиливая имидж монархии Тюдоров . Авторы этого периода черпали некоторые из своих сюжетных линий из греческой мифологии и римской мифологии или из пьес выдающихся римских драматургов, таких как Плавт и Теренций .
Реставрационная комедия — это английские комедии, написанные и исполненные в Англии в период Реставрации с 1660 по 1710 год. Комедия нравов используется как синоним Реставрационной комедии. [38] После того, как публичный театр был запрещен пуританским режимом, повторное открытие театров в 1660 году с Реставрацией Карла II ознаменовало возрождение английской драмы . [39] Реставрационная комедия известна своей сексуальной откровенностью, вежливостью, космополитическим остроумием , актуальной тематикой, а также многолюдными и шумными сюжетами. Его драматурги свободно воровали у современной французской и испанской сцены, из английских пьес Якобина и Каролины и даже из греческих и римских классических комедий, авантюрно комбинируя различные сюжетные линии. Возникающие в результате различия в тонах в одной пьесе были оценены, а не осуждены, поскольку публика ценила «разнообразие» как внутри, так и между пьесами. Реставрационная комедия дважды достигла своего пика. Жанр достиг впечатляющей зрелости в середине 1670-х годов с феерией аристократических комедий. За этим коротким золотым веком последовали двадцать неурожайных лет, хотя достижение первой профессиональной женщины-драматурга Афры Бен в 1680-х годах является важным исключением. В середине 1690-х годов возник второй краткий Реставрационный комедийный ренессанс, ориентированный на более широкую аудиторию. Комедии золотого пика 1670-х и 1690-х годов существенно отличаются друг от друга.
Десентиментальные или «жесткие» комедии Джона Драйдена , Уильяма Уичерли и Джорджа Этериджа отражали атмосферу при дворе и откровенно прославляли аристократический мачо- образ жизни, полный непрекращающихся сексуальных интриг и завоеваний. Граф Рочестер , реальный повеса эпохи Реставрации, придворный и поэт, лестно изображен в романе Этериджа « Человек моды» (1676) как буйный, остроумный, интеллектуальный и сексуально неотразимый аристократ, образец для представления потомков об гламурном повесе эпохи Реставрации . (на самом деле это никогда не был очень распространенный персонаж в комедиях Реставрации). Единственная пьеса, которая больше всего поддерживает обвинения в непристойности , выдвигаемые тогда и сейчас в отношении комедии Реставрации, - это, вероятно, шедевр Уичерли « Деревенская жена» (1675), название которой содержит непристойный каламбур , а пресловутая «китайская сцена» представляет собой серию устойчивых двусмысленностей. . [40]
Во время второй волны комедии Реставрации в 1690-х годах «более мягкие» комедии Уильяма Конгрива и Джона Ванбру были призваны привлечь более социально разнообразную аудиторию с сильным элементом среднего класса, а также женщин-зрительниц. Комический фокус смещается от молодых влюбленных, перехитривших старшее поколение, к перипетиям супружеских отношений. В «Любви за любовь» Конгрива (1695) и «Пути мира» (1700) взаимные уступки пар, проверяющих свою привлекательность друг для друга, мутировали в остроумные брачные дебаты накануне свадьбы, как в романе Конгрива. знаменитая сцена «Оговорка». В фильме Ванбру «Спровоцированная жена» (1697) есть легкие прикосновения и более человечно узнаваемые персонажи, а в «Рецидиве » (1696) восхищаются своим одноразовым остроумием и характеристикой лорда Фопингтона, экстравагантного и наигранного бурлескового пижона с темной стороной. [41] Терпимость к комедии Реставрации даже в ее измененной форме иссякла к концу 17 века, поскольку общественное мнение обратилось к респектабельности и серьезности даже быстрее, чем драматурги. [42] На долгожданной звездной премьере в 1700 году «Пути мира» , первой комедии Конгрива за пять лет, публика проявила лишь умеренный энтузиазм по поводу этой тонкой и почти меланхолической работы. На смену комедии секса и остроумия пришла сентиментальная комедия и драма образцовой морали.
Ключевой и новаторский вклад норвежского драматурга XIX века Хенрика Ибсена и немецкого театрального деятеля XX века Бертольта Брехта доминирует в современной драматургии; каждый из них вдохновил традицию подражателей, в число которых входят многие из величайших драматургов современности. [43] Произведения обоих драматургов, по-своему, являются одновременно модернистскими и реалистическими , включая формальные эксперименты , метатеатральность и социальную критику . [44] С точки зрения традиционного теоретического дискурса жанра, работа Ибсена была описана как кульминация « либеральной трагедии », в то время как работа Брехта была связана с историзированной комедией. [45]
Среди других важных драматургов современной эпохи — Антонен Арто , Август Стриндберг , Антон Чехов , Франк Ведекинд , Морис Метерлинк , Федерико Гарсиа Лорка , Юджин О'Нил , Луиджи Пиранделло , Джордж Бернард Шоу , Эрнст Толлер , Владимир Маяковский , Артур Миллер , Теннесси Уильямс . , Жан Жене , Эжен Ионеско , Сэмюэл Беккет , Гарольд Пинтер , Фридрих Дюрренматт , Дарио Фо , Хайнер Мюллер и Кэрил Черчилль .
Западная опера — форма драматического искусства, возникшая в эпоху Возрождения [46] в попытке возродить классическую греческую драму , в которой сочетались диалог, танец и песня. Будучи тесно переплетенной с западной классической музыкой , опера претерпела огромные изменения за последние четыре столетия и по сей день является важной формой театра. Обращает на себя внимание большое влияние немецкого композитора XIX века Рихарда Вагнера на оперную традицию. По его мнению, в операх его времени не было должного баланса между музыкой и театром, поскольку музыка казалась в этих произведениях более важной, чем драматический аспект. Чтобы восстановить связь с классической драмой, он полностью обновил оперную форму, подчеркнув равное значение музыки и драмы в произведениях, которые он назвал « музыкальными драмами ».
Китайская опера в течение более длительного периода времени развивалась более консервативно.
Пантомима (неофициально «панто») [47] — это разновидность музыкальной комедийной постановки, предназначенная для семейного развлечения. Он был разработан в Англии и до сих пор исполняется по всей Великобритании, обычно в период Рождества и Нового года и, в меньшей степени, в других англоязычных странах. Современная пантомима включает в себя песни, шутки, фарс и танцы, использует актеров разных полов и сочетает в себе актуальный юмор с историей, основанной на известной сказке, басне или народной сказке . [48] [49] Это совместная форма театра, в которой зрители должны подпевать определенным частям музыки и выкрикивать фразы исполнителям.
Эти истории следуют традициям басен и народных сказок . Обычно урок извлекается, и с некоторой помощью зрителей герой/героиня спасает положение. В пьесах этого типа используются стандартные персонажи, которые можно увидеть в масках и комедии дель арте , в число этих персонажей входят злодей (доктор), клоун/слуга (Арлекино/Арлекин/пуговицы), любовники и т. д. В этих пьесах обычно упор делается на мораль. дилеммы , а добро всегда побеждает зло, такая игра также очень интересна, что делает ее очень эффективным способом охвата многих людей.
Пантомима имеет долгую театральную историю в западной культуре, восходящую к классическому театру. Частично он развился из итальянской традиции комедии дель арте 16-го века , а также других европейских и британских сценических традиций, таких как маски и мюзик-холл 17-го века . [48] Важной частью пантомимы до конца 19 века была арлекинада . [50] За пределами Великобритании слово «пантомима» обычно используется для обозначения мимики , а не обсуждаемой здесь театральной формы. [51]
Мим – это театральное средство, в котором действие истории рассказывается посредством движения тела без использования речи. Исполнение пантомимы возникло в Древней Греции , и это слово взято от имени одного танцора в маске по имени Пантомимус , хотя их выступления не обязательно были немыми. [52] В средневековой Европе развивались ранние формы пантомимы, такие как ряженые пьесы и более поздние немые шоу . В Париже начала девятнадцатого века Жан-Гаспар Дебюро закрепил многие атрибуты, которые мы узнали в наше время, включая молчаливую фигуру с белым лицом. [53]
Жак Копо , находившийся под сильным влиянием комедии дель арте и японского театра Но , использовал маски при обучении своих актеров. Этьен Декру , его ученик, находился под сильным влиянием этого и начал исследовать и развивать возможности пантомимы и утонченной телесной пантомимы в высокоскульптурную форму, выводя ее за рамки натурализма . Жак Лекок своими методами обучения внес значительный вклад в развитие пантомимы и физического театра . [54]
В то время как в некоторых балетах делается упор на «линии и модели движений», драматический танец «выражает или имитирует эмоции, характер и повествовательное действие». [6] Такие балеты представляют собой театральные произведения, в которых есть персонажи и которые «рассказывают историю», [55] Танцевальные движения в балете «часто тесно связаны с повседневными формами физического выражения, [так что] почти всем присуще выразительное качество. танцы», и это используется для передачи как действия, так и эмоций; Мим также используется. [55] Примеры включают « Лебединое озеро » Петра Ильича Чайковского , в котором рассказывается история Одетты, принцессы, превращенной в лебедя проклятием злого колдуна, балет Сергея Прокофьева «Ромео и Джульетта» , основанный на знаменитой пьесе Шекспира, и Игорь Стравинский . « Петрушка» , рассказывающая историю любви и ревности трех кукол.
Творческая драматургия включает в себя драматические действия и игры, используемые преимущественно в образовательных учреждениях с детьми. Его корни в Соединенных Штатах начались в начале 1900-х годов. Уинифред Уорд считается основоположницей творческой драмы в образовании, основавшей первое академическое использование драмы в Эванстоне, штат Иллинойс. [56]
Самой ранней формой индийской драмы была санскритская драма . [57] Между 1-м веком нашей эры и 10-м был период относительного мира в истории Индии , в течение которого были написаны сотни пьес. [58] С исламскими завоеваниями , которые начались в 10 и 11 веках, театр был обескуражен или полностью запрещен. [59] Позже, в попытке вновь утвердить ценности и идеи коренных народов, деревенский театр поощрялся по всему субконтиненту, развиваясь на различных региональных языках с 15 по 19 века. [60] Движение Бхакти оказало влияние на выступления в нескольких регионах. Помимо региональных языков, в Ассаме наблюдался рост вайшнавской драмы на искусственно смешанном литературном языке под названием Браджавали . [61] Особая форма одноактных пьес под названием Анкиа Наат развилась в произведениях Санкардева , [62] особое представление которых называется Бхаона . [63] Современный индийский театр развивался в период колониального правления Британской империи , с середины 19 века до середины 20 века. [64]
Самые ранние сохранившиеся фрагменты санскритской драмы датируются I веком нашей эры. [65] Богатство археологических свидетельств более ранних периодов не дает никаких указаний на существование традиции театра. [66] Древние Веды ( гимны между 1500 и 1000 гг. до н.э., которые являются одними из самых ранних образцов литературы в мире) не содержат ни малейшего намека на это (хотя небольшое их количество составлено в форме диалога ), а ритуалы Ведического этот период, похоже, не перерос в театр. [66] « Махабхашья » Патанджали содержит самое раннее упоминание о том, что, возможно , было зародышем санскритской драмы. [67] Этот трактат по грамматике , датируемый 140 г. до н.э., дает возможную дату возникновения театра в Индии . [67]
Основным источником свидетельств существования санскритского театра является «Трактат о театре» ( Натьяшастра ), сборник, дата составления которого неизвестна (по оценкам, от 200 г. до н.э. до 200 г. н.э.) и чье авторство приписывается Бхарате Муни . «Трактат » — наиболее полное произведение драматургии древнего мира. В нем рассматриваются актерское мастерство , танец , музыка , драматическое построение , архитектура, костюмы , грим , реквизит , организация трупп, публика, конкурсы, а также предлагается мифологическое объяснение происхождения театра. [67]
Его драматургия считается высшим достижением санскритской литературы . [68] В нем использовались стандартные персонажи , такие как герой ( наяка ), героиня ( найика ) или клоун ( видусака ). Актеры могут специализироваться на определенном типе. Ему покровительствовали короли, а также деревенские собрания. Известные ранние драматурги включают Бхасу , Калидасу (известного «Викрамой и Урваши» , « Малавикой и Агнимитрой» , а также «Признанием Шакунталы» ), Шудраку (известного «Маленькой глиняной тележкой »), Ашвагхошу , Дандина и императора Харшу (известного благодаря Нагананде , Ратнавали и Приядаршика ). Сакунтала (в английском переводе) оказала влияние на « Фауста» Гете (1808–1832). [68]
В Индии сложилась особая форма театра, где вся съемочная группа путешествует, ставя спектакли с места на место, с самодельными сценами и оборудованием, особенно в восточных частях страны. Джатра ( по-бенгальски означает «путешествие»), берущая свое начало в вайшнавском движении Чайтаньи Махапрабху в Бенгалии , представляет собой традицию, которая следует этому формату. [69] Вайшнавские игры в соседнем штате Ассам, пионером которых был Шриманта Шанкардева , принимают формы Анкиа Наат и Бхаона . Это, наряду с западными влияниями, вдохновило развитие современного мобильного театра, известного на ассамском языке как Бхрамьоман , в Ассаме. [70] Современный Бхрамьоман ставит все, от индуистской мифологии до адаптаций западной классики и голливудских фильмов , [71] и использует современные методы, такие как живые визуальные эффекты. [ нужна цитата ] Ассамский мобильный театр оценивается в индустрию стоимостью в сто миллионов долларов. [72] Автономный характер «Бхрамьомана», когда все оборудование и даже сцена переносятся самим отрядом, позволяет устраивать шоу даже в отдаленных деревнях, обеспечивая более широкий охват. [ нужна цитата ] Пионеры этой отрасли включают Ачьют Лахкар и Браджанатх Сарма .
Рабиндранат Тагор был новаторским современным драматургом, написавшим пьесы, известные своим исследованием и сомнением в вопросах национализма, идентичности, спиритуализма и материальной жадности. [73] Его пьесы написаны на бенгали и включают «Читру» ( Читрангада , 1892), «Король темной палаты» ( Раджа , 1910), «Почтовое отделение» ( Дакгар , 1913) и «Красный олеандр » ( Рактакараби , 1924). [73] Гириш Карнад — известный драматург, написавший ряд пьес, в которых используются история и мифология для критики и проблематизации идей и идеалов, имеющих современную актуальность. Многочисленные пьесы Карнада, такие как «Туглак» , «Хаявадана» , «Таледанда » и «Нага-Мандала» , являются значительным вкладом в индийскую драму. Виджай Тендулкар и Махеш Даттани — одни из крупнейших индийских драматургов ХХ века. Мохан Ракеш на хинди и датчанин Икбал на урду считаются архитекторами драмы нового века. «Аадхе Адхур» Мохана Ракеша и «Дара Шико » датского Икбала считаются современной классикой.
Китайский театр имеет долгую и сложную историю. Сегодня ее часто называют китайской оперой , хотя обычно это относится конкретно к популярной форме, известной как Пекинская опера и Куньцю ; в Китае было много других форм театра, таких как дзадзю .
Японская драма Но — это серьезная драматическая форма, сочетающая драму, музыку и танец в целостное эстетическое представление. Он сложился в 14-15 веках и имеет свои музыкальные инструменты и технику исполнения, которые часто передавались от отца к сыну. Исполнителями в основном были мужчины (как для мужских, так и для женских ролей), хотя женщины-любители также исполняют драмы Но. Драма Но поддерживалась правительством, и особенно военными: многие военачальники имели свои собственные труппы и иногда выступали сами. Его до сих пор исполняют в Японии. [74]
Кёген — комический аналог драмы Но. Он больше концентрируется на диалоге, а не на музыке, хотя инструменталисты Но иногда появляются и в Кёгене. Драма Кабуки , развивающаяся с 17 века, представляет собой еще одну комическую форму, включающую танец.
Современная театральная и музыкальная драма также получила развитие в Японии в таких формах, как сингэки и ревю Такарадзука .
